La historia de Gilbert Garcin es casi tan curiosa como sus fotografías. Hace unos años ya os contamos como empezó su carrera con 65 años, tras jubilarse, y cómo ha llegado a convertirse en un referente del retoque fotográfico en su sentido más clásico con un mundo propio y original lleno de humor y creatividad. Ahora, con motivo de su reciente fallecimiento, el Canal Arte emite el documental ‘Nada es imposible’ y nos da la oportunidad de conocerle un poco mejor.

Gilbert Garcin en el taller donde realiza sus creaciones mostrando "sus secretos".

El documental, disponible en este enlace en abierto hasta finales de enero de 2021, recuerda la inspiradora historia de este ex vendedor de lámparas marsellés que descubrió tardíamente su pasión en la fotografía pero deslumbró al mundo con su personal manera de entenderla. Un estilo que recuerda al surrealista Magritte y que está lleno de creatividad, ironía, humor y ternura.

Además, permite conocer cómo elaboraba sus fotografías, a través de un proceso artesanal que muy poco tiene que ver con lo que solemos imaginar al pensar en un fotomontaje. En vez de Photoshop, utilizaba maquetas de cartón, tijeras, pegamento y fondos proyectados en una pared para crear unas imágenes insólitas, aparentemente ligeras por su sencillez pero con un evidente mensaje en el fondo.

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En estas fotografías destaca la inclusión de un personaje recurrente, un alter ego del propio Gilbert previamente autorretratado (y sin intención narcisista, usaba su propia figura porque era lo que más a mano tenía) para contar historias con una sencillez y sensibilidad pocas veces vistas y que merece la pena conocer.

Gilbert Garcin | ‘Nada es imposible’ | Página web

Fotografías de Gilbert Garcin capturadas del vídeo ‘Nada es imposible’ en ArteTV

“Correlaciones y conversaciones metafísicas entre los pintores surealistas: René Magritte, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Giorgio de Chirico, Vladimir Kush y el fotógrafo Cristóbal Carretero Cassinello”. Así es como el crítico de arte Josep Fàbrega Agea define ‘Analogías Surrealistas’, una serie fotográfica que nos confirma que el arte visual puede tener innumerables conexiones, incluso en géneros aparentemente diversos como la fotografía de calle y la pintura abstracta.

La serie, como hemos apuntado, es obra de Cristóbal Carretero Cassinello, un profesor de economía, diseñador gráfico y fotógrafo (de origen gallego pero almeriense de adopción) que cuenta con un amplio currículum y cuyas fotografías han sido seleccionadas y publicadas en pasadas ediciones de los Magnum Photography Awards y los Lensculture Street Photography Awards. Cristóbal nos hizo llegar su interesante trabajo y nos contó cómo la idea surgió “de la forma más inesperada y espontánea”.

“Como fotógrafo —nos comenta— trabajo varios géneros fotográficos indistintamente, street photography, fotografía conceptual y minimalista. Este crisol de estilos diferentes, me ha permitido agudizar la mirada y desarrollar una percepción de la realidad en su conjunto, que me han llevado a realizar proyectos fotográficos desde una profunda reflexión sobre la interacción y correlación entre imágenes aparentemente inconexas que, unidas, proyectan nuevos universos”.

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Imitando fotos famosas (con imaginación y mucho sentido del humor) para sobrellevar la cuarentena, por Vincent Morla

Además, Cristóbal es aficionado a jugar con cosas como “el trampantojo visual, efectos de perspectiva, superposición y comprensión de planos, que concluyen en yuxtaposiciones visuales surrealistas”. Quizá por eso, continúa, “un día por casualidad me puse a visionar la obra de René Magritte y de repente llegó la inspiración.”

La clave fue la pintura ‘La gran guerra’, donde Magritte muestra “a una elegante señora con un vestido blanco y un ramo de flores que oculta su cara. Al ver la pintura con incredulidad, en ese momento mi subconsciente explotó y me transportó súbitamente a mi fotografía ‘Él Oráculo’, una misteriosa anciana permanece inmóvil en un banco, sin rostro, mientras que el tiempo se detiene por un momento, el pañuelo que lleva en la cabeza comienza a convertirse en la cabeza de un pájaro.”

En ese momento el autor se dio cuenta de que había “una serie de analogías de contenido, de pensamiento y estética surrealista entre fotografía y pintura.” Esto fue el punto de partida para crear ‘Analogías Surrealistas’, la cual llevó a cabo “reflexionando sobre mi fotografía y realizando una investigación sobre los diferentes pintores surrealistas que me apasionan (Magritte, Dalí, Giorgio de Chirico, Picasso y Vladimir Kush), fui trabajando el proyecto a modo de dípticos, descubriendo potentes diálogos metafísicos sobre la sutil relación de fotografía y pintura surrealista, encontrando nuevos universos evocadores y oníricos, producto de la interrelación, lenguaje visual y hermanamiento de ambas artes.”

El resultado son estas imágenes que estáis viendo, en donde se aprecian las analogías, con elementos que interactúan entre cada cuadro y fotografía. Algunas son más que evidentes, otras menos, por lo que es recomendable fijarnos en los detalles y observarlas “profundamente, no de la manera ultrarrápida y compulsiva, que muchas veces se observan las fotografías en las redes sociales”. Sin duda un proyecto interesante ¿no os parece?

Cristóbal Carretero Cassinello | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Cristóbal Carretero Cassinello reproducidas con permiso del autor para este artículo

Tras hacer públicas las fotos ganadoras del premio Street Photography Awards 2019 hace justo dos meses, LensCulture ha dado a conocer los resultados de otro de los concursos que organiza. En concreto los Art Photography Awards 2019 que en su segunda edición, premian a los artistas que usan procesos fotográficos e imágenes en su trabajo.

Y es que, como el nombre del certamen indica, aquí de lo que se trata es de elegir a aquellos que destacan por “empujar los límites del medio a través de la experimentación y la innovación creativa”. Curiosamente, a pesar de ello desde la organización destacan que la mayoría de trabajos han versado sobre problemas de naturaleza política y muy actuales.

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Estas son las imágenes ganadoras del concurso de fotografía móvil iPhone Photography Awards 2019

Así, buena parte de los 38 fotógrafos premiados (los seis vencedores de las categorías ‘Series’ y ‘Single Image’, más los Juror’s Picks y 25 finalistas) han presentado trabajos creativos utilizando medios mixtos pero con una temática que explora problemas sociales contemporáneos como la inmigración o el calentamiento global y sus consecuencias.

Es el caso del primer premio en categoría Series que se lo ha llevado la norteamericana Noelle Mason con su proyecto ‘X-Ray Vision vs. Invisibility’ en el que se pueden ver inmigrantes ocultos en camiones tratando de cruzar la frontera de México a los EE.UU. También de la foto ‘Rashida. Accra, Agbogbloshie' de la británica Carolina Rapezzi que ha vencido en categoría individual con la imagen que habéis visto en portada y que muestra a una niña que malvive en uno de los mayores basureros de componentes electrónicos del mundo (del que ya os hablamos a propósito de este otro trabajo).

'EUROPE 2' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick en los LensCulture Art Photography Awards 2019

Y aunque los premios principales los han copado fotógrafos anglosajones (curiosamente los tres de series han ido a parar a norteamericanos y las tres individuales a británicos), entre los elegidos por el jurado hay dos españoles, uno en la modalidad de series y otro en categoría individual. En concreto los elegidos han sido Miguel Ángel García (de quien os hablamos el año pasado a propósito de esta exposición) por su serie ‘IN_DEPENDENCIES’ y Lluís Estopiñan por su imagen titulada ‘Reverse’.

Desde aquí felicitamos a todos ellos y, como siempre, os dejamos con las fotos de los ganadores en las distintas categorías, así como los destacados por el jurado, y os remitimos a su página web para ver el resto de finalistas y más interesantes imágenes.

Ganadores LensCulture Art Photography Awards 2019

Categoría Series

Primer premio: ‘X-Ray Vision vs. Invisibility’ de Noelle Mason (EE.UU.)

'Backscatter Blueprint (Janus)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Backscatter Blueprint (Ultima Cena)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Backscatter Blueprint (Homunculus)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Backscatter Blueprint (Los Tristes)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

Segundo premio: ‘El Sueño Americano/The American Dream’ de Tom Kiefer (EE.UU.)

'Give Me Your Tired, Your Poor' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Cell Phone Assembly' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Duct Tape Water Bottle' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Soap' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

Tercer premio: ‘The World is Astonishing with You in it: A 21st Century Field Guide to the Birds, Ferns and Wildflowers’ de Amanda Marchand (EE.UU.)

'Henslow’s Sparrow' © Amanda Marchand, 3rd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Hart’s Tongue' © Amanda Marchand, 3rd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Tall Bugbane' © Amanda Marchand, 3rd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

Categoría Individual

Primer premio: ‘Rashida’ de Carolina Rapezzi (Reino Unido)

Rashida. Accra, Agbogbloshie © Carolina Rapezzi. 1st Place Single, LensCulture Art Photography Awards 2019

Segundo premio: ‘On the Way to Shimoda’ de David Houghton (Reino Unido)

'On the Way to Shimoda' © David Houghton, 2nd Place Single, LensCulture Art Photography Awards 2019

Tercer premio: ‘Mythographies’ de Steven Barritt (Reino Unido)

'The Solitude of Pygmalion' © Steven Barritt, 3rd Place Single, LensCulture Art Photography Awards 2019

Juror´s Picks

‘IN_DEPENDENCIES’ de Miguel Angel Garcia (España)

'IN_DEPENDENCIES 1, Athens' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'IN_DEPENDENCIES 2, Paris' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'IN_DEPENDENCIES 3, Berlin' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘I Need You More Than You Need Me’ de Edgar Martins (Reino Unido):

'Make Men Great Again' © Edgar Martins, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'The hatch is not the sort of place to have a face like a slapped ass' © Edgar Martins, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'No Man is an Island' © Edgar Martins, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘Pending Memories’ de Adrián Fernández Milanés (Cuba):

'Untitled No 1' © Adrián Fernández Milanés, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled No 2' © Adrián Fernández Milanés, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled No 3' © Adrián Fernández Milanés, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘Turistica’ de Carlo Rusca (Suiza):

'Untitled 01' © Carlo Rusca, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled 02' © Carlo Rusca, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled 03' © Carlo Rusca, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘Surprise Inside’ de Walter Plotnick (EE.UU.):

'Surprise Inside 1' © Walter Plotnick, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Surprise Inside 2' © Walter Plotnick, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Surprise Inside 3' © Walter Plotnick, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

‘Reverse’ de Lluís Estopiñan (España)

'Reverse_B03' © Lluís Estopiñan, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

‘Studio Practice’ de Julia SH (EE.UU.)

'Studio Practice' © Julia SH, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Más información y fotos | LensCulture

Foto de portada | 'Rashida. Accra, Agbogbloshie' © Carolina Rapezzi. Primer premio en categoría individual de los LensCulture Art Photography Awards 2019

En variadas ocasiones hemos hablado de cámaras estenopeicas o pinhole, un ámbito de la fotografía eminentemente artesanal. Y la mejor demostración son las cámaras que fabrica con sus propias manos este fotógrafo y artesano ruso, auténticas joyas artesanales con las que, por supuesto, también practica la fotografía en uno de sus modos más tradicionales.

Como decíamos en el titular, sus cámaras están hechas con la madera de árboles que el mar Báltico arrastra hasta la playa cerca de la que vive Sergey. Él las recoge y aprovecha que el mar las ha alisado para convertirlas en las bonitas cámaras que veis, adornándolas con otros elementos como piedras y conchas que encuentra en la misma playa o pintándolas a mano (cómo no). Así, cada una de sus modelos es único y singular.

Para Sergey “cada cámara es única a su manera. Cada oportunidad para construir una es como un nuevo desafío para crear algo nuevo. Esto es quizás lo que más me inspira. Es imposible repetir lo que ya se ha creado, por lo que cada vez se trata de una nueva obra escultórica”. Además, Sergey cuenta que siempre le gustó trabajar la madera y que, antes que hacer cámaras, había fabricado todo tipo de artesanías con la madera que arrastraba el mar.

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Cuatro fotos con una exposición de mil años revelarán los efectos del cambio climático en el Lago Tahoe en 3018

Al mismo tiempo, había intentado hacer cámaras estenopeicas, porque la fotografía también ocupaba un lugar en su vida desde que a finales de los 90 cayó en sus manos una vieja Zenit-E que apenas sabía usar. Sin embargo, sus primeros modelos de cámaras eran muy simples, como una que hizo con una simple caja de jabón.

Ahora sus cámaras utilizan película química en formato medio, tanto de 6x6 como de 6x9 pulgadas. Así, sus cámaras no sólo están bien hechas sino que hacen fotos estupendas como algunas de las que os mostramos. Unas imágenes que están (cómo no) inspiradas por el mar y tienen un look muy especial dado el tipo de cámara con el que están hechas (que suele requerir largas exposiciones).

Y es que, como sabréis, estos modelos se caracterizan por no tener objetivo y se basan simplemente en una cámara obscura en la que entra luz por un dimitido agujero de su frontal impresionando una película química. Así, el resultado en este caso son fotos de rocas de la playa y paisajes marinos que desprenden una tranquilidad casi de ensueño.

Por cierto que si estáis interesados en estas cámaras os gustará saber que Sergey las vende en su página web. Ahora mismo se puede conseguir una desde 120 dólares más 30 del envío a España; Osea unos 134 euros al cambio actual.

Sergey Lebedev | Página web | Instagram

Fotografías de Sergey Lebedev reproducidas con permiso del autor para este artículo

La que está considerada como principal feria internacional de arte dedicada al medio fotográfico abre hoy sus puertas en el corazón de la capital de Francia, en el Grand Palais. En este majestuoso escenario la feria parisina reúne 190 expositores procedentes de 29 países, seleccionados de acuerdo a la calidad de sus proyectos y a su diversidad artística, y con el famoso diseñador Karl Lagerfeld como invitado de honor.

La 21ª edición de Paris Photo se estructura en cuatro secciones. La principal es la que se ubica en la nave del Grand Palais y se compone de 151 galerías de 29 países que buscan ofrecer al visitante un panorama completo de lo mejor de la fotografía desde el siglo XIX hasta hoy día. Por su parte, la denominada Prismes presenta catorce proyectos de gran formato, series e instalaciones que se sitúan en el piso superior del edificio, en el Salon d'Honneur. La tercera sección es la dedicada al fotolibro, que reúne a 32 editores y distribuidores de libros de arte de ocho países, y la cuarta es novedad en esta edición y se dedica al sector audiovisual, con la proyección de películas y vídeos que exploran las nuevas perspectivas en el campo de la imagen.

Lise Sarfati, oh man-phg16 _ 2012. Archival Pigment Print. Courtesy La Galerie Particulière Paris/Bruxelles.

Por supuesto, estas secciones principales se complementan con un programa de actividades que pretende ser innovador y diverso, incluyendo charlas (con figuras como Joel Meyerowitz y Harry Gruyaert), firmas de libros, el tradicional premio para el mejor fotolibro (The 2017 Paris Photo Phootobook Awards), así como diversas exhibiciones y una carta blanca para artistas emergentes.

Por otro lado, este año la exposición propone realizar una visita a través de los ojos de una personalidad excepcional como es la del diseñador alemán Karl Lagerfeld. El invitado de honor de Paris Photo, durante muchos años director creativo de Chanel y considerado como “un visionario y un icono cultural”, ha seleccionado sus obras favoritas, de entre las miles de obras de arte que se podrán ver en ella, creando un recorrido personal por la feria que será recogida en un libro de edición especial publicado por Steidl.

Lo más interesante

Paris Photo 2017 ©Florent Drillon

La importancia y el ámbito de esta feria son tan grandes que sería absurdo señalar qué es lo más destacado de Paris Photo. Así, si tienes la posibilidad de asistir lo mejor es pasear por sus distintos espacios expositivos para disfrutar con el arte fotográfico en mayúsculas. Aún así, entre las muestras individuales presentadas por las principales galerías del sector, la organización destaca la obra de fotógrafos como Vanessa Beecroft, Ilse Bing, Marcelo Brodsky, Paul Graham, Rinko Kawauchi, Dana Lixenberg, Edgar Martins, Susan Meiselas, Boris Mikhailov, Arnold Odermatt, Shigeru Onishi, Sigmar Polke, Denis Rouvre, Lise Sarfati, Karl Hugo Schmölz, Ed van der Elsken, Tom Wood, Masao Yamamoto, Tobias Zielony...

Lo que sí podemos destacar es la participación española, que no es muy numerosa pero está representada por la galería madrileña Juana de Aizpuru y las barcelonesas Joan Prats y RocioSantaCruz, además de la La Fábrica dentro del apartado de editoriales.

Hannah Collins. The Interior and the Exterior – Noah Purifoy 2015. ©Hannah Collins. 50.8 x 61 cm Selenium toned black and white prints accompanied by three-channel soundtrack. Artwork exhibited by : Joan Prats

**‘Paris Photo’

Del 9 al 12 de noviembre de 2017

Grand Palais

Avenida Winston Churchill

75008 – Paris - Francia

Precio: 30 / 32 euros (jueves y viernes/ fin de semana), 15 euros para estudiantes (menores 26 años)

www.parisphoto.com

En Xataka Foto | 'Albert Kahn. Los Archivos del Planeta', un proyecto fotográfico descomunal que se muestra por primera vez en España

Foto de portada | Fraenkel Gallery booth, Paris Photo 2017 ©Florent Drillon

Sólo hace ocho años que nos dejó y este 2017 Irving Penn hubiera cumplido los cien. Para conmemorarlo y dar a conocer su legado, el Gran Palais de París acoge ‘Irving Penn’, una panorámica histórica sobre los setenta años de carrera del fotógrafo que protagonizó la edad dorada de la fotografía de moda del Siglo XX.

Esta exposición toma el relevo de la que ya se realizó hace unos meses en el Metropolitan de Nueva York, aunque la que ahora se celebra en la ciudad del amor no sólo nos pilla más cerca sino que incluye más fotografías que la primera. Hasta 240 instantáneas originales de Irving Penn que suponen la retrospectiva más completa realizada hasta ahora sobre el gran fotógrafo norteamericano.

Irving Penn. Girl with Tobacco on Tongue (Mary Jane Russell) [Jeune femme avec du tabac sur la langue (Mary Jane Russell)]. New York, 1951 épreuve gélatino-argentique 37,5 × 36,5 cm The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © Condé Nast

Irving Penn

Nacido en Plainfield, New Jersey, en 1917, su familia se mudó a Filadelfia donde Penn estudió en la Escuela de Artes Industriales. Uno de sus profesores era Alexey Brodovitch, un inmigrante ruso (como los padres de Penn) que se convertiría en director de arte de la revista Harper’s Bazaar. Brodovitch se fijó en las inquietudes artísticas de Penn y fue su principal valedor (como lo fue también de Richard Avedon). De hecho, Penn trabajó a las órdenes de Brodovitch durante algún tiempo como ilustrador y más tarde como ayudante cuando le nombraron director de arte de los lujosos almacenes Saks de Nueva York.

Pero Penn se independizó de su mentor marchándose a México, con la idea de dedicarse a la pintura, y sólo un año después volvió a la gran manzana y empezó a trabajar para Vogue USA publicando su primera portada ese mismo año (1943). Se trataba de un bodegón compuesto por un bolso, unos guantes, una tela gris, una lámina con cítricos y una nota al fondo que anunciaba los contenidos del número. Fue la primera de un montón de portadas para Vogue, revista con la que desarrolló la mayor parte de su carrera.

Lisa Fonssagrives-Penn, Irving Penn at Work in New Guinea [Irving Penn au travail en Nouvelle-Guinée] 1970. épreuve gélatino-argentique, vers 1974 19,4 x 19,4 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Lisa-Fonssagrives-Penn Trust

La fotografía de moda hecha arte

“Una buena fotografía es aquella que cuenta algo, toca el corazón y cambia al espectador después de haberla visto”. Así entendía Irving Peen su trabajo. Una filosofía que desarrolló junto a fotógrafos como Richard Avedon y Helmut Newton, con los cuales logró revolucionar la fotografía de moda gracias a un estilo que la elevó a categoría de arte.

Para él, cualquier cosa podía convertirse en algo artístico, ya fuera una estrella del mundo del cine (que tanto prodigó) o una simple colilla. Sus retratos suelen reconocerse por su elegante simplicidad, con el blanco y negro predominante, un escenario simple (“menos es más”) y unas poses bastante teatrales para retratar a los muchos personajes del momento que pasaron por su estudio.

Irving Penn, Spanish Hat by Tatiana du Plessix (Dovima) [Chapeau espagnol par Tatiana du Plessix (Dovima)] New York, 1949. épreuve gélatino-argentique 39,7 x 37,5 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Irving Penn Foundation

Personajes como Woody Allen, Alfred Hitchcock, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró, Arthur Miller o Marlene Dietrich a los que inmortalizó en fotos icónicas. Claro que Penn también se fijó en otro tipo de personajes como los nativos de zonas como Perú, Camerún, Marruecos o Nueva Guinea a los que retrató con el mismo estilo que a las estrellas de Hollywood. Además, el maestro no se limitó a la foto de moda y los retratos sino que también cultivó otros géneros como los bodegones, los desnudos o las escenas de calle.

Buena parte de todo este trabajo se puede ver en la exposición que está organizada por el Grand Palais de París y el Metropolitan de Nueva York en colaboración con The Irving Penn Foundation.

Irving Penn, Picture of Self [Autoportrait] Cuzco, 1948. épreuve gélatino-argentique. 34 × 26,4 cm © Condé Nast

‘Irving Penn’

Del 21 de septiembre de 2017 al 29 de enero de 2018

Grand Palais

3 Avenue du Général Eisenhower

75008 París (Francia)

www.grandpalais.fr

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Foto de portada | Vista de la exposición 'Irving Penn'. Escenografía de Gare du Nord Architecture © Rmn-Grand Palais / Foto de Didier Plowy

Brooke Shaden es una jóven fotógrafa de 29 años nacida en Pensilvania, que pese a su corta edad cuenta con un éxito inagotable que le lleva a exponer con gran frecuencia en galerías de Estados Unidos y a contar ya con su tercer libro publicado. Te mostramos su trabajo.

La filosofía de trabajo de Shaden es sencilla. Le gusta la fotografía por su ilimitada posibilidad para crear mundos de fantasía que le gustaría habitar, y si para conseguir crearlos hace falta un post procesado de la imagen que en muchos casos, requiere de más trabajo que la propia toma, no hay ningún problema.

Cuenta con cientos de miles de seguidores que no solo están enamorados de su particular estética, que en ocasiones nos recuerda a viejas películas como Viaje a la Luna de los Hermanos Lumiere o al diseño de arte del álbum musical Mellon Collie and the Infinite Sadness de la banda Smashing Pumpkins, sino que su transparencia a la hora de mostrarnos como trabaja a través de videotutoriales la ha convertido para muchos fotógrafos en una maestra.

Shaden dice que su trabajo no responde a mayor motivación que la estética por la estética, negando cualquier carga autobiográfica o personal, aunque lo cierto es que la naturaleza, elemento que estuvo presente en su vida durante toda su infancia, es una constante en su trabajo, además de una serie de motivos recurrentes como el intento de escapada o de quebrar las ataduras, algo probablemente responda a situaciones vitales de la artista.

Si andáis por Estados Unidos el próximo mes de septiembre, Shaden realizará junto a otros artistas una serie de charlas motivacionales para artistas y fotógrafos.

Web oficial | Brook Shaden

Instagram | Facebook | Flickr

Tienes la fortuna de ser cineasta y viajar por todo el mundo trabajando, pero si te enamoras de alguien, lo tienes crudo. La artista rusa Nadia Bedzhanova retrata en esta serie de selfies y mensajes de texto la espera que mantuvo hasta que pudo volver a ver a un amante que conoció durante un rápido rodaje en Europa y con el que ni siquiera comparte el idioma.

Bedzhanova se ha especializado en el rodaje de trabajos audiovisuales centrados en los jóvenes y su forma de relacionarse a través de Internet. Emojis, mensajes de textos y conversaciones de chat centran sus últimos trabajos. Lo que nunca pensó esta joven rusa que actualmente vive en Nueva York es que ella acabaría siendo parte de una de sus historias .

Hoteles, desnudos, selfies y mensajes de texto

Hotel Love, nombre de este proyecto, retrata una situación que cada vez es más común en muchas personas. Tras un breve encuentro durante un rodaje en Europa, Bedzhanova tuvo que esperar meses hasta que pudo volver a reunirse con un amante que conoció en el viejo continente. Mientras desarrollaba su trabajo Wasteland y se encontraba viajando por todo el mundo, durmiendo cada noche en un hotel diferente, decidió documentar las conversaciones que mantenía (vía traductor de texto) así como las imágenes que compartía.

El resultado es un trabajo postfotográfico que nos habla de la historia más antigua de la humanidad a través de la última tecnología, a la vez que nos invita a reflexionar sobre la frágil forma en que cada vez más parejas se comunican. Fotografías, emojis, algunos mensajes de texto y un teléfono móvil que se convierte en una extensión del cuerpo humano pueden valer para construir una fuerte relación emocional.

Página web | Nadia Bedzhanova

Por segundo año consecutivo se celebra en Oviedo la Feria de iniciación al coleccionismo fotográfico, la cual quiero comentar por dos puntos, primero porque da acceso a los jóvenes a invertir en fotografía y segundo porque de esa manera, se amplía el circuito normalmente encasillado en un perfil que poco deja avanzar a las nuevas generaciones de coleccionistas e interesados en el arte.

Dicho esto, la galería que promueve esta iniciativa es Cervantes6, que vestirá su sala con ediciones en pequeño formato, limitadas y exclusivas, firmadas y numeradas a mano por artistas como García de Marina, Irene Cruz, Carolina Pingarrón, Pelayo Zurrón, Sofía Roncero, David Catá y Pablo Ventura.

Será el próximo sábado 27 de Septiembre, donde también se aprovechará para presentar la exposición "Ósmosis: Tierra-Piel" en la cual Irene Cruz, por primera vez en España tras ganar el premio del II Concurso de Fotografía de Iberdrola, ofrecerá su premiado trabajo "Habitat", y donde Pelayo Zurrón mostrará “El paraíso desnudo”, conjuntamente bajo la idea de desnudo en la naturaleza desde dos miradas que se complementan.

Apoyamos por tanto esta iniciativa, que nos encantaría se desarrollase también en otras capitales, puesto que una de las funciones de la fotografía es ir de la mano con el arte, y que en estos últimos años se está alejando de esa connotación elitista como podemos ver en proyectos como esta feria llevada a cabo en Oviedo.

Más información Cervantes6

Somos todos los que estamos pero no estamos todos los que somos; así podría ir diciéndole a todos y cada uno de los que abordan el tema de la fotografía actual o hablamos sobre ella.

A día de hoy la fotografía ha dejado de ser (para muchos) la fiel definición de "escribir con luz" a ramificarse en mil definiciones con tantos significados como personas la dicen, transcriben, exhortan, escriben... En estos momentos habrá muchas personas creyendo hacer "fotografía" mientras hace clic en una cámara, mientras están delante de un incandescente monitor y una Wacom con el Photoshop, mientras venden una cámara fotográfica, mientras se estudian las mil características técnicas de su próximo objetivo o sensor de su cámara, o incuso yo mismo escribiendo estas líneas. Y así hasta un sin fin de definiciones.

¿Dónde está la fotografía para nosotros?

Muchos sostienen que la fotografía ha conseguido abordar todos y cada uno de los puntos que observamos, de todos y cada uno de los minúsculos espacios que parecían ni existir; aunque también que reconocer que hay muchos que creen que hemos sido nosotros los que la hemos llevado allí... pero, ¿no sería posible que esos espacios ya estaban llenos de ella y pocas veces nos habíamos parado a verlos hasta descubrirlos?

Fotografía de - Anda -

La tecnología siempre ha supuesto un nuevo punto de partida al mundo fotográfico, más en concreto, hoy día, a devolver a la fotografía a ese mismo lugar de origen que George Eastman Kodak quiso con su Kodak Vista 100 y su tan mítica y reconocida frase "Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto" (es muy importante que la gente que se queja de que hoy la fotografía la hace cualquiera recapacite sobre esta frase de 1888 y lo que significaría a día de hoy con, por ejemplo, la fotografía móvil). Y así ha sido, la compañía que un día llevó a la casilla de salida a la fotografía, se desinfló tras más de cien años estando en la cima. Y es que muchos opinan que el momento agonizante de Kodak ha sido el punto y/o momento de inflexión en la fotografía como la conocemos hoy.

Hay personas que simplemente dicen que la fotografía es lo mismo de siempre pero renovada a los nuevos tiempos de hoy. Y la verdad es que es posible, no hay duda. Todos los conceptos que parecen ponerse de moda hoy, ya estaban inventados años atrás aunque puede que con otros nombres (no hablaré sobre el selfie pues ya hay artículos y artículos sobre ello), incluso el hacer las cámaras más pequeñas, más portables, siempre ha sido una constante.

Conceptos que comparten esencia

Hablar de técnica fotográfica siempre estuvo y estará más que presente en los fotógrafos (o acaso no existen libros y escritos con innumerables leyes que hasta hoy día han seguido vigentes, Sistema de Zonas, ley Sunny 16...). Cierto, la tecnología avanza y por tanto las leyes se modifican o cambian, pero justamente esa es la situación... se cambian unas por otras (derecheo...)

Fotografía de walter guisao

La concepción de la fotografía menos técnica y que tanto se demanda hoy con la falta de creatividad ha estado siempre en la vida fotográfica, al igual que la confrontación entre ambas corrientes (pictorialismo versus purismo). Y es que entrar en foros o webs sobre fotografía en la que se debate sobre si una imagen es fotografía o es dibujo, si la falta de originalidad está más que patente y que las imágenes "perfectas" aburren, etc... no es más que un nuevo episodio en la existencia del renacentismo fotográfico.

Seamos claros, la fotografía aunque pasen los años siempre ha sido y será lo mismo. En todas las corrientes artísticas ocurren momentos de explosión y vuelta al pasado, y es que aunque nos cueste reconocerlo está casi todo inventado y sólo cambian las herramientas. Y es que, hasta la propia fotografía fue un "invento" (permitirme la redundancia) que se originó en dos lugares diferentes y sin la posibilidad de comunicación de hoy día. No es menos sabido que, por tanto, pudiera ocurrir lo mismo a lo largo de la historia con todo lo que se podría hacer con ella.

Es tan increíble todo el proceso de evolución tecnológica en la fotografía que muchos se pegan por conseguir las últimas y mejores cámaras, los últimos modelos de sus objetivos, o el mejor accesorio para creer conseguir la imagen que más impacte al mundo, cuando lo que ocurre es que al final la gran mayoría de las veces son las imágenes más simples (pero llenas de "ese algo" que falta) las que acaban por dar sentido y dar verdadero impacto a los que visionamos dichas obras. Pero ni si quiera esto es nuevo, es una constante en todos estos ciento setenta y cinco años de historia fotográfica.

El avance es sólo aparente

Y es que la fotografía puede avanzar todo lo que quiera, podremos llegar a la Luna, podremos impresionarnos con la nitidez de una fotografía o con la belleza del más bonito paisaje, hasta podremos cambiar una Rollei por una nueva Sony RX100 III; pero si llega un momento en el que todo acaba volviendo a un punto parecido, no es ni más ni menos es porque algo nos hemos dejado olvidado. Ese algo que posiblemente no tenga que ver ni con la técnica, ni con lo artístico, ni con todo lo hasta hoy visto... Y es que, posiblemente, es en esos momentos cuando la historia nos deja volver atrás para arreglar algo que muy posiblemente se encuentre en nosotros mismos.

Fotografía de Ximo Michavila

Como comentaba nada más empezar este artículo "Somos todos los que estamos pero no estamos todos los que somos", y es justamente porque creo que falta algo en algunos de nosotros para que todos los que somos, realmente, seamos todos los que estamos alrededor de esto que se denomina fotografía.

Nota: Este artículo ha sido realizado desde una perspectiva objetiva al igual que lo es el mundo de la fotografía al cual me dedico y tengo tan presente cada día. Por tanto, y respetando toda las posibles opiniones y/o situaciones individuales, considero este texto una mera forma de expresión ante todo lo que vivimos cada día y veo, oigo, percibo en todos los ámbitos del mundo fotográfico, sin que sea una opinión hacia todos los que la practican