Con la llegada de la fotografía digital se abría un mundo por explorar para la gran mayoría de aficionados: la edición de imágenes. Hasta entonces bastaba con llevar el carrete al laboratorio más próximo para obtener copias impresas. Algo muy sencillo pero en el que la participación era limitada a elegir en papel brillo o mate, pero poco más. No había opciones creativas o de mejora si no pisábamos un laboratorio profesional o nos aventurábamos a realizar el positivado de modo casero, con el engorro de los químicos, las cubetas, etc.

En la fotografía digital, este campo es, precisamente el que más se ha transformado. Hasta el punto que muchos ni pisamos un laboratorio ni para el revelado digital. Ahora, con los archivos que almacenamos en las tarjetas de memoria, nos vemos explorando un nuevo mundo, estimulante y totalmente participativo, en el que nosotros somos los que decidimos el resultado final de nuestras propias fotos.

Para ello, nos tenemos que servir de una herramienta hoy día tan cotidiana en los hogares como un frigorífico o un televisor: el ordenador personal. Para muchos aficionados, la fotografía digital ha supuesto su primer acercamiento serio al mundo de la informática y para otros tantos, ampliar su campo de conocimiento en este terreno. El caso es que, algo tan simple como abrir un archivo de imagen en un editor de imágenes nos abre un universo de posibilidades de interacción con la imagen bidimensional, que hace de la fotografía digital una de las aficiones más velozmente extendidas del nuevo siglo XXI.

Como digo, la posibilidad de editar nuestras fotografías, por muy simple que sea el proceso, supone un enorme estímulo, en el que prolongamos el acto fotográfico, más allá del simple disparo, para obtener un resultado más satisfactorio, y al menos, con la opción de personalizarlo, que antes no existía (de forma generalizada).

La edición de imágenes puede partir y acabar en la propia cámara. No siempre es necesaria la intervención de nuestra computadora. Podemos recortar, mejorar y hasta imprimir copias de nuestras fotos directamente con la cámara. Pero es cierto, que si queremos tener algo de control y maximizar el resultado más óptimo, tenemos que editar las imágenes digitalmente en el ordenador.

Algo tan simple como mejorar una imagen subexpuesta, aumentar el contraste, eliminar el molesto efecto de ojos rojos o recortar adecuadamente hoy día es una acción cotidiana. El resto, lograr efectos visuales, virados y otras opciones creativas, son el paso de más que tenemos la opción de tomar si nos gusta la edición digital.

La herramienta principal es un ordenador personal, pero además necesitamos contar un programa que nos ayude a lograr la edición de las imágenes. Podemos usar el software gratuito que suele acompañar a nuestra cámara cuando la adquirimos, o bien barajar otras opciones, dependiendo de nuestros gustos y nuestros objetivos y exigencias. Hoy en día existe un amplio abanico de posibilidades, tanto en software de escritorio gratuito (como ya os hemos contado), como online (que también hemos recomendado), a través de servicios de internet que nos facilitan desde las tareas más sencillas a otras más complejas, e incluso el almacenamiento y la posibilidad de compartirlas con otros aficionados.

Pero centrándonos en la edición digital de imágenes, las tareas más comunes que se suelen llevar a cabo y que supondría una edición básica, y en muchos casos recomendables (sobre todo para mejorar los resultados obtenidos con sencillas cámaras compactas) son las siguientes:

• Enfoque. Podemos aumentar la nitidez de las fotografías, a menudo necesario si hemos tomado la imagen en modo automático.

• Subexponer o sobreexponer. Para oscurecer o aclarar las fotos tomadas en condiciones de luz complejas.

• Recorte y rotación. Para enderezar o eliminar elementos de la composición y encuadrar adecuadamente.

• Color. Podemos aumentar la viveza de los colores obtenidos o, por el contrario, desaturar la imagen para obtener el resultado en blanco y negro.

• Contraste. Es algo muy simple que mejora enormemente el resultado en la mayor parte de las imágenes obtenidas.

• Eliminar ojos rojos. Algo tan molesto como el efecto producido cuando disparamos con flash se puede eliminar con herramientas de uso muy simple y rápido.

• Renombrar y almacenar. Podemos añadir un nombre que nos sirva para tener ordenado nuestro archivo de imágenes y almacenarlo adecuadamente, así como guardar una copia a menor tamaño y resolución para visualización rápida o para compartir por correo electrónico.

Muchos de estos procesos los podemos lograr de forma automática, ya que casi todo los programas nos ofrecen esta opción de automatizar las mejoras más básicas. Pero si no nos conformamos con esto y queremos ir un paso más allá, podemos realizar otras operaciones habituales como:

• Aplicar filtros. Para lograr efectos desde sencillos a otros más complejos que transformen la imagen original.

• Aplicar máscaras con capas. Con las que podemos sacar el máximo partido a la totalidad de la imagen o de forma local, como suavizar el enfoque de un retrato.

• Eliminar ruido. Con el que intentamos disimular el ruido, ese granulado en forma de píxeles contrastados que suele ser molesto en zonas oscuras de la imagen. Aunque podemos disimularlo, también podemos potenciarlo para lograr otros efectos.

• Cambios de color. Podemos transformar los colores originales por otros para alcanzar resultados distintos. Además de lograr virados de la imagen a monotonos, bitonos, etc.

• Eliminación y clonado de elementos. A veces queremos borrar algunos objetos o elementos de nuestro encuadre o bien queremos repetirlos con algún fin. Hoy día es muy sencillo gracias al progreso de las herramientas de edición.

• Catalogación, geoetiquetado, conversión de formatos de archivo. Podemos añadir etiquetas, ampliar los datos EXIF e incluir los datos de geoposicionamiento a la hora de almacenar nuestras imágenes de forma útil, además de guardar copias de seguridad y convertirlas en otros formatos (JPEG, TIFF, PSD, DNG,...).

• Otras: panorámicas, HDR (imágenes de alto rango dinámico), enmarcar, incluir marcas de agua, etc. Operaciones que logran llevar más allá la imagen original y aumentar el nivel de personalización de las mismas.

Existen otras muchas operaciones en el proceso de edición de fotografías, pero todas ellas están destinadas a sacar el máximo partido de los resultados obtenidos con nuestra cámara. Dejamos para un apartado más avanzado de nuestro curso de fotografía, todo lo concerniente al revelado digital a partir de archivos RAW (programas, opciones), así como operaciones más concretas y avanzadas que se pueden aplicar con herramientas más potentes y algo más de habilidad y experiencia en la edición de imágenes digitales.

Fotos | De mi galería en Photoshop Express

En la anterior entrega del curso dimos algunos consejos para mejorar orientados a la composición. Como prometíamos, en esta segunda y última entrega nos vamos a la parte más técnica.

Nos vamos a parar en aspectos técnicos. Fórmulas con las que seréis capaces de solucionar algunos problemas comunes de la manera más “infalible” posible. Vamos allá:

TÉCNICA DL f/16
Para hacer exposiciones perfectas en días de pleno sol y cielo azul fija la apertura del diafragma en 16 y la velocidad de obturación que sea exactamente la misma que el valor de ISO.

Si tienes el ISO en 200 los valores de exposición serían 1/200 y f/16. Si tienes el ISO en 100, 1/100 y f/16. Así sucesivamente. ¡Verás que la exposición obtenida es perfecta!

OJO CON LA RELACIÓN ENTRE VELOCIDAD DE OBTURACIÓN Y DISTANCIA FOCAL
Debes saber que la mínima velocidad a la que puedes disparar con cualquier objetivo siempre responde a la fórmula 1/(distancia focal).

Si el sensor de tu cámara no es full-frame, deberás tenerlo en cuenta también. Si tienes un 300mm en una cámara con factor de conversión 1.5 podrás disparar a una velocidad de 1/450 (aceptando que tal velocidad de disparo exista en una cámara).

Esta regla es muy importante, aunque también lo son los estabilizadores de imagen y reductores de vibraciones que hoy en día incorporan los objetivos de gama alta o los cuerpos de algunas réflex.

Si eres afortunado y tienes un equipo estabilizado deberás tenerlo en cuenta, ya que además de jugar con la fórmula que acabamos de aportar juegas con la estabilización extra que aporta tu equipo.

Si necesitas disparar por debajo de la velocidad mínima a la que sabes que la foto no va a salir trepidada tienes dos opciones: usar un trípode o subir el ISO.

CUIDA TU ENFOQUE MANUAL PARA MAXIMIZAR LA NITIDEZ
Ya sabemos que hay ocasiones en las que es mejor enfocar en modo manual que hacerlo en automático. Es en estas ocasiones cuando la técnica que estás a punto de aprender se hace imprescindible.

Consiste en hacer el máximo zoom posible sobre el objeto que vamos a fotografiar para enfocarlo. De esta manera el enfoque será más preciso. Una vez lo tenemos enfocado el objeto, podemos volver a la distancia focal que hayamos elegido para disparar y hacerlo con la certeza de que el objeto, si no se ha movido, estará perfectamente enfocado.

A veces el ojo no es todo lo fino que nosotros quisiéramos. Interiorizar este tipo de técnica nos ayudará a no llevarnos tristes sorpresas al llegar a casa y ver el material que traemos en nuestra cámara.

NO SIEMPRE ISO100 ES MEJOR QUE ISO200…
Generalmente tenemos interiorizado que a menor ISO, más calidad tendrán nuestras imágenes. No es mentira, pero tampoco es del todo cierto.

En ocasiones puedes encontrarte con que los bordes de los objetos que aparecen en las zonas de alto contraste de la imagen tienen color.

Este problema se lo solemos achacar a los objetivos. Que si no es demasiado bueno, que si produce aberraciones cromáticas, que si…

Prueba a subir el valor de ISO a 200, verás que lo habrás solucionado.

¿DISPARO CON TRÍPODE O CON LA CÁMARA EN LA MANO?
La decisión de disparar con trípode o con la cámara en la mano también está directamente relacionada con la velocidad de obturación.

A no ser que tengas una cámara estabilizada, o objetivos que lo están, una buena pauta a seguir puede ser que todo lo que baje de 1/40 debe hacerse con trípode.

Quien dice un trípode dice una superficie sobre la que apoyar la cámara, una beanbag… lo que quiera que vayas a usar para mantener la cámara estable es necesario cuando disparas a velocidades lentas para evitar fotografías trepidadas.

Fuera de la composición y de la técnica, pero estrechamente relacionado con ellas, no dejéis de analizar las fotos que os pasan por delante. Desde lo que véis desde el autobús en los carteles de la calle, en las revistas, en Flickr…

Ver muchas fotos, disfrutarlas, destripar cómo han podido hacerse y entender por qué funcionan o dejan de hacerlo te dará tablas a la hora de producir imágenes potentes propias.

No te cierres a hacer cosas nuevas. Nunca desprecies ninguna forma de actuar de otros que no hubieras albergado antes. Valórala. Puede que no te hubieras parado a pensar en eso y adoptando esa nueva práctica amplíes tus horizontes fotográficos.

Y, por último, aunque te suene a autobombo, no dejes de leer Xataka Foto. Es muy beneficioso, pues te mantiene en un estado de “formación continua” que te hace absorber información constantemente, y esto producirá resultados positivos en tus fotos en un plazo más corto del que imaginas.

Tras más de 35 entradas de nuestro curso de fotografía, estoy seguro de que todos vosotros tenéis ya bien claro qué es una cámara, cómo funciona y qué posibilidades tiene.

A estas alturas es probable que hayáis disparado cientos, si no miles, de fotografías haciendo pruebas, asentando conceptos e interiorizando el funcionamiento de la cámara a medida que avanzaba el curso. Fenomenal.

Pues bien, este es el momento perfecto para incorporar a nuestro repertorio teórico ciertos trucos que, si bien solos no servirían para nada, con un buen manejo de la cámara, su dominio os llevará un paso más allá.

Esta entrega del curso se divide en dos entradas. Ambas centradas en pequeñas “recetas”, si me permitís llamarlas así, cuyo control podrían suponer la diferencia entre una ocasión perdida y una gran foto.

En esta primera entrada vamos a refrescar algunos conceptos básicos de composición que os ayudarán a lograr imágenes más potentes.

En la siguiente entrada, la segunda y última de esta entrega del curso, nos centraremos más en aspectos puramente técnicos. Fórmulas con las que seréis capaces de solucionar algunos problemas comunes de manera “infalible”.

Creo que ya hemos dicho por aquí que hacer una foto es como componer una frase. Los elementos gráficos son las palabras y las normas de composición equivalen a la gramática que nos enseña cómo ordenarlas.

Sí, es cierto, las normas están para romperse. Y con esta sucesión de ellas nadie debería sentirse atado a un único modo de hacer las cosas. Pero para romperlas primero hay que conocerlas y dominar bien el medio.

Por ello, echemos un vistazo a estas “recetas”:

LA LEY DEL HORIZONTE
Por su nombre podría ser un western, pero no lo es, es una regla fotográfica. Cuando fotografíes paisajes presta atención al horizonte. ¿Dónde lo vas a colocar?¿Cómo va a aparecer? Son dos preguntas que necesitan respuesta:

En pocas ocasiones funciona, así que nunca, nunca coloques un horizonte en mitad de la foto. Divide el encuadre en dos zonas iguales en las que no hay ningún tipo de jerarquía. Para solucionarlo hay dos opciones:

• Mostrar en un tercio de la foto el suelo y en los dos tercios restantes cielo.
• Justo lo contrario, dos tercios de suelo y uno de cielo.

Como supones, lo que transmite una foto en ambos casos no es exactamente lo mismo. Encuadres en los que aparece más suelo sugieren más cercanía a lo terrenal, mientras que encuadres en los que aparece más cielo sugieren al espectador una sensación más etérea.

En cualquier caso, que esta regla juegue a favor de lo que quieras mostrar. Por ejemplo, ¿En un atardecer? Mostraremos casi siempre más cielo. En un paisaje costero, más suelo.

El horizonte siempre se debe presentar recto. Más todavía cuando se trata del mar. Un mar torcido puede dar al traste con un buen paisaje. Parecería que se vacía por el lado hacia el que está inclinado.

Foto de fmc.nikon.d40
LA REGLA DE LA DIRECCIÓN O DEL MOVIMIENTO
Si pretendes captar en una foto un objeto que se esté moviendo debes tener en cuenta que, sobre todo si lo que quieres es dar esa sensación de dinamismo, deberás dejar más espacio en la zona a la que se dirige el objeto que en la zona por la que supuestamente ya ha pasado.

Las fotos que siguen este esquema funcionan mejor, pues invitan al cerebro humano a percibir que el objeto discurre por la foto.

El concepto de esta regla es muy similar al de la siguiente.

Foto de *Zara

LA LEY DE LA MIRADA
Simple y llanamente esta ley insiste en que debe haber más espacio en el cuadro en la zona a la que mira el sujeto fotografiado que en la que está fuera de su campo de visión.

Foto de *Zara

LAS DIAGONALES
Cualquier cosa puede convertirse en una diagonal. Las líneas de la carretera, las ramas de un árbol, el mástil de una guitarra… las opciones están al alcance de nuestra imaginación.

Podemos conseguir diagonales de múltiples maneras. ¿Por qué no usarlas? Son poderosísimas para guiar la vista del espectador hacia los puntos de interés de las imágenes.

Hacen las composiciones más dinámicas y su intersección crea puntos de interés. No las desestimes.

Fotos de Mikelo y Bensonkua

EL MÍTICO “MENOS ES MÁS”
Os lo decimos con frecuencia en los duelos. Generalmente, en fotografía, menos es más. No tratéis de llenar una foto con todo lo que tenéis delante. Pensad en términos de composición.

Antes de disparar analizad qué cosas de la escena son interesantes, cuáles prescindibles o cómo funcionan unas con otras.

Siempre suele resultar mejor tomar varias fotos con los distintos detalles que contiene una escena consiguiendo que cada foto nos cuente algo que tratar de hacer una foto general para apreciarlo todo.

Esto está en estrecha relación con el próximo y último consejo.

Fotos de Oze| y NickStarr

LLENA EL ENCUADRE
Evita cualquier tipo de distracción y obliga al espectador a centrarse en el motivo que le queremos mostrar, única y exclusivamente. ¿Que cómo lo haces? Llenando el encuadre.

No dejes espacio para nada más que para lo que quieres mostrar. No des opción al espectador a irse por los cerros de Úbeda. Muéstrale sólo lo que quieras que vea.

Foto de *Zara

Seguiremos en la próxima entrega metiéndonos en un terreno un poco más técnico. ¡No os la perdáis!

En este nuevo capítulo de nuestro curso de fotografía digital de Xataka Foto vamos a centrarnos en los tipos de archivos de imagen que se utilizan. Existen varios tipos con características distintas y para utilidades diferentes. También nos referiremos a aspectos relacionados con los archivos como la compresión, el tamaño, ventajas, inconvenientes, pero sobre todo conocer bien cada uno para que tengamos claro cuál usar según nuestras necesidades en cada momento.

Desde que la fotografía digital fue tomando cada vez mayor auge, los tipos de archivos también han ido variando, algunos continúan, pero lo cierto es que se van adaptando a las tecnologías y necesidades que van surgiendo, a la mayor capacidad de procesamiento de las cámaras y también de los programas y los equipos informáticos. Lo que significa que, probablemente, dentro de algún tiempo podamos disponer de nuevos tipos de archivo o variaciones de los que actualmente manejamos.

Un aspecto que puede justificar en cierta medida esta nueva entrega de nuestro curso, es que muchos aficionados a la fotografía digital se han tenido que aproximar a la informática y los ordenadores, por lo que el conocimiento de los tipos de archivo se ha ido produciendo a la par que se conocía los aspectos de lo digital en las imágenes. Pero vamos a ir al grano y centrarnos en los archivos.


A muchos nos sonarán archivos tipo GIF, PSD, PNG, TIFF, DNG, RAW y JPEG, éste último el más extendido y utilizado desde que internet se extendiese. Y algo menos otros como HD Photo, DjVu y OpenDocument.Todos ellos pertenecen a imágenes digitales y con características distintas entre ellos. Vamos a describirlos:

GIF
Es un formato diseñado por Compu Serve y son las siglas del inglés Graphic Interchange Format (Formato Gráfico de Intercambio), puede almacenar hasta 256 colores, por lo que pertenece a imágenes muy sencillas, como dibujos, rayas, tramados y su peso es mínimo. Es multiplataforma y se usa habitualmente en internet para logotipos (soporta animación), aunque debido su simpleza, es menos frecuente cada día.

PNG
Portable Network Graphics en un formato gráfico basado en un algoritmo de compresión sin pérdida, fue desarrollado para solventar las carencias del GIF y permite mayor profundidad de contraste. Es un formato sin perdida de calidad con una excelente compresión, ideal para imágenes formadas por grandes áreas de color plano o con pocas variaciones de color (y soporta transparencias). Sus características lo hacen ideal para su uso en internet, pero no ha tenido la expansión que se esperaba (algunos navegadores no lo visualizan correctamente).

PSD
Es un archivo creado por el famoso y extendido programa de edición y retoque fotográfico Adobe Photoshop. Es su archivo nativo y por ello su uso se limita a este programa (aunque otros también lo pueden abrir).

TIFF
Tagged Image File Format (su extensión es TIF) es un formato de imagen de alta resolución basado en etiquetas. Se utiliza para el intercambio universal de imágenes digitales y es ampliamente usado, y puede ser monocromático, escala de grises o color de 8 y 24 bits. Puede comprimirse (aunque no lo recomiendo) y es ideal para la fotografía digital, aunque cada vez se usa menos en el proceso fotográfico. Hasta hace poco algunos modelos de cámaras (sobre todo réflex) trabajaban con este formato, pero ha ido perdiendo terreno en favor del JPEG. Desventajas: ocupan mucho espacio y no permiten cambiar valores como balance de blancos o la exposición. Por contra su ventaja es que es ampliamente aceptado por los programas de edición, su uso está muy extendido y no ofrece pérdidas cada vez que se guarda una y otra vez.

JPEG
Joint Photographic Experts Group identifica archivos que contienen imágenes y es el más utilizado para almacenar, presentar y compartir fotografías. Fue diseñado para comprimir imágenes con 24 bits de profundidad o en escala de grises. Es un estándar para el manejo de imágenes en internet y, por ello, su uso se ha expandido, junto con el auge de la fotografía digital. Es el tipo de archivo que producen la casi totalidad de las cámaras fotográficas y usa las siglas JPG en su extensión.

Cuando la cámara toma una imagen en formato JPEG le aplica algunos parámetros al procesarlo, como ajustes de nitidez, reducción de ruido, contraste, saturación, etc. Por lo que cada cámara lo hará de una forma distinta. Actualmente la enorme resolución de las máquinas casi obliga a utilizarlo, ya que generan archivos enormes y con JPEG tenemos una compresión (con pérdida).

Sus principales ventajas son: no necesita un procesado posterior, ocupan menos espacio, son compatibles con todos los programas y se visualizan en distintas plataformas, los disparos en JPEG son más rápidos y permite a la cámara mayor velocidad de procesado por lo que son ideales para disparar en ráfagas, con la menor compresión ofrece una calidad alta (si se ha tomado la imagen con parámetros de exposición y balance de blancos adecuados) sin necesidad de retoque. Como desventaja principal está el hecho de que su compresión es con pérdida de calidad, que va creciendo conforme guardamos sucesivamente el mismo archivo, además de que nos permite poca flexibilidad.

RAW
Es un formato de imagen en bruto utilizado por las cámaras digitales y contiene toda la información original capturada por la cámara (no suele tener compresión, aunque algunos fabricantes la incorporan). Concebido más como un concepto, caada fabricante utiliza su propio archivo RAW (no hay un estándar predominante y existen casi un centenar, variando incluso dentro del mismo fabricante en distintos modelos) que se puede distinguir por sus extensiones: RAF (Fuji), CRW (Canon), NEF (Nikon), ORF (Olympus), PTX (Pentax), RAW (Panasonic), ARW (Sony),... Requiere ser procesado (revelado) por un software que lo soporte y suele ser denominado el negativo digital (por su analogía con la fotografía tradicional).

La tendencia actual de la fotografía digital va encaminada a extender el uso de los archivos RAW, puesto que permiten un gran control por parte del usuario, por contener datos sin procesar desde el sensor de la cámara. Técnicamente no son archivos de imagen aún, puesto que deben ser procesados por un programa que interpreta los datos. Por cierto, cada software lo hace de una forma distinta, por lo que el resultado puede variar si se abre con Adobe Camera Raw, con Apple Aperture (por poner algunos ejemplos) o con el programa que cada fabricante nos facilita con la cámara.

Sus principales ventajas son la flexibilidad, permite ajustar el balance de blancos, así como la exposición, iluminación, etc. Como desventaja está la mencionada falta de estandarización, que requieren su procesado por un programa compatible y requiere convertirlo a otro formato para compartirlo a través de internet, por su enorme peso.

OpenRAW
Surgió en 2005 como un intento de estandarización de los formatos RAW, siendo abierto, libre y no propietario. Ante la guerra de formatos fotográficos se postula como la alternativa más racional, ya que los ficheros RAW de cada fabricante son cerrados.

DNG
Digital Negative, es un tipo de archivo creado por Adobe (aprovechando la escasa expansión del OpenRAW) como necesidad para generar un estándar de archivos fotográficos tipo RAW y preservar archivos de cara al futuro, por si algún fabricante dejara de ofrecer servicio de su formato. Permite gran flexibilidad para trabajar las imágenes en cualquier sistema y utiliza compresión sin pérdida.

Como hemos mencionado, los caminos que va tomando la fotografía digital va desechando unos formatos en favor de otros, en favor de mayor flexibilidad, estandarización y facilidad de manejo. Es posible que dentro de unos años se consiga un formato universal, para el que openRAW o DNG (u otro RAW genérico que aparezca) es el ideal, pero se trata de un empeño complicado por diferir los distintos intereses de los fabricantes. Hoy en día los archivos JPG y los RAW son los más extendidos y no hay uno mejor que otro, ya que unos se adaptan mejor a las necesidades de un tipo de usuarios, pero hay que reconocer que es recomendable utilizar archivos en bruto, aunque obligue a tener cierto conocimiento de procesado y requiera más tiempo de manejo.

En entregas posteriores entraremos más de lleno en el mundo del RAW, mucho más complejo y con una gran problemática de cara al futuro.

Foto | JulianBleecker

Por ese orden necesariamente. Vamos a ver en primer lugar como debemos proteger siempre nuestros objetivos, y luego veremos que productos usar para limpiarlos. Esta entrada está pensada para objetivos réflex, pero servirá de ayuda también para cámaras ultrazoom y compactas.

Lo primero es adquirir un buen habito; siempre que no estemos usando un objetivo hagamos uso de los dispositivos de protección exterior, también conocidos como tapas. Parece obvio, pero a veces se nos olvida que las tapas están para algo.

No sólo evitamos romper alguna de las lentes o rayarlas, la frecuencia con que las limpiemos se verá reducida. Y dado que algunas lentes están recubiertas de barnices antipolvo o antireflectantes, cada vez que las limpiamos vamos reduciendo esas capas protectoras, y aumentando la posibilidad de rayarlas con la limpieza.

No sólo debemos proteger las lentes, el objetivo en si también puede recibir golpes o ensuciarse. Necesitamos una maleta o bolsa de transporte para mantener los objetivos en un lugar protegido. Más que obsesionarnos con la limpieza, vamos a hacerlo con la precaución y la protección del equipo.

Pero pocas fotos vamos a hacer con los objetivos guardados y las tapas puestas. Cuando montamos un objetivo en la cámara, la lente interior es la que menos tiempo sufre el ataque de la porquería, ya que enseguida le quitamos la tapa, montamos el objetivo y queda protegida. Pero la lente exterior ahí queda, sin protección ante los golpes y la suciedad.

Fotografía de atomicjeep

Por una sola lente no podemos desgraciar todo el objetivo. Así que una de las cosas que podemos hacer es proteger esa lente con un filtro protector. Que será el encargado de absorber todo lo malo que pase por delante de nuestro objetivo, ya hemos visto lo que puede pasar. La opción más común es un filtro Ultra Violeta (UV), que además filtrará los rayos ultravioleta, otra opción más económica son los filtros SKY, que sólo filtran un 50% de los rayos UV.

Es cierto que no parece tener mucho sentido colocar al frente de toda la óptica de un objetivo, un cristal de tan baja calidad. Pero puede que algunos prefiramos sacrificar un poco de calidad a cambio de esa protección. Echadle un vistazo al capítulo del curso sobre filtros.

Fotografía de turetutillo

De forma irremediable, las lentes se ensucian y hay que limpiarlas. Os voy a contar lo que yo hago para limpiarlas, luego cada uno puede tener sus trucos. Con las lentes de los objetivos no me la juego, así que no me valen remedios caseros y “económicos”. Un kit de limpieza para objetivos suele costar unos 10 euros como mucho, nada que no nos podamos permitir.

El kit de limpieza suele llevar una perilla de aire, líquido limpiador, una gamuza y papel de seda. Vamos a ver como usarlo todo:

• En primer lugar usaremos la perilla para soplar todo el polvo que puede haber en la superficie y alrededor de la lente, no vale soplar con la boca, que podemos dejarla peor de lo que estaba. Conjuntamente se suelen usar cepillos para retirar la suciedad más superficial. Los bastoncillos de algodón no me parecen una buena opción para nada.

• Ahora humedecemos la gamuza con el líquido. Suelen ser sprays, así que con pulverizar una vez o un par es suficiente. Con la gamuza mojada limpiamos bien la lente de todo el polvo, grasa y porquería en general que pueda tener. No se vierte el líquido directamente en la lente para evitar que pueda entrar por los bordes hasta el interior del objetivo.

• Enseguida usamos el papel de seda para secar los restos de humedad que puedan quedar del líquido, y dejamos bien seca la lente. No dejéis secar el líquido sin pasar el papel de seda, pues puede quedar el rastro del líquido. Lo podéis comprobar mirando al trasluz, y si aún así siguen quedando restos, pasaremos el papel de seda bien seco de nuevo.

No uséis otros líquidos que no estén indicados para limpieza de lentes. No es lo mismo un producto de limpieza para cristales que para lentes.

Y por último, tened cuidado a la hora de cambiar de objetivos, no se imagina uno lo que pueden llegar a resbalar.

En esta entrega del curso, que no descansa ni en el mes de agosto, vamos a hacer un repaso a algunos de los accesorios más habituales y útiles para todos los aficionados a la fotografía. Existen decenas de ellos, algunos más necesarios que otros según el criterio que se utilice. Puedes aprovechar los comentarios para añadir aquellos que creas que deban estar en este post y no los hayas encontrado.

Dejémonos de cháchara y vayamos algrano:

Trípode: Si tuviera que elegir un accesosio indispensable éste sería el trípode. Este soporte de tres patas nos permite dejar sujeta nuestra cámara y que no se mueva cuando disparamos. Necesario para la fotografía nocturna y en otras condiciones de poca luz, es decir, cuando necesitamos un tiempo de exposición más largo de lo que podemos aguantar a pulso sin movernos. Perfecto también para autorretratos. Existen una buena variedad de trípodes, desde los clásicos a los tan pequeños que son de bolsillo. Mi consejo es que te gastes el dinero comprando uno de calidad, resistente y ligero. Puedes dar un vistazo a las entradas que hemos hecho relacionadas con el uso de trípodes aquí.

Fotómetro: El fotómetro esun dispositivo electrónico que mide la cantidad de luz que incide un un punto determinado. Tu cámara digital dispone de fotómetro, pero de los que hablamos hoy aquí son los externos. Se utilizan habitualmente (aunque no únicamente) en fotografía de interiores o estudio y en retrato. La medición será más exacta y precisa que la del fotómetro de tu cámara y te dará los valores de apertura del diafragma y velocidad de obturación necesarios para hacer la foto con éxito (indicando la velocidad de la película de antemano). Es un accesorio más bien profesional.

Brújula: Este accesorio es una elección muy personal mía. Yo encuentro de lo más útili llevar una brújula en mi bolsa para que al encontrar una localización pueda saber el recorrido del sol y decidir cual es el mejor momento para tomar fotos allí según la luz que haya. Baratas y pequeñas, todo ventajas.

Disparador remoto: Casi casi tan indispensable como el trípode si acostumbras a usarlo. Estos pequeños dispositivos te van a permitir disparar fotografías sin tocar la cámara, lo que se traduce en que no la vas a mover ni un solo milímetro mientras hagas fotos con exposiciones largas. Por supuesto también es perfecto para los tan de moda autorretratos. Los puedes encontrar con cable (que va conectado a la cámara) o lo que se llamaría un disparador remoto que carece de este elemento y te dará más libertad.

E incluso existe una gama alta (y cara) de estos artículos si poseen otras características como la de programar disparos a intervalos de tiempo determinados. Pero si lo que quieres es el disparador más simple, altamente recomendado comprarlo en ebay.

Transporte: Junto al filtro AV y una batería de recambio, lo primero que debes comprarjunto a tu cámara es una bolsa de transporte. Las podemos encontrar de todos los tamaños, en función de los elementos de nuestro equipo a transportar. Aquí también te recomendaremos que no intentes escatimar dinero, pues las casas especializadas en estas bolsas las construyen de calidad y resistentes (lo que nos puede ahorrar algún disgusto). En XatakaFoto hemos hablado sobre bolsas de transporte.

Filtros: Simplemente os recuerdo a los despistados que en nuestra anterior entrega del curso os mostramos un vídeo sobre los filtros.

Cajas de luz, paraguas, reflectores, difusores…: Estos accesorios son herramientas que se utilizan para manipular la luz, de un flash o un foco, en función de nuestros intereses: Suavizarla, reflejarla, hacerla rebotar, etc. Son accesorios que normalmente se utilizan en el estudio. Aunque esto es una verdad a medias, ya que los reflectores (para reflejar la luz, ¿has probado con una cartulina blanca?) y difusores (para suavizar la luz del flash) también pueden utilizarse en exteriores.

En esta nueva entrada de nuestro curso de fotografía vamos a conocer los tipos de filtros y para qué sirve cada uno. En el vídeo que váis a ver a continuación observaréis que los hemos dividido en dos grandes grupos:

• Los que se pueden enroscar en el frontal de nuestro objetivo, esto es, los filtros de rosca.

• Los que se colocan con un portafiltros.

Sea cual sea el sistema de filtros que utilices, ya sean de rosca o con portafiltros, verás que algunos de los más útiles son el UV o ultravioleta, el ND o de densidad neutra y el polarizador. En este vídeo puedes verlos en funcionamiento para conocer para qué sirven:

Os podéis preguntar cuál es el mejor sistema. Cada uno tiene sus pros y sus contras. Los filtros de rosca están concebidos para un determinado diámetro de objetivo, por lo que es probable que si usas objetivos diferentes los diámentros sean diferentes también. Por lo que tendrás que duplicar filtros iguales, que no siempre son baratos, para cubrir tus necesidades.

Los portafiltros se suelen adaptar a diferentes diámetros, por lo que podrás usar un mismo filtro con objetivos de diferentes diámetros. Por ello quizás sea más inteligente invertir en este tipo de filtros que en los de rosca.

En cualquier caso, elijas el sistema de filtros que elijas, es recomendable llevar montado en todos los objetivos un filtro de rosca UV o Skylight a modo de protección de la primera lente. De esta forma evitarás rallazos, el polvo o un mal golpe. Siempre es preferible romper un filtro, por bueno que sea, que un objetivo. Además no evitan que puedas usar un portafiltros también.

Los filtros no suelen ser baratos, pero es una inversión necesaria. Piensa que si te estás gastando un buen dinero en un objetivo, ponerle delante, por ejemplo, un filtro protector malo puede dar al traste con la calidad óptica del objetivo.

Como comentamos en el vídeo, con el ordenador podemos arreglar muchas fotos, pero no hay nada como una foto bien hecha dese el momento de disparar para sacarle el mayor partido a nuestra cámara. Y en esto, los filtros, te pueden ayudar.

Seguimos paso a paso con nuestro curso de fotografía. En los dos últimos capítulos os hemos hablado de los conceptos, y de los tipos de flash, y hoy para acabar este apartado vamos a ver, de manera general, los modos de flash que prácticamente todas las cámaras y los flashes externos tienen.

Los modos principales en los que un flash puede funcionar son los siguientes:

• Flash Automático
• Flash de reducción del efecto de ojos rojos
• Sincronización lenta (1ª cortina y 2ª cortina)
• Flash de relleno
• Flash desactivado

Cuando le echamos un vistazo a los modos de un flash nos encontraremos con símbolos como estos:

En función del modelo de la cámara el dibujo será uno u otro, aunque siempre serán parecidos, por lo que veamos que significa cada uno de ellos:

1. Flash Automático:
Cuando ponemos este modo, el flash saltará automáticamente cuando tengamos malas condiciones de luz, ya sea porque esta sea baja o tengamos un fuerte contraluz.

2. Flash de reducción del efecto de ojos rojos
Seguro que en muchas ocasiones habéis hecho fotos con flash y os ha salido el terrible efecto de ojos rojos del que ya os dimos algunos consejos para evitarlo.

Una de esas formas es con el modo reducción de efecto de ojos rojos del flash que básicamente consiste en que el flash emite unos destellos previos al disparo, provocando que la pupila se dilate contraiga, y evitando así este indeseable efecto.

3. Sincronización lenta (1ª y 2ª cortina)
Normalmente, cuando disparamos con flash, las velocidades de obturación no pueden ser menores de ciertos niveles, para evitar posibles vibraciones de la cámara. Este modo de flash, sin embargo esta diseñado precisamente para esto, para velocidades de obturación lentas.

Se usa principalmente en retratos nocturnos, cuando queremos que el fondo no quede subexpuesto, creando fotografías nocturnas muy interesantes, con una correcta exposición tanto del fondo, como del sujeto principal. Recordad que al usar velocidades lentas, debeis estabilizar la cámara con un trípode.

Cuando hablamos de 1ª cortina queremos decir, que el golpe de flash se produce justo después de que se abra el obturador y de 2ª cortina cuando, al contrario, el flash se dispara justo antes de cerrarse el obturador (recordad que hablamos de velocidades lentas)

Jugando con la 1ª cortina y la 2ª cortina podemos conseguir diferentes efectos. Por ejemplo, si tenemos una escena de un coche circulando de noche y usamos la 1ª cortina conseguiremos congelar el coche al principio y nos quedará una estela de las luces por delante del coche (el recorrido que haga el coche mientras esté el obturador abierto). Sin embargo si usamos la 2ª Cortina, la estela de las luces nos quedará detrás, ya que el flashazo se producirá al final, congelando el coche en su última posición

4. Flash de relleno
En este modo, el flash disparará siempre, independientemente de las condiciones de luz que haya. Es muy útil para eliminar sombras o zonas oscuras indeseadas, por ejemplo en fuertes contraluces

5. Flash desactivado
Bueno, no creo que necesite explicación. Simplemente no disparará el flash, aunque haga falta, por lo que debemos estabilizar la cámara si las condiciones de luz no son buenas.

Por último decir que en ocasiones pueden combinarse algunos de estos modos, como por ejemplo el modo sincronización lenta en 1a cortina con el modo reducción de ojos rojos, con el que conseguiremos un retrato nocturno, perfecto.

Así que ya sabéis, a repasar los manuales y a practicar con el flash, seguro que ahora le sacáis más partido.

Una vez que hemos visto, que es un flash y en que consiste su funcionamiento vamos a meternos un poco más en los tipos de flash que existen en el mercado.

Gracias al flash, uno puede disponer de una fuente de luz cuando le plazca. Sin embargo, si queremos sacarle todo el partido posible a esa fuente de luz, debemos complicarnos un poco la vida. Hay diferentes clases de flash, y cada uno, bien usado, puede ser idóneo para un tipo de fotografía, y puede permitirnos lograr resultados muy distintos. En este capítulo comentaremos inicialmente las características de un flash integrado, y a continuación nos centraremos en los flashes compactos, que son los más populares, tratando de clasificarlos en función de sus prestaciones. Por último, dedicaremos también unas líneas al flash anular, idóneo para la fotografía macro.

Llamamos flash integrado al que incorporan las cámaras compactas y la mayoría de las cámaras réflex. Sus principales características son:

• Al estar incluido en la cámara, supone un importante ahorro, y la comodidad añadida de poder recurrir siempre a él.


• La fuente de luz suele ser pequeña, por lo que en retratos y fotografías a objetos cercanos puede crear unas sombras muy duras, que tal vez no nos gusten desde un punto de vista artístico.


• Además, suele estar próxima al objetivo. Por esta razón la luz proyectada es muy plana, y a veces da la impresión de reducir el volumen del sujeto que estemos fotografiando. En un retrato, por ejemplo, nos mostrará unas facciones más planas. Esta iluminación tiene siempre un aspecto artificial.


• En la mayoría de cámaras compactas este flash funciona de modo automático. Esto puede suponer una limitación si queremos hacer fotografías con una iluminación más o menos intensa de lo normal, puesto que no podremos configurarlo manualmente. En la mayoría de cámaras réflex, sin embargo, aunque el flash integrado es igualmente automático, se puede configurar parcialmente la intensidad de la exposición desde los menús de la cámara.


• Su potencia es bastante limitada. Esto significa que a partir de cierta distancia, será difícil que consigamos iluminar correctamente la escena. Es por esto que, si no tenemos cuidado, podremos tener fotos trepidadas o subexpuestas.


• En cualquier caso, si necesitamos el flash para iluminar una escena cercana (un retrato de grupo, por la noche, por ejemplo) a modo de recuerdo y sin mayores pretensiones artísticas, este es nuestro flash, sin duda.

Pese a ser una herramienta sencilla y poco configurable, el flash integrado nos puede sacar de algún aprieto, sin mayores complicaciones. La mayoría de cámaras compactas no permiten utilizar otro flash diferente a este.

El flash compacto es un dispositivo independiente que se conecta a la cámara por medio de una zapata situada en la parte superior de ésta. Todas las cámaras réflex disponen de una zapata para la conexión de este tipo de flash, al igual que unas pocas cámaras compactas de gama alta. Dentro de los flashes compactos los hay de diferentes gamas y prestaciones.

Para simplificar, podemos decir que las principales características de un flash compacto BÁSICO son:

• La antorcha es mayor y está más elevada, lo que supone tener una fuente mayor de luz. Esto es importante porque aunque las sombras siguen siendo duras, lo son algo menos que con el flash integrado. Muchos además incorporan un difusor extraible, que se puede usar para iluminar uniformemente una escena de gran angular.


• Tienen una mayor potencia (número guía), y por ello un mayor alcance. Además, suelen tener mayor velocidad de refresco.


• Generalmente, el cabezal puede bascular en los ejes horizontal y vertical. Esta es, probablemente, la característica más importante, puesto que nos permitirá “rebotar” el disparo del flash contra paredes y techos, consiguiendo así una iluminación, no sólo más difusa y equilibrada, sino también personalizada. Del mismo modo que un flash frontal puede aplanar un sujeto, un flash rebotado puede aumentar su volumen y texturas. Gracias a esto conseguiremos una luz mucho más natural, y las posibilidades creativas del uso del flash se multiplican. Ya no estamos hablando de usar el flash cuando no hay luz, sino de modelar ésta a nuestro gusto.

Las prestaciones de algunos modelos son superiores y muy variadas. Podemos decir que las principales características de un flash compacto AVANZADO son:

• Un flash compacto de gama alta generalmente puede usarse con control manual. Esto puede parecer innecesario cuando simplemente queremos hacer una foto con un flash frontal montado en la cámara, pero sin embargo puede aportarnos una flexibilidad enorme cuando trabajamos en estudio o combinamos varios flashes o accesorios.


• Un flash avanzado suele ser sinónimo de mayor potencia, mejor construcción y mayor velocidad de refresco. Esto nos permitirá conseguir la luz deseada a mayores distancias, o con diafragmas más cerrados, y utilizar además el flash en fotografías en ráfaga.


• Mayor velocidad de sincronización. Esto es muy útil cuando queremos hacer fotografías en las que tratemos de “congelar” la escena a altas velocidades de obturación.


• Sincronización con otros flashes, por medio de la configuración de esclavo y maestro. Un flash maestro es aquel capaz de disparar de forma simultánea uno o más flashes esclavos. Esta características nos puede abrir muchas puertas a la hora de iluminar correctamente una escena creativa, un objeto para catálogo, o un retrato de estudio. Tal vez queramos iluminar un lado de la cara del modelo, al mismo tiempo que le damos brillo a una parte de su pelo e iluminamos las sombras o el fondo desde otro punto. Conviene saber que existen accesorios como fotocélulas o disparadores por radio que permiten esta sincronización con flashes más económicos y sencillos.


• Algunos flashes de estas características pueden ser disparados desde fuera de la cámara, bien a través de un cable sincro o de conexión inalámbrica, si ambos, cámara y flash, lo permiten. ¿Quién dijo que el flash tuviera que estar siempre en la zapata de la cámara?


• Algunos flashes incluyen además dos antorchas: una que siempre queda orientada hacia delante, y otra que se puede bascular. Esto permite una iluminación más rica en matices.

ACCESORIOS PARA FLASH COMPACTO:

Una gran ventaja de los flashes compactos es la posibilidad de utilizarlos junto a accesorios muy variados: Difusores, pies, paraguas, reflectores, snoots, filtros, baterías, fotocélulas, disparadores por radio, cables de extensión, etc. Estos accesorios pueden utilizarse incluso con flashes compactos manuales antiguos o muy baratos, consiguiendo así una enorme versatilidad a bajo coste. ¡Este puede ser el primer paso en el camino a montarte tu propio estudio casero!

Éste es un tipo de flash muy específico, para fotografía macro. En este tipo de fotografía es preciso que estemos muy cerca del sujeto a fotografiar, y por ello es muy difícil conseguir iluminación uniforme con un flash compacto, y aún más difícil con un flash integrado. La antorcha del flash anular, como su propio nombre indica, tiene forma de anillo, y se sitúa alrededor del borde anterior del objetivo para conseguir una iluminación uniforme. Además, la fotografía macro, por hacerse a menudo a diafragmas muy cerrados, requiere una iluminación potente, desde cerca. Es por ello que, si eres un apasionado de la fotografía macro, un flash anular puede ser un accesorio importante.

Tras un ligero descanso en nuestro curso, de nuevo volvemos a la carga con ganas de contaros más cosillas sobre fotografía. Hoy, tras 30 artículos, comenzamos el capítulo 31, donde hablaremos sobre el flash. Intentaremos explicaros qué es, los tipos que hay y los modos que normalmente traen las cámaras. Empecemos:

Cuando hablamos de flash, ¿de que hablamos?. Pues un flash, es sencillamente un dispositivo que nos permite iluminar una escena mediante una luz artificial, bien porque la luz ambiente sea insuficiente o simplemente como complemento a esta.

Normalmente, todas las cámaras suelen integrar uno, llamado flash integrado, que aunque suele ser suficiente para la mayoría de usuarios, suele quedarse corto, tanto en potencia como en calidad, en cuanto pretendemos avanzar algo más en su uso.

Por otro lado, los flashes externos tienen más calidad y más potencia que los integrados, y se usan, normalmente, en conjunto con las cámaras réflex, o bien montados en la zapata o conectados al cuerpo mediante algún tipo de conexión (por cable o inalámbrica). Veremos estos y otros tipos de flash en los siguientes artículos.

¿Que partes tiene un flash?

Fundamentalmente dos, Generador y antorcha. El generador es el que se encarga de proporcionar la alimentación a la antorcha mediante un condensador, que libera la energía en el momento del disparo, produciendo el destello.

La antorcha es la pieza que emite la luz, gracias a un tubo con gas xenon que recibe la descarga del generador

¿Que características son las mas importantes en un flash?

Básicamente 2: la potencia y los modos de que dispone .

La potencia, se indica en los flashes mediante el numero guía (NG) y la establece el fabricante para 100 ISO.
A mayor número guía mayor potencia y alcance, tendrá nuestro flash.

El tiempo de recarga también es una característica a tener en cuenta si nos hace falta un flash rápido. A mayor tiempo de recarga mayor tiempo tendremos que esperar desde el destello hasta su siguiente utilización.

Por último, otra de las características importantes son los modos de flash: TTL Auto, Auto y Manual son los 3 modos que debemos buscar si queremos tener un control total del dispositivo, lo veremos en siguientes artículos.