En el siglo XIX, a casi todos aquellos que tenían cierto nivel adquisitivo, les dio por explorar mundo. Lo exótico, lo oriental, las tierras lejanas. Sin embargo no fue el caso de Gustave le Gray, fotógrafo francés que abrió su propio estudio justo en el lugar de Rue des Capucines donde años más tarde lo abriría Nadar, dejó la fotografía de retrato para embarcarse en algo que le daría más oportunidades puesto que había perdido todo su dinero.

Se dedicó entonces a la fotografía de paisaje y fue con las imágenes marítimas cuando consiguió reconocimento. Así empezó a tomar tomas por separado del cielo y del mar para después encajarlas de tal modo que la copia final quedaba perfectamente contrastada. Su investigación fue más allá hasta conseguir que ambos elementos quedasen bien impregnados en una sola toma, por lo cual al obtenerlo, se le considera uno de los precursores de la instantánea fotográfica.

En su “Tratado práctico de la fotografía”, propuso el uso del colodión húmedo para papel negativo y fue cofundador de la Sociedad Heliográfica y de la Sociedad Francesa de Fotografía, por lo que su labor como fotógrafo podemos constatar, fue importante, por mucho que muriese pobre y anónimo en El Cairo.

¿Qué nos aporta Gustave le Gray?

Lo que nos interesa de su fotografía con la mirada puesta en el siglo XXI, es si le ha sentado bien el paso del tiempo. Si la pátina añeja nos ha dejado imágenes atractivas a día de hoy. Observando las instantáneas creadas en el mar podríamos decir que nos sigue atrayendo igual que lo hacen los cuadros de Turner, aunque en su redescubrimiento en 1960 fue considerado el Monet de la fotografía.

Si echamos un ojo a su fotografía tomada en Egipto, aquella donde aparecen los personajes junto a los monumentos del lugar, no dejan de ser unas tomas méramente documentales a día de hoy. Igual ocurre con sus tomas de paisajes, bien ejecutados pero que sólo nos sirven como documento histórico pasados los siglos.

No obstante, aunque redescubierto en el siglo XX, no podemos negar que trabajó en pro de la fotografía para que fuese considerada como una más dentro de las bellas artes y que, en cierto modo, encontró un hueco conociéndole en nuestros días por haber sido uno de los precursores de la imagen instantánea. Con ello ratificamos una vez más la importancia de buscar nuestra propia senda con la que destacar y no ser un clon dentro de los diferentes estilos. Os invito a ver sus imágenes del mar y a revisar algunas de sus fotografías en la galería que os muestro a continuación.

Galería de fotos

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Muchos de los acontecimientos de la historia los conocemos hoy en día gracias a innumerables pruebas, desde libros, periódicos, vídeos… al igual que, obviamente, la fotografía.

A lo largo de la historia, debido a muchas situaciones, gran parte de todas estas pruebas se han perdido por culpa de guerras, robos, locuras de ciertas personas, etc… Una de estas situaciones fue la que hizo que todo el archivo de Jacques Lowe sobre la familia JFK se perdiera, en su mayoría, en los atentados del 11S. A pesar de todo, Lowe tenía guardadas todas las hojas de contactos, de estos negativos perdidos, en su estudio de Nueva York.

Por si muchos no lo conocéis, Lowe fue el fotógrafo oficial de la familia Kennedy desde el principio de todo proceso electoral que posteriormente llevaría a la casa Blanca a John Fitzgerald Kennedy. Es cierto que muchas de las fotografías famosas de este, se han conservado gracias a las copias lanzadas en las revistas, periódicos, panfletos, etc… de la fecha; pero no así los archivos originales que, como dije, sucumbieron en el 11S. Además, Lowe realizó muchas fotos no publicadas en ningún medio; ya que había muchas fotografías familiares que eran exclusivas para ellos mismos como recuerdos.

Tras unos años, el Newseum de Washington ha conseguido restaurar todas las hojas de contacto encontrados en el estudio de Lowe y realizar una exposición llamada: “Creating Camelot: The Kennedy Photography of Jacques Lowe”, la cual fue inaugurada el día 11 de Abril.

Como podeis ver en el vídeo, se han usado las mejores técnicas digitales para restaurar las hojas de contactos, al igual que para conseguir darle el mejor aspecto posible en cuanto a contraste, eliminación de motas, ralladuras… Un gran trabajo, y un gran archivo que puede ser llegar un tesoro histórico y, claramente, visual.

Domingo por la tarde, ¿tenéis algún plan? Os propongo uno de sofá y palomitas, la mantita la dejamos para el invierno ahora que parece que la primavera empieza a hacer acto de presencia. El director, William Eggleston, más conocido por sus fotografías de América a todo color. La cinta, sobre Memphis y Nueva Orleans desde su particular mirada.

Aviso que el formato es más de tipo arte y ensayo, si os fijáis en los planos de cerca, en las expresiones, en el silencio de los rostros de profunda naturalidad, seguramente os vengan a la mente los fotogramas de El árbol de la vida. Sólo basta echar un vistazo a los primeros segundos de la cinta para apreciarlo.

William Eggleston, que en su haber fotográfico destaca la explosión de color, sorprende en esta ocasión con la ausencia de ello. Grabada en 1974 con un Sony Porta-Pak, el envoltorio es el de una película casera pero su mirada va más allá. Hacia aquello que normalmente apartamos de nuestro alcance o no somos capaces de ver.

Si algo tiene esta cinta es esa capacidad para ir atrapándonos a través de la excentricidad de aquellos que aparecen. Podemos amarlos u odiarlos. Entrar en su juego u observarlos desde la distancia de aquello que nos parece alejado de nuestra cultura y de nuestro tiempo. Eggleston se acerca a ellos desde la verdad. Desde la honestidad de quien retrata lo que ve. Y lo hace cargado de su identidad como fotógrafo.

No os perdáis el blues con armónica. En general ninguno de los números musicales. Y no dejéis de observar cómo le titubea el pulso al acercarse a los rostros. Buscando encuadres, escogiendo detalles. Dando prioridad a la imagen. A lo estrictamente visual. Nos importa poco lo que nos cuenta en pro del cómo. Nos enamora cuando sitúa la cámara en un plano fijo y deja que sucedan cosas.

La película, restaurada 35 años después de su filmación, está disponible en DVD donde aparecen 77 minutos de cinta junto con material adicional así como una entrevista a Eggleston en el Festival de Toronto de 2005, además de un libro con una pequeña apreciación del director Gus Van Sant.

Fotógrafo | William Eggleston
Vídeo | Youtube

Muchos conocéis ciertas partes de la historia de la fotografía, o al menos alguna de las más relevantes. Todo ello junto a grandes maestros que hicieron que naciera una disciplina como esta, los cuales suelen ser olvidados por muchos, e incluso los primeros métodos usados para fotografiar.

La fotografía, como la conocemos hoy en día, es una referencia dentro de todos los aspectos en la vida. En casi todos se encuentra introducida de una forma directa o indirecta, pero siempre la encontramos. Es posible que una gran inmensa mayoría de personas que hoy día cogen una cámara entre sus manos, jamás se pregunte como ha llegado una cámara a ser lo que es a día de hoy.

Eva Timothy ha realizado para TED este genial resumen gráfico y animado de lo que ha sido la historia fotográfica en sus primeros avances, hasta llegar a lo que hoy es. Innumerables personajes han formado parte de ella, Alhazen, Leonardo Da-Vinci, Tabolt, Daguerre, Eastman Kodak, etc… son algunos ejemplos que hicieron que esta disciplina sea lo que hoy es, contando con todos sus procesos y sus técnicas.

Hoy en día se estima que realizamos cerca de más de 3 billones de fotografías al año, cifra que todas estas personas jamás pensaron que así sería mientras iban dando pequeños pasos por conseguir mejorar lo que hoy llamamos “fotografía con mayúsculas.

El reportaje está en inglés, pero creo que no es muy complicado de entender, tanto por su forma gráfica como por usar un inglés no demasiado técnico ni difícil de entender. De momento no tiene activado los subtítulos al llevar pocos días (imagino que los pondrán como suelen hacer siempre con todos los vídeos de TED).

Sitio Web | TEDEd

No se me había ocurrido rebuscar en los archivos sobre los primeros stop motions hasta que gracias a Scorsese y su “Invención de Hugo” hice una regresión a los tiempos de Lumiere y George Méliès. Con ello caí en la cuenta que en sus películas coquetearon con ello. Sin embargo, no podemos catalogar esas cintas dentro de esa técnica, pero sí las que veremos a continuación, sin duda menos conocidas para el gran público de hoy, aunque sumamente atractivas bajo nuestra mirada actual.

En concreto el director Segundo de Chomón fue uno de los más conocidos en su época, comparado con Meliès por su calidad técnica y solicitado para trabajar en varias empresas cinematográficas como Pathé Frères o Itala Films, perfeccionó la técnica del stop motion (o paso a manivela) gracias a la cinta “Eclipse de sol”, pero fue con “La casa encantada” y, sobre todo con “El hotel eléctrico” donde consiguió dotar a los objetos de vida propia llegando a la cumbre de este procedimiento.

Aunque falta una música que acompañe a estas películas, al menos, gracias a internet, podemos disfrutar de estas joyitas sin necesidad de acudir a las filmotecas, algo que por otro lado, no digo que no, le resta encanto. Eso sí, sin efectos sonoros su visión se hace un poco pesada, por lo que os invito a seleccionar algún tema de vuestros preferidos y escucharlo a la vez que proyectáis los vídeos.

La casa encantada

Lo que más llama mi atención es ver que ya en 1906, Segundo de Chomón estuviese haciendo películas con fragmentos íntegros en stop motion consiguiendo tan buenos resultados, ya no sólo a nivel técnico sino creativo otorgando momentos de humor y de coherencia narrativa. Para mí no tiene nada que envidiar a lo que hace por ejemplo PES, uno de los magos de esta técnica actualmente (que por cierto estuvo nominado en los últimos Oscars a mejor corto de animación).

Antológica es en esta cinta la escena de la cena, donde la vajilla y demás utensilios cobran vida para el asombro de sus comensales. Vemos con ello que el tema de la comida daba mucho juego en esto del stop motion, puesto que es un tema recurrente ya desde comienzos de siglo XX hasta la actualidad.

El hotel eléctrico

Sin duda esta cinta de 1908, como os decía, es el culmen de su trabajo dentro del paso a manivela. Se suceden gags tras otros dentro de la habitación de un hotel donde todo está domotizado y los utensilios de aseo así como los muebles actúan solos para confort de los huéspedes.

Memorables las escenas del peinado de la señora y el afeitado del caballero, así como la limpieza de zapatos y otros tantos momentos que como sabemos llevan un enorme trabajo detrás. La coreografía en este tipo de vídeos es fundamental. Saber dónde colocar los objetos para que después uniendo los fotogramas se consiga esa sensación de movimiento. Darle un sentido narrativo. Incluir toques de humor. Son factores que hacen que el conjunto sea atractivo.

Sin destripar el final, sólo decir que se podría tomar con humor o hacer una crítica a la modernidad de la técnica frente al ser humano. Tema recurrente en otras películas y preocupación general desde los tiempos de la Revolución Industrial.

En resumen

Hemos visto dos ejemplos de stop motion dentro del cine. Hay muchos más fragmentos en películas de la época, pero éstos sin duda son los más significativos dentro de una técnica que parece está viviendo su momento de gloria en los tiempos actuales. No os digo más que los disfrutéis con una buena música de fondo. Ya me contaréis.

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En 1886, un señor llamado J. Lancaster & Son, de Birmingham patentó y posteriormente comercializó un modelo de reloj que incorporaba una cámara espía.

En aquellas fechas, estábamos ya finalizando la época victoriana. Una época marcada por el puritanismo, que chocaba con la forma de vida de la mayoría de hombres británicos. Y es que a pesar de las convenciones sociales y la sagrada institución del matrimonio no eran inconveniente para que éstos visitaran los burdeles y matuvieran relaciones adúlteras. Y claro, en caso de que la mujer quisiera separarse, o lo hacía presentando pruebas de adulterio o estaba condenada a la ruina económica y a la vergüenza social.

Con esta especie de engendro mezcla de cámara-espía y cámara de placas fabricada por J. Lancaster & Son, se podía obtener ese documento gráfico del caballero adúltero en situaciones comprometidas, y lo que era más importante: se conseguía una prueba inequívoca de su traición para que aceptase separarse sin hacer demasiado ruido, y por supuesto, pasando por caja.

El último especie de cámara espía para mujeres se vendió recientemente por 36.000 dólares en una subasta. Realmente sólo tiene un valor histórico. La cámara no fue finalmente tan popular, pues tenía un gran hándicap: era extremadamente compleja de utilizar. El objetivo había que montarlo, y no era muy intuitivo. Tampoco lo era montar la película. Vamos, que la cámara fue un fenómeno social más como revulsivo que por su utilidad práctica. Actualmente, que se sepa, sólo quedan cuatro ejemplares en el mundo.

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Hay veces en las que se agradece pasar a ver una exposición días después de su inauguración y la rueda de prensa, sobre todo porque cambia el tipo de espectador y la experiencia se torna distinta. En esta de Virxilio Vieitez en la Fundación Telefónica de Madrid, se intensifica aún más, primero porque no estamos ante un producto artístico en sí (el envoltorio sí, luego hablaremos de ello) y segundo porque se trata más de una regresión a los años 60 de la España rural, con la curiosidad y nostalgia que ello despierta en el público.

El fotógrafo

Virxilio Vieitez fue un fotógrafo gallego que dedicó su vida a retratar por encargo a las personas y los acontecimientos de los pueblos de Terra de Montes. Era un fotógrafo de oficio, como todos aquellos profesionales que trabajaron y trabajan para dar un servicio. No había pretensión artística pero sí empeño en hacer bien su trabajo.

Fue gracias a la labor de difusión de su hija cuando su obra empezó a mirarse con otros ojos. Ensalzando una manera de transmitir que le hacía distinto a los demás fotógrafos de oficio de esa época. Esto puede ser más o menos cuestionable, todos tenemos fotografías de nuestros ascestros tratados con gran carga emocional, el logro en su caso es que su legado es de una cantidad elevada con lo que ello supone a nivel etnográfico, mientras que nosotros apenas guardamos 100 pequeñas copias en una caja de metal.

La exposición

Es una muestra para ir con tiempo, como si fuésemos a pasar la tarde a casa de nuestra abuela en uno de esos días que nos da por mirar al pasado y, entre café y café, vamos sumergiéndonos en el álbum familiar y en los recuerdos. La disposición de las paredes y las salas se presta a ello, llega un momento en que uno se pierde entre el bosque de columnas del centro pero, si vamos por orden, se puede seguir de una manera más o menos ordenada.

La primera pared que nos encontramos nos lleva a ver colocadas de forma anárquica varias fotografías, que después podremos ver a gran formato desperdigadas por las demás salas. Dispuestas sobre unos marcos que nos recuerdan a los que podríamos tener en casa, hace que se puntualice más ese aspecto de álbum familiar.

Mi consejo es que tras esta primera aproximación a su obra, se pasee a lo largo de los pasillos laterales de la sala central y se visite también la del fondo dedicada a fotografía en color. Lo que nos encontramos son retratos de personas en la calle, de bodas, de comuniones, de miradas a cámara. Entre tanto documento etnográfico, hay lugar para dos o tres instantáneas interesantes.

Esperanza de Covas. Soutelo de Montes 1960-1

Una es la de la mujer disfrazada de superwoman, otra la del niño a través de la ventanilla de un coche y luego la que se ha convertido en icono gracias al cartel de la exposición, la de la “chica con clase” en el medio rural que a mí me recuerda a los posados de Scott Schuman en la calle.

Y dejaría para el final el bosque de columnas.

El valor de una sábana y cómo convertir su trabajo en un producto artístico

¿Recordáis las fotos de Alexandre Severo? Las fotografías de retratos en la calle con la sábana a sus espaldas me ha llevado a conectarlas con las recreaciones de estudio que hacía el brasileño. Son imágenes que a nuestros ojos y ampliadas a ese tamaño, se nos vuelven de una gran contemporaneidad.

Lo mismo ocurre con los rostros de las personas retratadas para la foto del DNI. La gran apuesta de esta exposición es precisamente éso. Esas imágenes, al engrandecerlas por medio de la ampliación y colocarlas en las columnas, se nos muestran como miradas absolutamente contemporáneas. Nos ponemos delante de ellas en la distancia y nos miran. La sensación lograda es más que atrayente y es ahí donde reside ese cambio de jerarquía, ese paso hacia un producto artístico.

Resumiendo

Hay una sala que no debemos obviar antes de marcharnos. En ella se hace un repaso a su biografía con fotos montadas en marcos para acompañar los textos que hacen el montaje muy atractivo. También se exponen sus cámaras así como material de su trabajo y libros que usó como referencias y donde en cierto modo vemos su interés por los grandes maestros.

Es una muestra para descubrir el trabajo de los fotógrafos de aquella época, para así encontrarnos que las cosas no han cambiado demasiado. Quizá hayan cambiado los rostros, pero las ganas por desempeñar bien la profesión y la manera de mirar a cámara sigue siendo la misma.

Hasta el 19 de mayo de 2013 en Espacio Fundación Telefónica

Vídeo | Youtube
Foto portada | Familia de Luisa Iglesias y Sara de Amelas, 1962

En la fotografía siempre hay hechos que suelen marcar un antes y un después. Uno de los acontecimientos históricos que tan de moda están estos meses gracias al cine, y a una película en particular (Lincoln), es la guerra civil norteamericana o guerra de secesión; la cual no sólo significo un antes y un después dentro de la historia general y americana, sino también un nuevo avance en el sector fotográfico.

La guerra de secesión norteamericana, o guerra civil, entre los federados y confederados, fue el primer conflicto bélico en el que se realizaron tomas por primera vez que no escondían el horror de lo sucedido. Las escenas de muerte, pillaje, destrucción y prisioneros famélicos se tradujeron en una auténtica conmoción para quienes pudieron contemplarlas, porque les alejó del ideal romántico de lo que se pensaba que era una guerra.

Los fotógrafos en esta época, tanto de forma individual como contratados, fueron los encargados de fotografiar el día a día de una guerra, en la que se fotografiaba todo, desde los campos de batalla hasta los campamentos y personas que envolvían a todo lo acontecido en el conflicto.

Procedimiento fotográfico

• Colodión húmedo: Fue el procedimiento para fotografiar más utilizado. Requería entre 5 y 20 segundos de exposición, razón por la cual no existen fotografías de actos de batalla “en curso”, que, de haberse realizado, no mostrarían más que borrones. De ilustrar este tipo de escenas se encargarían dibujantes y grabadores, que podían a estar incluso más envueltos en una batalla que los propios fotógrafos.
  Fotografía de Timothy O’Sullivan

  El fotógrafo y su ayudante llegaban a la localización, y éste último era, el encargado de realizar la mezcla de productos químicos. Una vez que éstos habían tenido tiempo de emulsionar, la placa vitrificada que registraría la imagen era sumergida en el líquido resultante de la mezcla, dentro de un cuarto oscuro. Posteriormente, la placa era colocada dentro una funda deslizable, que la protegía de la luz, y, de inmediato, colocada dentro de la cámara, que ya había enfocado y encuadrado la imagen que se iba a fotografiar. Rápidamente, el fotógrafo retiraba la funda para que la placa quedase impresionada con la imagen, destapaba el objetivo de la cámara y volvía a deslizar la funda de nuevo en torno a la placa, para extraerla de la cámara. Así pues, se trataba, literalmente, de un trabajo “a ojo”, en el que el tiempo en el que la placa estuviese sumergida en los productos químicos y el tiempo que permaneciese expuesta a la imagen en la cámara resultarían determinantes en el resultado final.

  Obviamente, el poder realizar fotografías nítidas en las que salieran personas era una tarea ardua y difícil; ya que no era menos trabajoso conseguir que las personas se quedaran quietas durante ese tiempo, como el conseguir realizar el trabajo de exposición fotográfica y la preparación antes descrita.

• Ferrotipo: Un procedimiento muy similar al colodión húmedo, salvo que sólo generaba un original sin posibilidad de copia. Era realizado en una plancha de hierro.
• Ambrotipo: Exactamente igual que el ferrotipo, pero en una placa de vidrio generando un original sin posibilidad de copia.

Tipos de fotografía

A pesar de lo antes dicho, la temática de la fotografía en esta guerra fue muy diversa. Uno de estos estilos era la carte de visite, retrato realizado por el procedimiento del colodión húmedo.

Los fotógrafos utilizaban una cámara de cuatro lentes para obtener cuatro negativos de las cartes de visite en una placa de vidrio. Cada negativo generaba una plancha que se montaba sobre un papel grueso del mismo tamaño, tal como hoy se hace con las tarjetas de visita.

A parte de este tipo de retratos y de los retratos de los combatientes en los campamentos y lugares en los que se desarrollaba la guerra, también existían todo tipo de temáticas, desde escenas del campo de batalla, ciudades, etc… que solían estar realizadas en ferrotipos.

Por último hubo estilos muy particulares de fotografías que definían a algunos de los fotógrafos de la época.

Algunos fotógrafos de la época

Matthew B. Brady: Muchos llaman a este hombre de descendencia irlandesa como el padre del fotoperiodismo. Fue el primero de los fotógrafos más relevantes en llevar el laboratorio a “cuestas”, y consiguió reunir a un grupo de fotógrafos para retratar las barbaridades del conflicto.

Algunos de los retratos más famosos de la guerra son de él, incluido el que años más tarde su usaría en el billete de 5 dólares de Abraham Lincoln.

Alexander y James Gardner: Ambos invitados por Brady para retratar el conflicto. El primero de ellos acabó trabajando para el Servicio Secreto y fue el fotógrafo favorito de Abraham Lincoln.

Timothy O´Sullivan: Otro de los empleado de Brady, que tras la guerra trabajó para el Servicio Geográfico Nacional.

George S. Cook: Uno de los pocos fotógrafos del sur del que aún se conserva material. Acabada la guerra abrió un estudio fotográfico en Carolina del Sur.

Toma de Cook

Estos son algunos de los muchos fotógrafos que reflejaron el conflicto de la guerra civil Norteamérica.

Un resumen de lo acontecido

No hay duda que, las fotografías a las que estamos habituados hoy a ver en todos los medios sobre conflictos bélicos podría decirse que nacieron en estas fechas. Anteriormente, la gran mayoría de las imágenes con muertos y demás barbaridades eran censuradas. Pero claro todo esto que podía ser visto para mostrar al pueblo todo lo acontecido, también podía ser manipulado, y es por eso que hay muchas tomas que se desconoce si pudieron ser tan reales como se ven en las imágenes, sobre todo si tenemos en cuenta que muchos fotógrafos eran contratados por ambos bandos.

Retrato a John Wilkes Booth asesino de Abraham Lincoln realizado por Alexander Gadner

Fue un conflicto que marcó un antes y un después en la fotografía, pues consiguió usarla como un método de poder incalculable, desde forma propagandística hasta para desmitificar al enemigo.

Galería de fotos

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A raíz de la exposición de la Colección Alcobendas en el Cosmo Caixa de Alcobendas pudimos conocer al fotógrafo Julio Álvarez Yagüe y sus quimigramas. Cierto es que sus composiciones llamaron mi atención, conocía la técnica, puesto que en su día pude experimentar algo parecido en mis sesiones de laboratorio, pero no así su nombre (o, al menos, no lo recordaba).

Pues bien, podría decirse que es una manera de pintar el papel fotográfico sin necesidad de una cámara fotográfica pero con un procedimiento de revelado que lo hace estar en conexión con esta disciplina. Vendría a ser como una especie de acuarela por el resultado obtenido.

En concreto, recuerdo que en mi caso obtenía resultados pictóricos cuando en la copiadora insertaba el negativo para imprimirlo en el papel fotográfico, pero en el proceso me dedicaba a dar pinceladas con una brochita mojada en líquido revelador. De esta forma conseguía un fondo de imagen fotográfica con añadidos que se obtenían con esos toques de pincel.

Pintando con líquido revelador

En el caso de los quimigramas de Yagüe que pueden verse en la exposición, la imagen fotográfica tal como la conocemos no existe, sólo hay trazos que se derraman por el papel como agua cayendo sobre una superficie. Una técnica que fue creada por Pierre Cordier siguiendo un proceso que ya se había experimentado anteriormente a través de otras técnicas con autores como Man Ray o László Moholy-Nagy.

Es un proceso donde el primer paso es imprimir líquido revelador en el papel fotográfico que previamente ha sido untado con barniz, cera o aceite. A partir de ahí el fijador y la química harán el resto, haciendo que aparezcan los motivos sobre la superficie en una suerte de azar creativo. Se crean desprendimientos y grietas que nos llevan directamente a la pintura de las vanguardias.

Es bastante sencillo de experimentar, aunque también os invito a que si tenéis oportunidad de revelar en un laboratorio, dediquéis tiempo a intentar pintar sobre el papel fotográfico. Al igual que os animo a visitar la sección de Julio Álvarez Yagüe donde expone este tipo de técnicas que practica y que os resultarán curiosas además de poéticas y de gran intensidad visual.

Fotógrafo | Julio Álvarez Yagüe
Foto de portada | Pierre Cordier
En Xataka Foto | SCAN.IT: fotografía sin cámara de fotos

Hace no demasiado tiempo os hablé sobre la extinta y uno de los mayores emblemas que tuvo la marca fotográfica Kodak, la película de color Kodachrome. En aquel artículo os hablaba un poco sobre la historia y usos que tuvo junto con unos preciosos ejemplos de fotografías de los años 40.

En este caso, y sin querer repetirme, os voy a mostrar varios reportajes que se realizaron en distintas televisiones y medios hace un par de años; momento en el que llegó el verdadero final de esta icónica película. En este caso los reportajes pertenecen a la CBS, Newsweek y Harvey Wang (videografo y director audiovisual).

Reportaje realizado por la CBS a finales del 2010

En ellos se repasa con celeridad los inicios de la Kodachrome, junto con un montón de imágenes de ejemplo; siendo todas ellas, desde capturas del día a día de la sociedad, momentos históricos importantes, e incluso algunos de los fotógrafos como Steve McCurry, Jeff Jacobson o Alex Webb (estos dos últimos de la agencia Magnum) aparecen dando una pequeña visión de lo que significo para ellos.

Ni que decir que que todos los reportajes tienen un lugar en común, y es Dwayne’s Photo, el último laboratorio en el mundo en procesar rollos de esta película. Hasta hace un par de años, este lugar, en la localidad de Parson (Kansas), era el único que podía presumir de ser el único en el mundo en realizar estos revelados y enviarlos a todo el mundo.

Reportaje realizado por Newsweek a principios del años 2011

A pesar de que ya no podemos conseguir ningún rollo de Kodachrome, ni revelarlo (aunque creo que pocos seréis los que nunca hayáis disparado un rollo al menos en vuestra vida de ésta), creo que es historia reciente de nuestra fotografía; y el recordar el fin de una de las películas que marcaron la fotografía es algo que no se nos debe pasar desapercibido.

Frame del reportaje realizado por Harvey Wang en 2012 (dar gracias a ISO 1200 por la info). Para ver este reportaje pulsar AQUÍ.

Los tres reportajes están en inglés pero de verdad que merecen mucho la pena.

En Xataka Foto | Fotografías de los años 40 realizadas en Estados Unidos con la mítica película Kodachrome