Opinión

En el capítulo anterior hemos hablado de dos reglas fundamentales que son la archiconocida regla de los tercios y la proporción áurea. También pudimos ver como “casi” inconscientemente las fotografías de Cartier-Bresson se llevaban bien con las reglas. Si mirásemos más fotografías de los grandes maestros nos daríamos cuenta de eso mismo.

Las reglas de composición no son obligaciones, son orientaciones. Estas reglas están estudiadas y provienen de años y años de experiencia en la fotografía pero no por ello hemos de dejar de innovar. Las reglas pretenden tener su efecto positivo sobre nuestra percepción visual de una fotografía. Hoy vamos a hablar de la importancia del equilibrio y de las líneas tanto en el retrato como en el paisaje para seguir en el próximo capítulo hablando de líneas horizontales y verticales, triángulos, simetría, asimetría y patrones.

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Hace meses, nuestro compañero Santiago ya os habló de Bus Street Photography, un protecto del fotógrafo vizcaino Javier Ferdo. La idea es simple: hacer fotografía callejera desde el asiento de un autobús, protegido por el cristal y las focales largas, capturando la vida de la calle desde la distancia.

La serie, íntegramente en blanco y negro, ha llegado a su fin tras dos años y 299 capturas, y su autor ha tenido a bien compartirla con nosotros a través de nuestro formulario de contacto. En su galería no encontraremos fotografía callejera clásica, de grandes angulares o transeuntes sorprendidos al paso: Javier nos enseña instantes congelados en el tiempo, sin interferir en ellos, y sin prisas ni estridencias.

Quizá eso mismo sea lo que más pueda crear polémica entre los más puristas, como bien indica el autor en su propia descripción de la galería:

No se si seré la única persona que practique este tipo de fotografía urbana con asiduidad, el “bus-street-photography”, pero estoy convencido que los más acérrimos al más puro estilo del típico fotógrafo callejero me acusarán de cobarde. Este peculiar estilo tiene la ventaja de estar ahí arriba tras el cristal sin que sepan que están siendo fotografiados.

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Hubo un tiempo en el que estaba de moda quejarse de intrusismo laboral y de que los puestos de informáticos estaban ocupados por matemáticos. Pues bien, debe ser que los matemáticos se quedaron sin sus ordenadores y ahora se han propuesto poner patas arriba la fotografía, calculadora en mano. Bromas aparte, si hace una semana os hablábamos de un algoritmo capaz de juzgar la calidad de una fotografía hoy lo hacemos de otro que pretende adivinar cuánto retoque digital tiene una imagen.

Por supuesto, la infamia del dedo acusador vuelve a apuntar a Photoshop, porque como todo el mundo sabe no existe otro software con el que tratar digitalmente una fotografía (nótese la ironía). El tema y la ignorancia desde la que se trata el mismo ya empiezan a cansar un poco. A pesar de que revivimos la historia cada cierto tiempo, cual Bill Murray en Atrapado en el Tiempo, no somos capaces de poner fin, definitivamente, a este atropello a la inteligencia.

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Hemos hablado en nuestro curso de fotografía sobre este tema y también en algunos artículos anteriores. Hoy empezaremos a darle una vuelta de tuerca al tema e iremos profundizando en este asunto. En principio las reglas de composición fotográficas nos ayudan a mejorar las tomas. Son una serie de “consejos” no obligatorios en sí mismos pero sí una guía de referencia a la hora de conseguir esa composición “técnicamente perfecta”. El buen fotógrafo debe conocerlas y tenerlas grabadas a fuego en su cabeza pero no debe dejarse guiar únicamente por ellas limitando su propia creatividad, su propio ojo fotográfico.

Aunque no debemos olvidar una de las máximas que deberemos conjugar con la composición fotografía: la fotografía es luz. Por muy buena composición que logremos si la luz no aporta lo que tiene que aportar: fuerza, suavidad, frescura o cualesquiera otra sensación, compositivamente la imagen podrá ser buena, pero probablemente no funcione. De igual manera, si la luz de nuestra fotografía resulta ser una distracción para la composición que hemos buscado, no funcionará. Evidentemente hay muchos más factores en juego, pero nos centraremos en esta serie en la composición. Comencemos por el principio.

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Hace cosa de un mes os hablé sobre fotografiar con sentido común. Ayer realizando la fotografía que encabeza la portada, me vino a la cabeza este tema. Hoy ponemos sobre la mesa, un asunto relacionado con ello, también. El estilo propio, la atmósfera y estilismo y otros aspectos. Las imágenes que disparamos o fotografiamos han de ir más allá de las simples capturas fotográficas. Iluminadas bien y bien expuestas, con un concepto como denominador común, contando una historia, transmitiendo unas sensaciones y unos sentimientos. Da igual que sean fotografía deportiva, retrato o para moda, nuestros trabajos siempre DEBEN ir más allá de la simple trasnmisión de una imagen bonita. Es el secreto de tu evolución como fotógrafo. El estilismo, las atmósfera y el estilo propio en los proyectos siempre es un valor añadido.

Obviamente, todo ello pasa antes, por haber aprendido a mirar através de una cámara de fotos. No es tarea fácil, es difícil educar al ojo y si encima también falla la técnica la cosa se complica bastante. Para ello tienes muchas posibilidades. Pero más allá de la técnica puramente fotográfica, del flujo de trabajo o de una interesante post-producción, en mi opinión hay algunos conceptos que yo resumiría diciendo que estamos fotografiando con estilo.

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¿Recordáis el caso de los clicks de la Sony NEX–5n? Hace pocas semanas os contábamos cómo este modelo había salido con un grave defecto de fábrica, que volvía casi inutilizable el audio de los vídeos cuando había movimientos bruscos durante la grabación.

En este tiempo, Sony ha tenido tiempo de preparar un procedimiento en sus servicios técnicos para solucionarlo, y ya son muchos usuarios los que han pasado varias semanas sin su cámara, y han comprobado como efectivamente la solución parece funcionar perfectamente.

De hecho, la última hornada de cámaras está viniendo ya arreglada, y algunos fans de la marca están haciendo listados de números de serie, para que los siguientes compradores puedan tener una orientación sobre qué caja llevarse de la estantería.

Entonces… ¿podemos olvidarnos de todo? Permitidme ponerme un poco firme en este caso, y no izar del todo la bandera blanca hacia Sony: Es perfectamente comprensible (y admirable) que un fabricante reaccione rápido y corrija los fallos de sus productos, pero este problema nunca debería haber aparecido.

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No os voy a intentar ocultar de ninguna de las maneras mi pasión por este grupo. Corría el año 92 y uno de mis mejores amigos me grabó en cinta un disco para que lo disfrutara en el viaje hacia la Expo ´92 de Sevilla, eran 10 horas de viaje en coche y necesitaba distracciones. Textualmente me dijo, “Te va a encantar, escuchalo”. Era el Ten de Pearl Jam, el primer disco de la banda. Ahora, casi 20 años después, la banda ha editado un documental conmemorativo de todo este tiempo.

¿Y que tiene que ver todo esto con la fotografía? Pearl Jam siempre ha sido una banda muy inquieta artísticamente hablando y la fotografía ha sido un campo al cual siempre han mostrado especial atención. La imagen que acompaña este artículo corresponde a su cuarto disco de estudio, No Code. Su portada era un collage con Polaroids que la banda había ido tomando a lo largo de los años. El libreto de letras era una pequeña funda con polaroids dentro de ella y tras cada foto estaban las letras. En cada disco las fotos que salían eran diferentes. Cada disco tenía una funda con imágenes diferentes, no se repetían.

¿Y que ocurre con el documental? Pues que es una auténtica belleza visual. El creador de este documental no podía ser otro que Cameron Crowe, amigo personal de la banda y responsable de “Singles”, película protagonizada por Matt Dillon que pretendía captar la esencia de lo ocurrido durante finales de los ochenta y principios de los noventa en Seattle, cuna del Grunge.

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La sombra de Photoshop es alargada. Nuestro programa, seguramente, favorito para la edición de nuestras fotografías está en el punto de mira de mucha gente. Cierto es que hay muchos programas más de edición pero tal vez por ser un clásico todos hacemos referencia a él en cuanto hablamos de retoque digital. Hemos hablado algunas veces de este tema. Si tenéis dudas, nada mejor que consultar el artículo de nuestro compañero Santiago Díaz, sobre “Legalidad: derechos de captación, de autor y de imagen”.

Hace unos días pude leer en el diario El Periódico que el nuevo libro de Carlos Ruiz Zafón, “El prisionero del cielo”, está en fase final de producción. Al parecer la editorial Planeta ha colgado en su web la cubierta, con una fotografía, de Francesc Català-Roca. El problema reside precisamente en que la fotografía de esa cubierta, según parece, ha sido manipulada digitalmente, donde el guardia urbano de la foto original ha sido sustituido por una mujer con abrigo así como alguna otra pequeña modificación. Todo esto no tendría mayor importancia de contar con el permiso para modificaciones del autor de la fotografía, o en este caso, de sus herederos que tienen cedido la gestión al Colegio Oficial de Arquitectos de Cataluña.

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Hablábamos antes de ayer entre los editores de este asunto. Viñeteo, HDR exagerados, efectos retro y vintage descontrolados, efectos estilo Instagram y otros. La “fotoesfera” digital mundial se llena cada poco tiempo de algunos de estos efectos. Pero no solamente se llena de estos efectos digitales. También lo encontramos en diversas tendencias o modas como autorretratos, poses de determinadas maneras y proyectos de 365 días. Servicios online como Picassa, Flickr o 500px proliferan cada días más. No es culpa del efecto, moda, tendencia o estilo en sí mismo, es su aplicación descontrolada y sin conocimiento, lo que, a mi modo de ver, falla. Así algunos de ellos tienen sentido otros puede que no. En última instancia todo depende del espectador.

Sí. Todo depende del espectador. Somos los espectadores los que consumimos. Pero no sé si en este aspecto, como en otros, estamos educados para ello. Pero al hilo de las palabras del miércoles 26 de octubre de Rafael Sanz Lobato diciendo que: “Lo digital ha entrado en la fotografía como un elefante en una cacharrería”, me planteo dicha reflexión. Vaya por delante, que mi formación, por decirlo así, ha sido principalmente digital, tras algún escarceo juvenil, con poco éxito, en lo analógico. Creo que el reciente premio nacional de Fotografía, se refiere al uso o implantación abusiva, inadecuada o por moda de distintos procesados, filtros, tipos de proyectos y otras modas digitales; pero no a la llegada, propiamente dicha, de los instrumentos y soportes digitales en el mundo de la fotografía. Al menos así lo entiendo yo. ¿Estamos fotografiando con sentido común?

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