"Nunca tuve la intención de hacer fotos de desnudos, más bien quería ofrecer la oportunidad de ver las cosas de manera diferente: jugar con nuestra percepción, nuestra realidad y nuestra interpretación de las cosas". Así define Allan Teger sus ‘Bodyscapes’ ("paisajes corporales"), un proyecto a largo plazo en el que este fotógrafo artístico lleva trabajando, nada menos que, desde 1976.

Por tanto, como podéis imaginar, al principio las imágenes de ‘Bodyscapes’ se realizaban con película química y sin ninguna manipulación en Photoshop. Por eso, aunque ahora captura las imágenes digitalmente, "todavía trabajo de la forma como empecé: colocando los juguetes directamente en el cuerpo de la modelo y haciendo una única toma", cuenta Allan.

La idea del proyecto surgió "cuando todavía era profesor de psicología en la Universidad de Pensilvania, en Filadelfia. Estaba enseñando que tenemos una opción en nuestras percepciones y que nuestro nivel de conciencia determina cómo vemos las cosas. Quería mostrar estas ideas en el arte, y ¡se me ocurrió la idea de los paisajes corporales!".

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También nos cuenta cómo al principio fue difícil explicarle a una modelo potencial lo que pretendía hacer: "la primera me pidió comenzar con algunas tomas que no requirieran desvestirse y donde pudiera ver lo que estaba haciendo. Acepté e hicimos una foto de escaladores en su nariz y un pescador en su ombligo". Más adelante, cuando ya tenía muchas imágenes para mostrar lo que pretende, le empezó a resultar muy fácil conseguir modelos: "a menudo, las mujeres se ofrecen como voluntarias para poder decir, cuando sean mayores, que fueron modelos desnudas cuando eran jóvenes!".

Para las fotos utiliza miniaturas de todo tipo: casas de muñecas, maquetas de trenes, adornos navideños, juguetes o miniaturas de coleccionista. Pero, confiesa, "es un gran desafío encontrar miniaturas de calidad: si son toscas o carecen de detalles, la ilusión se pierde. A veces sujeto las miniaturas al cuerpo con un pegamento, del tipo que usan los niños y que se puede lavar fácilmente".

"Un aspecto muy importante de mi trabajo —continúa— es crear la sensación de un paisaje natural. Esto es similar al paisajismo en miniatura zen o la jardinería bonsái. No quiero engañar al espectador haciéndole pensar que es un paisaje. Más bien, intento verlo yo mismo como un paisaje y luego comparto esa percepción con el espectador".

"Es muy importante que mi enfoque se centre en el paisaje que estoy creando ¡no en el cuerpo de la modelo!" porque su intención es que quien vea sus obras entienda que "un desnudo no tiene por qué ser una imagen sexual". Por cierto que, como curiosidad, nos cuenta que a medida que ha ido cambiando la sociedad "se ha vuelto cada vez más difícil encontrar modelos con vello púbico, un elemento de diseño importante en algunas de las imágenes".

Su trabajo ha sido publicado en más de 25 países, se ha materializado en dos libros y en numerosas entrevistas pero el cuenta que "cuando comencé, nunca pensé que éste sería un proyecto para toda la vida. También hago otro tipo de fotos, pero éste es mi enfoque principal y aún sigo entusiasmado con la siguiente fase del trabajo [...] Justo cuando siento que se me están acabando las ideas, siempre encuentro nuevas direcciones".

Nosotros sólo podemos felicitarle por el trabajo, darle las gracias por habernos dejado compartirlo con vosotros y mostraros más fotografías de 'Bodyscapes'.

Bodyscapes by Allan Teger | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Allan Teger reproducidas con permiso del autor para este artículo

“Correlaciones y conversaciones metafísicas entre los pintores surealistas: René Magritte, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Giorgio de Chirico, Vladimir Kush y el fotógrafo Cristóbal Carretero Cassinello”. Así es como el crítico de arte Josep Fàbrega Agea define ‘Analogías Surrealistas’, una serie fotográfica que nos confirma que el arte visual puede tener innumerables conexiones, incluso en géneros aparentemente diversos como la fotografía de calle y la pintura abstracta.

La serie, como hemos apuntado, es obra de Cristóbal Carretero Cassinello, un profesor de economía, diseñador gráfico y fotógrafo (de origen gallego pero almeriense de adopción) que cuenta con un amplio currículum y cuyas fotografías han sido seleccionadas y publicadas en pasadas ediciones de los Magnum Photography Awards y los Lensculture Street Photography Awards. Cristóbal nos hizo llegar su interesante trabajo y nos contó cómo la idea surgió “de la forma más inesperada y espontánea”.

“Como fotógrafo —nos comenta— trabajo varios géneros fotográficos indistintamente, street photography, fotografía conceptual y minimalista. Este crisol de estilos diferentes, me ha permitido agudizar la mirada y desarrollar una percepción de la realidad en su conjunto, que me han llevado a realizar proyectos fotográficos desde una profunda reflexión sobre la interacción y correlación entre imágenes aparentemente inconexas que, unidas, proyectan nuevos universos”.

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Además, Cristóbal es aficionado a jugar con cosas como “el trampantojo visual, efectos de perspectiva, superposición y comprensión de planos, que concluyen en yuxtaposiciones visuales surrealistas”. Quizá por eso, continúa, “un día por casualidad me puse a visionar la obra de René Magritte y de repente llegó la inspiración.”

La clave fue la pintura ‘La gran guerra’, donde Magritte muestra “a una elegante señora con un vestido blanco y un ramo de flores que oculta su cara. Al ver la pintura con incredulidad, en ese momento mi subconsciente explotó y me transportó súbitamente a mi fotografía ‘Él Oráculo’, una misteriosa anciana permanece inmóvil en un banco, sin rostro, mientras que el tiempo se detiene por un momento, el pañuelo que lleva en la cabeza comienza a convertirse en la cabeza de un pájaro.”

En ese momento el autor se dio cuenta de que había “una serie de analogías de contenido, de pensamiento y estética surrealista entre fotografía y pintura.” Esto fue el punto de partida para crear ‘Analogías Surrealistas’, la cual llevó a cabo “reflexionando sobre mi fotografía y realizando una investigación sobre los diferentes pintores surrealistas que me apasionan (Magritte, Dalí, Giorgio de Chirico, Picasso y Vladimir Kush), fui trabajando el proyecto a modo de dípticos, descubriendo potentes diálogos metafísicos sobre la sutil relación de fotografía y pintura surrealista, encontrando nuevos universos evocadores y oníricos, producto de la interrelación, lenguaje visual y hermanamiento de ambas artes.”

El resultado son estas imágenes que estáis viendo, en donde se aprecian las analogías, con elementos que interactúan entre cada cuadro y fotografía. Algunas son más que evidentes, otras menos, por lo que es recomendable fijarnos en los detalles y observarlas “profundamente, no de la manera ultrarrápida y compulsiva, que muchas veces se observan las fotografías en las redes sociales”. Sin duda un proyecto interesante ¿no os parece?

Cristóbal Carretero Cassinello | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Cristóbal Carretero Cassinello reproducidas con permiso del autor para este artículo

“Mi intención es capturar en un solo lapso de tiempo la belleza del vuelo de las aves, haciendo visible lo invisible” así resume (a grandes rasgos) Xavi Bou su trabajo ‘Ornitografías’. Se trata de un proyecto fotografíco surgido gracias a la pasión por las aves de este artista catalán y en el que juega con el movimiento convirtiéndolo en algo poético.

De hecho, aunque pudiera parecerlo, Xavi deja claro que su serie “se aleja del análisis puramente científico del movimiento que proporciona la cronofotografía”, ese ámbito que acerca el cine y la fotografía y se popularizó en el Siglo XIX de la mano de fotógrafos como Eadweard Muybridge. ‘Ornitografías’ es “un equilibrio entre el arte y la ciencia, un proyecto de divulgación naturalista y, al mismo tiempo, un ejercicio de poesía visual”.

El origen de la idea, tal y como cuenta Xavi (fotógrafo catalán que trabaja en fotografía de moda y publicitaria), se remonta a muchos años atrás: “Nace de la mirada inocente y curiosa del niño” y de su admiración “por la naturaleza y, en especial, por las aves” que surgió de niño “gracias a los largos paseos que hacía acompañado de su abuelo […] Desde entonces el interés del fotógrafo por las aves no ha dejado de crecer, hasta el punto de transformarse en el motivo central del proyecto”.

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Así, con ‘Ornitografías’ pretende “captar aquellos momentos que nos pasan desapercibidos” y “cuestionar los límites de la percepción humana. Por ello el propio Xabi (que estudió Geología además de fotografía) concluye que es “un equilibrio entre arte y ciencia, un proyecto de divulgación naturalista y a la vez un ejercicio de poesía visual. Pero es, ante todo, una invitación a que todos percibamos el mundo con la misma mirada curiosa e inocente del niño que un día fuimos”.

Lo cierto es que las imágenes resultan evocadoras y al tiempo extrañas, porque en algunas de ellas parece fácil saber qué son esos curiosos patrones y otras navegan directamente en el terreno de la fotografía abstracta. Interesantes en cualquier caso ¿no os parece?

Xavi Bou | Página web | Instagram | Facebook

El realismo en fotografía es algo natural, básicamente porque este arte nos permite capturar cualquier escena que tengamos ante nosotros con un realismo que puede llegar a ser sorprendente. Sin embargo, captar la realidad tal y como es no siempre es la mejor manera de expresarnos. A veces, reducirla a formas abstractas puede ser una excelente manera de desarrollar nuestra creatividad de una forma mucho más libre.

Hablamos de la fotografía abstracta, una disciplina quizá no de las más populares pero que desde luego tiene gran atractivo y que, además, es más accesible que nunca en estos tiempos digitales. Sea como fuere, podemos decir que una fotografía abstracta es aquella que huye del realismo, que busca ofrecer al espectador una “sugerencia de realidad” en lugar de una reproducción fiel, para lo cual se puede recurrir a distintas técnicas y recursos.

Foto de Oscar Condés

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Las fotos abstractas no son difíciles de identificar precisamente por lo contrario: Porque es complicado saber con precisión qué es lo que estamos viendo. Es decir, al huir del realismo, las imágenes abstractas ofrecen un aspecto alejado (en mayor o menor medida) de lo convencional con lo que, en principio, el espectador tenderá a preguntarse qué es lo que representa la imagen.

Porque la fotografía abstracta es, de alguna manera, interpretar la realidad de otra manera o buscar elementos en ella que resulten especialmente sugerentes. La razón principal para hacer este tipo de fotos es la que ya hemos adelantado, estimular nuestra creatividad, pero es que además practicarla puede ayudarnos mucho a comprender más sobre las relaciones entre la luz y la sombra, las combinaciones de colores o cómo interactúan las formas entre sí.

Foto de Mathias Appel

Elementos básicos en fotografía abstracta

Hay algunos elementos fundamentales en los que centrarse a la hora de tratar de buscar la abstracción: Forma, color, textura, luz y sombra. Todos ellos forman parte de los elementos esenciales de semántica visual y, por tanto, son recursos básicos con los que contamos los fotógrafos para transmitir a través de nuestras imágenes.

Foto de Oscar Condés

El primero, la forma, es un elemento primordial de una imagen abstracta. Ya sean los detalles de una superficie o la simetría de una serie de elementos arquitectónicos, jugar con las formas es quizá la mejor manera de conseguir la abstracción. Y cuando decimos “jugar” lo hacemos, evidentemente, en el más amplio sentido de la palabra porque, como hemos dicho, se trata de conseguir resultados no realistas (es decir, no identificables fácilmente). Así, la forma ni siquiera tiene que tener una presencia física, ya que perfectamente pueden ser ondas de luz reflejadas o humo que se evapora inmediatamente.

Foto de rawpixel

Otro elemento básico para conseguir la abstracción es el color, un ingrediente que sirve para delimitar formas, agregar contraste a la imagen y conducir el ojo del espectador (entre otras muchas posibilidades). Además, usándolo adecuadamente podemos dar a nuestra imagen una serie de cualidades que, como sabéis, suelen venir asociadas a los distintos tonos de color.

Por su parte, la textura es un elemento que por sí solo puede convertirse en protagonista de una imagen abstracta. Al acercarnos lo suficiente a los objetos podemos descubrir texturas desconocidas que se pueden interpretar como abstractas al no ser capaces de identificar fácilmente su procedencia. Además, la textura nos permite agregar definición a las formas y dar contraste a los colores de nuestra composición abstracta.

Foto de Oscar Condés

Por último, no hay que olvidar que todos ellos son elementos estrechamente ligados a la luz y la sombra, ya que a través de ellas podemos manipular el aspecto de una textura, delimitar las formas o resaltar un determinado color.

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Donde y cómo buscar la abstracción

La belleza de lo abstracto puede estar en cualquier parte. En las cosas cotidianas que nos rodean, en lugares desconocidos, en interiores o exteriores... Cualquier escenario es válido porque, en casos como éste, está claro que lo más importante es la experimentación. Por eso ya en este artículo de hace unos años decíamos que al no hablar de algo concreto o definible, sino más bien de conceptos, era difícil establecer consejos sencillos para dar a quien quiera practicar este tipo de fotografía.

Foto de Rodion Kutsaev

Por su propia idiosincracia no existen normas ni técnicas específicas, pero sí que es cierto que podemos citar algunos “procedimientos” que se pueden usar para lograr imágenes abstractas. Empezando por la práctica de acercarnos a las cosas para captar detalles que formen parte de un objeto mayor pero que, aislados, tengan un sentido abstracto. Lo cual, llevado al extremo, nos conduce a la macrofotografía.

Lo cierto es que aislar detalles de un todo es una de las formas más sencillas pero también efectivas de iniciarse en fotografía abstracta. Algo que nos exige ser exhaustivos y observadores, y que nos permitirá fijarnos más en detalles como las texturas de los objetos y los patrones de luz. Además, si lo hacemos habitualmente pronto lo asimilaremos y nos daremos cuenta de que, a la hora de hacer fotos, pensamos de una manera distinta y más creativa.

Foto de Sofía Condés

Otra técnica muy apropiada para conseguir la abstracción se basa en jugar con el movimiento. En este caso, como ya imagináis, en reproducir el dinamismo de algo a través del desenfoque de movimiento (motion blur en inglés), una técnica muy atractiva (basada en utilizar exposiciones largas) a la par que imprevisible.

Un buen ejemplo son las estelas de luz que alguna vez todos hemos practicado. Y es que ¿quién no ha obtenido alguna vez una fotografía movida que, sin embargo, tenía gran atractivo por sus formas anárquicas y, cómo no, abstractas? Sin duda es una manera sencilla de conseguir abstracción aunque, como decimos, tiene la particularidad de ser totalmente imprevisible.

Foto de Colin Knowles

Una tercera vía podríamos encontrarla en el desenfoque, pero esta vez no de movimiento sino desenfoque propiamente dicho. Porque una imagen desenfocada puede tener una belleza diferente y especial, sobre todo si se combina con ciertos elementos. Es el caso por ejemplo de esas fotos de lugares con muchos focos luz que se convierten en puntos de colores cuando están totalmente fuera de foco.

Foto de Mathias Appel

También se pueden conseguir interesantes fotografías abstractas jugando con elementos muy concretos como el agua, el fuego y el humo, que producen formas también únicas e imprevisibles. Por último, hay otras técnicas o disciplinas que pueden ofrecer un mayor o menor grado de abstracción como las siluetas, el lightpainting, la niebla o neblina… Todas ellas pueden permitirnos obtener resultados muy atractivos, sin olvidar además que siempre se pueden combinar distintas técnicas para conseguir imágenes aún más abstractas.

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Foto de portada | Ricardo Gomez Angel

Para algunos la fotografía es una herramienta que permite disfrutar de los detalles, para otros, una excusa para abstraerse y ampliar nuestra concepción de la realidad. Este segundo caso es la posición del fotógrafo Serge Najjar , artista libanés que lleva años perdiéndose por la arquitectura de Beirut. Os traemos una selección de sus fotografías en blanco y negro.

Este compendio de imágenes es un rara avis en el trabajo de Najjar, quien trabaja siempre en color utilizando tonalidades neutras y huyendo de excesivos contrastes y efectismos. Sin embargo, de vez en cuando es necesario realizar pequeños cambios para poder seguir con fuerzas realizando nuestro trabajo y esta galería es una prueba de ello.

Una excepción de factura impecable y que tal vez abre posibilidades estéticas a este fotógrafo libanés. Y es que tal como él mismo dice, su fotografía no es sobre lo que ves, sino alrededor de cómo lo ves.

Instagram | Serjios

De entre los géneros fotográficos, la abstracción es uno de los menos frecuentes, quizás más practicado por artistas de la imagen y algunos pocos fotógrafos especializados. Pero, hoy día, gracias a las inmensas posibilidades de la fotografía digital y del posterior procesado en el ordenador, cultivar la fotografía abstracta es mucho más sencillo. Además, supone un enorme campo de experimentación, ideal para dar rienda suelta a la creatividad encorsetada que muchas veces no sabemos destapar.

En ocasiones, romper la reglas, probar nuevas composiciones, encuadres y velocidades de obturación, pueden conjugar resultados sorprendentes. Pero no basta con abandonarse al albedrío y esperar que el resultado, por fortuna, depare un resultado interesante. Hay que tener claro qué queremos transmitir, cualquier motivo vale, pero es importante que sea una forma de expresión, de comunicación con el espectador.

Podemos jugar con la luz, los colores, las formas, la composición, más aproximada a la realidad o más alejada, lo importante es que la imagen nos diga algo. La máquina suele ser importante, pero para transmitir un mensaje dentro de la abstracción no es necesario tener un completo equipo fotográfico. Desde la cámara de un teléfono móvil podemos lograrlo. Además, siempre tenemos la edición digital, para mejorar, potenciar efectos y lograr adecuarnos a nuestro objetivo.

Si nos convertimos en observadores pausados podemos encontrar a nuestro alrededor múltiples motivos que nos pueden ofrecer formas abstractas. No es necesario buscar en lugares indómitos o alejados, ni emplear horas en un procesado. La sencillez es siempre lo más efectivo. Por ello, mira a tu alrededor, observa detenidamente e intenta encontrar posibles imágenes abstractas en objetos reales y con formas conocidas.

Sin embargo lo abstracto a veces está en lo verídico. Un objeto común visto con otra perspectiva, iluminación o encuadre poco habitual puede darnos un resultado sorprendente y visualmente efectivo. Siguiendo ejemplos de grandes fotógrafos de la historia (Man Ray, Moholy-Nagy), podemos ver como daban total libertad a la subjetividad para transmitir un mensaje a través de una imagen, que no siempre tenía que ser un fiel reflejo de la realidad.

Observa, dispara, experimenta. Busca intencionalidad o no, pero intenta renunciar de la realidad cotidiana. Aléjate del objeto reconocible, de las perspectivas tradicionales, del detalle nítido o incluso de los colores fieles.

Como no estamos tratando de algo concreto o definible, sino más bien a un concepto no podemos establecer algunos consejos sencillos para lograrlo, se trata más bien de experimentar con una idea, dando igual el método y la forma de lograrlo.

Espero que esta divagación y aproximación a la abstracción sirva, al menos, para encontrar nuevas formas de trabajar con la fotografía digital, alejándonos de los convencionalismos. Un método útil para reflexionar sobre la imagen y poder encontrar un estilo propio. O no. Pero al menos jugar con nuestra cámara de formas distintas puede resultar extremadamente divertido.

Fotos | Mark Valentine y César Augusto