Las sociedades fotográficas empezaron a proliferar nada más presentarse la fotografía en 1839. La más antigua de todas es la Royal Photography Society. Se formó el 20 de enero de 1853 y el 3 de marzo de aquel año empezó a publicar su boletín. A partir de ahora, desde aquel primer número hasta el último de 2018 podremos leerlo gratis en internet.

La Royal Photographic Society Journal es la publicación periódica fotográfica más antigua del mundo. El primer número apareció, como hemos dicho, el 3 de marzo de 1853 y se ha publicado desde entonces con ligeros cambios en su frecuencia y formato.

Ahora tenemos al alcance de nuestro ratón o nuestro dedo, según donde lo miremos, toda la historia de la fotografía británica, y una parte muy importante de la historia de la fotografía mundial.

Los primeros números

Eso sí, tenemos que saber inglés para disfrutar de toda la información. Aunque siempre podemos copiar y pegar el texto y buscar algún traductor. O simplemente poner en marcha la inteligencia artificial de nuestro móvil y que nos traduzca el texto en un solo gesto.

Un trabajo titánico de la Royal Photographic Society

Hay que tener mucho tiempo para encontrar los artículos que más nos interesan. O mejor aún, podemos utilizar el buscador para encontrar referencias a nuestros fotógrafos preferidos. He puesto William Fox Talbot, uno de los padres del arte de la luz, y tengo más de 1800 referencias.

Pero si me voy al continente americano y busco Richard Avedon hay más de 100 artículos donde le nombran. Y como no podría ser de otra manera, si quiero información del británico Martin Parr encontramos más de 400 artículos...

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Cómo inventar luces de colores en nuestras fotografías con Adobe Photoshop sin complicaciones

Este tipo de trabajo es el que deberían poder hacer todas las instituciones con un legado semejante. Digitalizar todos sus archivos y ponerlos al alcance de todos los internautas para evitar que esos trabajos se pierdan. Como siempre hace falta dinero y pocos quieren facilitarlo...

Una página de las últimas revistas

Es increíble encontrar en el número 134 referencias a uno de los mejores libros de revelado que he tenido nunca, el manual de impresión de Tim Rudman: 'The master photographer's lith printing course'; junto con el anuncio del libro de Cristina García Rodero 'España oculta' donde dicen que muestra un país intrigante y misterioso.

Son 150 años de historia que suman más de 30.000 páginas con las que podremos conocer todo acerca de la fotografía y practicar nuestro inglés.

Más de 30,000 páginas de información

Si tienes tiempo y ganas puedes hacer un estudio avanzado de cómo cambian las técnicas a la hora de trabajar con Adobe Photoshop, por ejemplo... Si eres nostálgico te encantará ver cómo cambian los paneles y ventanas del popular programa y descubrir que cada vez se hace más complejo.

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'Las meninas': qué aprendemos los fotógrafos de la pintura

Es la forma perfecta de ver la evolución de un arte, forma de expresión o como queramos llamarlo desde el elitismo de los primeros años hasta un mundo digital 100%. Lo mejor de todo es que puedes estudiar tendencias, formas de mirar y cómo cambia la sociedad a lo largo de tres siglos. Desde luego un tesoro al alcance de todos nosotros.

'Muerte de un miliciano' es la fotografía de guerra más famosa de la historia. Y una de las que más dudas plantea día tras día. Realmente no se sabe quién la hizo, el negativo no se encuentra y durante mucho tiempo se ha dudado incluso dónde estaba hecha. En el pueblo cordobés de Espejo han inaugurado un monumento a la fotografía para tratar de disipar al menos la duda del lugar en el que se hizo.

La historia conocida es la siguiente. 'Muerte de un miliciano' es la imagen de un soldado republicano abatido, el instante mismo de la muerte, un soldado desconocido en una batalla en el cerro Muriano, muy cerca de la ciudad de Córdoba.

Robert Capa tuvo el don de hacer la foto en el momento justo en el que el pobre soldado recibía un disparo que acababa con su vida. Es un canto al fotoperiodismo, a la nueva forma de contar cosas gracias a una pequeña cámara de fotos de una marca que pasó también a la historia.

A partir de dicha imagen Robert Capa alcanzó la fama y se convirtió en uno de los ejes fundamentales del fotoperiodismo. Fue uno de los miembros fundadores de la agencia Magnum (nombre que puso él en homenaje a las grandes botellas de champán con las que le gustaba brindar)... El paso del tiempo ha ayudado a descubrir que la historia real no fue en absoluto así.

En estas líneas, con motivo de la inauguración del monumento a la fotografía en el pueblo cordobés de Espejo, vamos a conocer la historia real de la imagen bélica más famosa. No se hizo en el cerro Muriano, probablemente el soldado no esté muerto y lo más llamativo es que la hizo Robert Capa, pero no el que nosotros conocemos.

La verdadera ubicación de 'Muerte de un miliciano'

Esta imagen siempre ha resultado extraña. Se pueden contar con los dedos de una mano las fotografías que reflejan el horror de la muerte en una batalla. En aquella época todo era más complicado desde el punto de vista técnico. Y era todavía más difícil conseguir algo semejante.

El problema es que no está nada claro cómo se consiguió. La caída del soldado no es la de alguien que ha tropezado o acaba de recibir un disparo. Esa mano que asoma detrás del pantalón siempre ha despertado sospechas.

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Aclarar y oscurecer: la forma más ágil de revelar con las nuevas máscaras de Adobe Camera RAW

La composición es única. Limpia, sin ningún objeto que manche el objeto principal. Parece el fotograma de una película de Spielberg. Todo es perfecto. Quizás demasiado. ¿Y si la historia se hubiera contado de otra forma para disfrazarla?

Fotografía de María Ángeles Ventura Lucena Sancho

Él habló en sus libros y en las entrevistas de su imagen más famosa. Sin embargo, todos los que tuvieron la suerte de conocerlo reconocen su tendencia a imaginar su vida, a exagerar ciertas cosas con el único fin de tener siempre algún motivo para celebrar algo. La historia real es muy distinta.

Según el historiador Fernando Penco Valenzuela, la fotografía se hizo en el pueblo de Espejo, desde el mismo lugar en el que se acaba de levantar el monumento. La investigación que llevó a cabo, junto con el fotógrafo Juan Obrero Larrea, le lleva a descubrir en mayo de 2009 el sitio exacto. Y publica un libro, hoy agotado, titulado 'La foto de Capa' (2011).

Fotografía de María Ángeles Ventura-Lucena Sancho

A raíz de este libro, muchos se empezaron a interesar por la historia real de esta mítica imagen. En 2020:

el Foro por la Memoria Histórica y Democrática de Espejo Comandante Pérez Salas, a través de la Diputación de Córdoba, encargaba al historiador una nueva investigación que revisase y pusiese al día las hipótesis más aceptadas hasta la fecha. Los resultados más relevantes del trabajo se centraron en dos aspectos de la foto: la localización definitiva tanto de ella como de su serie —unas 40 instantáneas según el I.C.P.— que finalmente fueron tomadas en la Haza del Reloj en su límite con el cerro del Alcaparral, cotas altamente estratégicas. Para la consecución de los trabajos los investigadores emplearon el sistema ETRS89 del visor de información geográfica de la REDIAM; el comparador de Mapas del Instituto Geográfico Nacional; el vuelo Army Map Service (B) 1956/1957 del PNOA y las Bases Cartográficas de Andalucía dwg 1/10000 y Raster 1/1000 (Edición 1998).

No se dejó nada al azar en la investigación. Y parece que desde la muerte del hermano de Robert, Cornell Capa (muy llamativo que se pusiera el apellido ficticio de su hermano), todo ha sido mucho más fácil para descubrir toda la verdad.

Los demás misterios de la mítica fotografía

¿Pero quién disparó? ¿El soldado fue alcanzado por una bala? Robert Capa no es una persona, es una marca. Es el nombre que ideó Gerda Taro, la pareja de Endre Ernö Friedman para intentar salir del anonimato, como podemos leer en el ensayo de Diana Sanchidrián, 'Gerda Taro, la compañera de Robert Capa. 70 años en el olvido'.

Era más fácil convencer a las grandes revistas con un nombre que recordara a un famoso director de cine de la época que dos perfectos desconocidos del viejo continente. Los dos eran fotógrafos y ella tenía claro que un hombre tendría más oportunidades en una sociedad tan machista.

Y un hecho significativo. Siempre se ha pensado que la instantánea se hizo con la Leica que llevaba él. Pero si nos fijamos en la reproducción que podemos ver en la revista LIFE del 12 de julio de 1937, el formato es mucho más cercano a la réflex Korelle de 6x6 que llevaba ella en aquel primer viaje a España.

Fotografía de ATTUBI PHOTOMOMENTS

Este dato nos lo recuerda Tino Soriano en su libro '¡Ayúdame a mirar!', junto con un dato muy significativo. Ella murió en el pueblo de Brunete (cercano a Madrid). Él se enteró al día siguiente y quedó destrozado. Cuando terminó la guerra publicó un libro para recordarla, más esta fotografía no aparecía:

¿Será esa la razón por la que el reportero húngaro no utilizó la imagen del miliciano abatido en el interior de “Death in the Making”, el libro que publicó sobre la guerra civil en España y que está dedicado a la que fue su novia?

Además, el mismo Tino Soriano nos ha pasado esta curiosa grabación en la que el propio Robert Capa no es sincero sobre la realización de la famosa imagen. Y deja una frase para la posteridad sobre ella:

La foto premiada nace en la imaginación de los editores y del público que la ve.

Tampoco se conoce la identidad del soldado. En el excelente documental 'La sombra del iceberg' (2008) dudan que el fallecido fuera el famoso Federico Borrell. En aquellos años se apostaba por la ubicación antigua, así que es difícil que ese hombre estuviera en dos puntos a la vez...

¿Robert Capa?

El soldado, hoy por hoy, es anónimo. Es verdad que se le ve en algunas de las 40 fotografías que se conservan de aquel día. Pero es quizás el misterio más grande de una fotografía que, a pesar de todo, se ha convertido por derecho propio en un símbolo contra la guerra.

Esta fotografía cambió el rumbo del fotoperiodismo, cimentó la fama de un hombre, condenó al olvido a una mujer, se convirtió en un símbolo. Y ahora, con el paso del tiempo, parece que estamos empezando a descubrir la verdadera historia.

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Así que os recomiendo acercaros al monumento, del escultor José María Serrano Carriel, en el pueblo de Espejo (Córdoba) que acaban de inaugurar para aprender lo más importante, que las guerras no tienen sentido. Y que las fotografías, si son buenas, siempre tienen algo que decir.

Todas las fotografías del monumento son de María Ángeles Ventura Lucena Sancho (ATTUBI PHOTOMOMENTS)

Han pasado 20 años de 'Amelie', una de las películas más odiadas y amadas por todo el público. Su visión no admite un punto medio. O te encanta o la condenarías al fuego eterno y a todos sus seguidores. 'Amelie' destaca por muchas cosas, como el guion y la música, pero la fotografía de Bruno Delbonnel es lo que nos marcó a todos.

Es una película que me gusta, no lo puedo negar. La verdad que me ha dado vértigo darme cuenta de que ya han pasado 20 años desde que la vi por primera vez. Fui al cine porque el universo del director me encantaba desde que descubrí 'Delicatessen' (1991). Y quería ver más después de 'La ciudad de los niños perdidos'(1995) y 'Alien resurreccion' (1997).

La propuesta me enganchó desde el primer fotograma. El guion puede levantar ciertos recelos por la inocencia de la propuesta. Pero cada fotograma es una obra maestra de la composición y del color. El trabajo del director de fotografía es irreprochable plano por plano.

Y eso es lo que vamos a analizar. En cierta manera su trabajo recuerda a la forma de trabajar de Vittorio Storaro, el maestro italiano que utilizó el color para entender la evolución de los personajes.

La magia de la fotografía de 'Amelie'

'Amelie' es la historia de una mujer que, tras un hecho fortuito -encontrar una caja escondida de un niño en el momento en el que comunican la muerte de lady Di-, decide dedicar su vida a hacer el bien a los demás. El problema es que, como todos nosotros, primero tiene que tratar de arreglar su vida.

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A lo largo de todo el metraje la fotografía está muy presente, porque ella de pequeña tiene una cámara que cree que provoca accidentes. Y el amor de su vida es un coleccionista convulsivo de imágenes perdidas de fotomatón. Y aparece un enano de jardín que viaja por todo el mundo con una polaroid para contar su periplo.

Pero la dirección de fotografía es una maravilla y es la que consigue llevarnos de la mano plano tras plano. Una profesora una vez nos dijo que cada fotograma de la película es una obra de arte por sí solo.

El director de fotografía Bruno Delbonnel consiguió fama y notoriedad con este trabajo. Así llego a Hollywood para trabajar con los hermanos Coen ('La balada de Buster Scruggs') o el mismo Tim Burton en 'Big Eyes' o 'Sombras tenebrosas'.

¿El color de la esperanza?

El color es el protagonista absoluto. La paleta de colores, basada en los rojos y los verdes (dos complementarios en el círculo cromático), viene de una técnica que se llevaba mucho en los tiempos de los carretes, que era revelar las diapositivas con los químicos de los negativos de color.

Además, como Storaro, se sirve de lo que expresan estos colores para orientar al espectador. La esperanza, la alegría y la pasión se expresan gracias a los tonos elegidos en cada momento.

Toda la película destaca por el uso de la luz suave, gracias a la difusión tan grande de los enormes focos que utilizó para lograr ese contraste suave en el que los personajes parecen irradiar luminosidad, sobre todo la protagonista

Los encuadres de 'Amelie'

Además, tenemos que valorar el encuadre de cada una de las escenas. Gracias al manejo de la cámara por parte del director de fotografía, la historia vive a pesar de las dos horas de duración. Los movimientos de cámara, los encuadres llamativos y los juegos simétricos nos ayudan a fijarnos una y otra vez en la narración.

Como podemos ver en este vídeo, la simetría está presente en todo momento, desde que la cámara está fija en el rostro de un personaje hasta los momentos en los que inicia un travelling. Si te gusta el cine seguro que esta forma de elegir los planos te recuerda a uno de los directores más importantes de la historia: Stanley Kubrick.

El uso de la simetría y el color en un solo fotograma

Efectivamente, Stanley Kubrick, un gran fotógrafo también, dejó como seña de identidad los planos simétricos para conjugar la narrativa de la historia con el poder visual del cine. Y es una forma de mirar que está presente en 'Amelie' y en todo el cine de Wes Anderson, por poner un ejemplo más actual.

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'Las meninas': qué aprendemos los fotógrafos de la pintura

Mucha gente no soporta esta película. Pero seguro que si tratan de olvidarse de la historia y se centran en cada uno de los momentos desde el punto de vista fotográfico, descubrirán otra forma de verla. Y seguro que cambia su percepción. Han pasado 20 años, seguro que merece una oportunidad ¿Qué pensáis?

Durante mucho tiempo, a los que nos gusta la historia, mirábamos con envidia las producciones de la BBC que hablaban sobre la fotografía y sus autores. Pero poco a poco la televisión pública española está haciendo lo mismo. Ahora tenemos acceso gratuito al documental 'La caja roja', la curiosa historia de las fotografías escondidas de Antoni Campañá.

En los últimos años, están apareciendo más y más archivos de fotógrafos desconocidos. Hasta el punto de que muchas veces tenemos que desconfiar, como bien nos advierte Joan Fontcuberta. Pero el caso de Antoni Campañá es real como la vida misma. Y este documental nos cuenta todo lo que sabemos desde que su nieto encontró las cajas rojas.

Su época pictorialista

Ahí dentro encontraron 5000 fotografías de la guerra civil, muchas de ellas inéditas. Algunas se publicaron en aquella época convulsa, más siempre anónimas. Ahora sabemos que esas mujeres y hombres que se convirtieron en iconos eran obra suya, un fotógrafo pictorialista que reaccionó disparando su cámara en una guerra.

El documental 'La caja roja'

Es un documental coproducido por RTVE y dirigido por Placid García Planas, Arnau Gonzáles Vilalta y Toni Monne que intenta explicar por qué un fotógrafo decide esconder el trabajo de tres años y casi está a punto de desaparecer bajo los escombros de una casa en Sant Cugat del Vallès.

Y llama la atención que un fotógrafo especializado en el bromóleo, considerado en su tiempo como el primer autor español en número de premios, abandonara toda su estética después de los horrores de la guerra. Y que pasados esos años se dedicara a la fotografía industrial y a la creación de la estética fotográfica postalera.

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La breve historia y gran aportación fotográfica de Walter Benjamin

A lo largo de la hora escasa del documental nos adentramos en la historia de un fotógrafo que retrató cómo sacaban los cadáveres de las iglesias, la tragedia de la muerte y los juegos de guerra de los niños. Algunos no dudarían en llamarle equidistante. Pero simplemente creo que estábamos ante una persona que dudaba.

Una de sus fotografías más reconocidas

Sus fotografías belicistas (más bien antibelicistas) se publicaron en 'El alzamiento, la revolución y el terror en Barcelona' (1944). No figuraba ningún nombre bajo los disparos. Entonces cuentan que decidió esconderlas.

Y gracias a este motivo, seguro que pudo seguir trabajando. Incluso al lado de Ortiz Echagüe cuando este fue nombrado presidente de SEAT. Ortiz Echagüe fue el fotógrafo más famoso de aquella época, muy apreciado por el régimen de Franco por recordar con sus fotografías el mito de España.

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El papel de Leica en el Holocausto: 'El tren de la libertad'

Así que si queréis encontrar otras imágenes de la guerra civil española, no pierdas la oportunidad de sentarte frente al televisor inteligente, conecta la aplicación de RTVE Play y empieza a conocer la figura de un fotógrafo esencial como Antoni Campañá.

Ver el documental

'Las meninas' es uno de los cuadros más importantes de la pintura universal. Puede gustarte o no, ese es otro tema. Pero si eres fotógrafo deberías ir a verlo, por lo menos, una vez en la vida. ¿Por qué? En esta obra de Diego Velázquez hay muchas cosas que descubrir. Y los fotógrafos tenemos ante nosotros algunas de las claves de todo lo que podemos hacer con una cámara.

Diego Velázquez pintó el cuadro de 'Las meninas' al final de sus días. Ahí está todo lo que aprendió a lo largo de su vida. Si queremos entender su obra, podemos hacerlo mirando este cuadro. Y os aseguro que contemplarlo en sala no se parece en nada con contemplarlo en internet o en una mera reproducción de un libro.

Cuando le cuento a mis alumnos que la mejor manera que existe para aprender a fotografiar es ir a los museos, y más en concreto al Museo del Prado, muchos no me entienden. ¿Qué tiene que ver la fotografía con la pintura? A través de los cuadros podemos entender como se pasa la realidad a un plano bidimensional.

Y si queremos ir a la esencia, debemos situarnos ante este gran cuadro y analizar todas y cada una de sus pinceladas. Porque solo así comprenderemos cómo hay que representar el espacio y cómo dirigir la mirada.

Las meninas (Fundación Wikimedia)

Además, si atendemos al estudio del profesor e investigador de la Universidad Politécnica de Cataluña Miguel Usandizaga, es muy probable que 'Las meninas' esté pintado con la ayuda de una cámara oscura, lo que nos une todavía más al gran pintor.

La historia de Diego Velázquez

No es el momento de contar la vida y obra de uno de los artistas más importantes de la historia del arte. Tocaremos lo relacionado con el mítico cuadro y lo que podemos aprovechar los fotógrafos. Pero vamos a situarnos.

Era el pintor de cámara de la corte de Felipe IV, desde que le llamó el Conde Duque de Olivares cuando el rey llevaba solo dos años en el poder. No se puede entender ese periodo histórico de la historia de España sin la mirada de Velázquez.

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Todo el tiempo que estuvo en la corte -toda su vida- lo aprovechó para estudiar el trabajo de los grandes pintores. Sobre todo la obra de Tiziano, que podía contemplar libremente en las estancias del Alcázar de los Austrias; no el palacio de los Borbones, que se construyó después del gran incendio que lo devoró en las navidades de 1734.

Diego Velázquez (Fundación Wikimedia)

Su fama alcanzó tales cotas, que el mismo Rubens le visitó en España. De aquel viaje quedaron muchas cosas, como el deseo de ir a estudiar a Italia o la cruz que podemos encontrar en el monte Abantos. La erigieron para recordar el lugar desde el que los dos pintores disfrutaron de las vistas del cielo de Madrid y del monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

De aquel primer viaje a Italia nuestro pintor consiguió mejorar enormemente la capacidad de pintar la perspectiva, además de estudiar a los grandes maestros del Renacimiento como Tintoretto, Miguel Ángel y Rafael.

Al final de su vida pintó dos obras maestras: 'Las hilanderas' y el cuadro que tenemos entre manos, 'Las meninas' o 'La familia de Felipe IV' (1656). Como dicen en la muy recomendable página del museo:

Los personajes habitan un espacio modelado no sólo mediante las leyes de la perspectiva científica sino también de la perspectiva aérea, en cuya definición representa un papel importante la multiplicación de las fuentes de luz.

... los detalles de extraordinaria belleza se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo, que fue una de las metas de la pintura europea de la Edad Moderna, pues ha ido más allá de la transmisión del parecido y ha buscado con éxito la representación de la vida o la animación.

En un popular hilo, que no encuentro en Twitter, dicen que este cuadro destaca porque en él se ve el aire por primera vez en la historia del arte. Lo que más destaca es la forma de representar la luz y situar a los personajes en el plano. La manera en la que destaca el objeto principal de la imagen, la infanta, y cómo todo está colocado para guiar la vista del espectador.

Lo que los fotógrafos aprendemos de 'Las meninas'

Una de las mejores experiencias que recuerdo después del confinamiento fue el tiempo que pude estar junto con mi madre delante de 'Las meninas'. Estábamos en la gran sala 012. Acababan de abrir de nuevo las salas al público y tuvimos la suerte de poder estar solos delante del cuadro.

Nos pareció más pequeño (algo muy extraño) de lo que recordábamos. Pero ahí estaban las meninas rodeando a la infanta Margarita, que murió apenas 17 años después por culpa de las complicaciones en el cuarto parto. Ella es la protagonista de un cuadro en la que la luz ilumina y esconde a cada uno de los personajes que forman parte del cuadro y por supuesto al entorno en el que conviven. Y ahí está, de pie, Diego Velázquez, mirándonos.

Nada es casual en el cuadro. Cada punto de luz, cada espacio de sombra, tiene un sentido en la composición. Es la recreación perfecta de la realidad. Por primera vez tenemos la sensación de poder pasear dentro de un cuadro.

Ahí está todo (Fundación Wikimedia)

Los personajes del cuadro no están posando. Están mirando, aunque nunca sabremos adónde. Incluso algunos no parecen conscientes de estar siendo retratados, como la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas del que no se conoce el nombre, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, el aposentador de la reina (Velázquez era el del rey).

Todo respira naturalidad en el cuadro, aún dentro del fuerte barroquismo. Incluso esa pincelada nerviosa e imprecisa como una fotografía callejera que tanto acompañaba a la costumbre de Velázquez de pintar alla prima, es decir, sin boceto ni dibujo previos. Pero el detalle no es importante en este cuadro. Podría decirse, en lenguaje fotográfico, que está trepidada o con un ISO alto (algo forzado, lo sé).

La luz es lo que cuenta. Lo que consigue darle vida. Algo muy curioso, que podemos leer en el estudio de Fernando Zaparaín Hernández publicado en el número 362 de la revista Goya, es que uno de los puntos más importantes del cuadro, la luz que podemos ver al fondo, detrás del aposentador de la reina, es la clave.

La perspectiva de la escena lleva a ese punto en concreto, justo debajo del brazo del personaje que no se sabe si entra o sale. Sin la presencia de ese punto luminoso todo carecería de sentido desde el punto de vista de la composición. Lo curioso es que está pintada desde otro lugar... pero esto es otra historia que veremos a continuación...

Esas luces y esas sombras que van alternando en la imagen hasta el fondo consiguen dar aire al cuadro. Y es lo que tenemos que buscar a la hora de disparar. Simplificamos muchas veces. Algunos fotógrafos abusan del golpe de luz rodeado de sombras. Y aquí descubrimos que no todo se basa en el contraste:

• Los fotógrafos tenemos que buscar que la luz acompañe al momento.
• La sombra también forma parte del conjunto. Solo así es posible la representación del volumen.
• Que los objetos y las personas se puedan distinguir, que su imagen sea limpia, sin nada que interrumpa su perfecta visión.
• Y que todo esté colocado para dirigir la mirada del espectador.

No hay una forma más clara de verlo que en este cuadro.

El secreto de 'Las meninas'

En 2020 saltó el estudio de Miguel Usandizaga, que ya hemos señalado, en el que aseguraba que Velázquez utilizó la cámara oscura para pintar este cuadro, con el fin de reproducir fielmente los espacios y dar esa sensación tan barroca de la realidad.

Ya en 2018 se contaba, en el estudio citado de Fernando Zaparaín Hernández, que la composición que ofrece el cuadro es muy parecida a la visión de una cámara.

Las imágenes obtenidas situando en el punto del observador una cámara, equiparable al ojo humano (35 mm), tanto en el modelo digital como en la maqueta, coinciden sensiblemente con lo representado en el lienzo.

En todos los estudios detallan la habitación del alcázar en la que se pintó el cuadro. Era la habitación del príncipe Baltasar Carlos, el niño que pintó Velázquez a caballo y que moriría en 1646 con 17 años. Ahí estaba el estudio del pintor, al lado de la Torre Dorada.

Y aquí es donde entra la cámara oscura. Parece ser que Velázquez situó ahí, fuera de la habitación que contemplamos, un dispositivo conocido por los grandes maestros, para representar la perspectiva con exactitud.

Las Meninas de Kinston Lacy (detalle)

Para trazar las líneas que dan tanta vida a la escena, preparó una cámara oscura en la que se introducía para pintar las líneas al natural. Estaba dentro de esa sala escondida de los curiosos que podían hablar de brujería...

Es una teoría interesante, que merece una lectura sosegada. Y viene de la contemplación de la única copia conocida del cuadro, que podemos disfrutar en el Kingston Lacy (condado de Dorset, UK).

Detalle de la famosa línea que avala la teoría de la cámara oscura

Este pequeño cuadro es una copia idéntica. La perspectiva de ambos cuadros, a pesar de la diferencia de tamaño, es clavada. Y una línea vertical que se aprecia en el cuadro inglés, al lado del personaje que pega una patada al perro, desarrolló toda la teoría:

El cuadro de Kingston Lacy no es una copia, ni tampoco un boceto del grande. Ni es solamente de Velázquez, ni solamente de Mazo: es de los dos. Y es, concretamente, lo que podríamos llamar, por analogía con el lenguaje de la fotografía, el “negativo pictórico” del cuadro grande.

De repente, un cuadro que tanto nos tiene que decir a los fotógrafos, por la disposición de los personajes, por la calidad de la luz y por el bravo ejercicio de la composición,** descubrimos que podría haberse formado con la misma ley física con la que nosotros hacemos nuestras fotos**.

Y por este motivo debemos mirarlo todavía con más respeto si cabe. Hay que ir al Prado, a las horas menos concurridas y limitarse a mirar, como han hecho tantos autores. Ahí tenemos los textos de Antonio Palomino que nos descubrió al maestro, el pensamiento de Michel Foucault sobre las nociones de semejanza/similitud y de representación. Y por supuesto, esas conversaciones privadas de Antonio López con su amigo en la versión extendida de 'El sol del membrillo' donde dos pintores contemporáneos tratan de encontrarle sentido.

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Emular pinturas para el desarrollo de nuestro estilo fotográfico

Los fotógrafos siempre valoramos a Goya como el primero de todos. Pero Velázquez se adelantó con esta pintura. Y podemos aprender todo lo que necesitamos, mucho más importante que la cámara o el móvil que utilizamos. Una cosa es la técnica y otra, mucho más importante, es aprender a mirar.

Hay pocas marcas que hayan sido realmente decisivas en la historia de la fotografía, y una de ellas sin duda es Leica, una firma legendaria que se mantiene en la cúspide a pesar de los años y los cambios tecnológicos. Su historia se remonta al año 1869, aunque fue en 1913 cuando a Oskar Barnack, uno de sus ingenieros, se le ocurrió la idea de la Ur-Leica, cámara que marcaría la historia de la empresa y con cuyo primer prototipo hizo esta foto:

La primera imagen tomada con la Ur-Leica por Oskar Barnack en 1913, Eisenmarkt, Wetzlar (Alemania). Foto de Wikipedia

La imagen se tomó en 1914, en el Eisenmarkt del centro de Wetzlar (en Alemania, donde surgió la firma y continúa teniendo su sede central), desde una calle lateral de una de las zonas más populares de la ciudad. Como cuentan en Kosmofoto, con ella inmortalizó una escena cotidina de la Alemania de comienzos de siglo, antes de que se desarrollaran multitud de acontecimientos que incluyeron dos guerras mundiales. Precisamente de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial sobrevivió el característico edificio que véis en el centro de la imagen.

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El papel de Leica en el Holocausto: 'El tren de la libertad'

De ello da fe la imagen de abajo donde se aprecia el edificio en la actualidad (se puede ver también en Google Maps) y donde también se ve la placa commemorativa (en una tapa de alcantarilla) que marca el lugar exacto donde Barnack tomó la foto. Aquella fue la primera de muchas tomas que realizó con los prototipos que desarrolló aquellos años, y que darían lugar ya en 1925 (pasada la Primera Guerra Mundial) a las primeras cámaras Leica comercializadas.

Vista en perspectiva del lugar donde se hizo la primera foto con la Ur-Leica en la época actual (2018). Foto de Wikipedia

Se trata por tanto de una imagen que, siendo aparentemente cotidiana, supone el inicio de una larga trayectoria que, como decíamos, marcó el mundo de la fotografía. Porque las camaras Leica fueron fundamentales para el desarrollo del fotoperiodismo, sobre todo por su portabilidad.

Con ellas se hicieron fotos icónicas como la 'Muerte del miliciano', de Robert Capa, 'Tras la estación St. Lazare', de Henri Cartier-Bresson, 'V-J Day in Times Square', de Alfred Eisenstaedt, o 'Guerrillero Heroico', el famosísimo retrato del Che Guevara de Alberto Korda.

Vía | DPReview

Foto de portada | Modelo 3D de la Ur-Leica creada para la Photokina 2012 por Bitflare

La historia de la humanidad está llena de injusticias terribles. Y matar a alguien solo por sus ideas o su procedencia merece la más absoluta de las repulsas. Dentro de esos momentos malditos siempre podemos encontrar a gente que trató de mejorar la situación de las víctimas. Hablaremos de Ernst Leitz II, dueño de la famosa Leica durante los espantosos años de Hitler en el poder, que salvó de las garras nazis a más de 200 judíos.

Hitler llegó al poder después de unas elecciones en 1933. El partido nazi empezó a gobernar con la idea de dominar el mundo y acabar con todos los que no representaran su ideal ario. Los judíos fueron sus víctimas. Y la humanidad vio atónita cómo llegaba uno de los episodios más crueles de la historia.

Pero en este artículo hablaremos de una buena persona: Ernst Leitz II, quien ideó 'el tren de la libertad de Leica' para sacar de Alemania a más de 200 judíos. En algunas crónicas modernas lo llaman el Oskar Schindler de la fotografía.

Como todas estas historias hay que entenderlas en su contexto y estudiarlas con mucho cuidado, porque hay luces y sombras que son difíciles de entender. Sobre todo sin saber el contexto ni la situación en la que se vivió durante los años del terror nazi.

La historia de 'el tren de la libertad'

He llegado a esta historia a través del muro de Facebook de Bernardo Pérez Tovar. Se conoce desde hace mucho tiempo. El escritor Goerge Gilbert lo sacó a la luz en un artículo y el rabino Frank Dabba Smith escribió el libro 'The Greatest Invention of the Leitz Family: The Leica Freedom Train', después de quince años investigando una historia que había quedado sepultada en el tiempo.

Entre 1933 y 1939 Ernst Leitz II consiguió crear un entramado para sacar a los trabajadores judíos de su empresa como destinados a las oficinas de Francia, Gran Bretaña, Hong Kong y Estados Unidos. Y no solo a sus empleados, sino a amigos y familiares para escapar de la locura nazi.

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Carlos Pérez Siquier, el fotógrafo que cambió la historia de la fotografía en España

Se llegó a conocer como 'el tren de la libertad de Leica'. Los judíos que lograron escapar gracias a su empresa llegaban a estos países con todas las garantías y con un puesto de trabajo garantizado.

El famoso logo de Leica

Lo más curioso de todo esto es que la familia Leitz era respetada por el gobierno nazi e incluso el cruel ministro Joseph Goebbels cantaba las virtudes de la marca y contrataba sus servicios para el ejército nazi dada su enorme calidad.

Y a pesar de todo estuvieron fuertemente vigilados. Los nazis necesitaban sus telémetros y sus ópticas, así como el buen nombre que tenían en el mundo occidental, pero vigilaban todos sus movimientos sospechosos. Hasta encarcelaron a la hija del empresario, Elsie Kuhn-Leitz, porque ayudar a escapar a mujeres judías por la frontera con Suiza.

No olvidemos que ella era amiga personal de Henri Cartier Bresson, el cual escribió la introducción de su biografía, donde se contaba todo lo que hizo esta mujer por los demás.

La portada del artículo donde se publicó la historia por primera vez

Al parecer toda esta historia no es muy conocida por deseo expreso de la familia, quien pidió que no se divulgara hasta que falleciera el último miembro de la familia Leitz. Como se narra en un artículo de la Asociación Fotográfica de Canada, donde cuentan que esta historia la descubrió George Gilbert:

Mucho después de que terminó la guerra, la historia del programa Freedom Train se propuso por primera vez a Reader's Digest con sus más de 12 millones de lectores. Los directores de Leitz lamentablemente rechazaron el permiso mientras las personas involucradas aún estuvieran vivas y posiblemente en riesgo de represalias. Para 1987 había muerto el último de los protagonistas y George escribió un pequeño artículo de media página que fue publicado en varias crónicas fotográficas. Una década más tarde, la historia se cubrió brevemente en el libro Illustrated World Wide Who's Who of Jewish in Photography (ver reseña en la edición de mayo de 1997 de Photographic Canadiana ). George envió una versión abreviada de la historia a las diversas sociedades fotográficas para su publicación; publicamos la historia en nuestro número de mayo de 2002. Desafortunadamente, los esfuerzos para encontrar a alguien con familiares que fueron ayudados por Leitz no han logrado encontrar a nadie hasta la fecha. La historia del Tren de la Libertad y el papel desempeñado por Norman Lipton, George Gilbert y el rabino Frank Dabba Smith para sacarlo a la luz, se tratan en el panfleto de 2002 del Rabino Smith The Leica Freedom Train publicado por la American Photographic Historical Society en Nueva York. Se proporcionó una copia a cada asistente a esta presentación.

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El español Sergio Díaz Ruiz entre los ganadores del certamen 'Fotógrafo de astronomía del año 13' del Real Observatorio de Greenwich

Puede que no sea una historia fotográfica 100%, y seguro que hay muchos matices, como sucede con Oskar Schindler, pero desde hoy miraré a Leica con otros ojos. Al menos en los tiempos horribles demostró tener humanidad.

Si te gusta la historia de la fotografía seguro que uno de los datos curiosos que tienes en la memoria es que la primera fotografía la hizo Joseph Nicéphore Niépce desde la ventana de su casa. En el museo de la universidad de Texas donde se conserva han cambiado el discurso y nos cuentan otra forma de ver la realidad.

En cualquier libro de historia de la fotografía habrás visto la famosa fotografía desde la ventana de Niepce. Y seguro que conoces todas las anécdotas que se cuentan sobre ella. Nos queda el consuelo de que todas son ciertas, eso sí.

Hasta hace muy poco la famosa 'Vista desde la ventana en Le Gras' se consideraba la primera fotografía de la historia. Está fechada y documentada en 1826, trece años antes de la presentación oficial del daguerrotipo.

Siempre ha sido el origen de toda esta locura, el ejemplo perfecto de la investigación de un hombre que luchó hasta la muerte para conseguir fijar la realidad, robar al tiempo, como decía él mismo pomposamente.

Pero si buscamos en las redes encontraremos (en este caso gracias a @ramonpeco) un interesante artículo del Ramson Center, un centro de investigación en humanidades de renombre internacional en la Universidad de Texas en Austin. Allí es donde está expuesta esta obra única, en todos los sentidos.

De Joseph Nicéphore Niépce - Rebecca A. Moss, Coordinator of Visual Resources and Digital Content Library, via email. College of Liberal Arts Office of Information Technology, University of Minnesota. http://www.dcl.umn.edu, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=107219

Y ellos mismos han cambiado el papel de esta heliografía en la historia. Reconocen que no es la primera de la historia, sino la primera conservada. Y nos hacen ver que la fotografía tiene un recorrido mucho más largo y abierto a la interpretación de lo que pensaban muchos.

'Vista desde la ventana en Le Gras' y su papel en la historia

Joseph Nicéphore Niépce era un investigador burgués que tenía todo el tiempo del mundo para tratar de resolver un problema que atormentaba a muchos científicos desde tiempo inmemorial. La cámara oscura era conocida desde hace mucho tiempo. Y se utilizaba para pintar, observar fenómenos estelares y demás.

Pero nadie había conseguido fijar la imagen que se proyectaba en la pared contraria del objetivo. Desde hacía tiempo hay constancia de muchos experimentos fallidos y se duda sobre quién es el primero que lo hizo... Pero la historia oficial, hasta hace muy poco tiempo, es la que contaron los coleccionistas e historiadores británicos Helmut y Alison Gernsheim.

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¿Pintaron los maestros renacentistas con la ayuda de una cámara oscura?

Vamos a esperar un poco para saber el papel del matrimonio, autores del famoso 'The History of Photography from the Camera Obscura to the Beginning of the Modern Era'...

La historia de la fotografía

Quería fijar las imágenes que veía con la cámara oscura que utilizaban los pintores, así que empezó a experimentar en la finca de su familia hasta que dio con la fórmula mágica que permitiera contemplar el resultado después de sacar el material de la famosa caja.

No sabemos si lo hizo por una visión comercial o por un reto personal. Ya en 1816 consiguió mantener la imagen durante un tiempo pero hasta la década siguiente no consiguió lo que llamó heliografía (escritura solar):

disolvió betún sensible a la luz en aceite de lavanda y aplicó una fina capa sobre una placa de peltre pulido. Insertó la placa en una cámara oscura y la colocó cerca de una ventana en su cuarto de trabajo del segundo piso. Después de varios días de exposición a la luz solar, la placa produjo una impresión del patio, las dependencias y los árboles del exterior. Al escribir sobre su proceso en diciembre de 1827, Niépce reconoció que requería mejoras adicionales, pero que, sin embargo, era "el primer paso incierto en una dirección completamente nueva".

Según figura en sus diarios, la exposición que hizo desde la ventana de un cuarto duró exactamente 8 horas y 10 minutos. Por este motivo contemplamos sombras en ambos lados de la imagen (por el movimiento de la tierra). Lo más curioso es que hay que reconocer que es una imagen subexpuesta y que hubiera necesitado más tiempo...

El peltre es una aleación compuesta por estaño, cobre, antimonio y plomo y por la acción del betún de judea (se sabe que no utilizó el original que se conocía desde el tiempo de los egipcios) sobre este material se conseguía un positivo directo:

La placa que portaba la imagen en betún de Judea era sumergida en un baño de ácido que atacaba el metal en los lugares donde estaba descubierto, es decir los que correspondían a los trazos del dibujo. En efecto, el barniz en betún es impermeable al ácido al cual impide de alcanzar el soporte. Una vez que los trazos se grababan en el metal, el inventor eliminaba de la placa el barniz de betún, para guardar la placa metálica con el dibujo grabado.

El paso de la fotografía a la historia

Antes hemos hablado del matrimonio Gernsheim. Ellos fueron los que vendieron que esta heliografía era la primera imagen de la historia. Formaba parte de la colección que llevaban alimentando desde 1937 con los trabajos de los pioneros.

Cuando encontraron este ensayo subexpuesto de Niepce, consideraron que tenían por fin, la primera fotografía de la historia. Y así se encargaron de promoverlo en las exposiciones que organizaban y en sus libros.

Y casi todo el mundo daba por cierta la historia. No quedaba lugar para las teorías. La heliografía la encontraron en 1952, con sumo cuidado hicieron una copia con la ayuda de la archipoderosa Kodak y la dieron a conocer al mundo como la pionera.

En 1963 la Universidad de Texas compró la colección del matrimonio. E incorporaron la fotografía de Niepce como uno de sus tesoros más preciados.

Todo cambió en 2019, cuando reorganizaron las colecciones del museo, el ya citado Ramson Center´s. Y decidieron investigar, avanzar y mejorar la explicación del pasado. Ya no se presenta como 'La primera fotografía'.

Ahora se presenta como 'The Niépce Heliograph' y en vez de dar las cosas por sentadas, plantean muchas preguntas. Ahora es

la fotografía superviviente más antigua conocida producida en la cámara oscura.

Es la más antigua conservada, no la primera que se hizo. Y reconocen que pueden aparecer imágenes más antiguas en cualquier momento. Solo hace falta buscar en los lugares más recónditos y rogar que se conserve bien. Aunque probablemente se haya perdido para siempre...

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Hasselblad vs iPhone: demostrando que no importa la cámara que uses pero sí que seas capaz de iluminar bien una escena

Ahora podemos verla en una exposición permanente dentro del Harry Ransom Center. Algún día me encantaría ir, pero mientras tanto, la seguiré viendo en los libros como la prueba viva del ingenio humano de aquellos años.

Julio Cortázar forma parte de esa estirpe de escritores que era capaz de crear un mundo propio solo con las palabras que salían de sus manos. Y muchos no querríamos nunca salir de él. Amaba la música como nadie y a la fotografía como muchos de nosotros. En 1978 escribió 'Ventanas a lo insólito', una reflexión única sobre la fotografía que se había perdido entre sus papeles abandonados.

Julio Cortázar nació el 26 de agosto de 1914. Hace exactamente 107 años que pisó el mundo. Es autor de algunos de los mejores cuentos que se ha escrito nunca. Tradujo todos los cuentos de Edgar Allan Poe para inspirar el mismo terror que a los anglosajones y escribió ese monumento a la literatura que es 'Rayuela' en 1963.

Fue capaz de relacionar la literatura y la imagen de una forma perfecta en una conferencia que pronunció en la ciudad de La Habana:

La novela y el cuento se dejan comparar analógicamente con el cine y la fotografía, en la medida en que una película es en principio un “orden abierto”, novelesco, mientras que una fotografía lograda presupone una ceñida limitación previa, impuesta en parte por el reducido campo que abarca la cámara y por la forma en que el fotógrafo utiliza estéticamente esa limitación.Pon tu texto aquí...

La portada del libro perdido

Y rebuscando por las redes en busca de los libros que tengo abandonados en el fondo de un triste almacén hasta finales de septiembre (creía que podía rescatarlos ya), he encontrado un texto que se publicó por primera vez en 'Papeles inesperados' en 2011 y que habla precisamente sobre la fotografía: 'Ventanas a lo insólito'.

Julio Cortázar y la fotografía

No es un autor fácil. Obliga a releer una y otra vez sus páginas con música de jazz de fondo. Está contaminado por muchos lectores que creen formar parte de una élite porque leen al argentino con un cigarro en la boca y con boina en los antiguos cafés. Simplemente te tiene que gustar. Y si no es así, no pasa nada.

Julio Cortázar no cambia aunque no te guste (Wikipedia(Sara Facio))

En 'Ventanas a lo insólito' descubres cómo veía la fotografía. Y puede que coincidas en muchas cosas con él. Lo malo es que nunca has encontrado esas palabras exactas para expresarlo. Es lo bueno de la lectura, algo que muchos olvidan, que te enseña también a pensar:

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Jean Laurent, el fotógrafo francés que forma parte de la historia de la fotografía española

No me atraen demasiado las fotos en las que el elemento insólito se muestra por obra de la composición, del contraste de heterogeneidades, del artificio en último término. Si lo insólito sorprende, también él tiene que ser sorprendido por quien lo fija en una instantánea. La regla del juego es la espontaneidad, y por eso las fotos que más admiro en ese terreno son técnicamente malas, ya que no hay tiempo que perder cuando lo extraño asoma en un cruce de calles, en un juego de nubes o en una puerta entornada. Lo insólito no se inventa, a lo sumo se lo favorece, y en ese plano la fotografía no se diferencia en nada de la literatura y del amor, zonas de elección de lo excepcional y lo privilegiado

Es uno de los textos perdidos que podemos leer en 'Papeles inesperados' de la editorial Alfaguara, un libro ya descatalogado que tendremos que buscar en las librerías de viejo. Porque el precio asusta en Amazon.

Pero la fotografía está presente en varios de sus textos. En su cuento 'Las babas del diablo' el protagonista es un fotógrafo (inspirado en una historia de Sergio Larrain) que encuentra la verdad a través de un disparo.

Este es el cuento que Antonioni adaptó para hacer su famosa película 'Blow up' (1966). Y tiene el mismo problema que el propio Cortázar. Los intelectuales la tomaron como una referencia, pero tienes que conectar con ella para entenderla. Yo sigo perdido con ella. Tengo que volver a verla.

Como anécdota curiosa contaré que al principio del cuento, Cortázar habla incluso de la cámara que utilizaba, la Contax 1.1.2. Es gracioso leer los ensayos en los que afirman la precisión del autor al mencionar dicho modelo...

El problema es que no existe ese modelo como tal. Y probablemente se refería a la Contax I, el modelo que competía en los años 30 con la Leica II, y que llevaba un objetivo Sonnar 50 mm 1:2 F... El problema de escribir rápido y no avisar al corrector...

Así que os animamos a adentraros en el mundo de Julio Cortázar para buscar sus fotografías. En 'Rayuela' cuenta muchas veces como si estuviéramos viendo una imagen. Y creo que debe ser una referencia para nosotros si fue capaz de escribir:

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Sergio Larraín siempre debería estar en nuestra memoria de fotógrafos

Entre las muchas maneras de combatir la nada, una de las mejores es sacar fotografías, actividad que debería enseñarse tempranamente a los niños, pues exige disciplina, educación estética, buen ojo y dedos seguros… cuando se anda con la cámara hay como el deber de estar atento, de no perder ese brusco y deliciosos rebote de un rayo del sol en una vieja piedra, o la carrera trenzas al aire de una chiquilla que vuelve con un pan o una botella de leche.

'Perro semihundido' de Francisco de Goya es uno de los cuadros más analizados del mundo. Ha marcado a muchas generaciones de artistas y espectadores del museo del Prado, donde se encuentra. La pregunta siempre está en el aire ¿Qué es lo que vemos? Las respuestas son infinitas, pero gracias a una fotografía que hizo Jean Laurent de la obra en su espacio original en 1874, la solución es muy sencilla. Hay veces que nos gusta complicarnos la vida.

Las 'Pinturas negras' de Goya adornaban su casa de campo conocida como la Quinta del Sordo. Estaba cerca del río Manzanares, por la zona del puente de Segovia, cerca de la sala La Riviera. Era una finca que compró y en la que residió antes de su exilio. En los muros de aquella casa pintó los famosos cuadros que ahora reciben miles de visitas en el Museo del Prado.

Estaban pintadas directamente sobre el yeso seco, sin ningún tipo de preparación. Algunos especialistas afirman que no fueron pintadas para perdurar... Los herederos del pintor vendieron la quinta y un aristócrata francés la compró. Pero antes de derribar el edificio decidió salvar las pinturas.

La técnica elegida para hacer el traslado a lienzo desde el muro se llama strappo, y resultó muy dañina para las pinturas. Algunos cuadros perdieron materia pictórica y esto originó el mito imposible del genial 'Perro semihundido'.

Fotografía original de Jean Laurent (Wikimedia Commons)

Las fotografías que hizo Jean Laurent en la casa, en 1874, han servido para descubrir cómo eran realmente. Y puede decirse que son un hito en la historia de la fotografía porque es de las primeras veces que se utilizó luz artificial para iluminar una fotografía.

El verdadero significado de 'Perro semihundido' y la innovadora técnica fotográfica

La técnica strappo es muy agresiva y siempre provoca pérdida de información. Y en el caso de 'Perro semihundido', el resultado hizo que los expertos teorizaran mil y una veces sobre el genial cuadro.

Que si era una metáfora sobre la situación política de entonces, que si estábamos ante la representación de la soledad del pintor o un ejemplo freudiano, kantiano... de la enfermedad mental...

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El último estudio fotográfico de Jean Laurent que muy poca gente conoce

Ya en 1996, José Manuel Arnaiz escribió en su libro 'Las pinturas negras de Goya' que la fotografía de Laurent desvelaba todo el misterio.

Detalle (Wikimedia Commons)

Si nos fijamos en la fotografía que hizo Jean Laurent antes del levantamiento de la pintura observamos que el perro simplemente está mirando el revoloteo de dos pájaros. Es una escena campestre pintada de forma sensacional.

Goya, si contemplamos sus cuadros, amaba profundamente a los perros y odiaba a los gatos. Los cánidos siempre son amables y los felinos salen siempre ariscos... Así que no hay que darle más vueltas. Solo vemos a un perro en el campo mirando dos pájaros.

La magia de la fotografía de Jean Laurent

Y todo es tan sencillo gracias a la fotografía. Por cierto, 15 fotografías (de los 14 cuadros) que supusieron un reto técnico de enormes dimensiones según podemos leer en el estudio de Raquel Esteban Vega. Las fotografías se hicieron en agosto de 1874.

En dicho estudio, descubrimos que para hacer estas fotografías Jean Laurent utilizó un complejo sistema de luz artificial para registrar las famosas pinturas.

Ilustración del estudio de Raquel Esteban Vega 'Las fotografías de J. Laurent de las Pinturas negras'

No sabemos si el trabajo se lo encargó Salvador Martínez Cubells, el restaurador del entonces Museo Nacional de Pintura y Escultura, o el barón d’Erlanger, dueño de la finca, que quería venderlas en Francia (afortunadamente nadie las quiso comprar y las donó al Prado).

Los negativos de cristal de 27x36 cm son de colodión húmedo, un proceso que exigía preparar la superficie sensible in situ y revelarla antes de que se secara. Y como estaban en las paredes, no podía sacarlas para iluminarlas correctamente.

Así que utilizó un sistema que ya había probado años atrás el mismo Nadar en Francia y que él estaba experimentando desde hace tiempo, las lámparas de arco voltaico y pila tipo Bunsen:

El funcionamiento del sistema partía de la energía generada por pilas de
Bunsen que transmitían la corriente a lámparas de arco voltaico, también llamadas de carbón, cuya intensidad lumínica era constante gracias a la acción de un regulador que mantenía invariable la distancia entre los dos bornes de la lámpara según estos se iban consumiendo.

'Perro semihundido' (Wikimedia Commons)

Era evidentemente luz continua, necesaria para compensar la oscuridad de las pinturas y del espacio donde se encontraban, además de la poca sensibilidad del colodión húmedo.

Muchas veces la historia del arte toma un camino u otro por diversos motivos ajenos al arte... Todo depende de la interpretación de un autor reconocido o un hecho ajeno a la valoración artística, como el robo que convirtió a la Gioconda en el cuadro más famoso.

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La incierta y curiosa historia del inventor español de la fotografía

En este caso todas las divagaciones no hubieran sido necesarias si alguien se hubiera fijado antes en unas fotografías perfectas que tomó un autor francés que vivía en España y que registró casi todo nuestro patrimonio artístico. Gracias a él sabemos que no estamos viendo la decadencia o el horror, solo a un perro feliz.