Bienvenidos a un nuevo capítulos de “Aprendiendo con Adobe Camera RAW”. Antes de nada, disculpadme por la tardanza en la continuación de la serie, pero, como alguno de vosotros ya sabe, problemas técnicos con mi equipo fotógrafco e informático me han impedido el continuar la serie antes. Así que toca hacer borrón y cuenta nueva. Por eso para este capítulo he querido recordar mi primer post sobre “Cómo fotografiar juguetes”, escogiendo una foto de los cochecitos de mi hijo Diego, el cual ya conoceréis porque ha sido proteagonista de varios capítulos de Aprendiendo con Adobe Camera RAW.

Hoy vamos a hablar de la manipulación y tratamiento del color que nos ofrece Adobe Camera RAW. Para ello, me he atrevido a realizaros un pequeño videotutorial donde podréis ver todas las posiblidades. Antes de verlo os recomiento que os leáis nuestro artíclos del Curso de Fotografía aquí y aquí sobre el uso y tratamiento del color. Os ayudarán enormemente a entender lo que estamos haciendo. Sin más veamos el vídeo.

Como podéis ver en el vídeo, existen 5 vías o formas de manipular el color en Adobe Camera RAW. Estas son:

• Ajustando el Equilibrio de Blancos
• Mediante la Intensidad y/o Saturación
• Mediante el ajuste individual de los colores a través del Tono, Saturación (individual) y la Luminancia
• Dividiendo los tonos, que permite ajustar el tono de las luces altas y las sombras

• Finalmente, mediante el ajuste del perfil de cámara.

Espero que os haya gustado el vídeo. Os espero en la siguiente entrega de Aprendiendo con Adobe Camera RAW en Xatakafoto. Y, recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

Ver el vídeo | Youtube
Créditos Música | Popof

Tras un breve descanso veraniego, para daros tiempo a asimilar los conceptos retomamos nuestro curso Aprendiendo con Adobe Camera RAW, aquí en Xatakafoto. En esta ocasión vamos a tratar de procesar orientándonos a obtener una clave baja o aproximarnos a ella desde el punto de vista de la edición con Adobe Camera RAW. Indicar que es muy importante, como siempre la toma base. Agradeceros durante este pequeño parón los mensajes de ánimo y agradecimiento recibidos para continuar con el mismo.

He de decir que en mi opinión, al igual que en la clave alta, el lograr este tipo de efecto en una fotografía es una de las técnicas más difíciles para que quede bien. Si no está en su punto muchas veces la foto no dice nada. Hay que trabajar mucho con las luces y sobre todo requiere una muy buena iluminación previa a la hora de tomar la fotografía.

Pensando en clave baja

Lo primero que os recomiendo es echar un vistazo a algunos de los consejos para obtener fotografías en clave baja que ya os contamos aquí, en Xatakafoto, hace algún tiempo y cómo es el histograma de tipo de estas fotografías. En esta ocasión vamos a trabajar como habréis podido adivinar en la portada sobre una fotografía realizada al cantautor Ismael Serrano, al cual tuve ocasión de fotografiar en su backstage hace unos meses. Decir que para la realización de la fotografía utilicé una sombrilla blanca, que creo que perdí ese día, con un flash YN460 de frente a él y a una altura de 1,8m a 2m de distacia y a media potencia. Aproveché el resto de iluminación difusa y escasa que había sobre el backstage. El esquema de iluminación utilizado fue éste:

El resultado de la fotografía, con un histograma ladeado hacia la izquierda como podéis se explica aquí, en RAW y sin editar fue éste:

Observando el histograma nos damos cuenta que la imagen se encuentra subexpuesta. Intencionadamente. Lo que ocurre es que al saltar el flash iluminamos de forma suave y contralada el rostro y el torso de nuestro artista. Para saber y practicar como obtener fondos negros perfectos así como fondos blancos no tenéis más que leeros el artículo sobre ello de nuestro compañero José Barceló.

Lo primero que hacemos es subir el nivel de negros, en este caso alrededor de 50, con lo cual notamos rápidamente que la imagen se vuelve más oscura. Este ajuste es quizás el más importante para conseguir este efecto. Así que posteriormente si te has pasado, vuelve a ajustarlo. No importa que reajustes. No todo es copiar y pegar.

A continuación, simplemente con desaturar a -100 tenemos toda la base de la imagen:

Ajustamos el balance de blancos buscando potenciar el contraste:

Ajustamos el nivel de brillo cuidadosamente sin pasarnos, ya que demasiado brillo nos dará una imagen muy plana. En este caso he llegado a +99 y he subido un poquito el contraste también. Subimos un poquito la recuperación para oscurecer un pelín las luces altas.

Ajustamos un poquito la luz de relleno para que los bordes de nuestro retratado ganen un poco de volumen.

Ajustamos el nivel de las curvas de tonos un poquito si lo necesitáis. A continuación subimos un poco el contraste local con el valor de claridad y enfocamos. En este caso he optado por un enfoque fuerte (119 y radio 2,2) y con bastante textura (detalle 30) con el fin de intensificar los rasgos. Este tipo de ajustes creo que van mejor en modelos masculinos que modelos femeninos o infantiles.

Finalmente viñeteamos un poco la imagen para que la transición en los bordes del modelo sea más suave, además le añadimos un poco de grano.

Este es el resultado final, donde podemos comparar la imagen original y la procesada:

Finalmente realicé un ajuste final, que es rellenar con negro alrededor de la imagen y dejarla en formato 1:1 para que hubiera más espacio negativo alrededor y mejorar la composición, esa imagen la podéis ver aquí. Podéis ver otra toma de aquella sesión improvisada, en la que el fondo no ha sido oscurecido tanto buscando un resultado algo diferente.

Recuerda repasar tus procesados una vez que creas que están acabados y busca errores. Practica con tus propias fotos. Y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo. Te esperamos en Xatakafoto.

Curso completo | Aprendiendo con Camera RAW

Fotografías | Alfonso Domínguez Lavín

Bienvenidos de nuevo a nuestro curso Aprendiendo con Adobe Camera RAW, aquí en Xatakafoto. En esta ocasión vamos a tratar de hacer una clave alta o aproximarnos a ella desde el punto de vista de la edición con Adobe Camera RAW. He de decir que en mi opinión, lograr este tipo de efecto en una fotografía es uno de los más difíciles para que quede bien. Hay que trabajar mucho con las luces y sobre todo requiere una muy buena iluminación previa a la hora de tomar la fotografía.

Comentaros que me hubiera gustado colocar toda la iluminación adecuada para tener una base mejor. Pero aceptamos el reto de intentar convertir nuestra fotografía a una clave alta en este caso con la ayuda única y exclusivamente de un flash externo rebotado contra el techo y el pequeño truco de colocar a Diego, que vuelve a acompañarnos en un tutorial, por delante de una pared blanca. Dos cosas que pueden estar perfectamente al alcance de la mayoría de vosotros: rebotar el flash para obtener una iluminación más uniforme y usar una pared blanca. Mejor iluminación igual a mejores resultados.

Pensando en clave alta

En el capítulo anterior afrontamos un blanco y negro bastante contrastado, con buena predominancia de la cantidad de negros y blancos así como de la gama de grises intermedios entre el punto negro y blanco. Hablábamos de pensar en blanco y negro, recordáis. Bueno ahora hay que pensar predominante en el color blanco. Pensad en una imagen suave, donde haya predominancia de tonos grises claros en las sombras mucho más que tonos grises oscuros y que las luces tiren hacia el blanco aunque sin llegar del todo a él. “Be white, my friend”.

Recordamos alguno de los consejos que Jesús León nos daba para realizar este tipo de tomas:

• Todos los elementos deben estar muy bien iluminados así como compensar la exposición, usa iluminación puntual

• También podemos utilizar el flash de rebote o muy suavizado

• Si disponemos de iluminación natural, hay cuidar que sea suave y atenuada, evitando una luz fuerte.

• Hay que tener muy en cuenta el histograma. Hacer pruebas y mirar que contenga la gama completa de tonos, aunque predominen las altas luces, tenemos que evitar que algún elemento de la imagen quede sobreexpuesta. Tal como nos contaba Javier Prieto hace unos meses en sus artículos sobre histogramas. Javier nos recuerda lo siguiente: “Pese a que la zona ocupada principal del histograma es la misma, vemos como el contraste general es más alto, y de hecho encontramos siempre algo de información en toda la gama de grises, desde el negro al blanco absoluto.” Si os fijáis es un histograma balanceado hacia la derecha.

Editando en clave alta

Tener bien el histograma nos facilitará mucho la edición. dicho todo esto, pongámonos manos a la obra. Aún así vamos a partir de un caso que pese a no estar bien iluminado, le vamos a sacar el jugo todo lo posible para realizar la clave alta. La foto original de partida es la siguiente:

Lo primero que tenemos que hacer es llevar el histograma hacia la derecha con cuidado de no sobreexponer las luces altas. Subimos entonces para ello la exposición. El cuánto puedas subir o bajar en Adobe Camera RAW depende muchas veces de tu cámara y su rango dinámico, recuerda. Por eso cuánto mejor hayas iluminado, mejores resultados podrás obtener y forzar menos en la edición.

Bien, en el capítulo anterior, usamos la desaturación para pasar a Blanco y Negro, el método más sencillo. Descartamos de esa forma mucha información sobre los tonos medios, pero no nos importaba porque buscábamos mucho contraste. Ahora debemos ser más cuidadosos. Vamos a la pestaña del Camera RAW donde se encuentra la información de color. Una pequeña regla que siempre ayuda: “Los tonos cálidos: rojo, naraja y amarillo suelen estar en la piel”, los ajustes que hagas allí deben ser muy suaves. Es decir no pongas el rojo en -100 y el naranja en +100. Tanto si deslizas hacia la izquierda o hacia la derecha no debe haber mucha separación entre ellos. Tendrás mejores resultados. El resto ajustalos a tu gusto buscando siempre tonos grises suaves en la mezcla.

Bien, ahora ajustaremos la curva de tonos. Siempre pensando en una imagen suave. Luces altas, recuerda. Visualiza el resultado final. Soy muy insistente y pesado en visualizar el resultaod. A mí me ayuda muchísimo. Vemos en el histograma que aún hay un poco de margen. Subimos las luces y los claros. También puede ser necesario subir los oscuros y las sombras. Poco a poco. Lo irás viendo.

Ahora los últimos toques, ajustamos la luz de relleno para seguir suavizando las sombras que nos queden. Y un pequeño toque: bajamos la claridad un poco. Hemos comentado que este tipo de fotografías se caracterizan por tener una textura suave. Ese toque suave lo podemos conseguir utilizando el parámetro claridad y bajándolo un poquito.

Ya casi está. Fijándonos en el histograma vemos que también podemos subir un poquito más la exposición. Finalmente enfocamos la imagen. Después en Photoshop le añadí un poco de contraste zonal en la parte de los ojos para destacarlos como suelo hacer en mis retratos. Esto es totalmente opcional. A tu gusto. Al final quedó así:

Hemos procesado con Camera RAW casi hasta el final salvo arreglar dar esos pequeños toques que, a veces, puede ser mejor hacerlo en Photoshop. Repasa tus procesados una vez que creas que están acabados y busca errores. Practica con tus propias fotos. Y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo. Te esperamos en Xatakafoto.

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Fotografías | Alfonso Domínguez Lavín

Bienvenidos a nuevo capítulo de Aprendiendo con Adobe Camera RAW. Hoy nos centraremos solamente en cómo conseguir imágenes en Blanco y Negro desde Camera RAW. Vamos a trabajar con un robado para ilustrar este proceso de blanco y negro.

Pensar en Blanco y Negro es importante

Para el caso específico de la fotografía, decir Blanco y Negro es aludir al proceso que predominó la presentación de dicha técnica y arte hasta el año 1861 en que comenzó la búsqueda del color. Se llegaba a decir en aquella época que el Blanco y Negro era lo normal, dado que se veían las fotografías de los diarios y de las revistas en tonos continuos de grises, y era tan aceptado que siendo un artificio, una manipulación de la realidad, parecía constituirse en lo cotidiano y natural. Su valor artístico fue ampliamente aprovechado por creadores que hicieron de la fotografía un verdadero arte, proveniente del retrato, del paisaje y de la industria. Más tarde en 1942, Eastman Kodak comenzó a producir películas en color e intentó ganar el mercado por ser más “realista” de acuerdo a la óptica normal del ojo humano, el cual percibe los colores tal como se dan en la naturaleza. Sin embargo el blanco y negro transmite fuerza, contraste, luz y una serie de cosas que a veces las fotografías en color no son capaces de transmitir.

De hecho, la fotografía en color tardó en ser aceptada en los círculos más puristas como corriente fotográfica, igualmente que parece estar pasando en la actual época digital con las diferentes técnicas de post-producción (manipulación digital de imágenes, hdr, retoque digital o el fotomontaje publicitario o artístico). Es irónico cuando menos ya que el Blanco y Negro constituía una manipulación de la realidad también. Volviendo al tema de hoy, pensad que no toda fotografía es adecuada para ser procesada en Blanco y Negro. Lo mismo ocurre al revés.

Conceptualmente podemos hablar muchísimo sobre cómo “pensar en blanco y negro”: técnicas de previsualización, composición, encuadre, clave alta, clave baja, ... pero estaríamos muchísimos capítulos. Hoy nos centraremos en la fuerza del blanco y negro, en su alto contraste, cosa que llama mucho la atención del espectador, realzando el juego de las luces y las sombras.

Si bien el color tiene la capacidad de llamar la atención instantáneamente, las fotografías en blanco y negro dan la oportunidad a la imagen retratada un toque especial del que muchas veces carecen cuando se las ve a color. Es por eso que las buenas fotografías en blanco y negro son algo que NO puede faltar en el portfolio de cualquier fotógrafo, sea profesional o aficionado. Hay cámaras que su propio modo de edición ofrecen muy buenos resultados en monocromo pero no tendremos tanto control como si lo hacemos con un programa de edición.

Camera RAW: Monocromo/Blanco y Negro de Alto Contraste

Hoy vamos a trabajar nuestro primer Blanco y Negro. Buscaremos una imagen de alto contraste como las que ya hablamos Xatakafoto en el artículo “Fotografías de Alto Contraste para inspirarte”. Para ello he elegido una imagen que ya, a primera vista, posea un gran cantidad de luces altas y sombras. Es un robado donde el señor de la foto estaba leyendo el periódico debajo de un árbol, sentado en un banco, pero parte luz se filtraba generando una bonita composición. Este tipo de fotos, en mi opinión, suelen ser adecuadas para ser procesadas o trabajadas en Blanco y Negro.

El método más simple consiste en poner la saturación a -100 en Camera RAW y a partir de ahí ajustar el resto de parámetros. Dado que si dejamos solamente la saturación a -100 la imagen quedaría muy insulsa debemos ajustar el resto de parámetros. Existen multitud de métodos para obtener fotografías en Blanco y Negro como el método Rob Carr o el método Greg Gorman, e incluso plugins para especializados como Silver Efex del cual hablamos hace poco de su segunda versión. Además hoy vamos a ver que, a veces, sobreexponer y subexponer llegando al blanco puro y al negro puro puede llegar a estar bien.

En nuestro caso tendremos presente siempre el buscar una imagen de alto contraste monocroma, ten este pensamiento en la cabeza y repítelo como un mantra durante todo el tutorial. La base de este Blanco y Negro radica principalmente en tener una gran cantidad de negro, por ello trataremos de procesar teniendo en cuenta que el valor del parámetro Negros de Camera RAW será un valor alto. El flujo de trabajo que suelo seguir consiste en :

1.- Desaturación (poner la saturación a -100) y ajustamos la temperatura de color, en este caso yo la dejé hacia 12750, prueba a variar la temperatura de color verás cómo cambia el Blanco y Negro.

2.- Ajustar el nivel de negro. Cambiamos un poco el orden lógico (recuerda que hablamos en el primer capítulo de ajusta primero la exposición). Bien, aquí suelo ser bastante flexible. Parto de un valor alto. Puede que no te importe que haya zonas subexpuestas aunque te lo marque la opción de recorte de negro. Realmente estamos conviertiendo a Blanco y Negro. A mí me encanta que haya negro. Vayamos más allá y pongamos un valor de 100 (normalmente no suelo subir tanto este valor pero en esta ocasión parece lo pide la imagen, un valor entre 40-70 estaría bien). Recuerda que, a veces negro puro y blanco puro pueden estar bien si tenemos una amplia gama de tonos intermedios. Ajustar bien el negro supone casi el 80% del éxito del procesado.

3.- Ajustar la exposición. Aquí soy menos flexible que con el negro. No me gusta que haya demasiadas zonas sobrexpuestas sobre todo en los sujetos. Ahí soy menos flexible. Procuro que el sujeto principal esté casi perfectamente expuesto en su totalidad. Si me paso un poco, no pasa nada ya que como sabemos podemos oscurecer las luces altas con el deslizador de recuperación. En este caso decido que no me importa la parte blanca de la zona inferior y solamente he subido a 0,50.

4.- A continuación el siguiente ajuste que hago es el brillo. Recordad que con el brillo movemos el histograma de derecha a izquierda, es decir, aclarando y oscureciendo. Es decir, si aclaras no le añadirás más luz al punto más blanco que has definido con la herramienta exposición porque ese será el más blanco. Por eso primero sería exposición/negros y despues brillo/contraste. Esto podemos traducirlo también en Exposición, Niveles y Curvas dentro del esquema clásico de Photoshop.

El brillo, a diferencia de la exposición se aplica mediante una curva no lineal a la imagen: el punto negro lo deja negro, el punto más brillante lo deja con la luminosidad que hayamos fijado con la Exposición y los niveles intermedios muy parecido a como se hace con el control de curvas de Photoshop.

5.- A continuación ajusto el contraste. Aquí una regla básica que nos marcará la diferencia para un buen blanco y negro en alto contraste es lograr obtener unos valores bastante altos en cuanto al brillo y el contraste. Subimos un poco el contraste, no demasiado ya que nos acentuará la cantidad de negro existente. Luego podemos ajustar la recuperación y la luz de relleno si resulta necesario.

6.- Ya tenemos el concepto base de la imagen. Solamente nos quedan unos pocos ajustes más. Ajustamos la curva de tonos para obtener el toque final a nuestro Blanco y Negro. Ajustamos los parámetros de Iluminaciones y tonos claros. Primero uno y luego otro. A continuación los tonos oscuros y las sombras. Poco a poco, piano piano. Esto nos permite ajustar perfectamente las luces y sombras. Si tienes dificultades puedes usar el recorte de iluminaciones y luego el recorte de negro para ser preciso, con el tiempo no te hará falta.

7.- Veamos la imagen al 100% para aplicar un poco de contraste local con el parámetro claridad y, a continuación, enfocarla. Ser cuidadoso y detallista es bueno.

Al repasar la imagen y verla al 100% vi unos pequeños fallos en la esquina superior izquierda y un par de manchitas, cosa que podemos clonarlo desde Camera RAW o bien en Photoshop. La herramienta eliminación de tinta plana de Camera RAW la veremos más adelante y funciona de forma muy similar si bien en mi opinión los resultados son bastante mejores que la herramienta clonar si bien depende de cada caso. Por ejemplo en Camera RAW de esta forma es muy sencillo eliminar esas motas molestas de polvo que se nos quedan a veces en el objetivo.

8.- Opcionalmente podemos realizar un viñeteado y añadirle grano (veteado que llama Camera RAW en Lightroom es granulado). Cambia muchísimo el aspecto de la imagen. Desde hace tiempo Adobe Camera RAW permite ajustar nuestra imagen en función del tipo de lente que utilizando corrigiendo el viñeteado y realizando ajustes en la distorsión de la lente utilizada, entre otras cosas. Tenemos dos posibilidades hacerlo de forma automática eligiendo el objetivo utilizado, en la lista disponible que se va actualizando con cada versión de Camera RAW o bien hacerlo de forma manual por motivos creativos o bien porque simplemente el objetivo que hemos utilizado no está. En mi caso va a ser por ambos motivos. El objetivo usado fue un Nikkor 80-200 f/2.8 de un anillo, de año de fabricación 1986, así que no viene. Voy a la pestaña manual y ajusto los valores del viñeteado y el punto central del mismo. Con un valor negativo hago que el viñeteado sea más oscuro mientras que si es positivo lo aclaro. Con el punto central controlo el tamaño del punto medio de la imagen que no quiero que sea afectado por el vieñeteado. Todo ello de forma gradual para ir viendo como se aplica el efecto en la imagen.

9.- Lo rematamos con la opción de veteado que mencionábamos antes. Veteado es la cantidad de grano que añadimos, tamaño hace referencia al tamaño del grano y rugosidad quedad claro ¿verdad?. Fijaos que dejamos un bonito grano similar al de las películas que se usaba tradicionalmente. Este efecto se aprecia mucho más cuando revelas la imagen y la tienes en tus manos.

Hemos obtenido un buen blanco y negro de alto contraste de forma rápida, sencilla y fácil. Recuerda que repasar la imagen es muy importante. Mírala a distintos tamaños. No siempre acertarás a poner el valor correcto en el revelado. Pero también date cuenta de que podemos solucionarlo. Otro ejemplo procesado exactamente igual con un pequeño virado (cosa que veremos el próximo capítulo) es esta otra fotografía:

Hemos procesado con Camera RAW casi hasta el final salvo arreglar esos pequeños detalles que a veces puede ser mejor hacerlo en Photoshop. Veremos más sobre Blanco y Negro en el próximo capítulo. Repasa tus procesados una vez que creas que están acabados y busca errores. Y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo. Te esperamos en Xatakafoto.

Curso completo | Aprendiendo con Camera RAW
Fotografías | Alfonso Domínguez Lavín

Antes de continuar es recomendable que accedas la primera parte del capítulo cuarto del curso aquí.

Camera RAW: Empezando a enfocar

Los cuatro parámetros que podemos regular son:

• Cantidad, controlar la forma en gran medida el efecto se aplicará a la imagen.
• Radio: controla los píxeles desde el punto de contraste. Otra forma de verlo es cuán grande es el halo en los bordes de las imágenes, si es demasiado se notará mucho y quedará un enfecto de sobreenfoque.
• Detalle: Sirve para controlar el efecto de halo (algo así como poner las riendas sobre el efecto), los ajustes más bajos significan menos detalles , mientras que los altos añaden un poco de textura. Personalmente prefiero textura antes que esas imágenes sin textura ya que me resultan muy planas.
• Máscara: Reduciendo el efecto de nitidez en toda la imagen. Personalmente, no lo subo nunca demasiado y casi nunca por encima del valor 25.

Yo siempre empiezo ajustando los dos primeros, poniendo siempre la imagen al 100% por lo menos en ACR y fijándome en el elemento principal de la imagen. En este caso, el árbol. Con esos dos parámetros voy subiendo la cantidad y luego radio hasta encontrar un buen enfoque y procurando que no se generen halos.

Luego ajusto el detalle para meter un poco de grano a la imagen. Ten en cuenta que estos ajustes se aplican de forma general a toda la imagen. Ten en cuenta incrementar o decrementar los valores de estos parámetros SIEMPRE poco a poco y al 100% como mínimo, pues si no te encontrarás con los temibles halos y no te darás cuenta hasta ver impresa la fotografía. Veremos en otra ocasión como hacerlo de forma local. Así los parámetros finales del enfoque quedan como puedes ver a continuación.

Camera RAW: Combinando Objetos Inteligentes

Hemos comentado anteriormente que había una zona algo quemada, algo por encima de la línea del horizonte. Vamos a arreglarlo usando un nuevo objeto inteligente. Esto nos servirá de avance para cuando empecemos a trabajar por zonas usando objetos inteligentes. Para ello en Photoshop vamos a la capa de nuestra imagen y pulsamos sobre la opción “Nuevo objeto inteligente mediante copia”. No vale duplicar capa, ya que si lo hacemos así los cambios que apliquemos en una capa se harán sobre la otra. Para que sean independientes y poder combinar los revelados debemos usar la opción indicada de “Nuevo objeto inteligente mediante copia”.

A continuación hago doble clic y se abre de nuevo ACR. Bajo la exposición a -0,45 y aplico los cambios.

Ahora necesitamos combinar las dos zonas y que no se note la mezcla por decirlo así. Para ello, creo una máscara de capa, pulso CTRl+I para invertir la máscara y uso la herramienta degradado para que se muestra solamente la zona que hemos oscurecido un poco al bajar la exposición, a continuación repasamos en la máscara la zona del tronco del árbol con un pincel negro pequeño y con baja opacidad para que no quede oscuro del todo.

Camera RAW: Ejercicio

Esto ha sido todo. Descárgate el archivo RAW y prueba a hacer tú lo mismo para practicar todo lo que hemos visto hoy. Aquí tienes el enlace RAW original y otro convertido a DNG. Puedes subir las pruebas que hagas con ese archivo o otro a nuestro grupo de flickr en el siguiente hilo para ello o también nos puedes dejar el enlace en un comentario. Nos vemos en el siguiente capítulo de Aprendiendo con Adobe Camera RAW, aquí en Xatakafoto. Y, recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

Bienvenidos una vez más a Aprendiendo con Camera RAW. Después de tres capítulos donde hemos visto los conceptos más básicos voy a empezar a exigiros un poquito más. Además al final del capítulo podéis encontrar un archivo RAW con el cual podréis trabajar los conceptos explicados en el tutorial de hoy.

Os seguimos pidiendo que dejéis vuestros comentarios y dudas ya que en este curso es imprescindible vuestra colaboración. Hoy vamos a ver como recortar y girar una imagen para obtener una mejor composición, como ajustar el balance de blancos, enfocar de forma precisa y adecuada, las curvas de tonos y cómo combinar dos revelados de objetos inteligentes para obtener el procesado final. Esto último como antesala del siguiente capítulo donde hablaremos de realizar revelados por zonas usando máscaras en Photoshop. Ah, no te olvides de hacer el ejercicio. Comencemos.

Camera RAW: Balance de Blancos

¿Te has preocupado por ello alguna vez? Puede que no. Si lo has visto en Camera RAW tal vez hayas ajustado el parámetro a Luz de día, nublado o cualesquiera de los otros valores. Al principio yo lo hacía así. Muchas veces usaba el valor Nublado, en cuanto había alguna nube. En fin, manías de cada uno. Y cuando hacía una escena en interiores pues tenía un verdadero problema. El equilibrio de blancos para la mayoría de los usuarios es un valor dividido en dos deslizadores con lo que controlamos la temperatura del color y su matiz. Trabajaremos a partir de la imagen que veis a continuación es la imagen sin ningún tipo de ajuste:

Nikon D90 | ISO: 100 | Apertura: f18 | Tiempo de exposición: 30 segundos | Longitud focal: 12mm

La temperatura de color de la luz que llega al sensor de la cámara casi solo depende de las fuentes de iluminación y, en mucha menor medida, de las dominantes que puedan introducir la óptica utilizada, que son prácticamente despreciables en muchos casos. Realmente, el sensor capta una imagen en tonos de gris, que es filtrada por una retícula de cuadraditos rojos, verdes y azules (matriz de Bayer), de modo que a cada píxel del sensor solo llega un tipo de la luz original: roja, verde o azul. En nuestro caso tocará compensar bastante.

Se define la temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del espectro de luz sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho espectro. Para ello se mide en Kelvin, que situa en 5500 K la luz del día que diríamos perfecta, cosa que normalmente es lo que se busca en sesiones de estudio. Para días nublados, la temperatura del color sube, dominancia de azul, mientras que en interiores y con iluminación artificial esa temperatura baja a unos 2500 K, con una dominancia del rojo. Estos conceptos me han ayudado mucho ya que uno de los problemas a los que me enfrento cada día como fotógrafo es que soy daltónico. Tener claro estos conceptos me ayuda,insisto, a procesar algo más correctamente. Pero a veces meto la pata.

El balance de blancos realmente no es más que multiplicar por un factor los canales RGB del archivo RAW. Es decir, los niveles de algunos de los canales, casi siempre el rojo y el azul, son multiplicados por un factor mayor de 1 lo cual los escala con la intención de compensar por un lado las diferentes sensibilidades que tiene nuestro sensor particular así como las diferentes dominantes presentes en la escena y que dependerán del tipo de luz (luz de día, nublado, sombra,...).

Bien, dejemos la teoría. Yo no pienso en ello cuando revelo una fotografía, pero está bien saberlo. Pero ¿cómo elegir el balance de blancos más correcto, si es que hay uno correcto?. Bueno, a pesar de lo que os comentaba antes, tengo bastante memoria visual y suelo recordar bastante bien las escenas en cuanto a cómo las vi al tomar la fotografía, eso me ayuda. También hay que tener muy en cuenta el balance de blancos cuando utilizamos iluminación artificial, podríamos hablar bastante del tema, pero no estamos ahora con strobist donde ya conocemos el uso de geles para compensar la luz y obtener una luz casi perfecta.

Pero bueno, si no cuentas con esa ayuda o con tu recuerdo visual de la escena habrá que implementar un método de trabajo. En el caso de la imagen que nos ocupa vemos una dominante sobre todo en el cielo, que proviene del filtro de densidad neutra que utilicé que aunque da buena calidad también da bastante dominante. Realmente con la temperatura del color podemos dar un tono más cálido o más frío a nuestra foto. Bien cuando no hay mucha dominancia de ningún color bastará con ajustar un poquito a ojo los valores para obtener un valor natural. Solamente cuando tenemos condiciones especiales como fotos en un teatro, fotos nocturnas con esa luz de farola algo molesta o dominancias por filtros como el caso de hoy suelo usar el cuentagotas. Realmente lo que vamos a compensar es un exceso, si la imagen es o no demasiado cálida o fría, pero esto es cuestión de gustos. Dado que hay una alta dominancia de en el cielo pulso con el cuentagotas sobre esa zona como veis en la imagen. Listo. Ya está corregido. Así de fácil y sencillo. No me resisto a indicar que en Lightroom es mucho más fácil ya que cuando pasas el cuentagotas sobre la imagen puedes ver el resultado que vas a obtener en el panel de vista previa y resulta de gran ayuda. Tal vez en versiones siguientes de Camera RAW lo veamos o Lightroom y Camera RAW se integren directamente con Photoshop pasando a ser un único producto, ya que tanto Lightroom 3.x como Adobe Camera RAW 6.x comparten el mismo motor de procesado.

Camera RAW: Recorte

¿Porqué recortar? Para mí la respuesta es clara: mejorar la composición. Esto puede ser debido a realizar una corrección como corregir un horizonte o ajustar el encuadre, suelen ser los dos motivos principales. Con la herramienta recortar además podemos girar, no lo olvides. Otra cosa a tener en cuenta es que el recorte es virtual, no es destructivo. En cualquier momento podemos suprimir el recorte y volver al original.

En el cuadro de diálogo RAW de cámara, seleccionas la herramienta Recortar. Para limitar el área de recorte inicial a una proporción específica, has de mantener pulsado el botón del ratón mientras selecciona la herramienta Recortar y elegir una opción del menú, formato 1:1(cuadrado), 2:3, 4:3 … etc. Para aplicar un límite a un recorte aplicado anteriormente, pulsa la tecla Ctrl y haz clic en el recorte. Arrastra la imagen de previsualización para definir el cuadro del área de recorte. Para desplazar el área de recorte, girarla o cambiar su escala, debes arrastrar la zona de recorte o sus vértices. Para cancelar, pulsa Esc. En mi caso vemos que hay bastantes líneas provenientes del movimiento de las nubes, pero el horizonte me resulta un poco soso tan en horizontal por lo que decido recortar y girar un poco. ¡A veces hay que romper las reglas! Realmente lo que he buscado es que la única vertical sea el tronco del árbol.

Camera RAW: Curvas

Al pulsar sobre el icono con la curva, accedemos al panel denominado Curva de Tonos, en la cual veremos a su vez dos pestañas diferentes, Paramétrica y Puntual, profundizaremos otro día más en ello. Baste hoy con saber que en cada una de ellas podemos ver su correspondiente cuadrícula en la cual podremos ajustar la curva. El ajuste de curvas nos permite hacer ajustes de iluminación en los distintos rangos tonales, dejando los demás como están, esto es especialmente útil en la zona de luces altas, donde hay mucha información. Yo personalmente prefiero hacer estos ajustes aquí en Camera RAW ya que al final termino controlando más el resultado y se puede recuperar más información, en mi opinión, en la zona sobre de luces altas. Pero también en algún caso lo hago desde Photoshop sobre todo para un método de luces altas y sombras que ya veremos otro día. Antes de ir a ver las curvas tonales ajusto siempre un poquito, el brillo y el contraste (como ya vimos) así como el contraste local con el parámetro claridad.

El panel Curva de tonos del refleja los cambios realizados en la escala de tonos de una fotografía. El eje horizontal representa los valores tonales originales (valores de entrada), con el negro a la izquierda y valores progresivamente más claros hacia la derecha. En el eje vertical se representan los valores de tono cambiados (valores de salida), con el negro en la parte inferior y progresivamente más blancos hacia la parte superior.

Al subir un punto de la curva, el valor pasa a ser un tono más claro y, al bajarlo, un tono más oscuro. Una línea recta de 45 grados indica que no hay cambios en la escala de tonos, es decir, los valores de entrada originales son los mismos que los valores de salida. La primera vez que ves la fotografía, antes de haberle realizado ningún ajuste, observas como su curva de tonos es recta. Esta curva inicial refleja los ajustes por defecto que Camera RAW ha aplicado a la fotografía, que normalmente por defecto son 0,0,0,0. En nuestro ajuste ponemos 24,0,-10,-20. Hemos subido las luces altas, y oscurecido los tonos oscuros y las sombras un poco. Tenemos un pequeño aviso de subexposición mínimo en el tronco del árbol, para mí no tiene mayor importancia ya que la zona es muy pequeña. Ajusta un poco más los valores si lo crees preciso.

Mañana más. Veremos el resto y podréis descargaros el archivo RAW. [CONTINUARÁ]

Bienvenidos al Capítulo tercero de Aprendiendo con Camera RAW. Hoy vamos a repasar los conceptos básicos aprendidos en las dos anteriores entregas y aprender algunos nuevos. También nos vamos a enfrentar algunas de las situaciones reales que nos solemos encontrar, una foto algo subexpuesta y con ciertas zonas sobreexpuestas por tener una luz bastante dura. Veremos cómo podemos mejorar y hasta qué límite podemos llegar.

También cambiaremos de registro y vamos a trabajar capítulo de hoy sobre un paisaje. Dejamos a Diego que nos acompañó en las entregas anteriores y pasamos a otro tipo de fotografías. En la fotografía de paisajes son importantes muchos conceptos: reglas de composición, colores, nitidez, enfoque, profundidad de campo, ... etc. Si quieres más información sobre ello mírate este artículo de nuestro curso de fotografía. Hablaremos de ello más adelante pero teniendo presente que intentaremos en nuestros procesados que todos estos conceptos se reflejen a la hora de realizar el revelado. Además veremos los parámetros de claridad e intensidad así como nos introduciremos en el enfoque desde Camera RAW, conceptos que algunos de vosotros ya demandabais en comentarios de las entregas anteriores.

Empecemos. Esta es la imagen de la que partimos hoy sin editar, puedes trabajar sobre alguna imagen subexpuesta que tengas:

Bien, dado que la imagen está algo subexpuesta, lo primero que hacemos es ajustar la exposición ya que como vemos tenemos un aviso de recorte de sombras.

En este caso dado que es una imagen muy simple compuesta por “cielo” y “tierra” tratemos de dividir mentalmente la imagen en esas dos partes. Al subir la exposición notamos visualmente que el cielo adquiere más luz, aunque seguimos teniendo algo de aviso de recorte de sombras. Pero ¿dónde están esas sombras? Principalmente en la parte de abajo que hemos llamado “tierra”. Lo mismo podemos pensar para las luces altas. En el primer capítulo veíamos como verlo al tiempo que variábamos el deslizador de la exposición y deslizador de los negros pulsando ALT y moviéndo el ratón. ¿Cómo podemos comprobar esto o mejor dicho tenerlo activo todo el tiempo? Activando el aviso de recorte de sombras(U) y el aviso de recorte de iluminaciones(O) en Camera RAW. Esta opción me resulta muy útil para lograr una imagen correctamente expuesta.

Lo que ocurre entonces es que de forma superpuesta a nuestra imagen Camera RAW nos marcará aquellas zonas sobreexpuestas y aquellas otras subexpuestas. Podemos verlo en las imágenes siguientes donde partiendo de la imagen inicial, en una subimos exageradamente la exposición(+2.00) y en otra los negros (+30).

Conclusión: ajustando de forma global a veces no conseguimos el efecto buscado y podemos alterar el resultado esperado en otras zonas de la imagen. Pero casi todo tiene remedio. no te preocupes, ten paciencia.

Retomemos donde lo habíamos dejado. Habíamos subido un poco la exposición para ganar ese puntito de luz. Sin embargo si subíamos mucho el “cielo” se quemaba. Vamos a subir selectivamente y de forma gradual la luz en la parte inferior o “tierra” como habíamos llamado. Esto lo vamos a hacer utlizando la herramienta “Filtro Graduado”, que nos permite de forma gradual ajustar una serie de parámetros como exposición, brillo, contraste entre otros.

Esta herramienta nos permite ajustar selectivamente, la “tierra” y darle la exposición adecuada sin afectar al cielo. Arrastramos desde la parte inferior hasta aproximadamente el horizonte.

Lo mismo vamos a hacer para el cielo, pero bajando un poco la exposición, tratando de conseguir un cielo más dramático. Fijaros también que, en ambos casos he tocado el contraste además de la exposición.

Ya nos vamos acercando al efecto buscado. Paramos un poco y vamos a centrarnos ahora en la claridad y el enfoque. Subimos un poco la claridad. Para poder notar el efecto deseado es recomendable hacer zoom, al menos, al 100% de la imagen para poder notar la diferencia. En mi caso suelo subir un poco más, al 200%.

Se nota la diferencia ¿verdad?. Bien vamos a aplicar el enfoque desde Camera RAW. De momento, no vamos a tocar nada más que el parámetro enfoque poniéndolo a un valor de 60, dejamos el resto como está. Ya profundizaremos en este concepto más adelante. Por defecto Camera RAW aplica un enfoque de valor 25 que suele ser muy poco y por eso las imágenes RAW cuando las abrimos en Camera RAW resultan “blandas”. A partir de 50-60 notamos que se empieza a ganar bastante nitidez y suele ser un valor adecuado para comenzar, sobre todo en paisajes, al principio, desde mi punto de vista.

Bien, pues ya tenemos nuestra imagen lista, nos vamos desde Photoshop a rasterizar imagen.

O bien a acoplar imagen, dando así por concluido el procesado.

Y a continuación le pongo un marco negro, que en mi opinión ayuda a la visualización de la misma.

A continuación guardo siempre 2 versiones. Una en alta resolución y 16 bit en formato TIFF y otra a un tamaño menor en formato JPEG de 8 bits. La versión en JPEG es la que uso para publicar alguna imagen en internet.

Con esto damos por concluido el capítulo de hoy donde hemos trabajo con una imagen distinta, un paisaje y además hemos profundizado más en la exposición y los parámetros basicos, hemos visto los filtro graduado y cómo nos pueden ayudar, también hemos visto el parámetro claridad y hemos comenzado a aplicar enfoque en Camera RAW a nuestras imégenes. Os esperamos en el próximo capítulo de Aprendiendo con Camera RAW en Xatakafoto. Y, recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

Comenzamos la segunda parte de nuestro curso dedicado a Aprender con Adobe Camera RAW. Hoy de nuevo nos va a acompañar mi hijo Diego. En esta segunda entrega intentaremos combinar los conceptos aprendidos en el primer capítulo de la semana pasada así como introducirnos en el concepto de objetos inteligentes y empezar a trabajar con ellos desde camera RAW y desde Photoshop. Realizando nuestro primer procesado en RAW.

Empezaré diciendo algo que quizás es una obviedad pero que tal vez para alguna gente no lo sea: “Antes de procesar, piensa qué querrías obtener”. Me explico, seguramente habrás visto cientos de miles de fotos. Esto es parte de lo bueno que tiene internet y sus redes sociales. Además te recomiendo que visites los sitios webs de fotógrafos reconocidos, aquí en Xatakafoto hemos entrevistado a unos cuantos y otras veces hemos sacado reportajes. Basta con que busques por la categoría Fotógrafos, Entrevistas o Galerías. También recuerda que no todos los estilos van para la mismas fotografías. Un procesado que no va bien para una foto urbana, puede ir bien para una fotografía de un retrato, por ejemplo.

Antes de crear tu propio estilo, mira mucho y aprende dónde está la luz, la mirada de cada fotógrafo. Es algo en lo que insistiré mucho a lo largo del curso. Hay cosas que uno a veces no puedes aprender nunca pero si no lo consigues, si no consigues ser un artista, al menos podrás admirar el arte, difrútalo. Una vez que tengas claro lo que hacer puedes comenzar pero recuerda que a la hora de procesar lo más importante son dos cosas: La fotografía y la paciencia. La fotografía porque es la base de todo. Hay gente que opina que haces una fotografía insulsa y luego le aplicas un procesado extraordinario y todo cambia radicalmente. No soy de esa opinión en absoluto. Luego está la paciencia, y digo bien. No desesperes si no consigues el efecto o el toque de ese estilo que te ha gustado a la primera. Investiga, lee mucho, prueba y, por supuesto, sigue nuestro tutorial. Son las claves.

Objetos inteligentes

Según la propia ayuda de Adobe encontramos que los objetos inteligentes nos sirven para poder conservar el contenido original de la imagen con todas sus características, de tal modo que posibilitan la edición no destructiva de la capa en cuestión. Este concepto de edición no destructiva es muy importante, ya que implica que siempre podremos volver atrás e incluso a la situación inicial sin haber perdido la información original. Para identificar si una capa se ha abierto como objeto inteligente verás un símbolo como el de la imagen a continuación en su icono.

Los objetos inteligentes nos facilitan la vida:

• Realizar transformaciones no destructivas. Así, puede cambiar la escala de una capa, rotarla, sesgarla, distorsionarla, cambiar la perspectiva o deformarla sin perder la calidad ni los datos de imagen originales porque las transformaciones no afectan a los datos originales.
• Aplicar filtros no destructivos. Los filtros aplicados a los objetos inteligentes se pueden editar siempre que se quiera. Esto implica que aplicamos un efecto el que sea, y varios pasos más tarde podemos volver a editar el filtro y corregir algún parámetro
• Editar un objeto inteligente y actualizar de forma automática todas las apariciones enlazadas.
• Aplicar una máscaras de capa al igual que en una capa normal.
• Probar los distintos procesados con imágenes de marcador de posición con baja resolución, que más tarde sustituirá por las versiones finales.

Para saber que hemos abierto como objeto inteligente en Photoshop un archivo RAW, tenemos que haber marcado dicha opción. Por defecto, Photoshop no la trae marcada.

Fijaos en la imagen anterior y recordad el artículo anterior donde distinguía cuatro zonas en Camera RAW. La zona 3 contenía un “enlace” a lo que el programa denomina flujo de trabajo. Para mí la traducción no es demasiado correcta ya que se trata de una serie de opciones de trabajo, pero no, un flujo de trabajo como tal. Pulsando en dicha opción, dentro de Camera RAW, veríamos la siguiente pantalla aproximadamente y como os indicaba, cada uno la verá distinta dependiendo de los archivos RAW de su cámara, recordad que lo comentamos en el capítulo anterior:

Recordad tener marcada la opción de “Abrir en Photoshop como objeto inteligente”.

Flujo de trabajo con objetos inteligentes

Esto es lo que nos cuenta la ayuda de Adobe. Profundicemos un poco más. Fijaos que al hablar de objetos inteligentes no hemos mencionado el formato RAW. Podemos convertir en objeto inteligente cualquier capa de información en Photoshop y aprovecharnos de las ventajas descritas anteriormente.

Realmente yo siempre trabajo con objetos inteligentes con los archivos RAW desde el principio del flujo de trabajo ya que muchas veces tengo que corregir el procesado. Nos contaba, hace algo más de un mes, Joel Grimes en la entrevista que le hicimos lo siguiente: “Para lograr el procesado que actualmente uso, básicamente me encierro durante unas 2 semanas y trabajo la imagen de principio a fin casi unas 100 veces hasta que logro exactamente el toque que busco”. Tal vez no te encierres 2 semanas pero lo que que creo que quiere decir Joel es que seas meticuloso y eso exige corregir y probar. Esta posibilidad de volver atrás y volver a editar nos la da el abrir los archivos RAW como objetos inteligentes. Así el flujo de trabajo, en mi caso, sería, el siguiente:

• Realizar el revelado RAW y abrir en Photoshop como objeto inteligente.

Si en cualquier momento te ves obligado a interrumpir la edición guarda lo que estés haciendo en formato PSD o TIFF sin compresión, al volver a abrir podrás seguir trabajando con los objetos inteligentes.

Adobe Camera RAW: Nuestro primer procesado sencillo

Os he comentado que primero pensemos qué es lo que queremos obtener. Pensemos primero en la composición. Para ello visita este artículo de nuestro curso de fotografía sobre composición o este otro sobre consejos de composición para retratos. En mi caso he decidido dejar a Diego en centro de la imagen pero no totalmente en centro, también resulta una composición no demasiado simétrica porque las simetrías sino están muy logradas nos aburren un poco. Veis que hay más “aire” a la izquierda que a la derecha. Es decir estoy buscando conseguir el siguiente principio “Fijar toda la atención en el sujeto”. En ocasiones los elementos del entorno pueden ser una distracción a la hora de observar un retrato, así que cuidaremos que no aparezcan ramas de árbol, o cualquier objeto, que tome demasiado protagonismo en nuestra composición. Es por ello que la toma fue realizada con un Nikkor AF 80-200 f/2.8 y cerrando el encuadre para que no existieran objetos indeseados alrededor.

Si existieran podemos recortar y corregir el encuadre. Como esto lo hacemos sobre un objeto inteligente no perdemos la información y podemos volver a reencuadrar más tarde si finalmente no nos convence. Para reencuadrar lo hacemos así. Os he marcado un poco por encima y aproximadamente la Regla de los Tercios, ya que si recortamos así lo que buscamos es centrar los ojos hacia uno de los cuatro vértices interiores, otra información interesante la puedes consultar aquí: Ley de la Mirada:

En este caso finalmente no vamos a realizar ningún recorte. Básicamente vamos subir un poco la exposición para tener una imagen con más luz, fijaros que está un poco entre sombras. Luego ajustamos el nivel de negros. Tocamos un poco la recuperación y ajustamos el brillo bajándolo un poquito. A continuación el contraste. Algún detalle más y listo. He de decir que este primer vídeo no ha quedado del todo bien, la próxima vez prometo mejorarlo, ya veréis. Podéis ver el vídeo completo a continuación.

Ver video | En Youtube

Con los parámetros básicos hemos visto que podemos hacer casi el 90% del procesado. Fijaos que hemos hecho también una corrección de color, bajamos un poco los rojos y los naranjas porque parecían demasiado fuertes y al ser colores próximos conviene que haya una cierta transición. También la corrección de color nos permite corregir de forma selectiva la dominancia que a veces nos pueden dar el uso de determinados filtros. Hemos enfocado también desde el propio Camera RAW, veremos cómo hacerlo selectivamente y de forma global. Finalmente, no hemos visto el balance de blancos, pero no os preocupéis lo haremos más adelante. Déjanos tus pruebas en los comentarios, dinos en qué te podemos ayudar y en qué podemos mejorar. La próxima semana tercer capítulo. Prueba a seguir tú los pasos con un retrato o haz uno. Experimenta. Pero recuerda: el don está en la mirada del fotógrafo. Te esperamos en Xatakafoto.

Nota: Actualización Camera RAW 6.4 | Windows | Macintosh

Más información | Sitio oficial de Adobe
Resolución de problemas | Foro oficial de Adobe Camera RAW
Fotografía | Alfonso Domínguez Lavín
Música: Peter Rudenko

Una cosa que desde hace tiempo muchos de vosotros demandabais era que hablásemos sobre la edición de ficheros RAW, o mejor dicho el revelado de archivos RAW. Nuestro compañero Javier Prieto nos contaba hace poco las ventajas de utilizar RAW+JPG, en esta serie de artículos partiremos del principio, que no supuesto, que el archivo RAW es mucho mejor para todo. Vale, tal vez como decía, si pongo la cámara en modo ráfaga, vaya algo más lento, pero también eso dependerá de la velocidad de escritura de nuestra tarjeta de memoria. Esto lo podemos comprobar en las especificaciones de nuestra tarjeta de memoria. También hace poco Santiago Díaz nos contaba su truco express para reducir el ruido usando tomas múltiples, en definitiva que hay que ponerse a trabajar los ficheros RAW. Una cosa que quiero dejar bastante clara es que trataremos de huir de tecnicismos muy complicados y trataremos de explicar las cosas de la forma más sencilla posible y con ejemplos reales. Este curso está pensado para partir de cero, pero siempre se puede aprender algo.

Si empezamos aceptando el hecho que el fichero RAW es mucho mejor, tendremos en cuenta las siguientes ventajas siempre presentes: No hay pérdida de calidad como en el JPG y el formato RAW está libre de artefactos de compresión visibles, como JPG en los niveles de compresión más suave. Además a través del revelado RAW podremos exprimir muchísimo más los datos que si trabajamos sobre JPG. Para esta serie de artículos usaremos el programa Adobe Camera RAW en su versión 6. No estamos diciendo ni que sea el mejor programa ni el único, pero tal vez sea de los más utilizados. Así pues partiremos desde el nivel más básico, conociendo los menús y la información que nos ofrece Adobe Camera RAW 6.x hasta los niveles más avanzados donde aprenderemos a realizar diversos tipos de revelados con sus correspondientes ejercicios. Porque, sí, algunas veces colgaremos un archivo RAW y vosotros tendréis que ir aplicando los conceptos utilizados y realizar el ejercicio. No se trata de si la imagen en este caso está bien tomada, es buena o es mala, que seguro me pondréis pegas, sino de procesarla lo mejor posible gracias a los conceptos que aprenderemos.

A pesar de que el procesamiento de archivos de imagen RAW incrementará la necesidad de almacenamiento adicional así como probablemente algo más de memoria RAM.También aumentará algo el tiempo dedicado a los pasos de nuestro flujo de trabajo y tratamiento de las imágenes, pero los beneficios globales de la producción final a menudo merecerán el esfuerzo. Así mientras las primeras incursiones en el procesamiento de archivos RAW puede ser un poco confusas y desalentadoras, sentirse cómodo con el procesamiento de archivos de imagen RAW se pueden abrir muchas nuevas opciones.

Instalación de Adobe Camera RAW

Para empezar, diré que vamos a utilizar la versión 6.3 de Adobe Camera RAW. Dicha actualización podéis descargarla de la propia página de Adobe en los siguientes enlaces así como encontrar la información necesaria para su instalación:

Actualización de Camera Raw 6.3 (7 de diciembre de 2010) Windows | Macintosh

De todas formas, si no deseáis actualizar o utilizáis una versión anterior a Photoshop CS5, podéis conservar vuestra versión de Adobe Camera RAW y seguir el curso en casi todos los conceptos. Después de ello, siempre podéis actualizar si las últimas funcionalidades que aporta Adobe Camera RAW os han convencido.

Entendiendo la interfaz de Adobe Camera RAW

En el ejemplo de hoy, he elegido esta foto de mi hijo Diego, que nos acompañará en algún capítulo de este curso. Empezaré diciendo que el 99% de lo que contemos aquí sobre Adobe Camera RAW es exportable a Lightroom ya que si bien Lightroom es un programa distinto ambos comparten el motor de revelado RAW de Adobe, por eso prácticamente podremos hacer lo mismo en cuanto a revelado. Luego cada uno con la interfaz que se encuentre más a gusto.

Lo primero que observamos son 4 zonas:

La zona 1, está reservada a la barra de herramientas de Camera RAW. Esta barra ha ido evolucionando en las últimas versiones, ya que al principio contábamos con muy pocas opciones. En ella, por orden, encontramos las siguientes herramientas: Zoom, Desplazar, Equilibrio (¿Balance?) de blancos, Ajuste de destino, Recortar, Enderezar, Eliminación de tinta plana, Eliminación de Ojos Rojos, Pincel de Ajuste, Filtro Graduado, Preferencias, Rotar a la izquierda y Rotar a la derecha. Un poco más lejos la casilla de previsualización y el botón para pasar a pantalla completa.

La zona 2 es la destinada a la vista previa imagen donde podremos ver los cambios aplicados. La vista previa se autoajusta al abrir la imagen.

La zona 3 nos permite ampliar o reducir el zoom como nosotros queramos. También podemos elegir cómo trabajar con el fichero RAW, como objeto inteligente o no, la profundidad de color, el modo y otra serie de cosas que veremos más adelante. De momento, fijaros en los parámetros que tengo elegidos y que son:

– ProPhotoRGB, es el modo de color que usa Lightroom. Habitualmente uso Lightroom para revelar pero cuando mezclo varios revelados, para recuperar luces, por ejemplo, trabajo en Lightroom y luego con los objetos inteligentes en Photoshop.

– 16 bits. Siempre. No lo cambies. Evitarás pérdida de información.

– 4288×2848 píxeles y 240ppp: Es el tamaño y resolución de las imágenes de mi Nikon D90. En tu caso tendrás los que correspondan al sensor de tu cámara.

– Marcada la casilla de abrir como objeto intelligente. Esto nos permitirá volver a Camera RAW desde Photoshop cuando que queramos, además de proporcionar otras ventajas como poder revelar por zonas usando objetos inteligentes. Pero esto lo veremos en los capítulos más avanzados.

La zona 4 está destinada a todos los parámetros, en general, que podemos variar en Camera RAW: La exposición, el brillo, contraste, curvas, color, enfoque, ... etc. Elementos, que variando su valor, nos permitirán realizar el revelado. Esta zona se divide en varias pestañas y pulsando en los iconos podemos ir de los parámetros generales al enfoque, a las curvas o lo que sea.

Básico: La exposición

En fotografía, se llama exposición a la cantidad de luz que recibe el material fotosensible (en la fotografía química) o el sensor de imagen (en la fotografía digital) para que se forme una imagen. Matemáticamente se expresa como exposición = iluminancia x tiempo.

Fijémonos en el histograma. Lo primero que hay que decir del histograma es que no es un concepto fotográfico, sino estadístico. Así, se trata de una herramienta para representar la frecuencia con que aparecen valores dentro de una serie, de manera que cada línea o barra vertical indica la frecuencia con la que una variable determinada toma un valor concreto. Atendiendo a lo que nos cuenta Javier Prieto en sus artículos sobre el histograma, el de nuestro ejemplo parece bastante correcto, ¿verdad?.

Podéis leeros detenidamente los artículos pero quedémonos con este concepto muy básico: si el pico del histograma se desliza hacia la derecha la imagen estaría sobreexpuesta y con gran cantidad de zonas quemadas. Si fuera hacia la izquierda la fotografía estaría subexpuesta y con zonas demasiado oscuras y empastadas. Deslizando hacia la derecha sobreexponemos y hacia la izquierda subexponemos. Con ese concepto claro en la cabeza, Camera RAW nos permite hasta 4 pasos de exposición positivos y otros 4 negativos. Es decir si contamos con el 0, tendríamos 9 pasos enteros(-4 a +4) de revelado de más oscuro a más claro.

Si queremos ver las zonas más luminosas de la imagen manteniendo ALT+Click sobre el deslizador de exposición veremos los puntos más luminosos de nuestra imagen, en realidad esto nos servirá para ver zonas sobreexpuestas. En el ejemplo he desplazado la exposición por encima de +2, haciendo lo que os cuento podemos ver la siguiente información en la imagen. Las zonas más blancas están más sobreexpuestas.

La exposición escala los niveles de toda la imagen de forma lineal. Esto es equivalente a la exposición de la cámara: cuanto más expongas, toda la imagen de un modo lineal va a adquirir una mayor luminosidad. Con ella establecemos el nivel más luminoso que habrá en la imagen. Si nos pasamos de exposición empezaremos a quemar áreas de la imagen.

Básico: Negros

Con la exposición controlas el punto más luminoso de la foto, como con la herramienta de niveles de Photoshop harías con el indicador de la derecha. Luego con los negros haces lo mismo, controlas el punto más oscuro. Lo que hacemos de esta manera es haber fijado los extremos del rango dinámico de nuestra imagen.

Si queremos ver las zonas más oscuras de la imagen manteniendo ALT+Click sobre el deslizador de negros veremos los puntos más oscuros de nuestra imagen. En este caso deberíamos ver un fondo blanco rellenando casi todo. Es decir cuanta menos cantidad de negro veamos, menos zonas subexpuestas tendremos. Para ver esto he subido los negros a +75. Fijaros que fondo queda casi blanco y las zonas negras serán las zonas subexpuestas. Si estuviera todo correcto lo que veríamos sería solo blanco. Por eso los blancos en esta imagen no deberían pasar de 5-7, en cuanto pasamos de ahí empiezan a empastarse los negros.

Básico: Brillo y Contraste

Con los dos parámetros fijados y ya ajustado el rango dinámico como decíamos con el brillo movemos el histograma de derecha a izquierda, es decir, aclarando y oscureciendo. Es decir, si aclaras no le añadirás más luz al punto más blanco que has definido con la herramienta exposición porque ese será el más blanco. Por eso primero sería exposición/negros y despues brillo/contraste. Esto podemos traducirlo también en Exposición, Niveles y Curvas dentro del esquema clásico de Photoshop.

El brillo, a diferencia de la exposición se aplica mediante una curva no lineal a la imagen: el punto negro lo deja negro, el punto más brillante lo deja con la luminosidad que hayamos fijado con la Exposición y los niveles intermedios muy parecido a como se hace con el control de curvas de Photoshop.

Por defecto el brillo y el contraste están en 50 y 25 respectivamente. Si no ha quedado claro lo explicado anteriormente, veamos qué pasa si subo el brillo hasta el máximo, 150.

En cuanto al contraste, os recordaré unas palabras de Guillermo Luijk:“La forma de proceder en escenas de alto contraste no deja sin embargo de ser un derecheo, solo que en lugar de derechear las altas luces absolutas de la escena estaremos derecheando luces de menor luminosidad, lo que constituirían altas luces relativas”. Podéis leer el artículo completo aquí.

A mí me gusta subir un poquito el contraste, pero es cuestión de gustos y depende, normalmente, del tipo de procesado que estemos realizando. No es lo mismo buscar un efecto suave que uno más agresivo visualmente.

Básico: Luz de relleno y Recuperación

Con el parámetro de Recuperación oscurecemos las luces logrando recuperar algo de información en zonas sobreexpuestas y con Luz de Relleno aclaramos las sombras, “imitando” el uso de un flash de relleno.

Básico: Claridad, Intensidad y Saturación

Con la claridad se produce una mejora en el contraste local, lo que se traduce en una cierta mejora en el enfoque de la imagen. Os suena el efecto Dragan ¿verdad?. La claridad se debe utilizar con cuidado pues un exceso de claridad produce la aparición de los no deseados halos. Al respecto del enfoque se editan el Enfoque al final del flujo de trabajo, junto con el ruido. Además, en mi opinión, no es lo mismo procesar un retrato de un bebé que el de una persona anciana donde tal vez podamos incrementar la claridad y dar fuerza a las arrugas del rostro. No confundas por tanto este parámetro con el enfoque, para ello dedicaremos un buen capítulo. Veamos como cambia el contraste local mejorando el enfoque, viendo la imagen al 100%, he montado la imagen para que veais dentro de la zona del rectángulo rojo la zona con claridad +100.

Finalmente el control de intensidad controla la saturación de tonos medios-bajos y con Saturación controlamos que los colores estén más o menos saturados.. Si llevásemos la saturación a cero obtendríamos una imagen en Blanco y Negro. Aunque para trabajar en blanco y negro desde Camera Raw no es la única opción.

Nos quedaría ver el balance de blancos pero lo dejamos para otro día. Hasta aquí hemos llegado en este primer capítulo. Os esperamos en Xatakafoto. La próxima semana segundo capítulo. Pero recuerda el don está en la mirada del fotógrafo.

Más información| Sitio oficial de Adobe

Resolución de problemas | Foro oficial de Adobe Camera RAW

Fotografías | Alfonso Domínguez Lavín