La técnica del time blending se puede usar para muchas cosas. Últimamente está de moda fusionar el día con la noche para representar el paso del tiempo. Pero hoy vamos a ver cómo podemos combinar los últimos rayos del sol con las luces de la noche. Para conseguirlo explicaremos cómo hacer las fotografías y cómo combinarlas posteriormente en Adobe Photoshop.

Muchas veces nos quedamos con la boca abierta cuando vemos las imágenes nocturnas de muchos fotógrafos. La hora azul en el cielo y todas y cada una de las luces de la ciudad encendidas y perfectamente expuestas. Tendrán cámaras milagrosas con un rango dinámico imposible... No, la mayoría de las ocasiones son fruto de la combinación de varios disparos y la magia de Adobe Photoshop.

La técnica que muchos usamos se aprovecha de las virtudes de las máscaras de luminosidad, que son capaces de separar las luces de las sombras y crear máscaras perfectas. Pero con la técnica del time blending y la ayuda de los modos de fusión el proceso es mucho más rápido y limpio. Vamos a ver cómo podemos hacer las fotografías, cómo revelarlas y por último cómo combinarlas para lograr un efecto realista.

Cómo hacer las fotografías

Está técnica depende de la pericia del fotógrafo a la hora de hacer las fotos. Es el primer paso y es crucial hacerlo bien para lograr el mejor resultado posible al final de todo el proceso.

Como siempre en estos casos, en los que la luz es escasa, hay que poner la cámara en un trípode. Y fijarla correctamente para conseguir que no se mueva durante el tiempo que estemos haciendo fotografías. Aún así seguro que las fotografías no casarán bien en el momento preciso. Así que asegúrate de fijar bien todo el conjunto para evitar perder el tiempo posteriormente.

Fotografía base

La primera fotografía será la base. Para este ejemplo he hecho una fotografía de 30 segundos en un día desafortunadamente nublado. No hay hora azul, pero se adivina la tormenta que por fin no llegó. Su función es recoger la máxima cantidad de información olvidándose de las luces más intensas y centrándose en la representación de las zonas en sombra. El diafragma es f11 para lograr la máxima profundidad de campo es una escena urbana.

Luego tomé hasta siete fotografías distintas cuando el sol había desaparecido por completo. Mi objetivo era captar el máximo número de ventanas encendidas. Desgraciadamente no encontré aquel día mucha actividad en los hogares. Lo único que cambié es la velocidad de obturación. Solo quería registrar las luces con sumo detalle. Así que bajé la exposición a apenas 8 segundos en las siete fotografías que tomé para captarlas.

Fotografía para las luces

Mi prioridad absoluta, vuelvo a recordar, es evitar el movimiento de la cámara durante el tiempo que estemos haciendo disparos. Es muy importante.

El revelado de las fotografías en Adobe Camera RAW

Ya tengo las fotografías en el ordenador. En esta ocasión voy a trabajar con Adobe Bridge y Adobe Camera RAW. Pero podéis elegir cualquier programa para este menester.

Lo primero es seleccionar la fotografía base y elegir aquellas tomas subexpuestas que van a formar parte de la imagen final. En mi caso me he quedado con cinco, pues tienen el mayor número de casas encendidas aquel día.

Fotografías seleccionadas en Adobe Bridge

Revelo la fotografía base para conseguir que refleje el ambiente apagado de la noche que se avecina. Personalmente he seguido mi flujo de trabajo para lograr esa luz que me llamó la atención.

Las otras dos fotografías las revelo fijándome única y exclusivamente en las luces encendidas. Quiero detalle en todas ellas. Y me da igual que el resto de la imagen quede subexpuesta. Esa información no la voy a utilizar para nada en el resultado final.

Al terminar de revelar todos los archivos doy a Hecho en Adobe Camera RAW. Ya no tengo que hacer nada más aquí.

Cómo hacer el time blending

Es justo en este momento cuando Adobe Photoshop se vuelve prácticamente insustituible y permite hacer todo tipo de trucos para conseguir ese tipo de fotografías que tanto gustan cuando se ven en las revistas y en los anuncios. A veces es duro admitir que lo que vemos realmente no es verdad y es solo un simulación.

Cada capa con su máscara de capa

1. Vuelvo a Adobe Bridge. Aquí selecciono de nuevo todas las fotografías que he revelado y voy al menú Herramientas>Photoshop>Cargar archivos en capas de Photoshop.
2. Esperamos a que todas las imágenes se abran como capas en un único documento en Adobe Photoshop.
3. En la ventana Capas seleccionamos todas las capas con Mayús+clic. La fotografía base debe estar debajo de todas las demás, esto es importante.
4. Vamos al menú Edición>Alinear capas automáticamente. En la ventana que se abre elegimos Proyección>Automática y sin señalar nada más damos a Ok.
5. En este momento seleccionamos solo las capas que solo contienen la información de las luces encendidas. Tan sencillo como marcarlas con Ctrl+clic y las metemos en un grupo haciendo clic en el icono Crear un grupo nuevo.
6. Cambiamos el modo de fusión de este grupo a Aclarar. De repente veremos en la fotografía base todas las luces que hemos registrado en las demás imágenes. En un abrir y cerrar de ojos. Podemos probar otros modos de fusión del mismo grupo.
7. Para conseguir un resultado espectacular ponemos una máscara de capa en negro en cada capa del grupo con el icono Alt+Añadir máscara de capa. Así podremos pintar con la herramienta Pincel (B) en blanco en las zonas de las ventanas iluminadas. O jugar con una capa de ajuste de Curvas, etc...

Fotografía final

Como veis el resultado es muy bueno. Es un efecto sorprendente en cualquier situación que encontremos. Yo, por ejemplo, tengo que confesar que en vez de fotografiar un atardecer hice las fotos en el amanecer, pero el resultado final es el mismo. Espero que vuestras fotografías nocturnas mejoren con este sencillo truco de Adobe Photoshop.

En Xataka Foto

Siete razones por las que hacer fotos de noche resulta tan espectacular

Estamos perdiendo formas de disfrutar de nuestras fotografías. En los tiempos del carrete muchos fotógrafos trabajábamos con las hojas de contacto en la mano. Ahora solo vemos los disparos en pantalla. Y las enseñamos en el móvil sin editar... Y nuestros clientes ven algunas que no querríamos... si hiciéramos una presentación sería estupendo. Vamos a ver cómo hacer una hoja de contacto y una presentación en PDF con la ayuda de Adobe Photoshop.

Las hojas de contacto permiten ver en una sola hoja hasta 36 fotografías de forma relativamente cómoda... Muchos se quejaban de lo pequeño que se veían las imágenes y llevaban siempre el cuentahilos a cuestas. Pero era un método perfecto para percibir de un vistazo cómo había ido la sesión, dónde habías fallado y cuál era el mejor disparo de todos... Y no es lo mismo que ver todas las fotos en la pantalla del ordenador. Os lo aseguro.

Además, para los que les guste el tema de la edición, podemos preparar varias fotos en una sola hoja, imprimir y luego recortar para hacer el montaje final sin problemas. No tiene nada que ver con hacerlo directamente en la pantalla. Poder tocar las fotos les da otra dimensión.

Hacer una hoja de contacto con Adobe Photoshop

Para que todo sea más ágil, deberíamos trabajar con Adobe Bridge. Es la forma más sencilla de hacerlo. También es posible trabajar directamente con Adobe Photoshop, pero daríamos más pasos. Empezamos:

La ventana Hoja de contactos

1. Abrimos Adobe Bridge.
2. Seleccionamos las fotografías que queremos que formen parte de la hoja de contactos. Si somos unos románticos podemos marcar solo 36 imágenes. Pero ahora tenemos la libertad digital. Y si queremos trabajamos con 20, 30 o 300...
3. Vamos al menú Herramientas>Photoshop>Hoja de contactos II. Este comando desapareció en algunas versiones del programa y se vieron obligados a ofrecerlo para que se lo instalara quién quisiera. Afortunadamente está aquí en las últimas versiones por defecto.
4. En la ventana que se abrirá, ya en Adobe Photoshop, ya tendremos seleccionadas las fotografías. Un paso que nos hemos ahorrado en Imágenes de origen.
5. En la sección Documento le damos un tamaño a la futura hoja de papel. Un 24x30 cm por los viejos tiempos. Con una Resolución adecuada si vamos a imprimir. Y con un espacio de color sRGB para llevarlo al laboratorio de la esquina, en Color RGB y a 8 bits.
6. En Miniaturas suelo marcar Colocar>primero a lo largo con 6 Columnas y 6 Filas. Y seleccionamos Utilizar espaciado automático.
7. Para terminar, en Usar nombre de archivo como pie de ilustración, seleccionamos Fuente y un Tamaño de 10-12 pt.
8. Y damos a Ok para que Adobe nos haga el trabajo.

Una hoja de contactos

Podemos dejar la hoja en el ordenador. Pero si nos atrevemos a imprimirla, veréis que vuestros disparos cobran otra dimensión más interesante. Será más sencillo juzgar cuál es la buena y que imagen sobra.

Cómo hacer una presentación en PDF con Adobe Photoshop

Nos estamos acostumbrando a enseñar las fotografías una detrás de otra, sin preocuparnos de la edición, de su tamaño, etc... Una buena idea es volver al tiempo de las proyecciones. No me refiero a los Power Point ni a los vídeos eternos. Hablo de las presentaciones en PDF para ver en cualquier lugar y en cualquier momento, siempre que tengamos un dispositivo adecuado.

Es fundamental hacer antes el trabajo de edición para tener claro las fotografías que vamos a enseñar. No hay que mostrar todo, solo lo mejor. Así causaremos la mejor impresión posible a nuestros futuros espectadores.

La ventana para los archivos PDF de presentación

1. Abrimos Adobe Photoshop.
2. Vamos a Archivo>Automatizar>Presentación en PDF
3. En la ventana que hemos abierto y en la parte izquierda damos a Explorar para elegir los archivos de origen. En este caso recomiendo tener las fotografías elegidas en una carpeta para no perder el tiempo buscando (y ya a un tamaño adecuado).
4. En Opciones de salida vamos a Opciones de salida>Presentación.
5. Como Fondo elijo Gris para apreciar bien todos los matices de las fotografías.
6. Y si queremos que aparezca algún texto marcamos la opción que queramos en Incluir. El Título es una buena opción.
7. En Opciones de presentación podemos marcar Avanzar cada x segundos. Si no lo marcamos tendremos más libertad a la hora de pasar página.
8. Y por supuesto no elegir transición alguna para evitar que tengan más protagonismo que las propias fotografías.
9. Damos a Guardar.

Aquí no termina nuestro trabajo. Ahora tenemos que configurar cómo queremos el PDF. Y es complicado. Si solo queremos que ocupe lo menos posible os recomiendo ajustar los siguientes parámetros en la ventana:

1. Elegimos Ajuste preestablecido de Adobe PDF elegimos Calidad de prensa. En Estándar>Ninguno y en Compatibilidad>Acrobat 5 para asegurarnos de que todo el mundo lo puede ver en cualquier dispositivo.
2. En Generales>Opciones yo siempre marco Optimizar para previsualización rápida en Web.
3. En Compresión no hago cambio alguno.
4. En Salida>Color hago tres cambios para ver bien el PDF en las pantallas: Conversión de color>Convertir a destino. En Destino>sRGB y en Norma de inclusión de perfil>Incluir perfil de destino.
5. Y para terminar en Seguridad no cambio nada.

Y ya tendremos dos formas más de enseñar nuestras fotografías o trabajar con ellas para conseguir que nuestros futuros espectadores las puedan disfrutar mucho más.

En Xataka Foto| Las hojas de contacto tienen que volver

Como siempre digo se abusa mucho de las expresiones inglesas en el mundo de la fotografía. Desde la irrupción de la informática es exagerado. Hace parecer las cosas más complicadas de lo que realmente son. Seguro que si escuchamos digital blending nos ponemos a temblar imaginando cantidad de pasos imposibles, pero si digo mezcla de imágenes resulta más sencillo. Hoy vamos a aprender a mezclar imágenes con distinta exposición para lograr un gran rango dinámico.

Hoy es otro día de confesiones. Nunca he llegado a entender la diferencia entre el famoso HDR y el digital blending. Si hago la traducción correspondiente me quedo igual: Alto rango dinámico y mezcla de imágenes. Si te pones a leer en otras páginas ves que la función es la misma: crear una imagen con detalle en las luces y las sombras a partir de la combinación de varias fotografías con el mismo encuadre y distinta exposición. ¿Entonces cuál es la diferencia?

No existe ninguna. El fin es el mismo, como he señalado más arriba. Lo único que cambia es cómo se consigue. El HDR es un proceso automático, ya sea con programas especializados o a través de acciones automáticas. El digital blending es un proceso manual con un control mucho más personalizado. A muchos nos puede bastar con la función HDR de Lightroom o Photoshop, pero en algunos casos tendremos que acudir al famoso digital blending o mezcla de imágenes.

Antes de hacer digital blending

Hay muchas formas de mezclar imágenes en el ordenador. Incluso se podría hacer directamente a través de los famosos filtros de densidad neutra, más conocidos (para resultar más interesantes) como ND filters. Pero esta famosa técnica que se expande como un virus por todas las fotografías de paisajes no es muy efectiva en varios casos. Así que resulta más interesante conocer esta técnica al alcance de todos los que tengan Adobe Photoshop entre sus programas de cabecera.

Lo más importante es tener dos o más fotografías con distinta exposición del mismo encuadre. Explicar aquí todas las cosas que hay que tener en cuenta sería largo, pero para resumir pongo una lista:

1. Trípode o un pulso excelente.
2. Enfoque manual.
3. Equilibrio de blancos manual.
4. Modificar solo la velocidad de obturación.Si variamos el diafragma cambiará la profundidad.
5. ISO manual.
6. Disparar en RAW.

Las dos fotografías originales

La idea es tener dos o más fotos con distinta exposición. Queremos que en una las luces estén perfectamente registradas y en otra las sombras sin empastar. El resto de las fotografías servirían para registrar perfectamente las transiciones. Algunos recomiendan hasta cinco disparos, pero la mayoría de las situaciones se resuelven con dos o como mucho con tres disparos con el mismo diafragma y distinta velocidad de obturación.

Cómo hacer digital blending (una manera)

Cuando lleguemos a casa y descarguemos las fotografías en el ordenador podemos hacer mil cosas si decidimos hacer digital blending o mezcla de imágenes. Desde pintar manualmente con la ayuda de la herramienta Pincel, hasta trabajar con las máscaras de luminosidad o con los modos de fusión. El método que voy a proponer me lo enseñó un antiguo profesor y funciona realmente bien. En esta ocasión voy a trabajar con Adobe Camera RAW y Adobe Photoshop.

1. Voy a trabajar con dos archivos. Uno expuesto para las luces y otro para las sombras.
2. Los abro en Adobe Camera RAW y selecciono ambos (Ctrl+A).
3. Para que el resultado sea perfecto la mayoría de los parámetros tienen que ser idénticos: la pestaña Correcciones de lente, la Curva de tonos y en la pestaña Básicos el Equilibrio de blancos y la Claridad.
4. Ahora vienen las particularidades de cada archivo. En la fotografía más oscura tengo que recuperar las sombras aunque parezca que no tiene sentido. Saldrá el ruido y toda clase de problemas. Y tengo que dejar las luces perfectas, tocando el lado derecho del histograma.
5. En la foto más clara tengo que intentar recuperar las altas luces y dejar las sombras niqueladas con la ayuda de los parámetros correspondientes. Lo que vamos a conseguir son dos fotografías: una con ruido en las sombras y luces perfectas y otra con luces empastadas y sombras. La clave es conseguir que ambas se parezcan lo más posible.
6. En este momento marcamos las dos y damos al botón Hecho. Y en Adobe Bridge, con ambas marcadas vamos a Herramientas>Photoshop>Cargar archivos en capas de Photoshop. La capa expuesta para las luces debería estar en la parte superior.
7. Aunque hemos hecho las fotografías con trípode, tenemos que seleccionar ambas capas (Ctrl+clic) e ir a Edición>Alinear capas automáticamente para que a la hora de combinar se solapen perfectamente.

El ruido evidente

A partir de aquí los resultados son dispares y muchas veces una fotografía no queda bien con una serie de pasos que funcionan con todas las demás. Esta técnica me ha funcionado siempre con casos extremos como el del ejemplo.

La ventana Estilo de capa

1. Hacemos doble clic sobre la miniatura de la capa superior en la ventana Capas. Así abrimos la ventana Estilo de capa.
2. En dicha ventana elegimos en Opciones de fusión>Fusión general>Modo de fusión>Multiplicar. Este modo de fusión, del grupo Oscurecer, permite mezclar ambas imágenes dejando solo las zonas más oscuras. Así eliminamos de golpe la sobreexposición.
3. El problema es que todavía está presente el ruido. ¿Cómo eliminarlo de una forma limpia y eficaz? Pues con la función que tenemos en la misma ventana Estilo de capa llamada Fusionar si es.
4. Vamos al deslizador de la izquierda de Capa subyacente y lo desplazamos hacia la derecha. En torno al nivel 120 damos a la tecla Alt y sin soltarla lo dividimos en dos hasta conseguir que la fusión sea natural y desaparezca el ruido. Parece magia. Todo solucionado.

Resultado final

¿Qué ha pasado? ¿Qué ha sucedido? El comando Fusionar si es permite regular la opacidad de parte de una capa sin seleccionarlas previamente. Al escoger Capa subyacente y mover el deslizador negro estamos indicando que queremos ver los píxeles en sombra de la fotografía superior. Todo un invento que cuesta entender pero que resuelve de forma sencilla la perfecta fusión entre dos fotografías con distinta exposición. Espero que el resultado os guste y que consigáis hacer lo mismo con vuestros disparos.

En Xataka foto| Cómo hacer un HDR en Adobe Lightroom

Es un tema recurrente, lo sé. Pero ahora hacemos más fotografías que nunca. Es una enfermedad, un vicio, una forma distinta de trabajar. El problema es que nos enfrentamos a miles de fotos semana tras semana y se hacen muy difíciles de encontrar en nuestro ingente archivo. Hoy vamos a ver cómo renombrar nuestras fotografías para que sea más fácil encontrarlas.

Los nombres de las fotografías que hacemos suelen tener un numero secuencial, o un conjunto de letras o guiones bajos que tienen un sentido, aunque no te lo creas. Pero ese nombre no deja de ser poco útil a la hora de buscar una fotografía en concreto. Nadie, en su sano juicio, reconoce como válido _DSC_04567.CRW, por poner un ejemplo al azar de una Canon cualquiera.

Cuando te enfrentas a archivos grandes, de más de 50000 fotografías, tienes que estar seguro de encontrar a la primera lo que estás buscando. Y sobre todo que no lo vas a perder en una exportación masiva que tengas que hacer por algún motivo extraño. ¿Y cómo puede pasar eso? Si yo lo tengo todo perfectamente guardado en carpetas por fechas y lugares? Porque cuando llegamos al disparo 9999 el contador vuelve a cero. Y si tenemos varias cámaras de la misma marca podemos encontrarnos con duplicidad de nombres. Y vuelvo a insistir, _MG_8349.CR2 no significa nada.

Realmente la afirmación anterior es un poco temeraria. Es mentira que no signifique nada. Tiene muchas interpretaciones. Cada marca sigue sus propias reglas y normas. Para que os hagáis una idea voy a contar qué quieren decir realmente todas esas siglas:

1. _MG quiere decir que la fotografía ha sido tomada con un espacio de color Adobe RGB 1998.
2. IMG señala que la fotografía ha sido tomada con el espacio de color sRGB seleccionado en la cámara.
3. 8349 no es más que un número secuencial que volverá a cero cuando el contador de la cámara llegue a su límite. Realmente es un incordio porque nunca sabemos fácilmente cuántos disparos tiene nuestra cámara.
4. CR2 es el último formato RAW propietario de Canon.

Así que fijaros qué cantidad de datos podemos conseguir con leer bien el nombre de archivo. Pero realmente no nos sirve para nada toda esa información. No nos dice cuántos disparos hicimos en ese viaje, ni dónde fuimos, ni nada realmente útil para encontrar una fotografía en cuestión. Y con el riesgo real de encontrar varias que se llamen exactamente igual.

Cómo renombrar los archivos

En mis clases siempre explico mi forma de trabajar en este sentido. Y mucha gente es tremendamente reticente a cambiar. Dicen que ordenar por fecha o por lugares es algo infalible. Pero cuando se dan cuenta de que son datos redundantes que aparecen precisamente en los metadatos de los archivos empiezan a planteárselo.

Cuando les cuento que he organizado archivos verdaderamente caóticos y que me he encontrado muchas veces varias fotos con el mismo nombre, se ponen a temblar, porque no habían pensado que a lo largo de los años se habían comprado modelos sucesivos de Nikon o Canon, y les puede pasar -o les ha pasado sin darse cuenta- exactamente lo mismo cuando se ponen a borrar o el terrible acto de reorganizar las fotografías en otras carpetas para tener juntas las de un mismo tema o las mejores del año.

Tenéis que encontrar un método personal que os sea realmente útil, con las siguientes características:

1. Que sea un nombre único.
2. Que permita descubrir con solo leerlo en qué carpeta podemos encontrarlo.
3. Que sea constante y admita sin problemas un aumento significativo de tamaño.
4. Que sea fácil de leer con un solo vistazo.

El nombre de los archivos se pueden cambiar en el mismo sistema operativo, o en los programas de Adobe. Y sin necesidad de hacerlo uno por uno, no os asustéis.

En Adobe Bridge

En el olvidado programa de Adobe, centro neurálgico de todos los programas de la Creative Cloud, es muy fácil renombrar los archivos.

En Adobe Bridge

1. Abrimos una carpeta.
2. Seleccionamos todas las fotografías de dicha carpeta en Editar>Seleccionar todos (Ctrl+A).
3. Vamos a Herramientas>Cambiar nombre de lote.
4. En la ventana que se abrirá nos aseguramos de marcar Carpeta de destino>Cambiar el nombre en la misma carpeta.
5. Y en Nuevos nombres de archivos creamos la plantilla para que podamos aplicarla en el futuro en todas nuestras fotografías.
6. Si nos gusta la plantilla, vamos a Ajustes preestablecidos>Guardar... para grabarlo y utilizarlo de forma automática.

En Adobe Lightroom

Personalmente es el método que utilizo por su agilidad y rapidez. Me costó adaptarme, pero tengo que reconocer que es mucho mejor que hacerlo con Adobe Bridge. Es verdad que se puede hacer desde la importación al Catálogo, pero prefiero hacerlo después... Manías de la edad.

En Adobe Lightroom

1. Abrimos la carpeta donde estén las fotografías que queremos cambiar de nombre en el módulo Biblioteca.
2. Las seleccionamos todas en Editar>Seleccionar todo (Ctrl+A).
3. Vamos al menú Biblioteca>Cambiar nombre de fotografías (F2).
4. En Nombre de archivos>Editar abrimos la ventana Editor de plantillas de nombre de archivo. Aquí tenemos todas las opciones para configurar que podamos imaginar.
5. Entre las distintas opciones que nos ofrecen, podemos elegir entre Nombre de imagen, Secuencia y fecha, Metadatos y el siempre socorrido A medida. Con el botón Insertar elegimos la opción que mejor nos venga.
6. Si nos gusta lo que hemos hecho, vamos a Ajuste preestablecido>Guardar ajustes actuales como nuevo ajuste preestablecido. Así la próxima vez será todo automático.

Os aseguro que de esta forma encontraremos los archivos mucho más rápidamente y sobre todo nunca confundiremos dos fotografías por tener el mismo nombre, ya sean nuestras o de nuestro vecino.

Foto | Ole Husby

En Xataka Foto| Cómo exportar correctamente nuestras fotografías desde Adobe Lightroom

Hasta que las cámaras no empiecen a llevar incorporado el GPS, hay que ingeniárselas de otro modo para geoposicionar nuestras fotografías. Una nueva utilidad aparece para los usuarios de Adobe Bridge, un script que permite editar y añadir datos GPS a una fotografía usando los mapas de Google.

La idea es tan sencilla y se compenetra tan bien con Bridge, que como dice el autor del script, no me explico como no lo habían hecho antes. Bridge Geotagger aparece como una ventana más de Bridge, en la cual podemos ver los mapas de Google. Sólo tenemos que seleccionar las fotos que queremos etiquetar, localizar el lugar y hacer doble click en el punto del mapa donde queremos marcar la posición.

La instalación es muy rápida. Pero hay que tener en cuenta que de momentoBridge Geotagger no es una herramienta acabada, es más una demostración de la idea del autor, así que hasta que sea estable se recomienda su uso en archivos no originales. Yo por ejemplo lo estoy usando en archivos JPG resultantes de mis RAW.

Vía | John Nack Sitio Oficial | Bridge Geotagger

Ya os lo adelantamos hace unos pocos días en la entrada en la que nombrábamos cuatro libros perfectos para iniciarse en la fotografía, nos quedaba pendiente hacer un análisis más profundo de uno de ellos, el que seguramente casi todos vosotros conocéis: Fotografía deigital de alta calidad de José María Mellado.

Adorado por muchos, odiados por otros tantos, hoy vamos a hablar más detenidamente de su contenido y porqué es un excelente libro que probablemente no debería faltar en tu biblioteca. Antes que quede claro que mi opinión personal es que es casi imprescindible su lectura.

¿Porqué es un libro importante?

Básicamente porqué este libro es una perfecta guía sobre un flujo de trabajo cien por cien adaptado a las necesidades de la fotografía digital. Desde el momento en el que descargamos las fotografías a nuestro ordenador hasta su impresión, publicación en internet o archivado personal.

Difícilmente encontrarás un libro que comprenda este proceso de la manera en la que lo hace José María Mellado, con la exhaustividad con la que lo hace.

Y si por un lado tenemos el retrato del flujo de trabajo, por otro tenemos la cantidad de conceptos que son tratados en el libro y su más que adecuada, clara y sencilla explicación, una destacable habilidad del autor. Déjadme que haga una pequeña lista de algunos de los temas que encontrarás:

• Porqué es importante trabajar con imágenes de 16 bits.
• Gestión del color y la importancia de los perfiles de color.
• Calibración de los monitores.
• Tiff y jpg, ¿qué formato usar?
• Procesamiento exhaustivo en RAW.
• Ajustes básicos y avanzados con Photoshop CS2
• Uso del Adobe Bridge y Camera RAW
• ...

Pero lo importante, repito, es enmarcar todos los temas tratados dentro de un proceso de trabajo.

Donde pincha el libro

Principalmente en que empieza a estar algo desfasado. Ya ha pasado algo de tiempo desde su primera edición y esto se nota. Hoy podemos trabajar más cómodamente con los objetos inteligentes y este aspecto no está contemplado en el libro. Aún así, tiene mucho mérito ser un libro referencia en un mundo en constante evolución y a un ritmo vertiginoso.

El punto fuerte que resulta la propuesta de trabajo que hace Mellado puede ser a su vez una debilidad. ¿Tenemos más opciones de software para tratar los archivos RAW? ¿Y para visualizarlos y clasificarlos? ¿Existen otros modos de tratar las imágenes finales? ¿Qué pasa con mi adorado Lightroom?

Recomendaciones de uso

Es un libro altamente recomendado. Aunque no te guste el resultado que consigue el autor con sus fotografías (o las multitudes de fotografías nacidas gracias al melladismo).

Creo que la actitud más correcta que se debe tomar ante el libro es compararlo con tu método de trabajo. Incorpora aquello que le falte y consideres importante. Prueba los métodos que propone Mellado, adáptalos a los tuyos y luego descarta lo que no te interese. Vuelve al tuyo y compara los resultados. Aprende aquellos conceptos que no conocías y busca por internet otros métodos para aplicarlos.

Y vuelve al libro más adelante para volver a aplicar todo el proceso.

En general se trata de un libro que continuará siendo interesante aunque quede muy desfasado y en un futuro se utilicen herramientas muy distintas, porqué el método de trabajo, lo que creo que es lo realmente importante, al final es bastante independiente del software que utilices.

Conclusión

Es una compra muy recomendable, a pesar de que el autor esté preparando un nuevo libro. No te arrepentirás de tenerlo siempre a mano.

Enlaces | Web del libro | Review en Fotomaf