Cuando se habla sobre Andy Warhol, lo primero que llega a la mente es su obra que formó todo el movimiento del Pop Art. Toda su obra era acompañada bajo un concepto de popularización y reproducción, de lo artístico encontrado en lo común y del cuestionamiento sobre qué es el arte. La fotografía seguía su misma línea conceptual, pero demostró ser un medio artístico más privado para el estadounidense. Una serie de hojas de contactos de esta etapa fotográfica fueron liberados al público recientemente por la universidad de Stanford.

A diferencia de los demás artes en los que Warhol indagaba, la fotografía fue un medio artístico más selecto. Desde los 60’s, Warhol cargaba con su cámara fotográfica de 35 mm, documentando toda su vida, su interacción con los famosos, sus momentos de glamour y sus momentos más mundanos. Miles de imágenes en blanco y negro y a color eran capturadas bajo el ojo del artista y, sin embargo, esa parte de su obra fue escondida del público por mucho tiempo.

Si se compara con su trabajo en serigrafía, las imágenes fotográficas de Warhol existían en su archivo, en una hoja de contacto y con la existencia de una única ampliación de las imágenes seleccionadas. Esta única ampliación debe ser lo que más se aleja de su obra general. Sus fotografía quedaron para él y su grupo, acumulándose en una habitación hasta casi sus últimos días de vida.

En enero de 1987, Warhol presentó su única exhibición fotográfica. Poco después murió. Sus contactos y negativos fueron guardados como archivo de estudio, las fotografías ampliadas fueron compradas por los coleccionistas más pudientes y algunos museos.

Dentro de el material rescatado, el Centro de Artes Cantor y la Universidad de Stanford han logrado digitalizar más de 3.600 hojas de contacto del trabajo en blanco y negro del artista. Esto equivale a una colección de más de 130.000 imágenes que están disponibles en la librería digital de Stanford.

Como reporta DIY Photography, esta colaboración pretende ayudar a los estudiantes a analizar la obra de Warhol en detalle, además de permitir ver más del trabajo escondido de Warhol a los fanáticos. Esta gran documentación de la vida de Warhol permite ver el contexto del artista, permite saber más sobre su visión del mundo y entender más a fondo esa revolución artística de los sesentas.

Las imágenes están abiertas al público, pero no son libres de reproducción. La única forma de verlas en todo nivel de detalle es mediante las cápsulas de la librería. El proceso de catalogación ha sido dividido desde estilos, hasta temas y nombres de personas individuales. Un archivo fotográfico que puede interesar a muchos analistas de estilo.

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En Xataka Foto

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Si te gusta el arte y te gusta la fotografía, tenlo claro: Te gustará 'The Factory'. Por si no lo recuerdas ya the hablamos de esta factoría creatiava durante el PhotoEspaña 2012. 'The Factory' editado por la editorial La Fábrica, es uno de esos libros imprescindibles para reflexionar sobre la fotografía como disciplina artística. Con fotografías de Richard Avedon, Cecil Beaton, Brigid Berlin, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Billy Name, Stephen Shore o el gran icono del arte pop, Andy Warhol.

La historia que cuenta el libro

The Factory recorre durante unos veinte años las décadas prodigiosas de los años 60 hasta los 80. Una factoría creativa de ideas que tuvo su reflejo a través de la fotografía.

Este año, PHotoEspaña presentó la exposición 'De la Factory al mundo'. Fotografía y la comunidad de Warhol, en el Teatro Fernán Gómez / Centro de Arte (Pz. de Colón, 4), donde se muestró el trabajo de The Factory, ese espacio de interacción social y cultural creado por Andy Warhol.

El libro

Escrito en inglés y castellano, a dos columnas, estamos ante un libro que destaca por el gran número de imágenes, pero que, también, resulta ser un libro que destaca por el gran análisis artístico y fotográfico que realiza, lo cual, además, invita a la reflexión del lector (fotógrafo) sobre su propio trabajo creativo. Es un libro que invita también a pensar sobre nuestro propio discurso visual como fotógrafos. Es un libro para fotógrafos en definitiva.

The Factory, el movimiento, el grupo de artistas liderado por Warhol, no solamente generó pinturas, generó cine, escultura, multimedia, material escrito y mucha, mucha fotografía. Así el libro nos presenta un ideario, una corriente de pensamiento revolucionaria en su momento pero muy vigente en la actualidad de nuestro mundo.

Las cámaras nos eran tan naturales como los espejos

Con estas palabras Billy Name, expresa el concepto de una generación hija de la tecnología, algo muy parecido a lo que vivimos en el momento actual. Sin embargo, a diferencia, de lo que ocurre en gran parte hoy en el mundo fotográfico y artístico, esta generación estaba convencida de poner la tecnología al servicio del arte.

Sufro de enfermedad social. Tengo que salir todas las noches

Estas otras palabras, bien conocidas, de Andy Warhol, expresadas durante una carta, reflejan parte de la filosofía que trata de contar el libro. Una filosofía basada en el contacto social. Era la época del fotógrafo como antropólogo de la sociedad, añade Nat Finkelstein, en el momento que llegó a la factoría de la calle 47, en Manhattan, donde, sigue diciendo, se encontró a algunas de las personas más raras del planeta. Finkelstein desde 1964 hasta 1967, Finkelstein se dedicó a documentar fotográficamente en 'The Factory'. De Bob Dylan a Salvador Dalí, Marcel Duchamp o Edie Sedgwik.

Las relaciones fotográficas

Pero es que todos esos documentos estaban basadas en lo que se comenta al principio del libro: La relaciones fotográficas basadas en un cuidado exquisito de la cultura de la publicidad y de los medios de comunicación. Así Warhol, con su cultura pop underground, lograba el objetivo de dar a conocer el discurso visual de él y los suyos.

Este modo de producción visual, iniciado hace tantos años, comienza a ver sus frutos en los estudios fotográficos profesionales de más alto nivel en la actualidad donde cada miembro del equipo tiene una función claramente definida y todos son conscientes de la imagen de marca, algo en lo que Warhol fue pionero, da sus frutos hoy en día. El fotógrafo en solitario tiende a desaparecer, al menos, en los niveles más altos.

En conclusión

Estamos ante un libro para abrir la mente y disfrutar visualmente de las fotografías de Richard Avedon, Cecil Beaton, Brigid Berlin, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Billy Name, Stephen Shore o el gran icono del arte pop, Andy Warhol en donde vemos reflejo la naturalidad del estilo fotográfico documental, callejero o periodístico sin ningún complejo, resultando un compendio de provocación y reflexión al mismo tiempo.

‘The Factory’ (varios autores)

• Editorial: La Fábrica, EDITORIAL
• Precio: 30 euros
• Encuadernación: Rústica (reforzada) con solapas
• Páginas: 160
• Tamaño: 20,0 × 24,0 cm
• ISBN: 978-84-92543-35-9

‘Un libro con fotografías de Richard Avedon, Cecil Beaton, Brigid Berlin, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Billy Name, Stephen Shore, Andy Warhol.

Una de las ventajas de los programas de retoque fotográfico es que, independientemente de que los usemos para mejorar nuestras fotografías, nos permiten jugar con nuestras fotos para realizarles diferentes efectos de forma relativamente fácil.

Uno de los clásicos es el conocido Efecto Warhol, que básicamente nos permite transformar un retrato para convertirlo en algo parecido a los famosos cuadros del artista y cineasta estadounidense.

Lo que os traemos hoy es precisamente un tutorial para conseguir, en cinco minutos, transformar uno de nuestros retratos en un cuadro al más puro estilo Warhol, que puede sernos útil si queremos adornar nuestro estudio o nuestras casas con una foto propia pero con un toque pop.

Os dejo con él:

Una exposición ambiciosa llamada a convertirse de las más importantes del año tiene lugar en Madrid. Se trata de una mirada a la historia del siglo XX a través de la fotografía, recogiendo aquellas instantáneas que reflejan los momentos más destacados y que forman parte de nuestra memoria visual. Se desarrolla desde el 26 de septiembre hasta el 18 de noviembre y lleva como título "Momentos estelares. La fotografía en el siglo XX".

Se desarrolla en dos sedes, por una parte, los comienzos del siglo hasta los años ochenta, con fotos míticas de Man Ray, Hännah Höch y Richard Avedon, que tiene lugar en el Círculo de Bellas Artes. La segunda sede es la sala del Canal de Isabel II que recoge imágenes desde los años 80 hasta finales de siglo, con fotos de Marina Abramovic, Andy Warhol, John Hilliard y Joan Fontcuberta, entre otros.

Un recorrido didáctico a través de 136 autores y 300 fotografías, muchas de los cuales son ya verdaderos iconos del arte, como la archiconocida del miliciano abatido de Robert Capa, Dalí luce bigotes de Philippe Halsman, las mujeres convertidas en maniquíes de Avedon y Newton o la otra cara de la realidad a través de Diane Arbus. Se antoja imprescindible una visita a esta magna exposición, no sólo por la cantidad y calidad de las obras seleccionadas, sino porque será difícil ver reunidas semejantes imágenes, de lo mejor de las distintas tendencias, movimientos, géneros y técnicas de la historia de la fotografía.

Vía | Abc y fotografias.net