Hoy vamos a dar volumen a un retrato, o a un paisaje, con ayuda de los desconocidos filtros 3D que tenemos en Photoshop. Nuestras fotografías tendrán otro aire más llamativo. Una técnica perfecta para aquellas imágenes en las que necesitamos dar volumen extra con reflejos y sombras naturales para que destaque el elemento principal.

La verdad es que nunca nos habíamos detenido en los filtros 3D que nos ofrece Adobe Photoshop, pero después de ver este tutorial, no nos queda más remedio que investigar y probar hasta encontrar diferentes usos a una función que teníamos totalmente marginada. Lo mejor de todo es que es relativamente sencillo conseguir un efecto llamativo para levantar el contraste y las texturas de cualquier fotografía. Es una especie de dodge&burn automático.

En el vídeo trabajan con retratos pero nosotros vamos a trabajar con una de las esculturas que jalonan el paseo del Prado de Madrid. Ya veréis cómo cambian nuestras fotografías con estos pasos. Mi idea es destacar la escultura de Velázquez del Museo del Prado.

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'Esta fotografía puedo hacerla yo'

Aumentar el volumen y contraste de nuestras fotografías con efectos 3D

Como siempre, antes de realizar cualquier técnica con nuestras fotografías en Adobe Photoshop, hay que revelar el archivo RAW con profundidad en Adobe Camera RAW o un programa similar. Y si lo hacéis siguiendo los diez pasos que propongo, seguro que conseguiréis buenos resultados.

Fotografía original

• El archivo lo pasaremos, para tener la libertad de cambiar si lo necesitamos, a objeto inteligente en Adobe Photoshop. No es algo imprescindible pero siempre está bien tener un comodín por si falla algo durante el revelado o queremos hacer un ajuste más fino.
• Ya en Photoshop duplicamos el objeto inteligente en Capas>Objetos inteligentes>Nuevo objeto inteligente mediante copia.
• Y llega el momento de emplear uno de los filtros 3D que nos ofrece Photoshop desde hace tiempo y que personalmente nunca había utilizado... Vamos a Filtro>3D>Generar mapa normal... Hay que tener paciencia si nuestro ordenador no es de última generación o nuestra tarjeta gráfica no es el último modelo del mercado.
• Tenemos varios parámetros pero solo utilizaremos dos: Desenfocar y Escala de detalles. Hay muchos más pero recomiendo empezar con estos dos para conseguir un buen resultado desde el principio. Luego llegará el tiempo de jugar.
• Subimos al máximo Escala de detalles para ver, en la esfera tridimensional, todos los detalles de la estatua.

El filtro en acción

• Con Desenfocar podemos regular la nitidez del efecto en función de nuestras sanas intenciones. Si queremos detalle por doquier elegiremos un valor bajo. Pero si queremos un efecto menos llamativo no quedará más remedio que subir dicho valor. En la fotografía de ejemplo apuesto por 4,5.
• Damos a Ok para cerrar la ventana y aplicar el efecto en la copia del objeto inteligente.
• Ahora vemos el archivo con un color extraño. Para eliminar el color, iremos a Imagen>Ajustes>Tono/Saturación y bajaremos el valor de Saturación a -100.
• También tenemos que invertir los tonos, así que sin mayores complicaciones acudimos al atajo de teclado Ctrl+I.
• Y por último tenemos que cambiar el Modo de fusión de la capa a Luz suave.

Son muchos pasos, es verdad. Y lo único que habéis notado es que la foto se ha oscurecido... Y ni rastro de las tres dimensiones, de ese contraste del que hablábamos al principio... Todavía nos falta hacer algo más.

Todas las capas que hemos creado

• Para evitar que la foto se oscurezca tenemos que crear una capa de ajuste de curvas o niveles para mantener el mismo aspecto. Pero solo tiene que afectar a la capa en 3D. Es tan fácil como crearla en Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas y luego ir a Capa>Crear máscara de recorte.
• Es el momento de ajustar la capa de ajuste de Curvas con los deslizadores de Negro y Blanco hasta conseguir un aspecto que nos guste. Saldrán halos seguro, pero no nos tenemos que preocupar. La clave está en ajustar bastante, como veis en el ejemplo.

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La regla de las probabilidades (o impares) en fotografía: qué es y cómo usarla para componer mejores fotos

• Para trabajar con más comodidad seleccionamos con Ctrl+clic la capa de ajuste y el objeto inteligente para meterlas en un grupo en Capa>Agrupar capas.
• Y este grupo lo duplicamos con Ctrl+J. Si se oscurece en exceso el conjunto podemos bajar la Opacidad de este segundo grupo en la ventana Capas.

Antes/Después

• Y llegamos al final, lo prometo... Estos dos grupos los agrupamos de la misma forma. Es decir, seleccionamos los dos con Ctrl+clic y vamos a Capa>Agrupar capas.

• Para que el efecto lo podamos aplicar solo en las zonas que queremos destacar y no se vean los halos le añadimos una máscara de capa en negro en Capa>Máscara de capa>Ocultar todo.

• Ya solo tenemos que pintar con el Pincel (B) en blanco con una Opacidad baja en las zonas en las que queremos ese extra de volumen y contraste.

Resultado final

Es una técnica larga y puede que compleja para los noveles, pero los resultados hablan por sí solos. Os animamos a probarlo en retratos, paisajes y en todo tipo de fotografías que se os ocurran. Seguro que cobran una nueva vida.

Hoy vamos a ver una de las técnicas más sencillas y eficaces de Adobe Photoshop para trabajar con selecciones. Es tan fácil que no hay utilizar herramienta alguna. Solo hay que saber cómo funcionan los modos de fusión y nada más. Con todos ustedes la magia de la capa de ajuste de Blanco y negro para controlar el color.

A la hora de revelar una fotografía lo más difícil es hacer una buena selección. Todo aquel que se haya metido un poco en el mundo de Photoshop lo podrá confirmar. Todo depende de tener una buena base y muchas horas de práctica para conseguir un buen trabajo. Pero de vez en cuando encontramos métodos que no requieren selección alguna que pueden servir para muchas de nuestras fotografías.

Vamos a utilizar una capa de ajuste de blanco y negro con la ayuda inestimable de un modo de fusión. Si empiezas en el mundo del revelado puede que te parezca complicado solo con oírlo. Pero te aseguro que no hay nada más sencillo para jugar con la luz de la fotografía.

Fotografía original

Este método, en su variante más sencilla, no sirve para todas las fotografías de tu catálogo, pero cuando cojas un poco de práctica verás que se pueden hacer mil cosas y sobre todo sin tener que crear máscaras complejas. Así que vamos a ponernos con las manos en la masa.

Revelar una fotografía en color con la ayuda de la capa de ajuste de blanco y negro

Parece que no tiene sentido pero te aseguro que es una de las técnicas más rápidas que podemos encontrar para revelar una fotografía sin el problema de hacer una selección. Todo se basa en el modo de fusión Luminosidad, donde la mezcla entre la capa de ajuste y la capa inferior dará como resultado el Tono y la Saturación de la capa inferior y la Luminosidad de la superior.

La selección parte del propio píxel. No es necesario dibujarla ni buscarla porque está dentro de la fotografía. Nosotros solo señalamos el color que queremos cambiar y la luminosidad del mismo se modifica. O más brillante o más oscuro. Ya está.

Es decir, con este pequeño truco no afectaremos al color de nuestra fotografía pero sí a su luminosidad... Parece complicado pero es tan sencillo que no podrás olvidarte nunca de esta técnica.

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Cinco libros para aprender a mirar y pensar como fotógrafos

También contamos con la capa de ajuste Blanco y negro que permite controlar los colores RGB y los CMYK para una mayor precisión en nuestro revelado...

Por supuesto no sirve para una imagen con muchos objetos de diferentes colores pero para una fotografía de paisaje creo que no hay un método más rápido para encontrar el resultado que estamos buscando. Y se podría hacer directamente en Adobe Lightroom dentro de la pestaña HSL/Color y tocar solo los ajustes de Luminosidad...

Estos son los pasos para conseguirlo:

• Abrimos en Adobe Photoshop una fotografía que hayamos revelado en profundidad. Si trabajamos con un archivo de la máxima calidad todo será mejor.

En pleno proceso

• Creamos una capa de ajuste de blanco y negro en Capa>Nueva capa de ajuste>Blanco y negro.
• En la ventana Capas cambiamos el modo de fusión de Normal a Luminosidad.
• Empezamos a cambiar la luminosidad de cada color que aparezca en la fotografía hasta encontrar el resultado que buscamos. Si llevamos los deslizadores a la izquierda oscurecemos ese color y si lo llevamos a la derecha lo llenaremos de luz.

Resultado final

• Con la herramienta Ajuste de destino activa (el icono de la mano con flechas en ambos sentidos) solo tendremos que pinchar en el color elegido y cambiar su luz.

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Cómo quitar las zonas quemadas del cielo con Adobe Photoshop

Como veis no puede ser más sencillo y rápido. Es el método perfecto para muchas fotografías, de pocos colores, con las que no queremos complicarnos la vida en exceso. Ya nos diréis cómo os resulta.

Uno de los sueños imposibles de los fotógrafos es ver sus archivos de la mejor forma posible cuando los abren en Adobe Lightroom. Muchos otros pensamos que lo mejor es verlos como han salido realmente de la cámara... Para los primeros vamos a enseñar a adaptar la reducción de ruido de nuestras fotografías de forma automática en Adobe Lightroom.

El ruido digital es una pesadilla cuando no queremos verlo o utilizarlo con motivos estéticos. Cuando trabajamos con ISOS altos hace acto de presencia -todavía más si no hemos expuesto correctamente- o el procesador no es tan avanzado como nos gustaría. O directamente nuestra cámara es demasiado antigua para los tiempos que corren.

Por este motivo, lo que vamos a explicar hoy es una buena noticia para muchos fotógrafos que saben que su cámara genera mucho ruido a partir de determinados ISOS. De forma automática y nada más descargar las fotografías, el ruido desaparecerá de forma progresiva según la sensibilidad con la que hayamos disparado. Es una función que podemos utilizar desde la versión 9.3 de Lightroom Classic (ahora estamos en la 10.0).

Reducir el ruido de forma adaptativa en nuestras fotografías con Adobe Lightroom

Para conseguir buenos resultados tenemos que trabajar con dos o más fotografías de una misma cámara con ISOS distintos. Es una función que ha pasado sin pena ni gloria pero que puede ser muy útil si hemos cogido la costumbre de trabajar con el ISO automático de tu cámara.

Es una función que ha pasado sin pena ni gloria pero que puede ser muy útil si hemos cogido la costumbre de trabajar con el ISO automático de tu cámara.

Además como cambian tantas cosas cuando aumentamos la sensibilidad esta nueva función permite:

El ruido hace acto de presencia

definir con mayor facilidad que nunca los ajustes de revelado, como la reducción de ruido de luminancia, el enfoque, la claridad, etc., para una amplia gama de valores ISO. A diferencia de versiones anteriores de Lightroom Classic y ACR, no es necesario especificar la configuración de cada nivel ISO. En su lugar, este ajuste preestablecido especial adaptará los ajustes de revelado de ISO entre dos configuraciones definidas para evitar tener que hacerlo manualmente.

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Cómo saber cuáles son los mejores ISOS de nuestra cámara

Los pasos a seguir son muy sencillos. Vamos a verlos:

La opción que nos interesa solo sale si tenemos dos o más fotos seleccionadas con ISOs distintos

1. Escogemos dos fotografías de una misma cámara. El único requisito es que una tenga el ISO más bajo y otra el más alto que utilices habitualmente. Incluso puedes hacerlo con más imágenes pero con dos te bastará.
2. Revelamos y ajustamos los parámetros de reducción de ruido. En este caso estoy trabajando con una fotografía de 100 ISO y otra de 3200 ISO de una antigua Canon EOS 5D Mark III. Ajusto Reducción de ruido>Luminancia>25 en la fotografía con el ISO más alto y lo dejo en 0 en la del ISO nominal.
3. Seleccionamos las dos fotografías (muy importante) y en el módulo Revelar vamos a la pestaña Ajustes preestablecidos y hacemos clic en el icono + para pinchar en Crear ajuste preestablecido.
4. En la ventana Nuevo ajuste preestablecido de revelado damos el Nombre del ajuste, decidimos el Grupo donde queremos meterlo, marcamos los ajustes necesarios en este caso: Reducción de ruido>Luminacia y Color y marcamos la casilla Ajustes ISO>Crear ajuste preestablecido ISO adaptable (solo estará activo si hemos seleccionado dos o más fotografías con ISOS distintos).
5. Damos a Crear.

Y desde este momento tendremos el ajuste grabado en la pestaña Ajustes preestablecidos, en el grupo que hayamos elegido. Doble clic y automáticamente se adaptará la reducción de ruido en función del ISO con el que esté hecha la fotografía.

Es decir, si hemos puesto en la foto de ISO 100 una reducción de 0 y en la de 6400 ISO una de 30, cuando abramos una fotografía de 800 ISO el ajuste será 15 de forma automática.

No hay nada más rápido... salvo que queramos que este ajuste se aplique cada vez que descargamos las fotografías en Adobe Lightroom. Y por supuesto se puede hacer exactamente igual en Adobe Camera RAW.

Cómo conseguir que el ISO adaptativo se aplique desde la importación

Si queremos que este ajuste se ajuste desde el momento de la importación, solo tenemos que seguir los siguientes pasos. Vuelvo a insistir en que es mejor ver el archivo puro pero cada uno puede hacer lo que necesite, claro está.

Los pasos a seguir

1. Vamos a Edición>Preferencias>Ajustes preestablecidos.
2. En Valores predeterminados de RAW marcamos Omitir configuración principal para cámaras específicas.
3. Así se activa la casilla Cámara donde podremos buscar el modelo para el que queremos hacer el ajuste. Incluso podemos marcar Mostrar números de serie por si tenemos más de una cámara de ese modelo concreto.
4. En la casilla Por defecto buscamos el ajuste preestablecido que hemos hecho de ISO adaptativo.
5. Y damos a Crear valor predeterminado.
6. Para finalizar damos a Ok y listo.

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El botón de bloqueo de la exposición: qué es y para qué utilizarlo

Por supuesto esto lo podemos hacer para cualquier ajuste que queramos por defecto. Como por ejemplo que siempre salga por defecto el perfil Adobe neutro o cualquier otra cosa que cambiemos siempre y queramos evitar dar ese paso una y otra vez. Esperamos que os sea útil para mejorar vuestro flujo de trabajo con estos programas.

Los virados fotográficos, esos baños químicos que servían para aumentar la durabilidad de las copias en la época de los cuartos oscuros, no tienen sentido hoy en día. Pero no se puede olvidar el color que daban a nuestras fotografías de blanco y negro; era una maravilla. Así que vamos a ver una técnica para igualar el efecto del color del virado en nuestras fotografías digitales.

El virado químico en el laboratorio marcaba las diferencias en el laboratorio fotográfico. Si querías culminar el revelado sabías que el último baño, cuando la copia estaba perfectamente limpia, era el del virado. Tenías varios para elegir. Yo apostaba siempre por el Kodak Selenium Rapid Toner a 1+9, es decir, una parte de químico más nueve de agua.

Si lo dejabas poco tiempo en el agua solo servía para la conservación. Y si te pasabas de tiempo daba esa tonalidad tan característica. Además decías a los demás que sabías trabajar. Si no habías hecho bien todo el proceso del revelado y virabas la copia, aparecían manchas delatoras en el papel por culpa de un mal procesado.

Fotografía sin virar

La conservación era el motivo más importante para hacer este último baño. Uno de mis profesores siempre decía que una copia bien virada duraba más que tú en el mundo. Había muchos tipos: selenio, sepia, sulfuro, oro, platino... incluso hubo un tiempo en el que se puso de moda virar al café o al té.

Si dejabas el papel el tiempo suficiente, o con una dilución muy concentrada, podías tintar la plata acumulada en el papel y conseguir esas tonalidades que muchos espectadores relacionan con las fotografías antiguas. En realidad era casi una especialización dentro del mundo del laboratorio.

Como hacer un virado digital realista con Adobe Photoshop

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Algo muy importante que parecen haber olvidado a la hora de crear los virados digitales en la mayoría de los programas y herramientas es que este efecto debe ser más notable en las zonas de las sombras que en las zonas iluminadas por un simple motivo: hay más plata en las sombras que en las luces, donde se ha diluido por efecto de la luz. No podemos olvidar que estamos trabajando con un positivo.

Por este motivo, los sistemas que se repiten una y otra vez, en muchos artículos, no son válidos. Realmente lo que hacen es colorear la fotografía. Dan un color determinado a toda la imagen como si le tiráramos encima un bote de pintura. Así que, después de buscar soluciones que fueran válidas hace mucho tiempo, descubrí la técnica de Tony Parkinson.

Fotografía mal virada. Todos los tonos afectados

La página es tan antigua (Phoenix Imaging) que ya no está activa. Allí publicó una tabla, que muchos hemos compartido, con los distintos valores que hay que introducir en las curvas para conseguir los mismos colores de los virados. Y sobre todo cómo conseguir que las sombras se vean más afectadas que las luces. Así que vamos a verlo para conseguir un virado al platino en esta ocasión:

• Revelamos la fotografía en blanco y negro como estemos acostumbrados. Para poder virar la fotografía es imprescindible que esté en modo RGB para poder darle información de color.
• Acoplamos todas las capas y creamos una nueva capa de ajuste de Curvas en Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas.
• En la nueva curva seleccionamos el canal Rojo (alt+3) y marcamos tres puntos aleatorios en las sombras, medios tonos y luces. Es decir, hacemos clic en la parte inferior, media y superior de la curva para crear tres puntos.
• Cada uno de los puntos tiene un valor de Entrada y de Salida.
• Hacemos exactamente lo mismo -marcar los puntos- en la Curva del canal Verde y en la del canal Azul.
• En cada uno de esos puntos de Entrada y Salida tenemos que poner los siguientes valores:

La curva debe quedar como veis en la ilustración. El problema es que si terminamos aquí nuestro virado lo único que estamos haciendo es lo que hacen los demás métodos. Así que vamos a seguir:

La curva del virado al platino

• Desactivamos la capa de ajuste de Curvas, haciendo clic en el ojo de la ventana Capas. La fotografía ya no se verá coloreada. Y activamos la capa original.
• Ahora seleccionamos la fotografía en Selección>Todo (Ctrl+A).
• Copiamos la selección en Edición>Copiar (Ctrl+C).
• En este momento activamos de nuevo la visión de la capa de ajuste de Curvas y hacemos Alt+clic en su máscara de capa. El archivo se verá blanco.
• Pegamos lo que hemos copiado con Edición>Pegar (Ctrl+V).
• Para que todo sea perfecto solo tenemos que invertir la máscara de capa en Imagen>Ajustes>Invertir (Ctrl+I).

Fotografía bien virada

Y ya está. Hemos conseguido que el virado afecte más a las sombras que a las luces. Además podemos bajar la Opacidad de la capa de ajuste para tener un control mayor del efecto.

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Los clásicos siempre vuelven. Esta es una forma de tener un aspecto distinto y auténtico de nuestras fotografías. ¿Qué os parece?

La semana pasada estuvimos hablando sobre el primer grupo de dodge&burn a la hora de hacer el retrato. Nuestra intención era quitar o disimular las pequeñas arrugas, los granitos y demás... En este artículo vamos a conseguir igualar las zonas de luz y de sombra aclarando y oscureciendo con ayuda de las capas de ajuste de Curvas de Adobe Photoshop.

El primer paso del dodge&burn que vimos en el capítulo anterior requería pasar mucho tiempo corrigiendo con una herramienta muy pequeña en una superficie tan grande como una foto. Se tarda mucho y es difícil hacerlo realmente bien. Y lo que siempre decimos en los cursos, puede que solo sea necesario para fotografías que ampliemos mucho para grandes campañas o para fotógrafos muy meticulosos.

Sin embargo, el segundo paso del dodge&burn que vamos a dar hoy es, desde nuestro punto de vista, imprescindible para la mayoría de nuestros retratos. Es más rápido, más evidente y más agradecido. Si os acordáis, cuando hicimos las capas de ajuste para ayuda visual, una de las cosas que indicamos es que nos servían para ver los cambios de luminosidad.

Así que ahora vamos a crear el segundo grupo de dodge&burn para dar forma definitiva al volumen del rostro y el cuerpo de la persona fotografiada de tal forma que no perdamos textura ni detalle. Es la mejor forma de trabajar con luz sin perder calidad.

¿Qué necesita esta fotografía?

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Cómo crear el dodge&burn de transición

De nuevo remitimos a los grandes maestros retocadores para profundizar en estas labores fotográficas como Natalia Taffarel que está colgando vídeos perfectos en su canal de Twitch o a Facundo Sciutto en Youtube. Podréis profundizar todavía más en todas estas técnicas. Son la fuente de muchos fotógrafos.

Ya llevamos muchas cosas hechas en nuestras fotografías. Desde a una capa de limpieza hasta un micro dodge&burn para eliminar las imperfecciones más minúsculas. Ahora es el momento del segundo dodge&burn:

La curva Aclarar del segundo dodge&burn

1. Creamos dos nuevas capas de ajuste de Curvas.
2. Por supuesto les cambiamos el nombre. Aclarar y Oscurecer.
3. En la curva Oscurecer marcamos el punto central (128,128) y lo bajamos, en diagonal, para oscurecer de forma menos agresiva. Un punto o dos, como siempre según en la fotografía. Y luego tenemos que pasar la máscara de capa a Negro (Capa>Máscara de capa>Ocultar todo).
4. Hacemos exactamente lo mismo en la curva Aclarar, solo que subiendo la curva desde el punto central.
5. Si queremos seguir el orden, lo lógico sería ahora meter en un grupo ambas capas de ajuste que podríamos llamar D&BII.
6. Lo siguiente es empezar a trabajar con la herramienta Pincel (B) en blanco. La Opacidad la ajustaremos al 2-4% y la Dureza al 0% para evitar que se noten los trazos pues vamos a trabajar con un Diámetro mayor.

Nuestra misión en este punto es igualar la luminosidad en todas las zonas. Si vemos que hay algo de luz en una zona de sombra tendremos que ir a Oscurecer y pasar el Pincel tantas veces como sea necesario. Lo mismo en el caso contrario, por supuesto. Y con un poco de práctica empezareis a ver resultados.

Solo hay que identificar de dónde viene la luz y empezar a pintar poco a poco para igualar todas zonas para mejorar la representación del volumen sobre el rostro... Incluso podríamos corregir luces o sombras equivocadas con un poco más de experiencia.

Es importante, sobre todo cuando estamos empezando, activar la Ayuda visual para ver con más facilidad dónde tenemos que aclarar u oscurecer. No hace falta pasar cien veces, solo las necesarias. Como pasa con el anterior grupo, podemos trabajar al 100% pero es más interesante ver la imagen casi al completo o que al menos el rostro del modelo ocupe toda la pantalla.

Lo que realmente hacemos

El tercer dodge&burn que podemos hacer es para remarcar los perfiles, el contorno, de nuestros modelos:

• Hacemos una nueva capa de ajuste de Curvas o simplemente trabajamos en la capa de ajuste de Curvas Oscurecer.
• Si optamos por una nueva capa de ajuste debemos bajar la curva y poner la máscara de capa en negro.
• Con la herramienta Pincel, con la Opacidad baja y la Dureza al mínimo, trazamos en la máscara de capa una pequeña línea oscura que cierre el rostro. Todo depende de la luz del retrato en cuestión.

Nuestros retratos quedarán cada vez mejor. Ya no será tan fácil como enviar directamente a las redes sociales pero al menos tendremos imágenes de la calidad más alta cuando ensayemos el tiempo suficiente. Estas técnicas requieren muchas pruebas y muchos errores hasta encontrar el punto perfecto.

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Seguro que nos hemos encontrado con fotografías en nuestro archivo que hemos pensado tirar a la papelera porque están subexpuestas. Y es un error, porque podremos salvarlas con cualquiera de las sencillas técnicas que vamos a ver a continuación. En Adobe Photoshop hay muchas formas de devolver la luz a fotografías oscuras.

No hay nada más decepcionante que hacer una fotografía y que salga oscura. Cada vez es más difícil, puesto que las cámaras digitales prácticamente lo impiden... Pero seguro que algunas veces os habéis visto tentados por el modo Manual para aprender o experimentar. Y ha aparecido este problema que parecía desterrado.

Fotografía original

Hoy, dentro de esta serie, vamos a ver varios métodos sencillos para iluminar nuestras fotografías en Adobe Photoshop sin necesidad de tener muchos conocimientos del programa. Ya veréis qué sencillo.

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Cómo adelgazar con Adobe Photoshop sin necesidad de hacer ejercicio

Adobe Camera RAW

Desde luego es la forma más sencilla que nos ofrece Adobe para aclarar (y oscurecer si lo necesitamos). Si el archivo es en formato RAW se abrirá directamente aquí. Si es un jpeg lo más fácil es ir a Filtro>Filtro de Camera RAW.

Tenemos que observar cómo está el histograma. Cuanto más pegado a la izquierda más problemas tendremos de recuperar la información. Sobre todo si el archivo es de una cámara antigua o de un móvil sencillo.

Adobe Camera RAW

1. Tenemos dos deslizadores que nos permiten recuperar las zonas oscuras.
2. En primer lugar Sombras para recuperar todos los tonos grises salvo los negros más profundos.
3. En segundo lugar Negros para recuperar precisamente esos tonos más oscuros.

El problema que podemos tener es que la imagen se llene de ruido pero para solucionarlo solo tenemos que ver el primer artículo de la serie.

Capa de ajuste de Niveles

Es el método clásico de Adobe Photoshop. Solo tenemos que mover un deslizador para que todo quede bien. Es muy efectivo para aquellas fotografías en las que todo esté oscuro y no tengamos la necesidad de aplicarlo solo en algunas zonas de la imagen.

Con Niveles

1. Abrimos la fotografía en Adobe Photoshop.
2. Analizamos la información que nos da el histograma (Ventana>Histograma). Si vemos que está pegado a la derecha tendremos que actuar.
3. Lo único que tenemos que hacer es ir a Capa>Capa de ajuste>Niveles y mover el deslizador central hacia la izquierda para iluminar la fotografía en los niveles de Entrada.
4. Puede que perdamos contraste. Si esto ocurre podemos mover los deslizadores negro y blanco para ajustarlo.

Capa de ajuste de Curvas

Siempre se dice que las Curvas son muy complicadas. Pero realmente se puede hacer todo con ellas. Es tan fácil aclarar con ellas que personalmente es el primer método que recomiendo cuando estamos ya dentro de Adobe Photoshop.

Con Curvas

1. Abrimos como siempre la fotografía en Adobe Photoshop.
2. Vamos a Capa>Capas de ajuste>Curvas.
3. En las curvas las sombras están representadas a la izquierda y las luces a la derecha en el eje X. Solo tenemos que hacer clic en el centro de la curva (sí, sabemos que es una línea al principio) y subirla para aclarar toda la imagen.

Con los modos de fusión de Adobe Photosohp

Fue la primera técnica que utilicé cuando creía que manejar este programa era lo más complicado del mundo. Lo increíble es que los modos de fusión es una de las cosas más complejas de Adobe. Y lo enseñaban en uno de los primeros manuales de ayuda que compré de Scott Kelby.

Con modos de fusión

No hace falta entender en profundidad cómo funcionan. Es muy sencillo y efectivo. Solo tenemos que tener abierta la ventana Capas para poder desplegarlos y tenerlos a la vista. Además ahora se activan con solo pasar por encima de su nombre.

1. Duplicamos la capa (ctrl+J) para poder activar esa técnica.
2. Vamos a Capa>Máscara de capa>Descubrir todas para añadirle una máscara de capa en blanco.
3. Cambiamos el modo de fusión en el desplegable de la ventana Capas. Hay que elegir Trama para aclarar.
4. Y para terminar, con la herramienta Pincel (B) en negro, borramos las zonas que no queremos que se vean afectadas por el cambio, si las hubiera... Es difícil hacerlo bien y solo lo recomiendo para imágenes sencillas.
5. Lo mejor de todo es que si no está suficientemente clara la fotografía podemos hacer de nuevo Ctrl+J hasta conseguir el efecto deseado.

Sombras/Iluminaciones

Es una de las funciones más modernas de Adobe Photoshop. Desgraciadamente no podemos trabajar como si fuera una capa de ajuste. Esto quiere decir que es una acción destructiva.

La mejor opción sería trabajar con objetos inteligentes para que se convierta en un filtro inteligente. Pero es algo que puede ser un poco más complejo si estamos empezando.

Con Sombras/Iluminaciones

1. Abrimos la fotografía.
2. Como queremos aclarar la imagen tenemos que ir a Imagen>Ajustes>Sombras e iluminaciones.
3. Es importante, para sacarle todo el rendimiento, dar a Mostrar más opciones. Ahora tendremos todo el poder.
4. Subimos Cantidad en Sombras hasta que tengamos un buen resultado.
5. Con Tono ajustamos los tonos oscuros que se verán afectados y con Radio aumentamos la sensación de nitidez (acutancia) de la fotografía.
6. Y me gusta jugar con Ajustes>Color y Medios tonos para darle un acabado final a la imagen.

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Como veis hay muchas oportunidades para salvar una fotografía oscura de una forma sencilla. Dependerá del grado de subexposición para conseguir un resultado más o menos válido. Siempre decimos que lo mejor es hacer el mejor disparo posible para evitar problemas. Pero como ahora tenemos tiempo...

Otro día más en casa, entre cuatro paredes. Tenemos varias opciones pero creemos que la mejor es intentar aprovechar el tiempo. Así que vamos a hacer un dodge&burn de una forma mucho más controlada con la ayuda inestimable de las máscaras de luminosidad en Adobe Photoshop. Ya veréis lo sencillo que es.

La famosa técnica del dodge&burn consiste en aclarar y oscurecer zonas de la fotografía para generar contraste y volumen en nuestras fotografías. Es muy popular en los retratos pero se puede utilizar en cualquier especialidad. En este artículo vamos a hacerlo con una fotografía de paisaje.

Para las máscaras de luminosidad vamos a servirnos de las bondades del panel gratuito de Tony Kuyper, al que tenemos todos acceso desde la página original del autor. Ya no tendremos que buscar lo más claro o lo más oscuro de nuestras fotografías y pintar con sumo cuidado con la herramienta Pincel al mínimo de Opacidad... Vamos a ponernos manos a la obra.

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Dodge&Burn con máscaras de luminosidad

La fotografía que ilustra este artículo es de uno de los pueblos más bonitos de España, Ciudad Rodrigo. Y lo que vemos es el embarcadero del río Águeda, al lado de la reconvertida fábrica de harinas. Mi idea es hacer primero un revelado en Adobe Lightroom y posteriormente pasar el archivo a Adobe Photoshop como objeto inteligente (Fotografía>editar en>Abrir como objeto inteligente en Adobe Photoshop).

Ajustes iniciales

Antes de empezar a trabajar en Adobe Photoshop deberíamos tener instalado el panel de Tony Kuyper. Ahora es tremendamente sencillo porque solo hay que hacer clic sobre el archivo descargado y se instala sin mayores complicaciones.

Para tenerlo abierto solo hay que ir al menú Ventana>Extensiones>Tk Basic v6. Lo colocamos como una ventana más dentro de nuestra interfaz y listo. Ahora es el momento, si lo consideramos necesario, para revelar por zonas la imagen. En el ejemplo yo apuesto por oscurecer un poco el cielo con una capa de ajuste de Curvas y dar un poco de contraste al agua del Águeda (qué ganas de comer el pollo que hacen a orillas del río).

Una vez terminada esta fase llegaría el momento de darle volumen a la fotografía. Destacar las luces del embarcadero, bajar las sombras del bosque y de algunas nubes del cielo. Es el momento del dodge&burn:

• Creamos dos capas de ajuste de Curvas en Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas. Por cuestión de orden renombramos ambas capas, pinchando en su nombre, como Luces y Sombras.
• En la capa de ajuste Luces subimos la curva desde el punto medio hacia arriba en vertical. Dependerá siempre de la fotografía pero para el valor de Entrada 128 podemos subirlo a un valor de Salida de 150 aproximadamente.
• En la capa de ajuste Sombras bajamos la curva desde el punto medio hacia abajo en vertical. En este caso para el valor de Entrada 128 lo bajaremos a un valor de 100 aproximadamente.
• Ahora tenemos que invertir la máscara de las dos capas de ajuste en Capa>Máscara de capa>Invertir.

En este momento tenemos la fotografía revelada, las capas de ajuste con las que hemos revelado por zonas y las dos capas de ajuste de Curvas que hemos llamado Luces y Sombras con las máscaras de capa en negro. Ahora entran en acción las máscaras de luminosidad.

Con una buena selección basada en las máscaras de luminosidad el dodge&burn es más rápido y eficaz porque siempre pasaremos por las zonas que realmente lo necesitan.

Todas las capas en acción

• Quitamos la visibilidad de las dos capas de ajuste de dodge&burn y nos colocamos en la última capa de ajuste activa.
• Damos a Origen>Compuesto en el panel gratuito de Tony Kuyper
• Para las zonas iluminadas buscamos en Máscara>Luces la máscara más adecuada. Para la imagen he elegido Luces 3.
• Para convertir la máscara en selección voy a Salida>Selección y así tendremos el camino de hormigas activo.
• Activamos la visibilidad de la capa Luces y marcamos la máscara de capa.
• Y ya es el momento para trabajar con la herramienta Pincel (B) en blanco y con una Opacidad del 50%.
• Con esta herramienta pasaremos por las zonas que necesitan más luz con la seguridad de no equivocarse nunca porque solo afectará a las zonas seleccionadas. Cuando terminemos tendremos que deseleccionar en Ctrl+D.

Las luces bien seleccionadas

• Para trabajar con las sombras podemos hacer lo mismo pero seleccionando Máscara>Sombras y trabajando sobre la máscara de capa de Sombras.

El resultado final

El resultado, como veis, merece la pena. Es un método más para hacer dodge&burn. Quizás pierde parte de su encanto pero cuando vas con prisas os aseguro que funciona a la perfección. Y eso no quita que luego podamos hacer más ajustes de forma totalmente manual. Ya nos diréis qué os parece esta técnica para trabajar. Y si lo probáis en un retrato veréis cómo cambian las cosas...

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Trucos para conseguir fotografías creativas que parecen hechas con Photoshop (pero no es así)

Este estilo de color llega aprovechando la temporada que se acerca. Si bien se aprovecha más con la moda de temporada y los paisajes sin follaje, este estilo busca resaltar una sensación de fríaldad, de tonos de piel casi muertos y de soledad. Pero vamos a la acción:

En el laboratorio

Para ejemplificar el proceso, usaremos la imagen de abajo.

El primer paso será crear una capa de ajuste de ‘Niveles’ para comenzar a trabajar un ‘dodge and burn’ rápido. Esto influenciará en el contraste general de la escena, donde podremos reforzar brillos y sombras sin perder mucho detalle. En esta primera capa nos enfocaremos en las altas luces, colocando la capa en modo de fusión de ‘Luz Dura’ y controlando su efecto con la barra de ‘Fusionar si’ del panel de opciones de fusión de capa.

El siguiente paso es trabajar las sombras. Crearemos una capa de ajuste de ‘Niveles’ y trabajaremos la capa en un modo de fusión de ‘Luz dura’. Con esto completaremos el trabajo de contraste.

El siguiente paso es comprimir la información de color. Ya que vamos a buscar un tono frío al final, debemos tintar la imagen con un tono cálido en este paso. Pera hacerlo crearemos una capa de ajuste de 'Mapa de degradado', utilizando colores cálidos y ocre. Pondremos la capa en modo de fusión de ‘Tono’ y controlaremos la intensidad con opacidad.

Finalmente, como el objetivo es conseguir tonos fríos y apagados, crearemos una capa de ajuste de ‘Tono/Saturación’ y llevaremos la barra de tono a un extremos para ir al directo complementario del color. En este caso, los ocres nos llevarán a tonos cyan. Disminuimos la intensidad de la variación tonal a gusto con la opacidad de capa y llegamos a nuestra imagen.

Abajo podéis ver el resultado.

Este estilo es uno rápido de realizar y que se basa en un principio de conseguir “monocromía” y llevar la imagen al tono complementario. Así como en esta ocasión lo llevamos a un mundo frío, un proceso de llevarlo a fríos en la capa de gradiente nos puede dar un resultado final de tonos cálidos que tienden a una imagen sepia.

Como siempre, la práctica sobre nuestras imágenes conseguirá sacar el mejor resultado de este proceso de trabajo. ¡Hasta la próxima!

El equilibrio de blancos, mal traducido la mayoría de las veces como balance de blancos, se puede hacer de muchas formas distintas. Este método es uno de los más eficaces que podemos hacer para conseguir un buen equilibrio en la fotografía con ayuda de Adobe Photoshop.

En Xataka Foto hemos hablado muchas veces del equilibrio de blancos. Hemos contado distintos métodos para lograr que la temperatura de color de nuestras fotografías sea la más adecuada. Sobre esto se podría escribir mucho, porque muchas veces se insiste en lograr un ajuste neutro, cuando lo mejor es elegir uno que se ajuste a lo que tú necesitas.

Esta técnica es muy precisa. No dependemos de nada. No necesitamos un blanco o un gris en la fotografía. Solo saber cómo hacerlo con Adobe Photoshop. No requiere mucho: saber duplicar una capa, invertirla y manipular los modos de fusión.

Fotografía original

Es una técnica que utilizo con mucha frecuencia. No es la única, desde luego. Pero creo que es una de las mejores cuando nuestros monitores no están calibrados o no son adecuados para la imagen fotográfica. De hecho creo que es una de las técnicas más antiguas para hacer este ajuste. Y como siempre, si no te gusta el resultado, puedes tirarlo a la papelera. Vamos a verlo.

Ajustar el equilibrio de blancos con una capa invertida

La fotografía la revelaremos en Adobe Camera RAW o similar, como tenemos que hacer siempre. Si queremos, y sería interesante para hacer un buen revelado, ajustamos el equilibrio de blancos en este punto. Posteriormente siempre lo mejoraremos.

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Estas son las imágenes ganadoras del concurso de fotografía móvil iPhone Photography Awards 2019

En la fotografía de ejemplo el problema de la temperatura de color es especialmente grave. La luz artificial es tan cálida que la corrección en Adobe Lightroom devuelve una imagen azulada.

Imagen revelada en Adobe Lightroom

1. Abrimos la fotografía como objeto inteligente en Adobe Photoshop. Con los ajustes de máxima calidad: TIFF, 16 bits y el espacio de color con el que estemos trabajando. Si no queremos no hace falta trabajar con los objetos inteligentes a pesar de sus evidentes virtudes. Solo tenemos que marcar Fotografía>Editar en>Abrir como objeto inteligente en Photoshop.
2. Duplicamos la capa en Capa>Objetos inteligentes>Nuevo objeto inteligente mediante copia.
3. Ahora llega el momento de convertir en negativo esta nueva capa en Imagen>Ajustes>Invertir (Ctrl+I).
4. Ahora tenemos que descubrir cuál es el color dominante de esta capa. Para verlo vamos a Filtro>Desenfocar>Media. Este filtro nos descubre cuál es el color dominante de la capa. En este caso descubrimos claramente una dominante azul.
5. El siguiente paso es ir a la ventana Capas y elegir el Modo de fusión Luz suave para que el color de esta capa equilibre la dominante de la fotografía.
6. Si queremos podemos crear una capa de ajuste de Tono/Saturación que afecte solo a la capa invertida (Capa>Crear máscara de recorte) para ajustar con los parámetros de Saturación y Luminosidad cómo queremos que quede nuestra fotografía.

Imagen final

Como veis es muy sencillo y sirve para todo tipo de imágenes. Desde las más complicadas, como la que abre este artículo, a imágenes más sencillas del día a día con luz natural. Ya contaréis vuestros resultados.

Usualmente los looks y presets que aplicamos sobre nuestras imágenes vienen de controles y ajustes globales. En el pasado os hemos mostrado cómo crear ciertos estilos utilizando este principio. En esta ocasión entraremos a jugar con ajustes locales y cómo crear un estilo de imagen de contraste de color.

Máscaras y colores

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Cómo crear un estilo de control de contraste en nuestras imágenes utilizando Photoshop

Para ejemplificar el proceso utilizaremos la imagen de abajo como ejemplo.

Lo primero que haremos es acentuar el contraste general de la escena. Oscurecer esa área de la estación que está oscura y sacar mucho más brillo del área iluminada. Para ello utilizaremos la herramienta de ajuste de ‘Curvas’. Crearemos una capa, disminuimos el brillo bajando el punto de blanco y, para crear un contraste más natural en esa transición, le pondremos barriga a esa curva.

Veréis que la imagen se oscurece del todo, pero como solo queremos afectar el lado izquierdo de la imagen, crearemos una gradiente de izquierda a derecha sobre la máscara de ‘Curvas’. Como podéis ver arriba.

De manera similar, para aumentar los brillos, con una segunda capa de ajuste de ‘Curvas’ podemos mover el punto blanco dentro de la información de la imagen. Aplicamos una gradiente sobre la máscara de ‘Curvas 2’, esta vez de derecha a izquierda.

Si los brillos quedan muy clipeados, podemos controlar el recuperar información en las propiedades de capa de esta curva (click derecho opciones de fusión). En la parte inferior (‘Fusionar si es’, barra de ‘Capa Subyacente’), movemos el controlador y buscamos un punto donde consigamos la información deseada. Luego separamos el controlador (Alt + Click sobre la palanca) para darle suavidad a la transición.

Estos dos ajustes nos han creado el contraste general de la imagen, además de las máscaras sobre las cuales aplicaremos el color. Para colorear utilizaremos la herramienta de ajuste de 'Corrección Selectiva'.

Lo primero que haremos es copiar la selección de la máscara de los brillos (Ctrl + Click sobre el cuadro de máscara). Teniendo esa selección activa, crearemos una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. En el canal de blancos agregaremos un poco de amarillo y el en canal de neutros ajustaremos el tono cálido de la área luminosa. Acá ya podemos ver cómo adquiere algo más de fuerza la imagen.

De la mísma manera crearemos una segunda capa de ‘Corrección Selectiva’ utilizando la máscara de gradiente de negro. En este ajuste solo trabajaremos sobre los negros, agregando un poco de cyan y azul a la escena.

Con estas dos capas de color ya tenemos listo nuestra base de color en la escena. Para finalizar la imagen aplicaremos un ajuste global que termine de fusionar estos cambios locales que hemos realizado. Esto lo lograremos utilizando una capa de ajuste de ‘Curvas’.

Dependiendo de cómo ajustemos la curva se conseguirán distintos resultados. Una Curva en S de alto contraste generará sombras muy oscuras y brillos muy altos, dando una sensación como de película forzada.Una S invertida lavará la imagen, pero dará un estilo de película de bajo contraste.

A mi me gusta lo mejor de ambos mundos, por lo cual he realizado una curva en S de bajo contraste. Subiendo el punto de negro, bajando el punto de blanco y consiguiendo recuperar contraste perdido en esta acción modificando la curva.

Finalmente, como gusto personal, siento que el hombre al lado del carril está un poco apagado, por lo cual adicioné un último ajuste de curvas para iluminar un poco el sujeto. Pintando una pequeña máscara sobre él.

Abajo podéis ver el resultado final de la imagen.

El explorar ajustes locales mediante máscaras nos ayudará a un nivel de personalización del estilo más allá de lo que logran los presets y las LUT. Los cambios realizados pueden ajustarse a distintos tipos de imágenes tan solo ajustando las máscaras a la nueva composición.

Pero, sobre todo, lo más importante es la práctica. Así que a jugar con vuestras imágenes. ¡Hasta la próxima!