El color es un elemento importante para la fotografía. Con la edición y el retoque digital, los fotógrafos han recurrido al software para conseguir ambientes en las imágenes. Sin embargo, una herramienta poderosa que podríamos explotar más es el uso de gelatinas fotográficas.

En esta guía os explicaremos lo que son y cómo podemos sacarle el máximo provecho en nuestras fotografías.

El papel de color

Una de las formas más comunes de crear ambientes de color en nuestras fotografías es trabajar las distintas temperaturas de color de las fuentes dentro de nuestras imágenes. Usualmente esto nos permite jugar con la armonía de azules y naranjas, los cuales, llevados al extremo, crean el popular ‘teal & orange’. Para conseguir color también se ha aprovechado herramientas como los LEDs tipo RGB u otras fuentes que ya vienen filtradas con plásticos o vidrios diseñados para crear un color distinto en la imagen.

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Retomando todas las capas de ajuste en Photoshop: qué son y para qué podemos utilizarlas

Sin embargo, los modificantes de color son una herramienta muy útil para transformar las fuentes que tenemos disponibles y conseguir los tonos y ambientes que deseamos con facilidad. Las gelatinas de color son los modificantes más versátiles en el mercado.

Algunos estaréis familiarizado con los correctores de color CTO y CTB. Estos filtros nos permiten corregir la temperatura de color de una fuente para equilibrarla con el ambiente general, o desequilibrarla para acentuar dominantes de temperatura.

De la misma manera en que un corrector modifica la temperatura de color, las gelatinas de color pueden servirnos para modificar todo el color de una imagen. Estos modificantes se conocen como gelatinas de tinte. Y tienen dos elementos importantes para leer: Un valor de transmitancia y una carta de espectro de color.

El valor de transmitancia nos dice cuánto porcentaje de luz se pierde al filtrar la fuente a través de esa gelatina. Esto se traduce en nuestras imágenes en cuántos pasos de luz debemos compensar para tener una imagen bien expuesta. Un valor de transmitancia alto implica que perderemos menos luz al filtrar, un valor de transmitancia bajo implica que perderemos más luz. En la imagen de arriba se puede ver cómo el filtro indica que hay una transmitancia del 43%, lo que equivale aproximadamente a una pérdida de 1.2 pasos de exposición.

El siguiente elemento importante es la tabla de espectro de color reproducido. En ella podemos ver qué parte del espectro de luz está pasando a través del filtro. Esta tabla es importante pues nos permitirá saber qué fuentes son más efectivas para sacar el provecho de la fuente. La luz natural es la fuente que cubre el espectro completo de reproducción de color, los flashes de mano y estudio usualmente cubren más del 90% de este espectro, las fuentes de tungsteno cubren un amplio rango (con predominancia a los tonos cálidos), la fuentes LED cubren usualmente un rango mucho más corto (con una gran predominancia al azul).

Si fuéramos a aplicar el filtro de la imagen de arriba a una fuente de luz, por el espectro que permite dejar pasar, posiblemente una fuente LED funcionaría mejor que una fuente tungsteno. La disparidad entre la fuente y el filtro puede ocasionar que el color de filtrado varíe un poco además de leves cambios en la exposición.

En el estudio

Usar gelatinas de color es un trabajo de experimentación muy entretenido. Además es un trabajo que nos permite aprender más de armonías de color, trabajar a un solo tono y trabajar contrastes de color. Puede ser un gran ejercicio para arrancar el año.

Lo primero que debemos tener en cuenta es qué tipo de ambientación queremos en nuestras imágenes. Abajo, para darle un ambiente referenciado en películas de terror, la exposición va más a lo bajo, el contraste es aumentado y el color se acerca a un rojo que se sienta algo sangriento.

En contraste, en la imagen de abajo trabajamos un color referenciado en una onda más cyber, una mezcla de color fría trabajando con un esquema análogo de color y exposición alta.

Un elemento que quiero tengáis en cuenta es el vestido de la chica. Es un vestido rojo, podéis notar que en la imagen se ve negro. Esto es el segundo elemento importante a tener en cuenta al trabajar con gelatinas de color: los objetos dentro de nuestra escena pueden ser potenciados, opacados o saturados. Así que hay que tener mucho cuidado, saber cómo cambia el color de aquello que fotografíamos y cómo refleja ciertos colores.

Finalmente, es importante saber cómo mezclamos los colores que elegimos. Abajo podéis ver un juego de colores duales, tratando de buscar un contraste de color interesante. Primero vemos un juego de colores trabajando una armonía de color compuesta con cyan y magenta (muy popular en la onda retro de ahora), la imagen de la mitad muestra una armonía de color de complementarios directos naranja y azul y la tercera nos muestra una armonía de colores analógicos en el borde de los azules y magentas. Podéis ver que cada uno genera ambientes muy distintos.

Estos ambientes son interesantes pues que gusten más o menos a una audiencia dependerá mucho de los contextos culturales y los significados que se asocian a esas mezclas. En occidente es muy común ver los juegos entre azul y naranja, es una armonía a la cual nos hemos acostumbrado a agradar, por lo que será probablemente la imagen más ‘bonita’ de las tres. La primera tiene los colores que se asocian con la onda retro de los ochenta, su popularidad ha crecido y eso hace que también pueda agradar a muchos y recordarles a otros feeds de Instagram llenos de estos tonos. La última puede ser la menos agradable, pues ese azul y magenta parecen no mezclar muy bien.

Ahora, a experimentar jugando con gelatinas de color en vuestros hogares y estudios. ¡Hasta la próxima!

Llegamos al penúltimo capítulo de la serie dedicada a introducirnos en el mundo de la colorimetría en la fotografía. Hoy vamos a ver cómo analizar de una forma básica y sencilla todo lo que hemos aprendido para ajustar correctamente una fotografía dentro de una armonía de color. Vamos a identificar los tonos y las armonías.

A lo largo de los tres capítulos anteriores hemos analizado el color: qué es, cómo se define y cuáles son las armonías principales. La clave es entender perfectamente la rueda cromática para saber en todo momento qué tenemos que hacer. Lo más fácil es tener una siempre cerca hasta que nos la sepamos de memoria. Afortunadamente en Adobe Photoshop, incluso en Capture One, podemos tener una a la vista.

Como ya comenté anteriormente, existen diversas aplicaciones que nos pueden ayudar en estos menesteres, pero lo más interesante es tener a la vista, en Adobe Photoshop, la extensión Tema de Adobe Color, dentro del menú Ventana>Extensiones. Este panel es exactamente el mismo que la aplicación Adobe Color, pero integrada en el propio software.

La rueda cromática colocada de una forma poco lógica (al menos para el que esto escribe)

El único problema que veo en Adobe Color es que la rueda está girada 90º y como reflejada en un espejo. Es decir, el Rojo, que dentro del modo HSB está en los grados 0/360º, está a la derecha. Si somos capaces de visualizar esto, todo será mucho más fácil para nosotros a la hora de trabajar. Parece una tontería pero si tienes problemas de visión espacial puede ser complicado. Solo tienes que tener claro dónde están los puntos cardinales de la rueda. El Rojo está a 0º, el Amarillo a 90º; el Verde a 180º y el Azul a 270º. Ya veréis lo importante que es esta observación.

Analizar el color de una fotografía

Hay muchas formas de hacer el análisis. En la red encontraremos métodos variados, desde los que propone Facundo Sciutto, pasando por Natalia Taffarel y otros cientos de autores que son una referencia dentro del mundo del retoque.

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El ajuste del color requiere tiempo, mucho trabajo y ver tantas fotos como sean necesarias hasta alcanzar el nivel que queremos. Lo más importante, lo que cambia todo, es tener claro que el color hay que tenerlo en cuenta desde el momento que disparas. Las armonías deberían estar ya en la realidad. No tiene mucho sentido (además es una pérdida de tiempo) ignorar los tonos hasta que nos ponemos a revelar.

Deberíamos ser conscientes de lo que estamos viendo antes de disparar. Si observamos las aparentes fotografías desordenadas de William Egglestone, o la perfecta composición de Alex Webb, nos daremos cuenta de que todo gira en torno al color. Todo está colocado para que el color tenga un protagonismo que la mayoría de los fotógrafos solo podemos soñar.

La rueda cromática colocada de forma lógica

Como ejercicio os recomendaría analizar las armonías de cualquiera de los maestros del color. Y todo está perfecto. Y ese encuadre caído, o esa camiseta que se cuela descubriréis que no está ahí por descuido, sino que tiene toda la intención del mundo. Son fruto de horas de observación con la cámara al hombro.

Muchos de nosotros no tenemos tanto tiempo para fotografiar (sigghh) pero podemos intentar conseguir buenos trabajos en color. Pero por favor, sin caer en el truco reiterado de jugar con los contrastes extremos que tan de moda están ahora. Vamos a ver cómo hacemos el análisis. En esta ocasión voy a trabajar con una de las fotografías del anterior artículo, donde puse la armonía de cada una para ver si os dabais cuenta de los aciertos y errores.

Pasos a seguir

Lo más importante es revelar correctamente el archivo en Adobe Camera RAW o similar. Y prestar mucha atención al equilibrio de blancos. En este momento daremos la tonalidad cálida o fría general a la fotografía. Luego llegará el turno de las armonías. No hay que olvidarlo nunca.

• Abrimos la fotografía (que califique como armonía complementaria en la entrada anterior) y creamos una capa vacía en Capa>Nueva>Capa.
• Con la herramienta Pincel (B) hacemos Alt+clic en cada uno de los colores que vemos en la fotografía. Y con el mismo Pincel, con un tamaño adecuado y una Dureza del 100% vamos pintando en una zona amplia de la imagen para tenerlos todos juntos en la capa vacía. La idea es tenerlos ahí como meros datos informativos.
• Abrimos la ventana Información en Ventana>Información y comprobamos que uno de los modos de color sea HSB. Solo hay que pinchar en uno de los iconos de las pipetas de la ventana y marcar HSB.

Los tonos encontrados y la rueda cromática

• Ahora los tenemos que ir colocando en la rueda cromática, basándonos en la información de Tono (H) que nos da el modo HSB en grados cuando colocamos encima la herramienta Pincel. Para mayor comodidad podemos pegar sobre la capa vacía una rueda de color para ir situándolos. Para esto es importante recordar los grados que comenté al principio.
• En este caso vemos que los tonos están muy próximos unos a otros. Nos encontramos ante un caso claro de armonía Análoga, nunca Complementaria. Lo que vemos son rojos y amarillos con distintas saturaciones y luminosidades. Y lo que parece verde no lo es.

Todas esas capas son meramente informativas. Luego las borraremos.

En esta fotografía los tonos están próximos unos a otros. Tenemos varias soluciones, desde subir simplemente la saturación para que la armonía sea más evidente todavía; o jugar a crear una interesante armonía Análoga acentuada o complementaria en la que podemos añadir un tono verde azulado a las sombras para lograr un contraste mayor.

Lo haremos en el siguiente capítulo, que será el último de la serie dedicada a la colorimetría. Ahí descubriremos la utilidad de las capas de ajuste dedicadas al color y una nueva aplicación para las máscaras de luminosidad.

En el artículo anterior dedicado al color en la fotografía digital llegamos a definirlo y empezamos a hablar de la rueda de color. En las líneas de hoy vamos empezar a hablar de las armonías. Es el momento de descubrir cuáles son las combinaciones de color que quedan bien para mejorar nuestras imágenes en el momento de la toma y potenciarlas durante el revelado.

Uno de los grandes problemas de la fotografía es que no controlamos muchas veces las combinaciones de colores en el momento del disparo. No nos preocupamos en conseguir que los colores tengan relación entre sí. Vemos la situación, disparamos y listo. Y ese es el gran fallo que cometemos. Si queremos progresar, acercarnos a lo que hacen Navia o Alex Webb es fundamental fijarse. No es lo mismo una persona vestida de azul o de rojo frente a una pared naranja. Puede cambiar totalmente el sentido estético de la imagen.

Para superar este problema echaremos mano a la colorimetría, una rama de la psicofísica, que relaciona la energía física con la percepción humana, que puede diferir mucho. Se encarga de cuantificarlos, cualificarlos y relacionarlos entre sí dando lugar a las armonías. Y es en este tema donde nos vamos a detener hoy. Es la hora de conocer las armonías del color para aplicarlas en el momento de hacer las fotografías. Y potenciarlas si es necesario durante el revelado.

Las armonías del color

Para trabajar y entender las armonías de color es necesario tener a la vista la rueda de color que podemos ver en los propios programas como Capture One o Adobe Photoshop. También, como comentamos en el artículo pasado, en páginas como Adobe Color, Paletton, Colorsupply... Varias aplicaciones que son fundamentales para comprender hasta donde puede llegar la fotografía en color.

Esto que vamos a desgranar a continuación es fundamental dentro de la dirección de fotografía en el cine, en la moda y en todos aquellas manifestaciones en las que el color es parte importante. Uno de los ejercicios más interesantes es descubrir las paletas de color de los grandes cuadros de la historia, cuando todos los conceptos de los que vamos a hablar no estaban siquiera planteados pero estaban ahí presentes.

La rueda de color o círculo cromático es una representación bidimensional de los tonos. Parte de los colores primarios (en este caso de los colores luz) y sus combinaciones. Están separados por grados. El 0 es el rojo, por el que empieza y el 360 es también el rojo, por el que termina.

Según esta división empezamos con el Rojo, el Naranja, Amarillo anaranjado, Verde amarillento, Verde azulado, Cyan, Azul, Violeta, Morado, Magenta, Rosa y volvemos al Rojo.

Rueda cromática

El círculo se va rellenando con la mezcla de los tonos primarios, secundarios y con una separación de 30º. Cada uno de ellos tiene siempre a 180º a su complementario. Es una distribución en apariencia perfecta. Incluso están separados en tonos cálidos y fríos, quizás la primera división clara de la que podemos hablar con solo contemplarlo.

Monocromáticos

Los colores monocromáticos es una armonía en la que trabajaremos con un único tono con todas las variaciones que queramos de su luminosidad y saturación.

Complementarios

Armonía llena de contraste que combina aquellos colores que están separados 180º, es decir, están enfrentados:

• Rojo con verde.
• Naranja con cyan.
• Amarillo anaranjado con azul oscuro.
• Amarillo con violeta...

¿Complementarios?

Existe una variedad muy interesante de esta armonía que es Complementarios divididos en el que trabajamos con tres colores: uno principal y los dos que estén al lado de su complementario, dando lugar a un triángulo isósceles:

• Azul con naranja y amarillo.
• Rojo con verde amarillento y cyan.
• Amarillo con magenta y morado...

También podemos hablar de la Tétrada y de los Dobles complementarios. La primera armonía combina dos pares de complementarios separados por 60º, es decir el rojo y el naranja con el cyan y el verde.

Los Dobles complementarios combinan de la misma forma pero los tonos están separados 90º: como el Rojo, el verde y el azul más el naranja.

Triada

En esta ocasión la combinación se basa en tres colores separados por un ángulo de 60º. Se diferencia de los Complementarios divididos en que los tres tonos forman un triángulo equilátero:

• Verde, morado y naranja.
• Magenta, cyan y amarillo.
• Rojo, azul y amarillo...

¿Triada?

Análogos

Combinación de tres o cuatro colores que están próximos en la rueda cromática:

• Verde, amarillo y naranja.
• Rojo, magenta y morado.
• Cyan, azul y morado...

¿Análogo?

Y tiene una variante conocida como Análogos acentuados que añade el complementario del color principal de los análogos:

• Verde, amarillo y naranja con magenta.
• Rojo, magenta y morado con verde amarillento.
• Cyan, azul y morado con naranja...

Estas combinaciones no son la biblia. Son una excelente guía para ver por donde va el color en nuestras fotografías. Y conseguir el mejor efecto posible. No hay más que empezar a analizar las imágenes que tenemos en nuestro disco duro y empezar a entender todo lo que nos rodea. Y por qué funcionan unas y otras no. El color es la clave para lograr buenos resultados. En el próximo artículo veremos la forma de trabajar con toda esta información tanto en el disparo como en el revelado. Y puede que las fotografías de ejemplo aparezcan ya sin interrogantes cuando las presente por armonías...

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Cómo controlar el color en la fotografía digital (II)

Empiezo hoy una serie de artículos con la que quiero conseguir que el color en la fotografía sea más sencillo. Es el momento de empezar a pensar en la armonía del color y olvidarse para siempre de enseñar fotografías en las que el tono, la saturación o la luminosidad no guardan ninguna relación. Esto es algo que siempre se ha hecho en la fotografía de moda, pero vamos a centrarnos en otros estilos, como el viaje o el reportaje.

Una de las discusiones estrella de los fotógrafos en las reuniones de asociaciones o en los talleres es decidir qué es más difícil: ¿blanco y negro o el color? Aquí en Xataka Foto ya hemos escrito sobre el tema en otras ocasiones. Sinceramente creo que es más complicado el color por el componente psicológico que tiene y por la complicación de combinarlos bien.

Son muy pocos los fotógrafos que realmente trabajan bien el color. Realmente se pueden contar con los dedos de las dos manos los maestros del color. En primer lugar pondría a los precursores: William Eggleston, Stephen Shore, Joel Meyerowitz... luego estarían Alex Webb, Ernst Haas y por supuesto, dos de los fotógrafos que mejor ven el color en la historia: José Manuel Navia y Cristóbal Hara.

Disparar en color no estaba bien visto a mediados del siglo XX. Solo servía para el mundo de la publicidad y las fotografías familiares. El blanco y negro representaba la seriedad y la única verdad. Otra historia es que era más económico, más rápido y sencillo, pero esto es otra historia que no viene ahora a cuento.

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El color es una disciplina exigente, que exige un mayor dominio de la técnica y un conocimiento profundo para llegar a tener una libertad puramente creativa. Luego exige una práctica constante, una buena memoria y percepción de los colores y un trabajo profundo delante del ordenador. En cierta manera la fotografía digital permite más libertad a la hora de jugar con las tres propiedades que tiene: Tono, Saturación y Luminosidad.

La fuerza del color

Ya hemos visto cómo utilizar las diferentes herramientas que nos ofrecen los programas de edición, sobre todo Adobe Photoshop. Pero siempre tendremos la duda de saber cuál es el color con el que tenemos que trabajar, con cuál combina mejor o qué armonía nos interesa más para lograr comunicar una sensación u otra.

El color se trabaja sobre todo en la fotografía de moda. En la fotografía de viajes o de naturaleza o urbana, intentamos que todo quede más o menos realista en lo que se refiere al color. Pero lo que se nos suele olvidar es que una imagen con el cielo azul y el campo verde es lo más aburrido que podemos hacer en lo que respecta a la fotografía. Es pura verdad pero siempre le faltará algo. Mi intención es encontrar las claves para aplicarlo a estas especialidades.

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Personalmente siempre he pensado que una buena imagen en color es aquella que parece blanco y negro. Es decir, que solo tiene un color con distintas gamas de intensidad. Pero es solo una forma de trabajar, muy simplista y eficaz, eso sí. El color es pura psicología. Y la relación entre ellos puede ser una explosión sin igual de sentimientos.

Solo hace falta ver los trabajos de Alex Webb para entender plenamente lo que estoy diciendo. El color comunica y mucho. Y en la mayoría de los casos cuesta encontrar el punto justo de uno o de otro para dar con el resultado perfecto. Para ser sinceros, me cuesta creer en la psicología y la tendencia de que todo es pura estadística. Depende tanto de dónde hayamos nacido o de la relación que tengamos con los colores que la siguiente división siempre he pensado que es un mero punto de partida y que nunca hay que tomarlo al pie de la letra:

• Amarillo: La alegría y la calidez.
• Rojo: El amor y las emociones fuertes.
• Azul: La tranquilidad y la frialdad.
• Verde: La naturalidad por encima de todo.
• Morado: El color de la nobleza.
• Rosa: El romanticismo y la juventud.
• Blanco: La pureza, lo limpio.

No dejan de ser una aceptación social que enseguida se puede desmoronar. El amarillo daba mala suerte, el blanco es todo lo contrario en otras civilizaciones... Este es uno de los motivos por lo que no es tan fácil trabajar con el color.

El color en la fotografía digital

Por eso es difícil hacer un buen color. Y por eso es una buena noticia todas las posibilidades que tenemos hoy con la fotografía digital. El color es un elemento más de comunicación, otra manera de acercar al espectador a nuestras imágenes. Y las herramientas que tenemos con nuestras cámaras y nuestros programas son poco menos que infinitas en las manos adecuadas.

Ha llegado el momento de trabajar bien con la temperatura de color, con todas las capas de ajuste que hacen referencia a cualquiera de sus valores. Quiero que entendamos por fin el sentido del RGB o del CMYK. Y cómo puede cambiar todo.

@ferfoto.es

Pero antes de empezar veremos las ruedas de color, las aplicaciones de Adobe u otras compañías que nos pueden ayudar a conseguir que esa fotografía que soñamos tome de una vez por todas la forma definitiva. No será un viaje sencillo. Empezará en el siglo XIX y terminará donde nos lleve nuestra habilidad. Dominaremos el color.

https://www.xatakafoto.com/xataka-foto/siete-cosas-que-podemos-hacer-con-el-color-en-adobe-photoshop

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Siete ajustes que podemos hacer con el color en Adobe Photoshop

El tema del color en la fotografía es apasionante. Ya has podido leer los dos capítulos que le hemos dedicado al respecto en nuestro curso (primera y segunda parte), pero entre vosotros y yo... el tema del equilibrio de los colores es algo complicado.

Una de las mejores opciones que tenemos es imitar a aquellas personas (o sus obras) que muestran un control en dicho parámetro para mejorar nuestras fotografías. Nos sirven las fotos y por supuesto, las pinturas.

¿Quién mejor para ayudarnos que Van Gogh? ¿O Monet? ¿O Botticelli? Pues de una manera sencilla a más no poder gracias a Photoshop podemos dotar de mayor armonía nuestros retratos, paisajes, macros, etc. Veamos cómo.

El retoque es sencillo a más no poder. Deberemos cargar en nuestro Photoshop dos imágenes. La fotografía que queramos retocar y la imágen que te servirá de guía. Lo primero seleccionar tu foto y duplicar el fondo en nueva capa sobre la que trabajarás. Ahora deberás ir a Imágen > Ajustes > Igualar color y te aparecerá el siguiente cuadro de diálogo:

Lo primero que debes hacer es abrir el desplegable señalado en la captura de pantalla con un 1 y selccionar la imágen de la obra de arte que tenemos abierta. Asegúrate de tener marcada también la opción de previsualización (número 2) para poder ver los resultados en tu foto a medida que vayas configurando los distintos parámetros del cuadro.

Las barras de desplazamiento que puedes ver nos sirven para lograr el efecto que deseemos. Por ejemplo, la barra señalada con el número 3, Transición es la que nos permite, por decirlo de alguna manera, marcar la gradualidad de la integración de los colores de la obra de arte a nuestra fotografía, donde el valor 0 es una integración a lo bruto y 100 es una integración tan discreta que ni se nota.

La barra señalada con el número 4, Intensidad del color es la saturación de los colores, mientras que la número 5, Luminosidad... pues su título lo dice todo.

Os recomiendo que los valores de dichas barras sean discretos si no queréis obtener una foto excesivamente irreal. Pero en el juego entre ambas están los buenos resultados. Os dejo con una imágen de ejemplo:

Aunque utilices este curioso método para lograr un mejor equilibrio en tus fotos, deberías saber que existen otras maneras mejores, como por ejemplo retocar el equilibrio de colores (Imagen > Ajustes > Equilibrio de colores) o las omnipresentes curvas. Aún así, este método es una ayuda para comprender mejor el mundo de los colores y alfin y al cabo es tan válido como cualquier otro.

Si quieres saber donde encontrar las grandes pinturas de la historia de la humanidad para poner en práctica lo leído, puedes visitar allPaintings.

Vía | unfocusedbrain Fotografía | Flickr de josef.stuefer