Tom Ang, afamado fotógrafo inglés delimita la fotografía en apartados, retrato, desnudos, paisajes, naturaleza, fauna, moda, viajes, deportes, arquitectura, fotografía artística, documental… Para todos sigue una misma estructura, una pequeña introducción, ejemplos prácticos, entrevista a un fotógrafo especializado en ese apartado compartiendo una sesión con él y su “Making of”. Todo perfectamente orquestado para que el lector aprenda durante su lectura.

Por un precio que ronda los 30 euros (depende de donde lo adquieras, obviamente) este libro merece estar en cualquier estantería de aficionado o profesional en la fotografía, ya que al fotógrafo novel ofrece sencillos tutoriales con técnicas básicas y al fotógrafo experimentado le ofrece la posibilidad de “espiar” las técnicas de un fotógrafo reconocido para coger ideas.

Más información | Página oficial de Tom Ang

Miénteme, por favor. Paul Ekman, nacido en 1934, es un psicólogo que ha dedicado gran parte de su trabajo al estudio de las emociones y sus relaciones con la expresión facial. Es considerado como uno de los psicólogos más destacados del siglo XX. Ekman asume una perspectiva evolutiva, uno de los motivos por lo que desarrolló una guía para clasificar las expresiones faciales.

Esto, inevitablemente, me trae a la cabeza, de forma inmediata, una serie de Televisión: Lie to Me – Miénteme, protagonizada por Tim Roth, actor que ilustra la fotografía de portada de nuestro artículo. Al parecer dicha serie, está inspirada en los trabajos de Paul Ekman, el cual ha sido asesor técnico y científico de la misma. La serie muestra investigaciones de un equipo formado por diversos especialistas capaces de detectar mentiras y analizar el comportamiento de las personas mediante la interpretación de los gestos producidos por los múltiples músculos de la cara.

Ficción y realidad aparte, ¿qué tiene que ver esto con la fotografía?. Pues muchísimo. También a los fotógrafos nos toca ser un poquito psicólogos, con todo el respeto a esta otra profesión. Es algo que debería formar parte nuestros cursos de fotografía. Leer un rostro es algo que todo buen fotógrafo debería aprender. Sobre todo en la fotografía de retrato, fotoperiodismo y fotografía callejera (en esto último que se lo cuenten al gran maestro Henri Cartier-Bresson y sus momentos decisivos). Trataré de explicarme. Como fotógrafos, una de las cosas que debemos conocer para que una fotografíe funcione son las distintas expresiones faciales.

Anatomía: Clasificación de las expresiones

La alegría natural de mi hija Noemí

• Alegría o Felicidad: Contracción del músculo cigomático (que va del pómulo al labio superior) y del orbicular que rodea al ojo. Las mejillas se elevan y surgen “patas de gallo”.
• Desprecio o desdén: Es una expresión parecida al asco, porque la acción sólo se produce a un lado de la cara. La comisura del labio está más tensa y algo elevada.
• Enfado, ira o rabia: La emoción más peligrosa para los demás, porque puede generar violencia. Mirada fija, ojos feroces, cejas juntas y hacia abajo y tendencia a apretar los dientes.
• Repugnancia, repulsa, asco o repulsión. Se suele caracterizar por la aparición de un descenso y unión de las cejas, elevación de mejillas, reducción acentuada de la abertura de los párpados, frunce de nariz y elevación de la barbilla
• Miedo o temor: Suele ir a continuación de la sorpresa. Párpados superiores elevados al máximo e inferiores tensos. Las cejas levantadas se acercan. Los labios se alargan hacia atrás.
• Tristeza: Muy duradera. Caen los párpados superiores y se angulan hacia arriba las cejas. Además, el entrecejo se arruga y los labios se estiran horizontalmente.

• Sorpresa: Suele ser las más breve y puede fundirse con otras. Los párpados superiores suben, se contraen y se elevan, pero los inferiores no están tensos. La mandíbula suele caer.

La sorpresa en el rostro del cómico Diego Molero, aunque más bien me la llevé yo al ver su expresión. Muy divertido el momento.

También entran en esta clasificación las siguientes expresiones: Diversión, Complacencia, Bochorno, Entusiasmo o excitación, Culpa, Orgullo, Alivio, Satisfacción, Placer y Vergüenza. Los movimientos musculares no tienen porqué ser exagerados, muchas veces basta un ligero movimiento para delatar la emoción.

La sinceridad de la mirada

En el imaginario colectivo de todos podemos pensar en otro tipo de sentimientos y sus correspondientes expresiones que no aparecen reflejados en esta lista. Serenidad, calma, paz, inocencia. Si hay un tipo de modelos o sujetos dignos de ser fotografiados para reflejar estos sentimientos en una mirada, son los niños. Ellos son asertivos, son naturales, son, en definitiva, espíritus libres. Son capaces de reflejar las expresiones sin reprimirlas, como hemos aprendido los adultos. Según vamos creciendo aprendemos a ocultar más las emociones, desgraciadamente.

La sinceridad y calma en la mirada de Teo, el mejor amigo de mi hijo Diego

El momento decisivo

Es algo que muchas veces descuidamos y que supone en gran porcentaje la diferencia entre que funcione visualmente o no. En una fotografía callejera influye mucho la casualidad y el momento así como la experiencia del fotógrafo. Disparar en el momento justo supone “cazar” al sujeto con una expresión que durante el evento que se esté produciendo puede decir muchísimo de lo que piensa el personaje. De esto saben muchísimo, los fotoperiodistas. Los grandes fotoperiodistas han aprendido a adelantarse y a buscar esas microexpresiones. Intuyen cuándo se van a producir y están disparando décimas antes de producirse para capturar el momento decisivo. Momento que, muchas veces, pasa desapercibido en las grabaciones de vídeo, pero que al congelar el momento nos permiten un análisis exhaustivo. Por eso el congelar el momento fotografiando tiene aún su gran valor. Alguno me diréis que basta con parar la grabación y buscar el fotograma. Tal vez tengáis razón.

De forma similar, los buenos fotógrafos callejeros, con la experiencia, intuyen cuándo se puede producir una determinada situación para así permanecer al acecho y poder realizar la toma que capture ese momento decisivo junto a esas expresiones faciales buscadas.

Miénteme, por favor

Miénteme, por favor. En la fotografía del rostro en general (tanto de estudio como en exteriores), sea puramente retrato, moda o publicidad de lo que se trate en cada caso, los modelos aprenden a mentir al espectador. Pero si el resultado que se busca logra ser natural, se obtienen buenas fotos.

La gente más agradecida, desde mi experiencia, para practicar las expresiones faciales son la gente del teatro. Baste como ejemplo lo siguiente: una de las sesiones mejores, más agradables y más divertidas que he realizado fue la que tuve oportunidad de hacer con Adolfo Fernández y su compañía, momentos antes de la obra 19:30. Le pedí unas cuantas poses con distintas expresiones y creo que lo logramos.

El enfado “posado” de Adolfo Fernández

En la anterior fotografía le pedí una mirada penetrante y que se mostrase enfadado, enojado, airado. Lo cierto es que su personalidad impone. Vemos como los rasgos típicos del enfado, ira o rabia aparecen: mirada fija, ojos feroces, cejas juntas y hacia abajo. El caso es que posteriormente a la toma nos reímos mucho.

Conclusiones

Busca la expresión adecuada en todo caso, tanto paseando para conseguir un buen robado como a la hora de realizar un buen retrato. En este último caso, es bueno tener a mano las expresiones que quieres conseguir y saber transmitíselas a tu modelo. Recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

Fotografías | Alfonso Domínguez Lavín
Más información | Cazando microexpresiones | Guía de Estudio del Facial Action Coding System (FACS)

Bienvenidos a un nuevo capítulos de “Aprendiendo con Adobe Camera RAW”. Antes de nada, disculpadme por la tardanza en la continuación de la serie, pero, como alguno de vosotros ya sabe, problemas técnicos con mi equipo fotógrafco e informático me han impedido el continuar la serie antes. Así que toca hacer borrón y cuenta nueva. Por eso para este capítulo he querido recordar mi primer post sobre “Cómo fotografiar juguetes”, escogiendo una foto de los cochecitos de mi hijo Diego, el cual ya conoceréis porque ha sido proteagonista de varios capítulos de Aprendiendo con Adobe Camera RAW.

Hoy vamos a hablar de la manipulación y tratamiento del color que nos ofrece Adobe Camera RAW. Para ello, me he atrevido a realizaros un pequeño videotutorial donde podréis ver todas las posiblidades. Antes de verlo os recomiento que os leáis nuestro artíclos del Curso de Fotografía aquí y aquí sobre el uso y tratamiento del color. Os ayudarán enormemente a entender lo que estamos haciendo. Sin más veamos el vídeo.

Como podéis ver en el vídeo, existen 5 vías o formas de manipular el color en Adobe Camera RAW. Estas son:

• Ajustando el Equilibrio de Blancos
• Mediante la Intensidad y/o Saturación
• Mediante el ajuste individual de los colores a través del Tono, Saturación (individual) y la Luminancia
• Dividiendo los tonos, que permite ajustar el tono de las luces altas y las sombras

• Finalmente, mediante el ajuste del perfil de cámara.

Espero que os haya gustado el vídeo. Os espero en la siguiente entrega de Aprendiendo con Adobe Camera RAW en Xatakafoto. Y, recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

Ver el vídeo | Youtube
Créditos Música | Popof

Si en la anterior entrega nos concéntrábamos en cómo realizar correctamente la técnica de panning (seguimiento o barrido), aspecto éste que os sugiero releáis y practiquéis exhaustivamente pues es la clave principal, así como de las diferentes formas de configurar la cámara para obtener distintos efectos de barrido al realizar el disparo, en esta siguiente entrega nos vamos a centrar en otros aspectos que no, por tratarlos más tarde son menos importantes como son la elección correcta de los objetivos y su uso creativo, la composición y la iluminación.

La elección correcta de los objetivos

Uno aspectos de hoy que vamos a tratar son la elección de los objetivos. No me centraré en marcas ni nada por el estilo. Para ver su uso practico echad un ojo a la serie de José Barceló. Me centraré en el aspecto creativo y qué podemos hacer con ellos, entendiendo que cuanto mejor sea el objetivo, mayor calidad óptica y por lo tanto resultados mejores.

Sin embargo quiero aclarar una cosa. Por los comentarios del artículo anterior, tengo la impresión de que algunos fiáis todo al uso de un objetivo. Bien, comparto a medias esa postura. Intentaré explicarme. Como muchos de vosotros sabéis, para mí el aspecto más importante es la mirada del fotógrafo. Con esto quiero decir qué debemos saber, pensar, conocer e imaginar antes lo que querémos hacer. Posiblemente con un teléfono móvil, aún, no podamos hacer “bien” este tipo de fotografías hoy, quién sabe mañanan. Lo que digo, es que para ello hay que dominar la técnica, de nada, por ejemplo, nos servirá tener nuestro flamante 70-200 2.8 ultrasónico, motorizado y super-estabilizado que nos costó más de dos mil euros si no realizamos correctamente el panning porque nuestra postura corporal es débil y giramos mal. O si, no configuramos adecuadamente la cámara. O si, por ejemplo nos vamos al enfoque más clásico que apuntaba con tres tipos de velocidad y solamente probamos “exactamente” esas, y no variamos la profundidad de campo o experimentamos con otras velocidades no conseguiremos más que hacer siempre lo mismo. A eso me refería. Eso sí las pruebas, no las hagas cuando te encarguen un reportaje donde no puedes fallar.

Siguiendo con el tema del motor y el mountain bike como ejemplos de deportes, que suelen ser bastante accesibles para el público en general, una de las posibilidades que sueles tener durante las carreras de motos, motocross, rallyes o mountain bike es que como espectador no hace falta que estés permanentemente en el mismo sitio y puedes ir variando tu posición. Esto te ofrece buscar sitios mejores.

En mi opinión, puedes empezar con el propio zoom estándar que venga con el kit si no tienes otra cosa. No hay problema. No estoy hablando ahora de la calidad óptica tan pobre que, en comparación a otros objetivos superiores dan estos objetivos “kiteros”.

Tal vez en el mountain bike o el motocross probablemente podrás acercarte un poquito más que en los rallyes o en las motos debido a la peligrosidad. Con tu zoom básico puede en su extremo podrás tener un nivel de zoom más que aceptable para muchas de las ocasiones, además siempre puedes recortar la imagen y mejorar la composición. Así que si no tienes otra cosa, no te eches para atrás por el echo de no tener un teleobjetivo. Por el otro extremo podrás cubrir alguna toma más general, así que no es tan mala cosa. En la foto que vemos a continuación vemos una toma más general usando el angular, con un efecto realmente logrado.

Fotografía de Rodcasro en nuestro grupo de flickr realizada con una Olympus E-500, f/4, 1/10”, 7mm, ISO 800 debido a la poca iluminación.

En este tipo de deportes los competidores suelen seguir un recorrido fijo en cada vuelta. Fijo, salvo accidente. Así que por ejemplo, en el mountain bike es relativamente seguro poder realizar tomas “cercanas” con un angular, lo cual te dará unos efectos increíbles debido a la distorsión que suelen dar este tipo de objetivos. No digamos si utlizas un ultra-angular.

La elección de un tele objetivo te ofrecerá varias cosas, pero la primera es: seguridad. Podrás estar a mayor distancia. Aunque por contra perderás los efectos y las posibilidades de los angulares. Este tipo de objetivos te ofrecerá también la posibilidad de poder centrarte en detalles de los participantes y no ser intrusivo con los competidores.

Fotografía de Toni Torres en nuestro grupo de flickr, realizada con una nikon D700, 1/40, f/20, ISO100, 400mm

A vueltas con la composición

No nos engañemos. Podemos tener el mejor equipo del mundo y nuestras fotos ser horribles. La composición es uno de los aspectos fundamentales para que una imagen funcione visualmente. Hemos hablado de la post-producción muchas veces y de si es parte del proceso fotográfico o no. Ya conocéis mi opinión. Al igual que la edición, saber componer es fundamental, saber romper las reglas de composición es exactamente igual de importante.

Algo comentábamos en capítulo anterior sobre el enfoque. Como bien me decía mi compañero José Barceló. Preenfocar al suelo y desactivar el AF continuo….

Ya estás, Alfonso, pensarás, qué tiene que ver el enfoque con componer.

Muchos me diréis que tiene que ver con un tema técnico puro y duro y que así se facilita en lo fallar en la foto porque el enfoque continuo cambie a otro objeto. Pues sí y no. La gran falta de brío compositivo de las imágenes que nos podemos encontrar en la fotografía deportiva de acción es por culpa del autofoco. Todos los tipos de autofocos se encuentran diseñados alrededor del punto central de la imagen, creando la tendencia a centralizar y, por lo tanto, crear imágenes aburridas. Así si quieres mejorar tu composición, preenfoca al suelo o al punto por donde prevees pasarán los competidores, y recompone. Recuerda las diferentes reglas de composición.

Enciendan las luces, por favor

Y, ¿porqué no iluminar? Te has parado a plantearte darle este otro uso a tu equipo de iluminación. No tienes más que reunir a unos amigos (o tal vez tú mismo) fanáticos de la bicicleta, buscar una localización y proponerles una sesión fotográfica mientras dan algunos saltos con sus máquinas. Podrás conseguir grandes resultados. Así, por ejemplo, a última hora de la tarde con baja iluminación y una luz más difusa, es hora de sacar los flashes.

Fotografía de Gustavo Pozo Luque en nuestro grupo de flickr, f/8,1/250”,ISO 200, Flash SB-600 desde la izquierda a 1/1

En resumen, esta técnica no es básica. No pretendas dominarla el domingo que viene cuando te acerques a ver la competición. Pero sí puede ser el comienzo de una gran amistad. Y, recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

En Xatakafoto:

• Fotografía deportiva: Apunta, dispara y corre (I)

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín

Sin embargo, hay deportes de acción como puede ser el Mountain Bike o el Motocross donde esto cambia. Por eso tomaremos como ejemplo estos deportes. Tanto a nivel amateur como a nivel profesional el acercamiento es posible. Por eso, un zoom estandar puede ser suficiente para obtener buenas tomas. Eso sí quizás con el motocross tendrás que tener un poquito más de cuidado, obviamente. Las técnicas que veremos aquí en este artículo son fácilmente aplicables a otros deportes, donde prime la explosividad. Además de que muchas veces competiciones de moto cross o mountain bike suelen darse bastante a menudo por lo que es una buena manera de introducirse a la fotografía deportiva.

Hacer Panning

Es la técnica básica y fundamental para la fotografía de acción de cualquier tipo. El sujeto o motivo de nuestra fotografía se mueve rápidamente pasando delante de nosotros que permanecemos estáticos. Bien, esto puede parecer bastante obvio. La técnica de “panning”, consiste en hacer un seguimiento del sujeto según pasa por delante de nosotros realizando las fotografías (en modo ráfaga normalmente). Utilizar el modo ráfaga te permitirá aumentar las posibilidades de tener una imagne nítida del sujeto así como la de obtener una buena composición.

Oye, Alfonso, pero cuál es el truco. Seguir al sujeto con exactitud a través del visor de nuestra cámara es la clave. Vale, sí, estarás pensando: lo sé, pero no me sale, qué hago mal.

Veamos cómo funciona el proceso. Cuando realizas una toma, el obturador está abierto durante un corto período de tiempo. Durante esa fracción de tiempo las lentes proyectan la imagen del sujeto sobre el sensor. Hasta ahí, es fácil de entender. Ahora viene la miga. Si lo proyectado se está moviendo mientras el obturador está aberto la imagen resultará desenfocada. ¿Entonces? Pues la solución la vais intuyendo ya ¿verdad? Así si lo que queremos es que el ciclista o el piloto aparezcan nítidos según pasan delante nuestro deberemos compensar ese movimiento mientras está aberto el obturador. Así si el movimiento es de izquierda a derecha, como en la fotografía de portada que realicé hace unos años, nosotros giraremos el cuerpo de izquierda a derecha según pasa la moto. Entendido.

Vale. Entendido, Alfonso. Lo he probado pero aún me sale mal.

Bien, probablemente se me olvidaba comentarte: hay que entrenarlo, no suele salir a la primera. Mantén una posición firme con los pies ligeramente ladeados un poquito hacia fuera. Deja la cadera relajada. El movimiento debe ser suave pero firme, como el swing de los golfistas. Cuando pase nuestra presa realiza el movimiento acompasado girando y siguiendo según pasa. Dispara en ráfaga. Una vez haya pasado, revisa las tomas, realiza algo de zoom y verifica la nitidez de las imágenes realizadas. El motivo debe estar nítido y el fondo debe presentar desenfoque de movimiento.

Fotografía de alba-7 en nuestro grupo de flickr

Un pequeño truco. A través del visor no trates de seguir toda la bici o la moto. Concéntrate en una parte concreta, por ejemplo el casco. Esto suele dar mejores resultados además que recuerda que si en los retratos la importancia principal reside en enfocar los ojos, aquí tener bastante enfocado la zona de la cabeza dará imágenes que funcionan visualmente. Eso sí, con una telemétrica a diferencia de una réflex, como me recordaba mi compañero Javier Prieto, no perderás de vista el objeto la vista al disparar las tomas.

Y un consejo, practica la velocidad de rotación. Practica, practica y practica. Esto te dará la técnica correcta para conseguir tanto diversos efectos como imágenes nítidas. Así podremos centrar el enfoque donde queramos. Fíjate en la siguiente fotografía, ¿dónde hay mayor grado de nitidez?

Fotografía de alba-7 en nuestro grupo de flickr

Configurar la cámara para hacer un panning correcto

Si bien hemos visto cómo realizar la técnica, es decir, como realizar el movimiento de forma correcta, es preciso conocer exactamente cómo debemos configurar el setup de nuestra cámara.

• Enfoque continuo es lo más recomendable. Aunque como bien me apunta Jose Barceló, puedes enfocar sobre el suelo por donde pase el sujeto, lo dejas en manual y cuando pase haces el recorrido. Esto lo puedes hacer si tu enfoque continuo no es muy preciso.

• Es recomendable usar ISOs bajos para minimizar el impacto del ruido. Si tenemos ruido sobre el fondo desenfocado el efecto perderá visualmente.

• Configurar una velocidad alta de obturación (1/250” o superior) nos permitirá congelar el sujeto perfectamente, aunque hay que decir con una velocidad de obturación tan rápida nos será más fácil realizar el correcto seguimiento del sujeto pero, a cambio, el fondo tendrá un menor desenfoque de movimiento. Para no fallar y conseguir congelar el sujeto, una velocidad de 1/500” es lo indicado. ¡Ojo, si disparas utilizando el flash! Normalmente la sincronización máxima entre el flash y la cámara en la mayoría de las marcas y modelos suele estar entre 1/200” y 1/250” por lo que si vas a utilizar una velocidad superior no podrás o deberás tener la posibilidad de utilizar HSS o sincronización a alta velocidad.

• Configurar una velocidad lenta como 1/60” te permitirá dos cosas: realizar el seguimiento del sujeto en movimiento es más complicado pero, a cambio, aumentarás la cremosidad del bokeh del fondo. Es decir la sensación de movimiento será mayor.

• ¿Qué velocidad es la correcta? Prueba y practica con ellas no hay una respuesta. Incluso disparar a 1/15” según giras puede darte muy buenos resultados, siempre que en este caso la cara del sujeto quede bien enfocada. Como podéis ver en esta imagen a continuación.

Fotografía de macg5555 en nuestro grupo de flickr disparada a 1/13” y f/22.0

• Un enfoque clásico del tema, como me apunta mi compañero Jose, nos apunta el siguiente truquillo: un coche en ciudad (1/50”), un coche en carretera (1/125”), un fórmula 1 (1/250”). Aunque al final has de calcular y probar para conseguir el efecto deseado.

• Utiliza aperturas cerradas: f/8 f/9 o f/11 o incluso f/16 … disparar con una apertura muy abierta como f/1.8 reduce mucho la profundidad de campo y por tanto la posibilidad de enfocar bien al sujeto en movimiento se hace complicadísima.

Dos últimos apuntes, que no tienen que ver con la configuración: cuida el ángulo de inclinación. Según sea obtendrás diferentes efectos de desenfoque de movimiento. Y, el segundo, antes de disparar: visualiza el sujeto pasando delante de ti y a ti realizando la toma. Esto te ayudará a concentrarte en un punto focal y realizar mejor el enfoque. A mí me funciona. Aunque esto último tiene algo más que ver con la psicología deportiva.

En la segunda parte hablaremos de la composición, la iluminación y la elección de los objetivos adecuados para este tipo de fotografía. Os esperamos en Xatakafoto, y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín

Tras un breve descanso veraniego, para daros tiempo a asimilar los conceptos retomamos nuestro curso Aprendiendo con Adobe Camera RAW, aquí en Xatakafoto. En esta ocasión vamos a tratar de procesar orientándonos a obtener una clave baja o aproximarnos a ella desde el punto de vista de la edición con Adobe Camera RAW. Indicar que es muy importante, como siempre la toma base. Agradeceros durante este pequeño parón los mensajes de ánimo y agradecimiento recibidos para continuar con el mismo.

He de decir que en mi opinión, al igual que en la clave alta, el lograr este tipo de efecto en una fotografía es una de las técnicas más difíciles para que quede bien. Si no está en su punto muchas veces la foto no dice nada. Hay que trabajar mucho con las luces y sobre todo requiere una muy buena iluminación previa a la hora de tomar la fotografía.

Pensando en clave baja

Lo primero que os recomiendo es echar un vistazo a algunos de los consejos para obtener fotografías en clave baja que ya os contamos aquí, en Xatakafoto, hace algún tiempo y cómo es el histograma de tipo de estas fotografías. En esta ocasión vamos a trabajar como habréis podido adivinar en la portada sobre una fotografía realizada al cantautor Ismael Serrano, al cual tuve ocasión de fotografiar en su backstage hace unos meses. Decir que para la realización de la fotografía utilicé una sombrilla blanca, que creo que perdí ese día, con un flash YN460 de frente a él y a una altura de 1,8m a 2m de distacia y a media potencia. Aproveché el resto de iluminación difusa y escasa que había sobre el backstage. El esquema de iluminación utilizado fue éste:

El resultado de la fotografía, con un histograma ladeado hacia la izquierda como podéis se explica aquí, en RAW y sin editar fue éste:

Observando el histograma nos damos cuenta que la imagen se encuentra subexpuesta. Intencionadamente. Lo que ocurre es que al saltar el flash iluminamos de forma suave y contralada el rostro y el torso de nuestro artista. Para saber y practicar como obtener fondos negros perfectos así como fondos blancos no tenéis más que leeros el artículo sobre ello de nuestro compañero José Barceló.

Lo primero que hacemos es subir el nivel de negros, en este caso alrededor de 50, con lo cual notamos rápidamente que la imagen se vuelve más oscura. Este ajuste es quizás el más importante para conseguir este efecto. Así que posteriormente si te has pasado, vuelve a ajustarlo. No importa que reajustes. No todo es copiar y pegar.

A continuación, simplemente con desaturar a -100 tenemos toda la base de la imagen:

Ajustamos el balance de blancos buscando potenciar el contraste:

Ajustamos el nivel de brillo cuidadosamente sin pasarnos, ya que demasiado brillo nos dará una imagen muy plana. En este caso he llegado a +99 y he subido un poquito el contraste también. Subimos un poquito la recuperación para oscurecer un pelín las luces altas.

Ajustamos un poquito la luz de relleno para que los bordes de nuestro retratado ganen un poco de volumen.

Ajustamos el nivel de las curvas de tonos un poquito si lo necesitáis. A continuación subimos un poco el contraste local con el valor de claridad y enfocamos. En este caso he optado por un enfoque fuerte (119 y radio 2,2) y con bastante textura (detalle 30) con el fin de intensificar los rasgos. Este tipo de ajustes creo que van mejor en modelos masculinos que modelos femeninos o infantiles.

Finalmente viñeteamos un poco la imagen para que la transición en los bordes del modelo sea más suave, además le añadimos un poco de grano.

Este es el resultado final, donde podemos comparar la imagen original y la procesada:

Finalmente realicé un ajuste final, que es rellenar con negro alrededor de la imagen y dejarla en formato 1:1 para que hubiera más espacio negativo alrededor y mejorar la composición, esa imagen la podéis ver aquí. Podéis ver otra toma de aquella sesión improvisada, en la que el fondo no ha sido oscurecido tanto buscando un resultado algo diferente.

Recuerda repasar tus procesados una vez que creas que están acabados y busca errores. Practica con tus propias fotos. Y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo. Te esperamos en Xatakafoto.

Curso completo | Aprendiendo con Camera RAW

Fotografías | Alfonso Domínguez Lavín

Hace poco hablábamos en uno de nuestros artículos sobre dominar el modo manual. Decíamos: Sí o sí. Esto no tiene porqué desprestigiar el uso de modos semiautomáticos que, dependiendo de la situación en cuestión, pueden ser más útiles que el modo manual, en principio. En el caso del modo manual una de las situaciones ideales para utilizarlo era en los casos de condiciones de luz controladas. Aunque yo uso el modo manual casi siempre hay circunstancias que aconsejan el la utilización de los modos semiautomáticos.

En esta segunda parte vamos a afrontar el uso adecuado del modo de prioridad a la apertura y su estrecha relación con la profundidad de campo, algo que también podéis consultar en nuestro curso de fotografía donde puedes completar tu formación al respecto de este concepto. Este modo, representado con la “A” o “Av”, en el dial de nuestras cámaras quizá sea uno de los primeros que utilizamos cuando estamos aprendiendo. Cuando comienzas en esto no sueles tener mucha idea pero suele llegar alguien que como consejor para empezar y que puedas hacerte el interesante ante los tuyos, te da el siguiente consejo: “Pon el modo A, ¿lo ves?, gira la rueda. Clic. ¿Ves el desenfoque del fondo? Queda guay”. Nosotros asentimos con la cabeza, en medio de un silencio sepulcral y con algo de cara de bobos.

Recordemos que los modos semiautomáticos que están presentes en casi todo tipo de cámaras son:

• Prioridad a la obturación: A veces llamado también Prioridad a la velocidad (de obturación), y se suele representar por “S” o “Tv”.
• Prioridad a la apertura: Suele estar representado por el símbolo “A” o “Av”.

• Modo Programa: A veces llamado también semiautomático y representado con el símbolo “P” en el dial.

Prioridad a la apertura

Como decía suele ser un modo de iniciación. Lo malo de los modos semiautomáticos es quedarnos ahí, no avanzar y no tratar de comprender más. Así, al principio cuando tu amigo te explicó lo del desenfoque o más bien te lo dijo, pensaste inmediatamente en alguna serie de TV o alguna película donde priman esos primeros planos. A continuación, como disparador compulsivo que eres, gracias a que ya no que revelar para previsualizar, comienzas a realizar todas las fotografías de esa manera. Pones f/3.5 porque seguramente es la apertura más amplia que tienes en el objetivo del kit, ya que por entonces tenías el del kit, tampoco sin saber qué significa el número f o la profundidad de campo. Si hay un modo que podemos asociar a la profundidad de campo, sin duda es éste.

Fotografía de Krrillo en nuestro grupo de flickr

Porque según abramos o cerremos más el diafragma incidiremos directamente en la profundidad de campo. Profundidad de campo. ¿Eso qué es? Es el valor que indica la zona de la imagen que aparece enfocada desde el primer plano de nuestra imagen hasta el fondo. La profundidad de campo depende de tres factores: la apertura, la distancia de enfoque del objetivo y la longitud focal (el zoom, por decirlo así). Otra forma de definición es que la profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del punto enfocado que aparece con nitidez en una foto. Ah, es que además incide en la nitidez también. Creías que desenfocaba mágicamente el fondo, pues no.

(*) NOTA: Gracias a Miguel Cid que nos precisa aclaramos la diferencia entre longitud focal y zoom. Técnicamente, cuando estamos hablando de distancia focal refiriéndonos a la existente entre el centro óptico de la lente y el punto en que la imagen queda proyectada en la película o el sensor digital. Lo que ocurre es que seguimos acostumbrados a decir distancias o longitudes focales (además en términos de 35mm muchas veces y deberíamos distinguir entre APS-C y FF, por ejemplo) y seguimos diciendo coloquialmente un zoom de 100mm ó 200mm, cuando deberíamos precisar que es un telezoom o que al hacer zoom ponemos una distancia focal mayor. Por ejemplo, en un objetivo 24mm-70mm podemos pasar de una distancia o longitud focal de 24mm a una de 70mm y decimos que hacemos zoom porque lo que hacemos es ““acercar”“ la imagen porque es la impresión que tenemos viendo el visor. Por lo tanto es un concepto distinto aunque relacionado.

(**) NOTA: Las propiedades básicas de un objetivo zoom son su distancia focal mínima y máxima, así como su valor de luminosidad para su distancia focal mínima y máxima. El cociente entre la máxima y la mínima distancia focal posible se denomina factor zoom y suele ser representado por el cociente acompañado por una ‘x’. Cuando nos dicen que una cámara tiene un zoom óptico x2, x3, o x10, a lo que se están refiriendo es a que la focal máxima es 2, 3 o 10 veces la focal mínima.

Ilustración del artículo de José Antonio Segura sobre aplicaciones para Android e IOS para calcular la profundidad de campo

En aquellos tiempos, en los que empezabas, no te planteaste qué eran estos conceptos. Incluso a lo mejor compraste un 50mm f/1.8 y empezaste a disparar siempre a f/1.8. Craso error. Cuantas más fotos hacías te dabas cuentas que algunas movidas y otras no demasiados nítidas. Además con este objetivo aprendiste una palabra nueva: bokeh. Veamos como usar correctamente este modo.

Usando correctamente este modo junto con el modo S de prioridad a la velocidad, no hay ningún problema y es un buen principio para pasar al siguiente nivel en el modo manual.

En el modo de prioridad a la apertura, elegimos la abertura del diafragma, determinando de esta forma la cantidad de luz que dejamos entrar al sensor de la cámara, y la cámara calcula la velocidad de obturación necesaria para que la fotografía basándose en los niveles de luz de la escena que estamos encuadrando, el modo de medición (puntual, matricial o ponderado al centro) así como el valor de la configuración ISO.

Tener claros los conceptos

Hemos comentado que hay 3 elementos que hacen variar la profundidad de campo: La apertura de diafragma, la distancia de enfoque y la distancia focal (zoom).

• Así a mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo. Esto es, que una fotografía realizada a f/1.8 (mayor apertura de diafragma que da por ejemplo, mi nikkor 50mm f/1.8) tiene una profundidad de campo menor que si realizo la misma fotografía a f/22 (menor apertura de diafragma) obteniendo una profundidad de campo mayor. En este caso, aunque no es objeto del artículo, ten en cuenta que, normalmente, la mejor calidad de imagen, así como la nitidez no la obtendrás en los extremos sino en un punto intermedio que se llama punto dulce del objetivo. En mi nikkor 50mm está alrededor de f/4, obteniendo el mejor desenfoque y mejor nitidez en ese primer plano enfocado.

Fotografía de Arnau23 en nuestro grupo de flickr

• A mayor distancia focal (más zoom, hablando sencillamente) obtenemos una menor profundidad de campo. Es decir que una fotografía realizada a 24 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm siendo la abertura del diafragma la misma.

• La distancia real entre la cámara y el punto enfocado. Cuanto menor es la distancia al motivo que enfocamos menor es la profundidad de campo. Ahora ¿entiendes porqué esas fotos hechas con macro, incluso en una apertura algo cerrada, tienen poca profundidad de campo?. Así una fotografía realizada a 1cm (mi Lumix LX3 enfoca a 1cm) del motivo tiene una profundidad de campo menor que una que haga a 5 metros. Ahora tiene sentido la fotografía macro ¿verdad?

Fotografía de Vladi Vega

Recomendaciones

Al hacer una fotografía usando prioridad a la apertura piensa antes qué partes de la escena quieres enfocadas y qué partes no, aprende a focalizar la atención con el enfoque selectivo. También ten en cuenta la velocidad que te ajusta la cámara, si es muy baja puede que te salga movida. Vimos en la primera parte como dependiendo del motivo, si estaba en movimiento o no, o si el movimiento era rápido algunas velocidades de obturación recomendadas. Por lo tanto para sujetos en movimiento tal vez sea recomendable que cambies al modo S o de prioridad a la obturación.

• Profundidad de campo reducida: Utilizar una profundidad de campo reducida puede ayudarte a destacar un elemento sobre el fondo (o sobre un primer plano) y también puede aislar un objeto como en la fotografía de portada de este artículo.

• Profundidad de campo amplia: Sirve para sacar toda la escena lo más nítida posible y no obviar ningún detalle. Es muy utilizada en la fotografía de paisaje o naturaleza.

En Xatakafoto:

• Dominar el modo manual: Sí o sí

• Dominar el los modos semiautomáticos: Sí o sí. Prioridad a la obturación (I)

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín

Hace poco hablábamos en uno de nuestros artículos sobre dominar el modo manual. Decíamos: Sí o sí. Esto no tiene porqué desprestigiar el uso de modos semiautomáticos que, dependiendo de la situación en cuestión, pueden ser más útiles que el modo manual, en principio. En el caso del modo manual una de las situaciones ideales para utilizarlo era en los casos de condiciones de luz controladas. Aunque yo uso el modo manual casi siempre.

En el dial de modo de casi todas las cámaras del mercado, sean compactas, híbridas o réflex, de gama baj, media o alta, nos encontramos una serie de modos que, cuando uno llega a este mundillo, muchas veces utiliza sin saber exactamente para qué tipo de fotografías son adecuados. En el artículo de hoy trataremos de aclarar estos aspectos.

Los modos semiautomáticos que están presentes, como decía, en casi todo tipo de cámaras son:

• Prioridad a la obturación: A veces llamado también Prioridad a la velocidad (de obturación), y se suele representar por “S” o “Tv”.
• Prioriad a la apertura: Suele estar representado por el símbolo “A” o “Av”.

• Modo Programa: A veces llamado también semiautomático y representado con el símbolo “P” en el dial.

Prioridad a la obturación

Los diales de modo presentan muchas opciones, en este apartado nos centraremos en el uso del modo “S” o “Tv”, llamado de prioridad a la velocidad o prioridad a la obturación. La velocidad de obturación es el intervalo de tiempo que el obturador se mantiene abierto, tiempo durante el cual el sensor recibe la luz de la escena registrando la imagen en el sensor. Es uno de los principales valores para modificar la exposición de una fotografía.

En este modo, elegimos la velocidad de obturación que deseemos y la cámara calculará (recuerda que no hay cálculos exactos nunca y que siempre hay un margen de error que puede depender de otros factores) la apertura en base a los valores los niveles de luz de la escena, el tipo de modo de medición que hayamos elegido (puntual, matricial o ponderado al centro) así como la configuración del valor ISO que tengamos en ese momento. Así jugar con la velocidad de obturación nos permite obtener buenas fotografías relacionadas con el concepto de la movilidad o el movimiento como ésta:

Fotografía de Nando en nuestro grupo de flickr

En la fotografía deportiva este modo es bastante utilizado para asegurarse que la velocidad de obturación nos permita congelar la escena. Otros, en cambio, lo utilizan para minimizar el movimiento de la cámara, evitando trepidación por a velocidades bajas, por eso podemos configurar una velocidad mínima, dependiendo del pulso de cada uno pero suele estar entorno a 1/60, aunque hay gente que llega a disparar en valores más bajos. Una cosa que puede ayudar en condiciones difíciles o estrechas en cuanto a espacio, que seguramente hayáis visto, es la utilización de un monopié. De todas formas, volviendo al aspecto puramente del modo de prioridad a la obturación, decir que el configurar una velocidad de obturación u otra depende de varios factores como son la lente y las condiciones de trabajo.

Un pequeño ejemplo, por si queréis realizar una prueba. Al disparar a una cascada de agua, en este modo, con luz de día, a 1/100 y f/5.6, probablemente el agua no aparezca ni nítida ni desenfocada. Si cambiamos la velocidad de obturación y la subimos 1/2 o 1”, probablemente nos dé una apertura de diafragma mucho más cerrada. Pero al haber aumentado el tiempo de exposición de la fotografía el agua seguramente aparecerá desenfocada formando el conocido efecto seda. Otra prueba que podéis realizar es con sujetos en movimiento. Otro ejemplo, para sujetos andando, una velocidad de 1/60 o 1/80 puede ser suficiente ( o incluso menor si tienes buen pulso). Si van corriendo tendremos que aumentar a 1/100 o 1/125, seguramente, para poder congelarlos. Cuando el motivo va a gran velocidad tal vez tengamos que subir a 1/250 o llegar a 1/500. A partir de 1/500, congelaremos el movimiento de cualquier motivo en casi todas las ocasiones. Un espectáculo de motor es una buena prueba de fuego para probar este modo o bien las bicis que pasan por la calle.

Fotografía de Juan José Aza en nuestro grupo de flickr

También otra prueba que podéis realizar es una fotografía con poca luz ambiental y sin ser noche cerrada aún o en un lugar poco iluminado. Encuadráis hacia una carretera, teniendo como objetivo capturar las estelas de luz. Ponéis una velocidad de obturación lenta y listo. Si no hay carretera siempre podéis hacerlo en el metro de Copenaghe como nuestro amigo Guillermo:

Fotografía de Guillermo Casas en nuestro grupo de flickr

Hemos visto cómo variar tan solo la velocidad de obturación nos permite mejorar nuestras fotos donde queremos reflejar movimiento. Además también puedes usarlo como indicación y pasarte luego al modo manual y realizar tus propios ajustes basados en dicha información. Recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

En Xatakafoto:

• Dominar el modo manual: Sí o sí

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín

Veamos en esta segunda parte más aplicaciones. Estos filtros además provocan el denominado efecto seda. En situaciones donde exista agua al utilizar una velocidad de obtuación más lenta, en buena parte debido el uso del filtro de densidad neutra aunque otras veces será solamente debido a la falta de luz, solemos obtener un efecto en el que agua parece muy suave. También sirve para aquellos cielos con nubes donde obtenemos un desenfoque de movimiento debido al movimiento de las nubes provocado por el viento.

Otra utilidad es cuando nos encontramos reflejos, cuestión que ya vimos hace un tiempo. Como norma general, los reflejos suelen ser 2 pasos más oscuros que el cielo que reflejan, aunque no lo apreciemos a simple vista. Suele ser así. Siguiendo el mismo método que hemos aprendido mediríamos sobre el reflejo y sobre el cielo para obtener la diferencia de pasos. Sin embargo, un consejo, al realizar este tipo de fotografías con reflejos date cuenta que un cielo que en realidad es más oscuro que su reflejo siempre tendrá un aspecto un poco extraño a nuestros ojos.

También podemos combinar el uso de un filtro (completo o full nd en inglés) de densidad neutra con uno degradado. Aunque lo habitual es utilizar los filtros de densidad neutra al amanecer o al atardecer consguiendo velocidades de muchos segundos y/o minutos, se pueden usar filtros de 10 pasos o más a pleno día para conseguir velocidades de obturación lentas también. Con el filtro de cristal de soldador que comentamos, yo he logrado entre las doce de la mañana y las cuatro de la tarde velocidades de obturación de entre 60 y 120 segundos cuando con mi filtro de 11 pasos lograba solamente entre 20 y 30 segundos.

Fotografía de Alfonso Domínguez Lavín utilizando un cristal de soldador y 93 segundos de exposición a pleno día

Otra cuestión a tener en cuenta es el tamaño de los filtros. Los filtros rectangulares de 85mm o los de la serie P de Cokin pueden viñetear en longitudes focales pequeñas como las de los objetivos gran angular. Este viñeteo no tiene nada que ver con el viñeteo que producen los objetivos oscureciendo, habitualmente, las esquinas. Dado que lo más habitual es usar un portafiltros, a veces éstos suelen permitir más una ranura. Por ejemplo, si pongo mi tokina en 12mm y coloco mi GND8 (Filtro graduado de 3 pasos) aún en la primera ranura, en los laterales izquierdo y derecho se aprecia la tercera ranura vieñeteando. Piensa que el tokina tiene un diámetro de 77mm y el filtro de 85mm, dado el gran ángulo de visión que tiene el angular por eso se ve a 12mm un poco la tercera ranura. Para mí no supone mucho problema porque a partir de 13mm el problema desaparece. Esto quiere decir que o bien me compro y pruebo un portafiltros para grandes angulares o debo utilizar filtros más anchos y un portafiltros más ancho también. Ten en cuenta que cuanto más grande sea el filtro más caro es. Todo depende de tu presupuesto.

Fotografía de josefto en nuestro grupo flickr de 101 segundos de exposición y con un filtro hoya ND400

Bien, hemos hablado de pasos y de su diferencia entre ellos. ¿Lo tienes claro? Veamos ahora cómo usarlo con filtros de densidad neutra sin graduación. Los valores de velocidad de obturación habituales se miden en fracciones de segundo, de modo que una velocidad de 1/125 será 2 veces más larga que una velocidad de 1/250, algunos visores/LCDs indican solo 125 y 250, así que no lo confundas. Fíjate en la tabla a continuación con las velocidades de obturación, a que te suenan muchas,¿verdad?. He llegado hasta 1/8s, podríamos haber seguido más. Luego ya pasamos a hablar de segundos (1,2,3,4,8,10,15,20,30, modo bulb).

Por otro lado veamos en la siguiente imagen los distintos filtros y los pasos que reducen con las nomenclaturas más utilizadas por los principales fabricantes:

Y a continuación, los pasos existententes entre las velocidades de obturación principales para usarlas con un filtro de densidad neutra (sin graduación):

Pongamos un ejemplo, con luz de día tienes la siguiente medición a f/16 obteniendo una velocidad de 1/250s. Acuérdate, que este valor cambiará si realizas una medición matricial, ponderada al centro o puntual, compruébalo porque tendrás un valor promedio distinto. En la primera parte hablamos de realizar la medidicón cielo suelo para un filtro degradado. Aquí con un filtro completamente neutro si la distribución de la iluminación es uniforme yo suelo usar matricial, en caso de ser un amanecer o un atardecer suelo medir la exposición ponderada o de forma puntutal en la zona brillante ya cuando ponga el filtro de 10 pasos es la que necesito expuesta correctamente y sin quemarse. Supongamos que nuestro filtro es de 10 pasos. En la casilla 2 está 1/250s, si vamos a la casilla 12 (10 pasos más) obtendremos la velocidad de obturación necesaria para nuestro filtro de 10 pasos, que en este caso será 4 segundos. Si nuestro filtro hubiera sido de 3 pasos, la velocidad obtenida sería de 1/30s. Esto también podemos usarlo para calcular la diferencia de pasos entre el cielo y el primer plano.

Resumiendo, en la fotografía de larga exposición son fundamentales los filtros de densidad neutra, pero hay que saberlos utilizar de forma correcta. Tener claros algunos conceptos y usar alguna de las tablas de velocidades nos puede ayudar a obtener mejores fotografías. En la próxima entrega hablaremos de algunos consejos más a tener en cuenta en la postproducción. Y, recuerda, el don está siempre en la mirada del fotógrafo.

En Xatakafoto:

• Guía para realizar fotografías de larga exposición (I)

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín

Las cámaras réflex actuales, en general, son fantásticas obras de la tecnología actual, aunque nunca permiten captar el mundo como nosotros lo vemos. Factores como la ISO, la apertura del diafragma o la velocidad del obturador nos permiten manipular esa realidad para conseguir en ocasiones un buen bokeh o bien una gran profundidad de campo, por poner un ejemplo. Un ejemplo muy claro de manipulación de la realidad supone realizar fotografías de larga exposición.

A veces un cielo muy iluminado nos impide captar solo una pequeña zona de detalle perdiendo detalle en las sombras del suelo y, por contra, las luces altas del cielo pueden aparecer quemadas. Normalmente las cámaras captan entre 5 y 7 pasos de contraste en una escena, quedando sin detalle todo lo que queda fuera de ese rango, aunque con la evolución de los últimos modelos este rango aumenta considerablemente, es un factor a tener en cuenta. Esto es fundamental en la fotografía de paisaje. Por eso es fundamental en la fotografía de paisaje y, en concreto, en la de larga exposición el uso de filtros de densidad neutra.

Precisamente, los filtros de densidad neutra son una solución al problema que planteábamos. Otra posible solución es para resolver el excesivo rango tonal en nuestras fotos es trabajar técnicas HDR, realizando distintas tomas de la misma escena para fusionarlas posteriormente en el postprocesado, esta técnica cuando me he olvidado el filtro suelo usarla bastante, eso sí usa un trípode para que la alineación de las tomas sea mucho más fácil. Los filtros de densidad neutra disminuyen la cantidad de luz que entra sin afectar en sobremanera a los colores. Cuanto mayor sea la calidad tiene el filtro menos pérdida de nitidez y menos dominante de color, que suele ser magenta, presentará nuestra fotografía. De todas formas, para mí, más que la dominante que puedes corregirla en postproducción es la calidad de imagen final que puedes obtener.

Fotografía de Tomás Peñalver en nuestro grupo de flickr, de 2 segundos de exposición.

Hace poco hablamos de como conseguir un filtro de densidad neutra por menos de 5 euros usando un cristal de soldador. Dicho artículo suscitó un gran interés. Si bien, es un filtro casero, con dominantes verdes o amarillas, es una solución práctica para iniciarse en este tipo de fotografía, si luego no te gusta pues solo te habrás gastado 5 euros. También suelen quitar muchos más pasos que los filtros comerciales de mayor densidad. Cierto es, que al ser cristales algo más gruesos que los filtros comerciales suponen una pérdida de cierta nitidez. Hemos de entender que cuanto menor sea la interferencia que ponemos delante del objetivo menos pérdida de calidad tenemos. Es por ello que los filtros de mayor calidad suelen ser muy delgados, reducen viñeteado y dominantes, aunque también son más frágiles, y se denominan slim, término inglés que, precisamente, significa eso: delgado. Veamos los tipos básicos que hay de filtros de densidad neutra:

• Empecemos explicando qué es un filtro de densidad neutra, pues básicamente es un filtro de un gris neutro más o menos oscuro. Así de simple. Cuanto más oscuro, menos deja pasar la luz. Pongamos un ejemplo muy sencillo: cuando la luz es muy fuerte, entra tanta luz a los ojos que no podemos ver, bueno, realmente vemos zonas quemadas, y este problema se soluciona con gafas de sol. Básicamente esto es lo mismo y lo puede entender todo el mundo. Los hay desde un paso de luz hasta 13 pasos los últimos modelos. Como cada marca usa distintas nomenclaturas lo veremos más adelante.

• También hay filtros de densidad neutra variables (vari o fader en inglés). Suelen ser circulares y para ser enroscados. Permiten, como un polarizador circular, variar la intensidad del filtro y seleccionar de esa forma el número de pasos de luz que deseamos quitar. Son filtros que, en sus principios, vienen del múndo del vídeo pero que han encontrado su aplicación también en la fotografía. Pueden ser muy útiles en una sesión al aire libre con la luz muy dura. Cuando tenemos una luz muy dura solo tenemos dos opciones, o cerrar el diafragma por lo que ganaríamos profundidad de campo (perdemos el fondo menos desenfocado) o subir la velocidad, este problema viene a ser resuelto por estos filtros. En realidad su funcionamiento es como usar un filtro polarizador circular y uno lineal (estos son más antiguos, por lo tanto más baratos, pero más difíciles de encontrar) acoplados el uno con el otro. Primero colocas el circular sobre el objetivo, y después el lineal sobre éste. Girando el anillo del filtro lineal se puede regular la cantidad de luz que llega al objetivo y listo.

• Un filtro degradado de densidad neutra mantiene gris neutro en la parte superior del mismo y de forma gradual, hacia la mitad, desaparece y es transparente. Nos permite compensar la exposición del cielo, más brillante, y el suelo. Los hay rectangulares o circulares para enroscar en el objetivo, aunque esto último es lo menos habitual. Una de las marcas más conocidas es Cokin, que fabrica unos filtros relativamente baratos aunque se rayan con bastante facilidad. Con estos filtros trabajamos poniendo la parte oscura del filtro sobre el cielo, lo que reduce la luz que pasa a través del sensor en esa zona, dando una menor exposición. La parte clara del filtro, que está cubriendo el primer plano, se mantiene sin cambios. Estos filtros son de dos tipos, con una graduación dura (HARD) de la transición de la parte oscura a la parte clara o graduaciones “suave”, donde la transición es más suave(SOFT). Los filtros con transición dura son más adecuados para trabajar con líneas muy definidas y horizontales en el horizonte como pueden ser los paisajes marinos mientras que los de transición suave son más adecuados para horizontes menos definidos, como cuando existen montañas.

• Un filtro degradado inverso de densidad neutra es igual que el anterior solo que en la zona central es más oscuro teniendo una transición también suave hacia la zona transparente. La razón de de esa zona central más oscura es hacerla coincidir con el atardecer o amanecer y compensar de esa forma esa zona del cielo especialmente brillante. Shingray, Lee o Hitech son algunas de las marcas que lo fabrican aunque también los anteriores. Trabajamos igual que con los anteriores tratanto de hacer coincidir la parte más oscura con la línea del amanecer o atardecer.

De acuerdo, pero cómo los usamos en la práctica. ¿Cómo ajustamos la exposición, la velocidad de obturación? Primero, y muy importante, como norma general, utilicemos la ISO más baja, que suele ser la de menos ruido también, que tenga nuestra cámara. La razón es que cuanto más baja sea la ISO menos sensibilidad a la luz tendremos, logrando así velocidades de obturación más lentas. Vayamos con los filtros. Trabajaremos primero con los filtros graduados que son los más utilizados de forma general. Lo primero que tenemos que entender y/o recordar es que el fotómetro de la cámara toma una lectura de la luz de toda la escena que vemos y realiza un promedio. Por eso hablábamos de usar el modo manual hace poco tomando este valor como una referencia y no una obligación.

Fotografía de Santos M. R. en nuestro grupo de flickr de más de 100 segundos de exposición

En primer lugar, es importante que entendamos un poco sobre la forma en que el fotómetro de la cámara trabaja para utilizar los filtros de manera efectiva. Las cámara más modernas miden mediante la lectura de la luz de toda la escena y dan un promedio. Como el rango de la cámara no puede cubrir la totalidad de la escena, este promedio está obligado a decir algún tipo de resultado, indicándonos sobreexposición o subexposición. Recuerda además los tres modos habituales de medición: matricial, ponderada al centro y puntual.

La manera más fácil entonces para medir una escena es mirar por el visor y encuadrar solamente el suelo. Con la cámara en manual medimos la exposición y, a continuación, reencuadramos la escena. Es decir, hemos medido la exposición del primer plano. En el caso de que tengamos que realizar una exposición prolongada de varios segundos seguramente tendremos que realizar varias tomas. Recuerda que aunque no te des cuenta, si estás al aire libre, las condiciones de iluminación no son totalmente constantes y pueden variar aunque, a simple vista no lo notes. Una vez medimos la exposición del suelo, apuntamos hacia el cielo para ver cómo de brillante es. Sin cambiar la apertura, variamos la velocidad de obturación hasta tener una exposición correcta según el fotómetro de la cámara. Esta diferencia nos ofrece el número de pasos para colocar nuestro filtro graduado.

Así si la diferencia es de 3 pasos, deberemos colocar un filtro graduado de 3 pasos. Veámoslo con un ejemplo: si la lectura del primer plano es 1/2s a f/8, medimos a continuación sobre el cielo obteniendo una lectura de 1/30s a f/8, esto es, 5 pasos más brillante que el primer plano. Teniendo en cuenta la regla de 5 pasos de rango dinamico que comentamos al principio, que suelen mantener casi todas las cámaras actuales. Así si mi velocidad base de obturación va a ser 1/2s, con un filtro graduado de densidad neutra de 3 pasos conseguimos meter el cielo dentro de ese rango dinámico de 5 pasos, perfectamente. Luego, si es más o menos oscuro o brillante podremos ajustarlo dentro de la postproducción. Así mantendremos toda la riqueza de colores del cielo y la del suelo, o primer plano.

Fotografía de Tomás Peñalver en nuestro grupo de flickr, de 90 segundos de exposición.

Por supuesto, una forma, mucho más exacta sería tomar diversas lecturas con un fotómetro de mano, desde las zonas más oscuras a las zonas más brillantes. Además, dependiendo del rango dinámico del sensor de tu cámara, irás conociendo cuánto puedes recuperar de luces y sombras desde el revelado RAW. Sí, porque para este tipo de fotografía es obligatorio disparar en RAW. Si aún piensas que no tiene importancia disparar en RAW lee este artículo donde te contamos la importancia de disparar en RAW.

En Xatakafoto:

• Guía para realizar fotografías de larga exposición (II)

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín