Desde la imagen romántica que todos tenemos, el taller del artista siempre ha sido ese lugar mágico, ese espacio para la creación que visitan las musas en el momento más inesperado. Pinturas sobre las paredes, esculturas que sirven como modelo, focos, paraguas y rollos de negativos, curiosear entre la bohemia…

Gracias a Open Studio, los más curiosos podrán adentrarse en los estudios de los artistas un año más, conocer de cerca a los autores y ver cómo crean sus obras en su espacio de trabajo. Si echais un vistazo a su web, podréis ver que la oferta en la capital madrileña es de lo más variada.

De este modo y más centrados en fotografía, hemos seleccionado una serie de actividades que harán las delicias de aquellos a los que disfrutan visitando estos espacios de creación. NOPHOTO, Ignacio Navas y Gerardo Costance serán los encargados de amenizar las rutas con sus propuestas.

NOPHOTO ofrecerá el viernes 24 de 11 a 15 y de 16 a 20h, actividades centradas en los libros y fotolibros españoles, así como conferencia, proyección y fiesta. Por otro lado, Ignacio Navas, el sábado 25 de 11 a 11:30h, hará un homenaje a “Los papis” de la historia de la fotografía poniendo en contexto a los jóvenes autores. Por último pero no menos importante, Gerardo Custance, de 14:15 a 15h explicará su proceso de trabajo centrado en la cámara de gran formato.

No perdais la oportunidad, este tipo de iniciativas son siempre enriquecedoras, os aconsejo planificar las rutas propuestas y no centraros sólo en fotografía sino aprovechar para ver otros estudios de artistas. Nunca se sabe en qué lugar nos puede venir la inspiración, aunque sea en el espacio de otro.

Más info | Open Studio
Foto | Gerardo Custance

De estas veces que matando el tiempo en internet ya de madrugada, se te cruza en el camino algo que no llega a ser espectacular, pero sin embargo te atrapa. Te atrapa porque en su sencillez radica su belleza, y su sutil movimiento te lleva a dejar clavados los ojos en el ordenador esperando que llegue un sonido que nunca llega.

Pero en tu cabeza se oye la noche, el viento que lleva copos de nieve en su regazo, los vapores del agua de un jacuzzi y las olas del mar frente a un árbol solitario. Son las imágenes con leves movimientos de la fotógrafa Cig Harvey, cuyo trabajo está púramente ligado a la fotografía conceptual contemporánea. Su manera de mirar el mundo está reglada bajo ese prisma de fotografías compositivamente perfectas, de colores colocados exáctamente en el lugar donde deben estar y de miradas perdidas en el vacío de un mundo, quizás, paralelo.

También sus trabajos están muy ligados al fotolibro, sobre “You look at me an emergency” la revista PDN Magazine dijo que era uno de los libros de fotografía más importantes publicados en 2012. Precisamente algunas de las fotografías que componen este trabajo son las que han cobrado vida mínimamente.

“Gardening at night” es otro de los trabajos del cual se han elegido fotografías para otorgarles movimiento. Pero si observamos esta serie, vemos que formalmente no tiene nada de peculiar respecto a la anterior. A pesar de ello, sigue ofreciéndonos imágenes impecables y más o menos potentes dependiendo también de quien las contemple.

Porque este de tipo de fotografía atrapa a quien deja dejarse atrapar. Quien se tira a la piscina de fotografías silenciosas, de fotogramas anclados en un tiempo infinito de ecos que no regresan, que quedan perdidos como la mirada de sus protagonistas, ensimismados, lejos de todo y cerca de nada. Frío. Nieve. Niebla. Aguas azules. Decorados asépticos. Lugares limbo.

Podéis dar un paseo por su página web y ver detenidamente las fotografías con esos sutiles movimientos, además de echar un vistazo a sus libros publicados y todas las imágenes de sus trabajos presentados hasta el momento. Relajadamente, como es su obra.

Fotógrafa | Cig Harvey

En el siglo XIX, a casi todos aquellos que tenían cierto nivel adquisitivo, les dio por explorar mundo. Lo exótico, lo oriental, las tierras lejanas. Sin embargo no fue el caso de Gustave le Gray, fotógrafo francés que abrió su propio estudio justo en el lugar de Rue des Capucines donde años más tarde lo abriría Nadar, dejó la fotografía de retrato para embarcarse en algo que le daría más oportunidades puesto que había perdido todo su dinero.

Se dedicó entonces a la fotografía de paisaje y fue con las imágenes marítimas cuando consiguió reconocimento. Así empezó a tomar tomas por separado del cielo y del mar para después encajarlas de tal modo que la copia final quedaba perfectamente contrastada. Su investigación fue más allá hasta conseguir que ambos elementos quedasen bien impregnados en una sola toma, por lo cual al obtenerlo, se le considera uno de los precursores de la instantánea fotográfica.

En su “Tratado práctico de la fotografía”, propuso el uso del colodión húmedo para papel negativo y fue cofundador de la Sociedad Heliográfica y de la Sociedad Francesa de Fotografía, por lo que su labor como fotógrafo podemos constatar, fue importante, por mucho que muriese pobre y anónimo en El Cairo.

¿Qué nos aporta Gustave le Gray?

Lo que nos interesa de su fotografía con la mirada puesta en el siglo XXI, es si le ha sentado bien el paso del tiempo. Si la pátina añeja nos ha dejado imágenes atractivas a día de hoy. Observando las instantáneas creadas en el mar podríamos decir que nos sigue atrayendo igual que lo hacen los cuadros de Turner, aunque en su redescubrimiento en 1960 fue considerado el Monet de la fotografía.

Si echamos un ojo a su fotografía tomada en Egipto, aquella donde aparecen los personajes junto a los monumentos del lugar, no dejan de ser unas tomas méramente documentales a día de hoy. Igual ocurre con sus tomas de paisajes, bien ejecutados pero que sólo nos sirven como documento histórico pasados los siglos.

No obstante, aunque redescubierto en el siglo XX, no podemos negar que trabajó en pro de la fotografía para que fuese considerada como una más dentro de las bellas artes y que, en cierto modo, encontró un hueco conociéndole en nuestros días por haber sido uno de los precursores de la imagen instantánea. Con ello ratificamos una vez más la importancia de buscar nuestra propia senda con la que destacar y no ser un clon dentro de los diferentes estilos. Os invito a ver sus imágenes del mar y a revisar algunas de sus fotografías en la galería que os muestro a continuación.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Reconozcámoslo, ser cocinillas está de moda. Admitámoslo, ser fotógrafo también. Si unimos ambas formas de expresión, porque lo son, nos encontramos con infinidad de blogs que apuntan directamente al amor entre estas dos disciplinas creativas.

Llevaba unos días queriendo hablar sobre este fenómeno cada vez más común, me refiero al de abrir un blog donde presentar recetas de cocina y donde lo interesante es ver la frescura de la fotografía, la cuidada presentación y la sutileza en muchos casos que da trabajar con luz natural. Con todo ello, me preguntaba si no se le está dando más importancia a la fotografía que al plato cocinado, puesto que la mayoría de las veces suelen ser de lo más sencillos.

Ojeando una revista hace un momento, experimentaba lo contrario. Las fotografías eran mediocres, no me incitaban a querer comer por la vista pero, sin embargo, las recetas sí se antojaban un poquito más complicadas de realizar. Al abrir esa primera hoja de la publicación es cuando he decidido desahogarme o, al menos, contar un poco lo que se está cociendo en la Red con el tema fotografía versus cocina.

Hablemos de modas

Recuerdo la fotografía, que aún se sigue haciendo, donde se presentan los platos de alta cocina. Fondos negros, formas de colores alimenticios cubriendo la superficie de presentación, minimalismo, toda una recreación escultórico-pictórica que por alguna razón siempre me ha causado sensación de rechazo. No me preguntéis porqué, es algo intrínseco en mí.

Ese tipo de fotografía se daba también en las de cocina tradicional, de algún u otro modo esa forma de presentar los platos se veía reflejada a la hora de fotografiar. Es entonces cuando en un momento determinado de la historia se cambió el chip, tampoco me preguntéis cuando porque fue un proceso de imitación de unos con otros y no tengo una fecha exacta.

Sólo sé que se empezó a cambiar la forma de fotografiar la cocina de estar por casa. Y digo la cocina de estar por casa porque la alta cocina aún sigue conservando una estética que sería complicada de plasmar con la moda actual, aunque los cánones, afortunadamente, están cambiando.

Lo natural es más sano

Fotografía de Directo al Paladar

¿Cuál es la tendencia actual? Pensando en la fotografía de alta cocina y la que se hacía para ilustrar también la cocina tradicional, más centrada en estudio, con focos y con fondo blanco o negro, de pronto se empezó a trabajar una manera de fotografiar más natural. No sé hasta qué punto Jamie Oliver y su fotógrafo David Loftus tuvieron algo que ver.

El cocinero inglés en sus programas de televisión salía a cocinar a la calle, en el campo, en situaciones donde la naturaleza y la luz del sol estaban muy presentes. Ello junto con el tipo de recetas, propiciaban composiciones muy distendidas, casi azarosas donde los alimentos se distribuían por el plato aleatoriamente pero visualmente muy atractivos para la vista y para las papilas gustativas.

Fenómeno que a la vez tuvo lugar en ese momento en que en fotografía se había vuelto a un revival por medio de filtros y situaciones retro, que de algún modo propició la apertura de blogs diseñados desde unos colores muy placenteros e imágenes sencillas y naturales.

Si os fijáis, por poner un ejemplo sin salir de casa, en Directo al paladar a lo largo del último año han ido cambiando en la forma de presentar las fotografías gracias a la incursión de la madera rústica como soporte para presentar los platos, unas vajillas y cubiertos retro, una iluminación no artificial y un mayor espacio para el azar en la disposición de los elementos aunque las composiciones estén bien trabajadas, lo que otorga naturalidad al conjunto.

Lo que todo ello ha propiciado

Volviendo al ejemplo de Jamie Oliver, en su caso gracias al canal de Youtube que creó hace unos meses, ha llevado a David Loftus a dar lecciones de fotografía culinaria para después presentar un concurso centrado no en la receta sino en la importancia de la imagen.

Este tipo de fotografía también ha propiciado la creación de revistas gourmet, como Cuquin, donde la imagen es muy importante y donde las autoras, en femenino, porque este tipo de fotos sí he visto que se practican más entre las mujeres, son en su mayoría blogueras fotógrafas con interés por la cocina.

Particularmente es un forma de fotografiar que me atrae, aunque como todas las modas, peque de convertir a los autores en autómatas donde no se les reconoce su sello como fotógrafos. Por ello, les insto a que dentro de estos parámetros de naturalidad en el contexto, pongan también de su parte para que por medio de algún recurso sean originales, si no, caerán en el vacío del microstock, como las fotografías de la entrevistada en Xataka Foto Nicole S. Young, técnicamente perfectas pero carentes de alma.

Foto | Directo al paladar

El 18 de mayo es el día internacional de los museos, por ello no podemos dejar de hablar de las exposiciones de fotografía en este mes de las flores. Lo vamos a hacer de una manera muy cinematográfica, ya que dos de las muestras nos transportan a actores de Hollywood, los cuales asoman la cabeza (o asomaron) al mundo fotográfico ya sea porque aparecieron delante o detrás de la cámara.

Para este recorrido haremos una gira de norte a sur a través de nuestra geografía cañí y en el camino nos dará a tiempo a parar en otras exposiciones de igual interés aunque menos cinéfilas. ¿Estáis listos? Comenzamos.

Primera parada en el camino de Dennis Hopper

Yo nací en Dodge City, Kansas, y en el fondo no soy más que un chico granjero de clase media. Estaba convencido de que la interpretación, la pintura, la música, la escritura, eran –todas ellas– partes del ser artista. Nunca las vi como algo separado.

El Museo Picasso de Málaga sigue apostando por la fotografía colgando en sus paredes el trabajo del actor y director Dennis Hopper. La muestra, que no sólo nos aporta 141 imágenes tomadas por el norteamericano, nos introduce además en el pop art con obras de Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg entre otros pintores, además de acercarnos al cine con varias piezas fílmicas y a la música. Con ello se pone de manifiesto la cita donde nos daba buena cuenta de su afán por ser un “hombre del Renacimiento” en el siglo XX.

Hasta el 29 de septiembre en el Museo Picasso de Málaga.

Parada en Málaga para contemplar a la mítica Marilyn Monroe

Comisariada por el que fue mi profesor de Crítica artística, Fernando Castro, esta exposición nos lleva a conocer la figura de la actriz norteamericana desde una perspectiva fotográfica. Con ello no sólo contemplaremos a Marilyn Monroe, sino que descubriremos el trabajo (que es lo que nos importa) de siete fotógrafos (Eve Arnold, Bruce Davidson, Elliot Erwin, Philippe Halsman, Erich Hartmann, Bob Henriques e Inge Morath) gracias a las 34 fotografías realizadas entre 1954 y 1960.

Un recorrido que nos hará conocer a la actriz más allá de su imagen de mito erótico y donde además podremos disfrutar del famoso “Diamonds are girl’s best friend” gracias a la proyección de la mítica escena en “Los caballeros las prefieren rubias”.

Hasta el 6 de julio en el Centro Cultural Bancaja de Valencia

Ortiz Echagüe en Barcelona

El que fuera el fundador de SEAT y que trabajó la fotografía como amateur, aunque se le reconoce como uno de nuestros fotógrafos más importantes de la primera mitad del siglo XX, Ortiz Echagüe, se presenta en el Museo Nacional de Arte de Cataluña para darnos buena cuenta de su hacer experimental en las imágenes que tomó durante su etapa vivida en El Rif.

Experimentación que llevó a cabo por medio del uso de la composición así como en la impresión de las copias con carbón directo sobre papel Fresson, lo que daba ese caracter pictórico muy entroncado a la tradición fotográfica del momento aunque su labor era púramente documental.

Hasta el 21 de julio en el MNAC

Anastasia Taylor en la Galería Cero

La fotógrafa Anastasia Taylor nos habla del “baby boom” acontecido en la región de Nagorno Karabakh para reflexionar sobre si esa medida es la más apropiada como mejora en la economía sin haber resuelto primeramente otros aspectos de vital importancia. Lo hace a través del reportaje documental donde nos presenta a la población en las situaciones que rodearon ese fenómeno. Bodas, embarazos, partos, escenas donde nos sentimos partícipes gracias a su mirada cercana.

Hasta el 31 de mayo en la Galería Cero de Madrid.

Patricio Abad en Pamplona

Como siempre, me gusta daros a conocer a fotógrafos menos conocidos y salas expositivas menos institucionales. Viajamos a Pamplona, que además creo es la primera vez que lo hacemos en este recorrido por las exposiciones, para presentar el trabajo de Patricio Abad en la galería Contraluz en colaboración con la Agrupación Fotográfica de Navarra.

Hasta el 18 de mayo en la Galería Contraluz

Fin del paseo

Espero que esta selección os sea de utilidad para aquellos a los que las muestras os queden cerca de casa. Al resto, no dudéis en comentar las exposiciones de vuestro interés para poder compartirlas con los demás lectores. Os esperamos el próximo mes ya entrados en el calorcito con muchas más actividades que esperemos sean el preludio de uno de nuestros festivales estrella, PHotoEspaña. Hasta entonces, feliz mes de mayo.

Antes de acostarme suelo echar un vistazo a la prensa, lo sé, voy al revés, eso debería hacerlo por las mañanas, pero es ese momento del día en el cual me relajo y estoy más receptiva a la hora de coger ideas. Por ello hace unas semanas me encontré con unas fotografías que me impactaron inmediatamente, había algo en ellas que, aunque resultándome familiares, me hicieron acercarme a su autor.

Por ello contacté con Satoki Nagata y le propuse una entrevista, sobre todo para que nos contase más sobre sus “Luces de Chicago”. Accedió muy amablemente siendo este el resultado de la charla donde nos habla de su trabajo, de las experiencias bonitas que le impulsan a seguir en ello y de cómo está abriéndose camino en el mundo del cine documental. No os lo perdáis.

Muchísimas gracias por la entrevista, Satoki. Para comenzar, nos gustaría saber cómo/dónde/cuándo empezaste a tomar fotografías.
Gracias a vosotros. Nací y crecí en Japón y empecé a tomar fotografías con la cámara de mi padre cuando estaba en el instituto. A él le gustaba la fotografía y ocasionalmente le tomaba prestada la cámara. Cuando me trasladé a EEUU en 1992, comencé a usar una cámara reflex y con ello a fotografiar a la gente y a la ciudad de Chicago.

Eres japonés y vives en Chicago. Tú trabajo principal es sobre la calle y la gente, ¿cómo de diferente es fotografiar ese tipo de imágenes en ambos lugares?
Realmente no fotografié muchas personas y calles cuando vivía en Japón. Empecé a hacer fotografía callejera cuando me trasladé a USA. Cuando volví a Japón hace unos años, no encontré mucha diferencia en la forma de fotografiar entre ambos países.

¿Por qué blanco y negro?
Me gusta la simplicidad, lo directo, la atemporalidad y la creatividad de las imágenes en blanco y negro. También creo que el blanco y negro era apropiado para mi visión al adentrarme en un simbolismo visual. Además encuentro el proceso de edición e impresión muy satisfactorio. Existe un proceso y un arte detrás de la edición e impresión de la fotografía digital en blanco y negro. He estado usando un sistema de tinta monocroma de carbono y sigo estando satisfecho con la calidad de las impresiones que produce.

Cuéntanos tus referencias en fotografía, los fotográfos que te inspiran.
Tengo un gran número de fotógrafos favoritos pero creo que no me influyeron o inspiraron directamente, porque reconozco que no podría tener la visión y el punto de vista de otro fotógrafo. Por ello me he concentrado en buscar mi propia voz dentro de mí mismo.
Mis fotógrafos predilectos son Diane Arbus, Nan Goldin, Eugene Richards, Bruce Davidson, Eugene Smith. Su trabajo muestra a la persona que hay detrás de la cámara que tiene una visión distinta, una personalidad, una vida y lo más importante, me gusta la intimidad que consigue con los sujetos retratados.

Tu fotografía a simple vista parece espontánea pero, ¿preparas las sesiones con antelación, buscas localizaciones…?
Sobre todo tomo fotografías en la ciudad de Chicago y he vivido aquí durante más de 15 años. La ciudad y la gente son cambiantes por lo que siempre encuentro algo nuevo que quiero fotografiar. Creo que mi capacidad visual o punto de vista también siguen evolucionando, así que es divertido trabajar en la misma ciudad.

Para nosotros tu trabajo más importante es “Luces de Chicago”, quizá porque tiene un punto de vista creativo que lo hace distinto dentro de la fotografía callejera. ¿Cómo empezaste este proyecto y cómo es ese proceso de creación de estas fascinantes imágenes?
He estado trabajando en varios proyectos documentales muy intensos por lo que a veces necesito un respiro y divertirme con la fotografía callejera. El invierno en Chicago es frío y oscuro por lo que decidí usar flash en las calles. Primero lo intenté con el flash en la cámara y también con el flash en mano, pero esas imágenes no eran emocionantes para mí. Quería hacer algo nuevo. Entonces decidí usar el flash remoto del mismo modo a como se hace en estudio. Aquello me permitió situar por detrás el flash al sujeto y tomar fotos con velocidad de obturación lenta, creando capas interesantes de imágenes.

Visualmente eran atractivas pero, al mismo tiempo y lo más interesante para mí como artista, usando ese efecto conseguía plasmar muy bien las sensaciones del invierno en Chicago. En este proyecto todos son personas anónimas y genuinas. Lo que sí decido es el lugar donde montar el stand con la disposición de las luces y cómo voy a hacer las tomas.

A veces, tomar fotografías en la calle es un tema delicado, ¿cuál es tu relación con las personas que fotografías? ¿Te has visto envuelto en algún problema?
En la fotografía de calle, es necesario tomar fotografías a extraños. Hay que superar el miedo a tomarles fotos si realmente queremos buenas instantáneas. Necesitamos recordar qué es lo que queremos hacer y ello es hacer buenas fotografías. Si el propósito es claro, no tendremos dificultades. Nunca he tenido ningún problema.

Cuéntanos sobre la experiencia más bonita tomando fotos
Aprecio mucho escuchar comentarios buenos sobre mis fotografías, así como que a veces inspiran la creatividad de otros. Recibí un mensaje de una actriz que se había inspirado en mi trabajo documental para llevar a cabo un papel. También recibí un email con archivos en mp3 de un compositor francés, una música preciosa. Recibir estos mensajes son las experiencias más bonitas que puedo experimentar gracias a este trabajo.

¿Qué hay de tus próximos proyectos?
Estoy planeando hacer un pequeño libro/slideshow/música para “Lights in Chicago” en mi próxima exposición que será en la Biblioteca Harol Washington, una de las más extensas en los Estados Unidos desde el 28 de junio al 23 de agosto de 2013.

Además, estoy inmerso en un proyecto documental sobre la comunidad negra de Chicago. Estoy haciendo la película, junto con la fotografía fija. La película no es un documental al uso, estará más enfocado artísticamente, más como una extensión de mi visión de la fotografía. Me siento muy afortunado de que varias personas con talento estén trabajando conmigo en este proyecto. La previa se podrá ver en junio de 2013, y la película será finalizada y dada a conocer en 2014. Al mismo tiempo, tengo la intención de publicar un libro para este proyecto.

Tú sueño como fotógrafo…
Quería hacer algo creativo en mi vida y lo encontré gracias a la fotografía. Estoy muy satisfecho de lo que estoy haciendo en este momento y espero seguir trabajando en el arte visual con fotografías y películas.

Ha sido un verdadero placer haber contado con Satoki Nagata. Le deseamos todo el éxito en esta faceta de cine documental, por lo que estaremos atentos a su lanzamiento. Al resto espero que os haya aportado, o mejor aún, contagiado su energía positiva y su buen hacer como fotógrafo. Visitad su web en busca de más luces, porque aunque sean de invierno, son de ese tipo de iluminaciones que dan calor al alma.

Fotógrafo | Satoki Nagata

Obvio que unas fotografías de conflicto bélico tienen siempre más oportunidades de ganar un premio que unas instantáneas de una manifestación en Sol, aún así es curioso como en los últimos tiempos, nuestros fotoperiodistas han sido galardonados con prestigiosos premios a raíz de trabajos realizados para otros medios fuera de nuestras fronteras.

Es el caso del último ganador del Pulitzer Manu Brabo, el cual según los medios no tuvo oportunidades como fotoperiodista en España más que fotografiando motocicletas y tuvo que emigrar. Por ello, y sin ánimo de que tengamos que entrar en guerra para conseguir buenas imágenes, esta semana nos preguntamos:

¿Qué hace falta para que nuestros fotoperiodistas triunfen trabajando en España?

Quedarme con un par me resulta dificilísimo, pero ahora me viene a la memoria el verano que pude disfrutar de las de José Benito Ruiz en Torrevieja: 100% Natural. Una exposición en plena calle. Fue ALUCINANTE.

En la lista aparecieron otros habituales como Chema Madoz, el cual es siempre recurrente en este tipo de encuestas.

Cerramos comentarios para que podamos abrir un mejor debate en la sección respuestas y os esperamos la próxima semana con otra pregunta. Sed buenos y pensad en aquello que puede darnos más oportunidad de trabajo en nuestro país sin tener que salir fuera, y que aún así se reconozca nuestro trabajo. Ahí lo dejo.

En Xataka Foto Respuestas | ¿Qué hace falta para que nuestros fotoperiodistas triunfen trabajando en España?
Foto | Miguel Durán

En la creatividad, a veces las ideas surgen de dos propósitos, que juntándolos, consiguen sacar proyectos adelante. Es el caso de Ana y Joan, dos intrépidos españoles que emprendieron un viaje a Asia para documentar la vida de otros.

Hemos tenido el lujo de charlar con ellos a través de una entrevista donde nos hablan de Buscando historias, un maravilloso trabajo con el que conocer otras culturas desde la propia experiencia de vida de los protagonistas de estas historias que Ana y Joan nos hacen llegar a través del documental, los artículos y las fotografías. Sé nos servirá para aprender muchas cosas dentro del mundo del periodismo y las comunicaciones por Internet, así que no os la perdáis.

Empecemos por el comienzo, ¿cómo surgió este maravilloso viaje? ¿qué os motivó para comenzar este proyecto?
Este proyecto nació en realidad como un viaje para ir a aprender inglés a Filipinas. En algún momento, cuando pensamos en comprar los billetes, decidimos ir antes a China y empezamos a contar historias tanto en China como en Filipinas.

Aunque la esencia del proyecto nació antes de conocernos, yo terminaba un máster de Historia del Mundo y Joan tenía la idea de hacer un documental que contara vidas alrededor del mundo, nos conocimos, y empezamos a pensar en cómo hacer el documental. Para tal emprendimiento queríamos mejorar nuestro nivel de inglés y así estar más preparados, pero no pudimos esperar y de una idea a la otra pensamos en crear un anteproyecto al documental que se ha llamado Buscando Historias.

Lo dejamos todo, nuestros trabajos, el piso de Madrid, y hemos invertido nuestros ahorros, contar las historias de otras personas es algo que nos apasiona. Y ahora hemos empezado una campaña de crowdfunding para poder hacer la segunda temporada en Tailandia, Birmania, y si nos llega el presupuesto, Camboya.

Enrique Meneses es todo un referente para los que nos dedicamos a la fotografía, ¿qué supuso para vosotros y sobre todo que aprendisteis gracias al documental que le dedicasteis?
La historia de Enrique es la más diferente de todas las que hemos hecho, sobre todo por el estilo, que es más de entrevista que un minidocumental. Cuando documentamos su historia Enrique apenas podía moverse y eso hizo difícil rodar cómo era un día de su vida, por lo que le dimos un enfoque distinto.

El motivo de hacer su historia es que los últimos días que estuvimos en Madrid le llamamos para ir a su casa a despedirnos y nos dijo por teléfono que no se encontraba muy bien, le habían encontrado un tercer cáncer y estaba dejando todo preparado para irse. Probablemente no le volveríamos a ver al regresar de Asia, y le propusimos que fuera nuestra primera historia.

Enrique Meneses

Nos pareció fascinante que a sus 83 años y en las condiciones en las que estaba, dedicara tiempo a compartir, enseñar y contar a los demás todo lo que ha aprendido con una mente lúcida y clara, y que utilizara las nuevas tecnologías como un nativo digital.

La entrevista con Enrique fue una conversación de 5 horas que quedó editada en un vídeo de 11 minutos, un artículo y un reportaje fotográfico. Enrique fue el primer atrevido en ponerse delante de la cámara, y la verdad es que nos dio algún escarmiento, nos decía que “nunca había trabajado así” porque estábamos haciendo cine y le estábamos pidiendo que sus respuestas fueran más breves para que pudieran aparecer en el vídeo. Y tenía razón, porque estamos haciendo minidocumentales.

A excepción de la historia de Meneses, China y Filipinas son los primeros y hasta ahora únicos países en vuestro recorrido. ¿Por qué tan lejos?
Empezar este proyecto en Asia fue prácticamente casualidad, aunque en realidad, en estos países podemos vivir con bajo presupuesto, algo que en Europa sería imposible.

La mayor dificultad para nosotros es el idioma para conseguir historias y hacer entrevistas, lo que muchas veces relentiza nuestro trabajo, porque no sólo tenemos que buscar una historia sino también un intérprete, e invertimos muchas horas en las traducciones.

China y Filipinas son dos países donde hay muchos contrastes, y China por ejemplo, está desarrollándose muy rápido, por lo que pensamos que puede resultar interesante mostrar sus formas de pensar y de vivir.

Por ahora seguiremos en Asia haciendo la segunda temporada y luchando para comunicarnos con la ayuda de un intérprete.

¿De qué manera habéis conseguido las entrevistas? Lo pregunto porque muchos de los entrevistados son autóctonos y nos gustaría saber cómo se hizo ese primer contacto para poder contar sus historias. Y después, ¿cómo las preparáis? Suponemos que al contactaros desde distintos puntos, vuestra vida es bastante itinerante y la organización debe ser importantísima.
La verdad es que es una organización improvisada, las historias las encontramos en el camino, pero al ser dos personas las decisiones del día a día las resolvemos de forma muy fácil.

Cuando llegamos a una ciudad empezamos siempre desde cero e intentamos hablar con la gente local para explicarles lo que hacemos, siempre pueden tener un amigo que pueda resultar interesante. También publicamos dónde estamos en nuestras redes sociales y muchas veces nos han llegado historias a través de Facebook o del formulario de la web.

El ritmo que hemos llevado la primera temporada ha sido agotador, cada semana hemos buscado una historia, viajado hasta ella, documentado, editado y publicado en menos de siete días, por lo que cuando hemos terminado una historia ya estábamos en la siguiente. La segunda temporada la vamos a empezar con algunas historias ya documentadas para no ir tan apretados de tiempo, y de hecho, ya tenemos la historia de un escalador y un médico chino de 91 años.

¿Qué habéis aprendido de todas esas historias? Tendréis muchísimas anécdotas, pero si podéis contarnos aquella que siempre recordáis…
Lo que hemos aprendido es que no somos tan diferentes y creemos que las doce historias que hemos documentado hasta ahora reflejan esta idea.

¿Una anécdota? En noviembre, en Shanghái, una china nos habló de un español que se ha hecho famoso en las redes sociales chinas. Y en marzo, caminando por Lijiang, en el otro extremo de China, vimos un anuncio de que un tal David tocaba en un bar. Y efectivamente era él, David estudió la carrera de medicina en España y se fue a China a trabajar en medicina occidental y aprender mandarín, pero empezó a cantar canciones de artistas chinos en las calles para practicar el idioma y se ha hecho muy conocido.

Unos días después de conocerle, nos propusieron la historia de un médico chino, y David fue nuestro traductor, porque no sólo sabe mandarín, sino que también es médico. La casualidad hizo que nos conociéramos cuando nos habían hablado de él meses atrás, y además, nos ayudó como intérprete en la entrevista.

Seguís en China, vuestra mirada no es la de un turista, desde esa perspectiva de convivencia diaria, ¿cómo os sentís y cómo os hacen sentir? ¿nuestras culturas son tan diferentes? Extiendo la pregunta a Filipinas.
Hemos estado cuatro meses en China, pero al no hablar el idioma no hemos podido integrarnos como nos gustaría, algo que en Filipinas es mucho más fácil porque mucha gente habla inglés.

La imagen del “todo a 100” que tenemos en España está lejos de la realidad. China es un país de grandes contrastes pero evoluciona muy rápido y muy probablemente en unos años aprenderemos todos chino porque el futuro está ahí.

Culturalmente al compartir parte de la historia, Filipinas es muy parecido a España o incluso puedes sentirte como si estuvieras en Centroamérica. China en cambio culturalmente somos muy diferentes pero cuando profundizas en las personas te das cuenta que todos caminamos en la misma dirección, tenemos las mismas emociones y deseos, y creemos que lo hemos reflejado en las historias que hemos documentado. Lo más difícil con los chinos es hablar de ciertos temas por la censura política, que les afecta en su día a día.

Hablando un poquito ahora de la parte creativa del proyecto, las historias están documentadas en vídeos pero también hay fotografía, ¿qué os aporta esta disciplina? ¿hay intención de mostrar ese trabajo en exposiciones?
La fotografía como el artículo aporta otro punto de vista de la historia, estamos utilizando todas las artes posibles porque Internet ofrece esta opción y se complementan unas con otras.

Cada vez vamos desarrollando más cada uno de estos elementos. Por ejemplo, respecto a la fotografía, en el nuevo diseño de la web hay una fotogalería y vamos a publicar también los fotolibros de las historias.

También tenemos la intención de exponer nuestro trabajo en exposiciones al regresar a España y proyectar los vídeos de las historias.

Es un proyecto autofinanciado por vosotros, ¿cómo lograis esa financiación?
Trabajando en España. El dinero que hemos invertido en Buscando Historias sale de nuestros ahorros y algunas donaciones que nos han llegado por Paypal que nos han ayudado a pagar una traductora para lanzar la versión en inglés del proyecto, que se llama Looking for Stories.

Somos conscientes de que BH no se puede sostener con los ahorros y las donaciones, y nos gustaría vivir de suscripciones, patrocinios o alojarnos como sección en un medio de comunicación, lo que nos ayudaría a crear comunidad.

Pero decidimos empezar el proyecto sin presiones y libres de hacer lo que creemos porque no hay referentes y no era fácil explicar lo que queríamos hacer. Ahora que ya tenemos la idea materializada y hemos dejado de estar en beta, estamos ofreciendo nuestro trabajo a medios y marcas.

Por ahora, hemos empezado una campaña de crowdfunding y si no hay ninguna marca interesada en patrocinar la segunda temporada, la realizaremos cerrada para aquellos que nos hayan dado su aportación durante la campaña, porque así podremos intentar vender las historias al regresar a España.

¿Cómo ha sido vuestra experiencia con el Creative Commons?
No muy positiva. Ese es uno de los motivos por los que, si no conseguimos que patrocinen la temporada, la vamos a realizar cerrada para quienes nos apoye con una aportación a partir de 5 euros.

Cuando iniciamos el proyecto utilizamos la licencia Creative Commons sin dudarlo, porque lo que queremos es que las historias lleguen a la mayor gente posible. Pero la realidad es que no importa que licencia uses para que llegue a más gente sino en que medio o canal se publican, si El País publicara Buscando Historias llegaríamos a más gente que usando Creative Commons. En nuestra experiencia, a los demás les da igual que licencia uses, lo compartirán sea cual sea.

Tampoco utilizábamos marcas de agua porque resultan antiestéticas, pero muchas páginas se subían las fotos a su servidor sin citarnos. Otras muchas publicaciones con ánimo de lucro y dos periódicos han cogido algunos de nuestras historias sin permiso, y pensamos que aunque tuviéramos copyright, sería más de lo mismo.

Una vez publicadas las historias en abierto en Internet, ya no podemos venderlas porque los medios ya no están interesados. Es como si un periodista hiciera un reportaje, lo publicara en su blog y después intentara venderlo, no tiene sentido.

Durante la primera temporada, hemos invertido más tiempo en dar a conocer las historias que en intentar ganar dinero con ellas. En la segunda temporada necesitamos hacer lo contrario o será difícil la continuidad del proyecto.

Hablando de continuidad, ¿próximo destino?
En estos momentos estamos en Tailandia buscando historias para la segunda temporada y nuestro próximo destino es Birmania. Si nos llega el presupuesto, también iremos a Camboya, por lo que por ahora el proyecto lo seguimos desarrollando en Asia pero estamos abiertos a otras posibilidades de cara a las siguientes temporadas. Nos gustaría que la tercera temporada fuera en España.

Entonces, ¿tenéis pensado volver a España?
Regresaremos a España en agosto cuando terminemos la segunda temporada para tocar puertas, ofrecer nuestras historias, y buscar financiación para la tercera temporada.

Les agradecemos que nos hayan dedicado un poquito de su tiempo deseándoles muchísimo éxito en las siguientes temporadas para que nos sigan regalando historias que, desde aquí, nos es dificil llegar a conocer si no fuera por su labor tan profesional y dedicación. Al resto os invito a adentraros en su web y conocer también las fotografías, que es lo que os gusta y sé disfrutaréis porque es un material muy potente a nivel visual.

Más info | Buscando Historias

Sentada en mi escritorio. Escribiendo. La ventana abierta. La brisa es agradable. Escucho a los pájaros. El cielo brilla azul. No hay rastro de nubes. Había olvidado esta sensación. Parece que al fin llegó la primavera. Espero que no sean días de tregua. Que el tiempo se pare. Que el verano entre suavemente entre la hierba.

La primavera está asociada a las flores. A la delicadeza. Al olor de perfumes del campo. Por ello hoy, en nuestro Galaxia Xataka Foto, vamos a darle protagonismo a esos blogs de fotografía dulce. De imágenes sutiles. De tonos que a la vista nos resultan agradables. Relajantes. Etéreos.

• Pero antes, y para ponernos en situación, vamos a descubrir las fotografías macro que nos regala Luis Manuel Lozano en su blog Fotos y creaciones. Bajo el título de “Aire”, una serie de imágenes que nos dan de bruces con la primavera a riesgo de sufrir algún que otro estornudo.

• Seguimos con flores, aunque sólo sea porque la cabecera del blog de Vanina Vila esté compuesta de ellas. Con ello ya nos avisa de su tipo de fotografía. Íntima. Delicada. Como sus almendros en flor en “Spring Time”.

• En El divan azul, esta semana Beatriz nos presenta a su sobrina Valeria. No obstante os invito a revisar sus anteriores posts. Sobre todo el dedicado a iluminación publicado la semana pasada.

• Katratziphotoes otro de esos blogs donde la sutileza parece transportarnos a las webs sobre cupcakes. Interesantes los retos que propone cada mes, además de los descubrimientos que nos hace sobre otros fotógrafos. No os perdáis la entrada dedicada a Nina’s Clicks.

• Todas estas fotografías no serían posibles sin unos objetivos adecuados, por ello y, como post final, os invitamos a leer la recomendación que nos hace El corte inglés.

Y sin más nos despedimos hasta la semana que viene, esperando que la ventana de mi estudio siga abierta, dejando entrar los aromas de una primavera que sigue su curso. Como siempre, os invitamos a comentarnos vuestras sugerencias de blogs a través del formulario de contacto. Felices días.

Domingo por la tarde, ¿tenéis algún plan? Os propongo uno de sofá y palomitas, la mantita la dejamos para el invierno ahora que parece que la primavera empieza a hacer acto de presencia. El director, William Eggleston, más conocido por sus fotografías de América a todo color. La cinta, sobre Memphis y Nueva Orleans desde su particular mirada.

Aviso que el formato es más de tipo arte y ensayo, si os fijáis en los planos de cerca, en las expresiones, en el silencio de los rostros de profunda naturalidad, seguramente os vengan a la mente los fotogramas de El árbol de la vida. Sólo basta echar un vistazo a los primeros segundos de la cinta para apreciarlo.

William Eggleston, que en su haber fotográfico destaca la explosión de color, sorprende en esta ocasión con la ausencia de ello. Grabada en 1974 con un Sony Porta-Pak, el envoltorio es el de una película casera pero su mirada va más allá. Hacia aquello que normalmente apartamos de nuestro alcance o no somos capaces de ver.

Si algo tiene esta cinta es esa capacidad para ir atrapándonos a través de la excentricidad de aquellos que aparecen. Podemos amarlos u odiarlos. Entrar en su juego u observarlos desde la distancia de aquello que nos parece alejado de nuestra cultura y de nuestro tiempo. Eggleston se acerca a ellos desde la verdad. Desde la honestidad de quien retrata lo que ve. Y lo hace cargado de su identidad como fotógrafo.

No os perdáis el blues con armónica. En general ninguno de los números musicales. Y no dejéis de observar cómo le titubea el pulso al acercarse a los rostros. Buscando encuadres, escogiendo detalles. Dando prioridad a la imagen. A lo estrictamente visual. Nos importa poco lo que nos cuenta en pro del cómo. Nos enamora cuando sitúa la cámara en un plano fijo y deja que sucedan cosas.

La película, restaurada 35 años después de su filmación, está disponible en DVD donde aparecen 77 minutos de cinta junto con material adicional así como una entrevista a Eggleston en el Festival de Toronto de 2005, además de un libro con una pequeña apreciación del director Gus Van Sant.

Fotógrafo | William Eggleston
Vídeo | Youtube