La polémica ha vuelto a entrar en el mundo de la fotografía por el tema económico. Nadie se acuerda de nosotros salvo cuando el poderoso señor don Dinero entra en escena. Muchos medios de comunicación, gente del gremio y parte de la sociedad se han llevado las manos a la cabeza cuando han descubierto lo que cobrará el fotógrafo Pierre Gonnord por hacer un retrato a José Luis Rodríguez Zapatero, expresidente de España.

Llama mucho la atención que se hable de la fotografía en nuestra sociedad no porque España sea uno de los cuatro países europeos que no tienen un Centro Nacional de Fotografía... O porque los fotógrafos autónomos lo pasemos tan mal cada tres meses a la hora de pagar nuestros impuestos, si no porque a un fotógrafo se le paga una cantidad asombrosa por hacer su trabajo.

Hay muchas formas de enfocar este debate. Muchos se quejan del coste de la obra que consideran exorbitante. Otros meten la política por medio y consideran que el expresidente, al ser del PSOE, no debe hacerse un retrato de semejante precio (como han hecho todos los demás presidentes, salvo Mariano Rajoy). Y unos pocos esgrimen que no es justo que el dinero salga de los fondos públicos y que por lo tanto no se haya hecho un concurso público... Seguro que es un tema que va a traer cola.

Los retratos de los altos cargos políticos

Pierre Gonnord ha sido elegido por el expresidente español para que le haga el retrato que colgará en las paredes del Consejo de Ministros del palacio de la Moncloa. Es tradición que los expresidentes elijan personalmente al artista por el que quieren pasar a la posteridad.

La negociación no ha sido con el propio autor, sino a través de la galería que le representa, Juana de Aizpuru. Por lo que se puede leer en el comentario de un miembro del prestigioso Foto Foro. Fotografía profesional en España:

... no se trata de una licitación en abierto, es un negociado sin publicidad, de ahí que sólo hay una oferta. Antes de lanzarlo se hace una consulta de mercado y se valoran los costes. El motivo de que no sea en abierto es que al aplicar la fórmula precio se podría encontrar que cualquier autónomo con una cámara lo hiciera por 100 euros y como es un tema artístico y no se pueden aplicar criterios subjetivos (nada más subjetivo que el arte) se tiene que hacer por esta fórmula de contratación.

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Cada época es distinta. Y desde luego no podemos pensar con la mentalidad de la España de Austrias cuando Velázquez pintó 'Las meninas' o cuando Goya inmortalizó a 'La familia de Carlos IV', ya en la época de los Borbones. El arte permite recordarles de la mejor forma posible.

Felipe IV por Diego Velázquez

La cantidad que vamos a pagar todos es muy alta. ¿De verdad un artista debe cobrar tanto si el dinero es público? ¿Estos trabajos deberían ser pagados de forma privada?

Es una excelente noticia que se gaste el dinero en cultura. Sería muy positivo, como proponen en los foros, que el trabajo se tuviera que realizar con la ayuda de un estudiante de Bellas Artes o que el proceso de creación se explicara en las escuelas de fotografía para que todos los estudiantes sepan cómo llegar a ese punto, por ejemplo. Es decir, que la inversión pública recayera en la sociedad de una forma directa, no solo para decorar los pasillos de un espacio que muy poca gente puede llegar a ver.

Pero estamos en el mundo de la política. Y muchos están intentando sacar tajada solo por ser el expresidente de un partido que no es el suyo. Siempre ha pasado lo mismo. Vamos a ver cuánto han costado los retratos de los demás presidentes, o cuánto cobraron Cristina García Rodero o Estela de Castro por las fotografías de la Casa Real.

Los precios de los retratos oficiales

La mayoría de los presidentes siempre han preferido a los pintores. Felipe González y José María Aznar apostaron por los pinceles de Hernán Cortés Moreno. Cobró 69.600 y 82.600 euros, respectivamente. Y creo que muy pocos serán capaces de describir cómo son esos cuadros. Es decir, no han tenido relevancia alguna.

Mariano Rajoy no tiene ningún retrato oficial como expresidente, pero puede presumir de ser uno de los políticos más retratados. Hay más de dos... Como ministro de Interior, Educación y Cultura y de Administraciones Públicas.

Es difícil saber lo que cobró Cristina García Rodero, representada también por la galería Juana de Aizpuru, por las fotografías que hizo en el 40 aniversario de la reina Leticia, pero sí se supo lo que cobró al presidente del Congreso Manuel Marín: 24.780 euros... El anterior presidente del Congreso, José Bono se hizo retratar por el pintor Bernardo Pérez Torrens, por un coste de 82.600 euros...

Estela de Castro cobró 31.157,50 euros por los últimos retratos oficiales de los reyes de España. En este caso hay que recordar que son varios retratos.

Retrato de Manuel Marín por Cristina García Rodero

Las cantidades bailan. Por ejemplo, los tres últimos alcaldes de Madrid han visto sus cuadros en esta legislatura después de pagar 40.000 euros en total (13.200 euros cada uno). Incluso hubo un proyecto tan caro que no se realizó: Francisco Álvarez Cascos, exministro de Fomento, quiso ser retratado por el pintor Antonio López por 194.700 euros...

Los últimos retratos de los alcaldes de Madrid

No podemos saber si veremos una obra de arte en el caso de Rodríguez Zapatero. Solo el tiempo nos dirá si la fotografía que le va a hacer Pierre Gonnord pasará a la historia. Es imposible saberlo. Y tampoco sabremos si esa imagen valdrá lo que nos ha costado.

Hay que apostar por el arte y los creadores. Todos los que nos dedicamos a la fotografía deberíamos poder soñar que algún día lograremos tener semejante caché. Los fotógrafos debemos valorarnos. Otra cosa es si es necesario seguir con esta costumbre o si el autor debería ser elegido por algún mérito concreto.

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Y creo que no es el momento de tirarse piedras, sino de trabajar conjuntamente para que los precios sean lógicos para todos. Como muchos sabéis, hacer una foto no es solo dar un botón. Hay muchas cosas detrás. ¿Vosotros qué pensáis?

Ayer mismo hablábamos de la necesidad de muchos fotógrafos de recibir aprobación por parte de otros a través de Instagram y otras redes sociales. Sea como fuere, los social media se han convertido en una parte indisoluble de nuestras vidas pero también en algo adictivo que puede ser muy peligroso si abusamos de ello. El artista conceptual Andreas Varro ha plasmado estos peligros en una serie de imágenes de los más llamativas y, al tiempo, esclarecedoras.

Su trabajo mezcla fotografía con diseño y arte conceptual para mostrarnos unas instantáneas donde podemos atisbar todo lo que está mal en el hecho de vivir nuestras vidas en Instagram y otras redes sociales. Y no sólo son llamativas sino también demuestran el manejo magistral de Photoshop logrado por este artista sueco de Estocolmo que encontró en esta herramienta una vía de escape a su extrema timidez infantil.

'Forbidden Fruit' 2021. La gran tecnología nos prometió una vida cotidiana más conectada y conveniente, pero ¿eso significa que nuestras vidas son mejores, más ricas y más felices? La investigación científica sugiere que las aplicaciones han sido diseñadas para colocar una cantidad injustificada de deseos en nuestras vidas que nos están haciendo, en el mejor de los casos, menos felices. Pienso en nosotros como si hubiéramos tenido la tentación de morder el anzuelo de la serpiente.

Andreas cuenta que conoció una de las primeras versiones de Photoshop en un viejo ordenador arrinconado en una clase de arte y que le atrapó por su combinación de tecnología y arte visual; también por la capacidad de trabajar en capas y de manipular y recrear imágenes digitalmente. Pronto se convirtió en un experto y le animaron a dedicarse al diseño.

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"Una vez que decidí hacerlo fue como una revelación para ese niño tímido que no se atrevía a hablar. El arte se convirtió en una válvula, donde podía transmitir las historias que quería, para liberar las presiones que tenía dentro. El arte me ayudó a llevar historias sobre la sociedad, las personas, cómo nos tratamos unos a otros, sobre la tecnología y cómo nos afecta, sobre cómo mantenernos fuertes en la vida cuando nos arroja dolor, oscuridad y malevolencia".

'Divided' 2021. Este mundo fragmentado, tribus divididas y océanos separados. Manipulan todas nuestras debilidades. Pero somos uno, no importa cuáles sean nuestras creencias, la individualidad está unida bajo la misma creación humana. Los vínculos siempre están ahí y todavía podemos conectarnos porque todos tenemos el poder de sanar nuestras diferencias, de alcanzarnos unos a otros, y estamos unidos y juntos, somos fuertes.

"Mi esperanza ahora es que ayude a las personas a iniciar un debate sobre la sociedad [...] Espero que estas historias puedan hacer que las personas piensen en sus malos comportamientos y hagan una de las cosas más difíciles que hay en la vida, cambiar y convertirse en una mejor persona, lo que sea que consideren ser una mejor persona".

Con esa idea ha venido desarrollando la serie de imágenes que os estamos mostrando (que por cierto están disponibles para comprarlas en distintos formatos en su web) y cuyos pies de foto no tienen desperdicio. En ellos cuenta lo que trata de expresar siempre relacionado con los peligros de dejar que las redes sociales nos controlen, arruinen nuestra autoestima y lleguen a alterar nuestra visión del mundo y nuestras propias vidas.

'New Gods' 2020. El influencer, el blogger, el vlogger, el tweeter y el que actualiza constantemente su estado. Sosteniendo su libro de conocimiento, se paran en plataformas, todos ofreciendo consejos, opiniones, noticias, información, pero ¿nos detenemos en la calle y escuchamos mientras el predicador o manifestante nos grita su mensaje? ¿Nos empujamos y nos apresuramos a escuchar, nos inclinamos ante los dioses? ¿Podemos hacer nuestro propio camino, encontrar nuestro propio camino, extender la mano y agarrar ese libro polvoriento del estante y buscar nuestras propias verdades? Pero podemos dar la vuelta y ver y saber realmente por nosotros mismos.

El propio Andreas define este trabajo como 'Social Satire Art' ("arte satírico social") y confiesa que las imágenes tienen un tono oscuro y surrealista. Ya hace tiempo os hablamos de otro llamativo trabajo suyo basado en retratos de personas a las que les explotaba un condón lleno de agua en la cabeza, otro proyecto lleno de sátira e ironía que demostraba el gran talento de este artista.

No ya para crear estas piezas de arte conceptual, sino para mostranos con ellas situaciones que nos obligan a mirarnos a nosotros mismos y reflexionar sobre lo que hacemos en nuestras vidas.

'Perfect Lie' 2019. Ocupados elaborando nuestras vidas para los demás, sin atrevernos a mostrar nuestras deficiencias, luchas o tristezas. Este es nuestra portada de la casa, y la nueva forma de mantenerse al día con los demás. Siempre riendo, siempre de vacaciones, siempre abrazando a nuestra familia y amigos, pero nunca revelando las peleas de la noche anterior. Nunca compartiendo nuestra basura, nuestra ropa sucia o batallas con la Salud Mental. Seguimos sonriendo y construyendo una imagen perfecta. Decimos algo de verdad, la verdad a medias, capturando el momento en el que fuimos felices por primera vez en semanas, y el resto del tiempo con una sonrisa que no llega a nuestros ojos. Levantamos una copa para un cumpleaños con amigos, pero nunca mencionamos las tres botellas que bebimos cuando llegamos a casa.

Sin duda un gran trabajo por el que le felicitamos además de, como siempre, agradecerle que nos haya permitido compartirlo con vosotros.

'Pre Marketing' 2019. A partir de seres diminutos, el marketing comienza, recopila datos y nos alimenta y sale de nosotros como una fuga de cerebros al mundo no nacido del mañana. ¿Qué esperanza hay sin los buenos para tomar el control de nuestra tecnología y hacer seguro el futuro de nuestros hijos?

'Lost Love' 2021. Cuando pierdes a alguien que significa todo para ti, deja cicatrices que atraviesan la enormidad del espacio y el tiempo. Cuando alguien te es arrebatado por una muerte no natural, las heridas son aún más profundas. Afecta a las personas más cercanas, familiares y amigos, extendiendo fronteras y generaciones. También cambia nuestro futuro, porque todo el amor que podría haber allí se ha ido, y las cicatrices nunca se van. Es un amor que está constantemente rodeado de oscuridad.

'Psycho' 2018. En la penumbra, el impostor muestra solo la mitad de su rostro, y la calidez que irradia muestra solo la verdad en las sombras. Entra en la cueva oscura, dulce, y siéntate junto al fuego cálido y seguro y siente la seguridad de esos fuertes brazos a tu alrededor. No temas el parpadeo de esos rostros reflejados en las múltiples facetas del diamante, que se retuercen con vil crueldad y se arremolinan con el peligro. No confíes, la vocecita que te advierte, porque estás a salvo aquí en la oscuridad. Toma otro sorbo de la taza y cierra los ojos para siempre.

'Big Brother' 2018. Recopilar: recopilar información. Privado: nadie más puede ver ni oír. La dicotomía del Big Brother Thinkpol está ocurriendo ahora mismo en nuestros hogares. Gratis: no cuesta nada, no necesita ser pagado. ¿Los servicios de reconocimiento de voz son realmente gratuitos? ¿Los servicios de mapas de ubicación son gratuitos? ¿Las cuentas de redes sociales son gratuitas? Libre: no limitado ni controlado, no prisionero, no esclavizado. En casa, con nuestras familias ¿somos realmente libres?

'Eggxersize' 2018. Piense en forma, piense delgado, piense atlético con músculos divinos y un paquete de seis. El coste de vernos bien, pesas, leotardos, batidos de proteínas, todo genera la presión de convertirnos en el ser supremo. Lucha contra la flacidez hasta que estés exhausto de perseguir el cuerpo perfecto. Abrumado, sin esperanzas, y sin salir jamás trepando de la oscuridad a la luz.

'Shortcut' 2017. Solo me estoy engañando a mí mismo, pero soy una persona ocupada. No tengo tiempo para hacer esa investigación o escribir ese ensayo. ¿Hacer ejercicio en el gimnasio? Juego de tontos, acabo de visitar al cirujano plástico, yo. Nadie verá lo que estoy haciendo, nadie notará la diferencia. Mientras otros caen de bruces al intentarlo, yo estoy por delante del juego. Supongo que es lo que llamarías tener mi pastel y comerlo también. No necesito pasión o lucha, porque sea lo que sea, puedo solucionarlo.

'Forever Online' 2017. En la penumbra, el impostor muestra solo la mitad de su rostro, y la calidez que irradia muestra solo la verdad en las sombras. Entra en la cueva oscura, dulce, y siéntate junto al fuego cálido y seguro y siente la seguridad de esos fuertes brazos a tu alrededor. No temas el parpadeo de esos rostros reflejados en las múltiples facetas del diamante, que se retuercen con vil crueldad y se arremolinan con el peligro. No confíes, la vocecita que te advierte, porque estás a salvo aquí en la oscuridad. Toma otro sorbo de la taza y cierra los ojos para siempre.

Andreas Varro | Página web | Instagram | Facebook

Foto de portada: 'Selfish' 2018. ¿Me apruebas a mí y a mi bebé? Gracias por los 'likes', estoy seguro de que cuando mi hija crezca no le importará que haya compartido su vida con el mundo, bueno o malo, para vender productos, servicios y promocionar marcas. Solo necesito la aprobación de ese pulgar hacia arriba para asegurarme de que soy un buena madre, mientras más pulgares hacia arriba, mejor se pone. ¿Qué es lo que dices? Tímida incertidumbre en mis ojos que ansiosamente necesitan esas respuestas, y no hay rincón de la guardería que quede privado, compartiré sus escuelas y calificaciones y logros con todos ustedes sin miedo, remordimiento o preocupación, como, como, como. Hago una reverencia, cae el telón.

Todas las fotografías de Andreas Varro reproducidas con permiso del autor para este artículo

El Premio Nacional de Fotografía es uno de los premios más importantes que puede recibir un fotógrafo español. Es el reconocimiento a una carrera o a una actividad a lo largo del año que se entrega. Este año ha recaído en Ana Teresa Ortega Aznar, una fotógrafa desconocida para el gran público y parte del mundillo fotográfico. Así que hemos decidido analizar su obra para tratar de entenderla.

Los premios siempre son polémicos. La gente se divide entre los que aplauden la decisión y los que la cuestionan. En esta ocasión ha sido curioso... Nadie parece conocer a Ana Teresa Ortega Aznar, no hay muchas fotos de ella circulando por las redes (casi todo el mundo ha utilizado las mismas) y su obra solo es reconocida en un entorno universitario.

Enseguida saltaron las voces discordantes (desde los que se quejan del premio hasta los que critican a los que no saben quién es) y las consignas políticas incomprensibles que corrompen y ensucian todo lo que tocan últimamente.

- La biblioteca, una metáfora del tiempo, 1998 Projector de diapositives i andamis Proyector de diapositivas y andamios Dimensions variables. Dimensiones variables

Se ha olvidado la fotografía, el significado de la obra de la autora y su calidad. Un premio de semejante calibre solo debería recaer en aquellos autores que han marcado a la sociedad o al menos han llamado la atención al mundo cultural. Pero a lo mejor estamos equivocados.

¿Cómo funciona el Premio Nacional de Fotografía?

Este premio es una reivindicación de muchos años. Siempre ha sido el patito feo de las bellas artes. Por ejemplo, hasta que se otorgó por primera vez a Gabriel Cualladó en 1994 no existía un premio institucional que reconociera la labor de los fotógrafos. Estábamos englobados dentro de las Artes Plásticas y solo se acordaron de dos fotógrafos: Catalá Roca y Centelles.

CARTOGRAFÍAS SILENCIADAS 5- Albatera (Alicante), 1939, 2006-2014 Impresión digital sobre fibra de papel 70 x 170 cm

La primera vez que se convocó el premio la intención era:

...reconocer y recompensar la labor de personas físicas o jurídicas puesta de manifiesto a través de una obra o del patrocinio u organización de actos o acontecimientos relacionados con el mundo de la fotografía, de interés cultural relevante, realizados durante 1993

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Como siempre el lenguaje burocrático empeñado en ser directo, claro y comprensible. Luego ya veremos cómo es el lenguaje artístico...

Lo primero que sorprende y llama la atención es que este premio no nació solo para reconocer el trabajo de toda una vida. Es algo que se mantiene hasta hoy, como podemos leer en la última convocatoria:

Asimismo, establece la citada orden que los premios nacionales se otorgarán como recompensa y reconocimiento a la meritoria labor de los galardonados en cada uno de los ámbitos culturales, puesta de manifiesto a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el ejercicio anterior, o, en casos excepcionales, debidamente motivados, como reconocimiento a una trayectoria profesional.

Carmen Valero (CMCV)

Muchos hemos creído que siempre es por la trayectoria del fotógrafo pero lo puedes recibir por hacer algo significativo en el año en el que se otorga. Esto podría explicar algunos de los premiados a lo largo de todos estos últimos años...

¿Pero cómo se elige a los candidatos?

Este es un tema que siempre me ha llenado de dudas e indignación. Todavía hay muchos artistas que no han recibido este premio. José Manuel Navia, Vicente López Tofiño, Sandra Balsells, Tino Soriano... Después de leer el BOE, donde están las bases, entendí todo:

Los candidatos a los Premios Nacionales de Artes Plásticas, de Fotografía, de Diseño de Moda, de Restauración y Conservación de Bienes Culturales y de Tauromaquia serán presentados por los miembros del Jurado o por las entidades culturales o profesionales relacionadas con los diferentes ámbitos culturales, mediante propuestas razonadas dirigidas al Director General de Bellas Artes. En este último caso, el plazo para la presentación de las propuestas y la documentación necesaria será de dos meses a contar desde la fecha de publicación de la presente resolución en el «Boletín Oficial del Estado»

En este caso todos los miembros del jurado eran del ámbito universitario, como Josep Benlloch Serrano, profesor titular y director del Máster de Fotografía de la Universidad Politécnica de Valencia. Así que puede entenderse, desde un punto de vista formal, que seleccionaran previamente a Ana Teresa Ortega Aznar, profesora titular de la Facultad de Bellas Artes de Valencia y codirectora del Máster en Fotografía, Arte y Técnica de la Universidad Politécnica de Valencia.

Y tocaría discutir si sería necesario contar con una lista de candidatos relevantes para dar este premio de suma importancia y algún miembro en el jurado que conozca cómo se desarrolla el mundo fotográfico fuera del círculo cerrado en el que se pueden mover los jueces...

La relevancia del trabajo de Ana Teresa Ortega Aznar

Muchas veces tendemos a decir que la obra de un fotógrafo nos gusta o nos gusta. Y no aportamos nada más. Incluso algunos se han ofendido en las redes sociales con los que reconocen que no habían oído hablar de ella...

El trabajo de Ana Teresa Ortega Aznar no es conocido. He preguntado a muchos fotógrafos y aficionados y a unos pocos les sonaba el nombre. Y lo que más me ha gustado, muchos han decidido estudiar su obra para tener una opinión.

Hay muchas formas de analizar la obra de un autor. Creo que para reconocerle como alguien importante o merecedor de un premio de semejante importancia tendría que sustentarse por su propio peso, saber cómo se expresa, su gramática.

Podemos acudir a las propuestas de Javier Marzal Felici en 'Cómo se lee una fotografía' pero para encontrar si el trabajo de un autor es relevante estudio su lenguaje fotográfico según las bases que ha propuesto Óscar Colorado Nates; y que he adaptado para intentar hacerlo más sencillo (mil perdones).

El estilo de Ana Teresa Ortega Aznar

Así que, en teoría, definir el estilo fotográfico es una tarea sencilla. Es la forma en la que cada fotógrafo utiliza el lenguaje fotográfico, que puede explicarse en 6 bases:

1. Atributos fotográficos: los aspectos técnicos de sus trabajos: el enfoque, exposición, tipo de cámara…
2. Composición: La organización en el plano de los elementos dentro de las series de la autora para dirigir la mirada y descubrir su ritmo.
3. Contenido e intención: cuál es la narrativa visual de la obra en cuestión. Si depende de otras para justificarse o funciona como unidad. Descubrir el propósito del autor.
4. Género: retrato, arquitectura… si la identificamos con un género nos podemos fijar en las reglas que se han utilizado y descubrir si estamos ante una imagen canónica o si está aportando elementos nuevos.
5. Autoría: siempre ayuda conocer al autor para situar su trabajo correctamente.
6. Elementos semióticos: descubrir qué es lo que significa según la semiótica de Charles Sanders Pierce. Esto nos permitirá llegar a la conclusión de si lo que estamos viendo puede ser calificado como arte.

Es muy largo detenerse en todos los puntos en este artículo. No me queda más remedio que hacer un pequeño resumen y que cada uno saque sus propias conclusiones, faltaría más.

FOTO-ESCULTURAS 1- Sin título, 1995 Ferro, fusta, corda i sals de plata sobre tela Hierro, madera, cuerda y sales de plata sobre tela 140 x 270 x 270 cm

Durante 2019 la autora tuvo una exposición retrospectiva en su tierra, comisariada por Josep Benlloch Serrano, en el Centre del Carme Cultura Contemporánea y que se podrá ver en el Museo Universidad de Navarra a partir del 14 de abril de 2021. Aquí puede que esté el origen de la propuesta para el premio en 2020.

No he visto ni la exposición ni su trabajo en persona. Todo lo he encontrado a través de internet. No conozco su obra profundamente. Me tengo que guiar por lo que comenta el comisario de su obra:

a lo largo de los últimos treinta años Ana Teresa Ortega ha desarrollado un trabajo de gran interés constituyendo una parte fundamental del arte contemporáneo de nuestra Comunitat cuando hablamos de fotografía” y ha añadido que “esta exposición nos permite observar en conjunto toda su obra, definiendo los intereses comunes a toda su trayectoria, que no obstante va adoptando diferentes formas y soportes, constatando en su trabajo una cierta primacía de lo conceptual y lo reflexivo sobre lo formal y lo estético.

En la retrospectiva vemos la evolución de la autora desde las fotografías escultóricas de su primera época hasta llegar a sus últimas series donde investiga y profundiza en los lugares perdidos y desconocidos de la memoria histórica de nuestro país con una mirada distante. Y por supuesto apuesta por obras de gran tamaño, como si fuera miembro de la escuela de Düsseldorf. Son 9 series en total.

Parece que no es fiel a ningún soporte. Su fotografía se mueve entre el blanco y negro contrastado y el color poco saturado. Sus fotografías tocan varios palos a la hora de componer y encuadrar, desde la aparente toma directa de la fotografía conceptual al movimiento y trepidación asociada a la fotografía artística.

Carmen Valero (CMCV)

Sigue los preceptos de la fotografía conceptual, disfrazada muchas veces de documentalismo. Lo importante son las ideas y los conceptos que quiere mostrar, mucho más que cualquier aspecto relacionado con la calidad técnica.

Lo que veo en su trabajo no me llama la atención porque ya lo he visto en más ocasiones. Solo hace falta perderse por ARCO o incluso por las pocas salas que apuestan por la fotografía en ESTAMPA para ver una tendencia que parece que lleva 30 años entre nosotros.

Aprecio mucho más todo el trabajo de documentación histórica que se ve detrás que su obra, sobre todo en las últimas series. No llego a conectar con su representación de la realidad. Es verdad que está alejada del gran público y que parece no importarle, pero también es verdad que está cerca de los gustos de las galerías y grandes ferias.

En su biografía señala, con un lenguaje conceptual y profundo como su obra, que:

...reflexiona sobre los media como territorio de dominación y su efecto en una sociedad que ha olvidado como se piensa históricamente, el tema del exilio como evocación alegórica de diversas formas de olvido y exclusión así como la disolución de la memoria de la historia que desde diferentes estrategias discursivas incide en cómo nuestra cultura se ha construido y se construye en buena medida sobre la desmemoria, sobre el olvido intencionado. Estos temas van a ser tratados de manera reiterada y constituyen la piedra angular de su trabajo.

Si nos fijamos en sus libros la gran mayoría están publicados en las instituciones públicas de la tierra donde trabaja, por galerías de arte y por editoriales universitarias. Esto explica que muchos no conozcamos su obra y no nos sonara cuando le otorgaron el importante premio nacional.

Quedaría por ver los aspectos semióticos de su obra. Aquí un buen estudioso podría dilucidar si el trabajo de Ana Teresa Ortega Aznar puede ser calificado como arte. No me queda más remedio que entrar en una valoración personal. Sus fotografías, que no he podido ver en persona, no me emocionan. No me hacen pensar y siento rechazo cuando una exposición se abre con un sesudo texto con palabras pomposas como las que podemos leer dos párrafos más arriba.

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Sobre la falta de sinceridad en la fotografía

Sinceramente no me gusta el último Premio Nacional de Fotografía. Más que una fotógrafa, es alguien que utiliza la cámara porque desconoce los rudimentos de otros instrumentos como el pincel, la pluma o el cincel. Piensa más en el efecto que creará en la galería o en la sala del museo que emocionar al espectador.

Entre los galardonados con el Premio Nacional hay muchos pesos pesados de la fotografía, toda una generación que nos ha llevado al punto dulce en el que nos encontramos. Faltan muchos todavía por reconocer, como ya he señalado. ¿Vosotros qué pensáis? ¿A quién se lo hubierais dado?

“Invitar al público a experimentar desde otra perspectiva, fresca e íntima, la cautivadora belleza del ballet”; así define Brad Walls su proyecto ‘Ballerine de l'air’, una serie de fotografías realizadas desde el aire gracias a un dron que nos muestra esta manifestación artística de una manera poco convencional (pero muy estética).

A Brad ya os lo presentamos el verano pasado a propósito de un trabajo sobre piscinas, que también hizo con drones y con un evidente sentido minimalista. En esta ocasión, la idea surgió a partir de una foto clásica de 1935, 'Teacup ballet' de Olive Cotton, una imagen en donde el juego de la luz y la sombra consigue convertir unas tazas de té en casi en bailarinas.

'Teacup Ballet' de Olive Cotton. Foto compartida en Wikimedia Commons con licencia de dominio público.

Partiendo de esa imagen el autor empezó a explorar y a "fijar ideas en un tablero de inspiración virtual que consistía en sombras, formas y tutús". Y es que, tal y como nos cuenta, "la mayoría de la gente había visto escenas de ballet fotografiadas de forma tradicional, y aunque esas fotos son innegablemente hermosas, quería reescribir la composición, centrándome exclusivamente en las formas de este arte, potenciadas por la luz y las sombras."

Es decir, pretendía ofrecer una visión alternativa del ballet, algo que se ha convertido en la base de su trabajo; "sin embargo —continúa— había fotografiado a personas desde arriba, incluidos atletas olímpicos y modelos, y aunque esas tomas eran muy convincentes, sabía que combinar una forma de arte tan prestigiosa con una vista alternativa sería realmente una forma de mostrar lo mejor de mi arte”.

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Así que se puso en contacto con Montana Rubin, miembro del cuerpo de ballet del prestigioso Australian Ballet quien, por culpa de la pandemia, en ese momento no tenía ningún tipo de actuación. Por ello, la idea de Brad le pareció genial, convencida por la "estética limpia y la atención al detalle" de sus trabajos anteriores. Por este motivo, se mostró encantada de "ver cómo nuestros dos mundos podrían encajar [...] El punto de vista único de Brad también me dio la oportunidad de ver mi forma de arte literalmente desde una perspectiva diferente”.

Para llevar a cabo las fotos, que por cierto salieron a la luz el pasado 29 de octubre, Día Mundial del Ballet se usaron dos localizaciones. La primera fue un almacén con suelos de hormigón, "que contrastaban con los suaves movimientos de las bailarinas", y la segunda un espacio para eventos privados con pintorescos mosaicos en el suelo, "que complementaban la estética visual del tutú de la bailarina".

En estos espacios Brad capturó a Rubin en una serie de posiciones de ballet tradicionales, y también experimentó con algunas no tradicionales, especialmente ideadas para las tomas aéreas. “Era imperativo rendir homenaje al arte del ballet y, al mismo tiempo, añadir un giro nuevo y moderno que incorporaba posiciones y formas que fueran más allá de la forma de arte tradicional”, concluye Walls. El resultado, como estáis viendo, es de lo más estético y original ¿no os parece?

Brad Walls | Página web | Instagram

Fotografías de Brad Walls reproducidas con permiso del autor para este artículo

Una vez más os ofrecemos los resultados de un concurso internacional de fotografía, en este caso del Fine Art Photography Awards (FAPA), un certamen anual de origen norteamericano que pretende premiar la fotografía artística y descubrir talentos emergentes de todo el mundo.

Se trata de la sexta edición de un concurso que busca “artistas y almas únicas que respiren y vivan para la creatividad”. Y lo hacen en (nada menos que) veinte categorías distintas que, además, se desdoblan entre al apartado dedicado a los profesionales y el de los amateurs. A todas ellas se presentaron este año 4300 imágenes provenientes de 89 países de todo el mundo.

'Modern farm' de Carlos Morales Rodríguez. Genador en categoría 'Amateur/Arquitecture' de los FAPA

Unos números que no están nada mal, como tampoco lo está el premio principal que consiste en tres mil dólares en metálico, además del título ‘Professional Fine Art Photographer of the Year’, Honor que fue a parar este año a la holandesa Ewa Cwikla por la foto ‘Candy Smoke’.

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Estas son las imágenes ganadoras del World Press Photo 2020 y las fotos periodísticas más impactantes del año

Tampoco está mal el premio que se lleva el ganador en la competición de aficionados: tres mil dólares, más el título ‘Amateur Fine Art Photographer of the Year’, que fueron a parar a la griega Ioanna Natsikou por la imagen titulada ‘Interlude in Blue’ que habéis visto en portada.

Por lo demás, destacar los españoles que han sido premiados: Joaquín Luna y Miguel Monasterio, ganadores en las categorías profesionales Street Photography y Fine Art (respectivamente), y a Carlos Morales Rodríguez por vencer en en categoría Amateur/Arquitecture. Como siempre, les felicitamos y os dejamos con algunas de las fotos ganadoras, emplazando a su web para ver muchas más.

Ganadores Fine Art Photography Awards

‘Professional Fine Art Photographer of the Year’: Ewa Cwikla por ‘Candy Smoke’:

‘Amateur Fine Art Photographer of the Year’: Ioanna Natsikou por ‘Interlude in Blue’:

Categoría Abstract

Ganador: Randy Fullbright

Subcampeón: Songquan Deng

Tercer puesto: Tom Putt

Categoría Architecture

Ganador: Tom Leighton

Subcampeón: Luca Taukert

Tercer puesto: Masaya Akamatsu

Categoría Cityscape

Ganador: Marcin Giba

Subcampeón: Manna Young

Tercer puesto: Vitaly Golovatyuk

Categoría Conceptual

Ganador: Ewa Cwikla

Subcampeón: Natalie Karpushenko

Tercer puesto: Ali Ghafouri

Categoría Fashion

Ganador: Tonya Polskaya

Subcampeón: Natalia Pipkina

Tercer puesto: Katherine Brook

Categoría Fine Art

Ganador: Miguel Monasterio

Subcampeón: Dasha Pears

Tercer puesto: Anna Buczek

Categoría Landscape

Ganador: Deryk Baumgärtner

Subcampeón: Robert Canis

Tercer puesto: Patrick Ems

Categoría Nature

Ganador: Kevin Krautgartner

Subcampeón: Draco Wong

Tercer puesto: Maja Strgar Kurecic

Categoría Night Photography

Ganador: Dean McLeod

Subcampeón: Miller Yao

Tercer puesto: Jan Šmíd

Categoría Nudes

Ganador: Mati Gelman

Subcampeón: Sergey Afanasiev

Tercer puesto: Adrián Markis

Categoría Open Theme

Ganador: Shira Gutgold

Subcampeón: Michelle Caron-Pawlowsky

Tercer puesto: Mauro Serra

Categoría Panoramic

Ganador: Tom Putt

Subcampeón: Craig Bill

Tercer puesto: Jan Šmíd

Categoría People

Ganador: Ted Lau

Subcampeón: Roguet Philippe

Tercer puesto: Roberto Salgo

Categoría Photojournalism

Ganador: Lucas Urenda

Subcampeón: Czuko Williams

Tercer puesto: Ada Trillo

Categoría Photomanipulation

Ganador: Nick Pedersen

Subcampeón: Lillian Liu

Tercer puesto: Yong Lin Tan

Categoría Portrait

Ganador: Roberto Ricci d`Andonno

Subcampeón: Peyman Naderi

Tercer puesto: Karolina Pyrek

Categoría Seascape

Ganador: Philippe Marchand

Subcampeón: Paolo Lazzarotti

Tercer puesto: Frank Peters

Categoría Street Photography

Ganador: Joaquín Luna

Subcampeón: Leng UNG

Tercer puesto: Lionel Hug

Categoría Travel

Ganador: Donell Gumiran

Subcampeón: Xiao Yi Sun

Tercer puesto: Pygmalion Karatzas

Categoría Wildlife/Animals

Ganador: Nadia Aly

Subcampeón: Francesca Ciri Capra

Tercer puesto: Hannah Assil

Más información y fotos | FAPA 2020

Foto de portada | ‘Interlude in Blue’ de Ioanna Natsikou, Amateur Fine Art Photographer of the Year en los FAPA

El mundo es maravilloso. Para animarnos todos nos estamos ayudando con lo que podemos desde el encierro de nuestras casas. Lo mejor que podemos hacer (si podemos) es quedarnos en ellas. Y para que la cuarentena sea más suave muchas instituciones están ofreciendo material gratuito. En esta ocasión destacamos la idea de uno de los mejores museos de Nueva York, el MET. Podemos leer todos sus catálogos e incluso descargar algunos en formato PDF.

El catálogo es lo que queda de las exposiciones. Ahí reside la memoria. No es lo mismo que contemplar las obras en directo pero al menos puedes recordarlas una y otra vez cuando abres sus páginas. Seguro que tenemos en casa varios de esas exposiciones que nos gustaron (qué buen momento ahora para volver a verlos)...

Ahora tenemos la opción de buscar en las redes los catálogos de exposiciones que nunca hemos podido ver porque se montaron en el MET de Nueva York y no siempre nos viene bien acercarnos a verlas... Por eso es una buena noticia lo que tenemos ahora al alcance de nuestro ratón.

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Los catálogos del MET de Nueva York

Ahora mismo tenemos acceso a cinco décadas de catálogos de este museo. No podemos olvidar que estamos ante uno de los más grandes y completos del mundo: arte americano, asiático, europeo... prehistoria, arte medieval, barroco, contemporáneo... y todas las especialidades. Y por supuesto la fotografía del siglo XIX y XX.

En total hay 578 catálogos. De fotografía encontramos 45. Y descargables 24. Una cifra nada despreciable con una única pega. Están en un exquisito inglés. Para muchos no será problema. Y para los que no dominen el idioma de Shakespeare hay una buena noticia ahora que hay tiempo.

Como los podemos descargar en pdf podemos ir seleccionando el texto y traducirlo con diferentes aplicaciones que podemos encontrar en internet como el Traductor de Google o esa maravilla que se llama DeepL. Lo mejor (con todo el tiempo que nos sobra) sería iniciar un curso de inglés pero como siempre, depende de las necesidades de cada uno.

La página de los catálogos

Pero solo por las ilustraciones merece la pena echar un vistazo a todos. Es una auténtica maravilla y una forma de evadirse y aprender. Entre los catálogos que se pueden descargar destacamos:

• 'The Art of Seeing: Photographs from the Alfred Stieglitz Collection": The Metropolitan Museum of Art Bulletin, v. 35, no. 4 (Spring, 1978)'. Es uno de los boletines del museo en el que podemos conocer la colección de Alfred Stieglitz, uno de los fotógrafos fundamentales de la historia de la fotografía gracias a la difusión de su galería 291 y su famosa revista Camera Work.
• 'Paul Strand circa 1916'. Es una de las grandes sorpresas que todos deberíamos descargar. Es el catálogo de una exposición que nos contó los inicios de un fotógrafo que quiso hacer arte con la fotografía con la fuerza de su propio lenguaje, sin artificios. Aquí podemos ver los platinos que le hicieron famoso y los textos que nos explican todo su proceso creativo.
• 'Perfect Documents: Walker Evans and African Art, 1935'. Un documento muy curioso que muestra la relación dewalker Evans con el arte africano. En él vemos las reproducciones que hizo el padre de muchos fotógrafos de las muestras de arte africano que llegaban a los Estados Unidos. Y es un documento increíble para conocer el buen hacer de Walker Evans, la cara B de uno de los autores más importantes del siglo XX.

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Así que ya tenemos otra forma de entretenernos y de paso conocer un poco más de la historia de nuestra pasión común, la fotografía.

Tras hacer públicas las fotos ganadoras del premio Street Photography Awards 2019 hace justo dos meses, LensCulture ha dado a conocer los resultados de otro de los concursos que organiza. En concreto los Art Photography Awards 2019 que en su segunda edición, premian a los artistas que usan procesos fotográficos e imágenes en su trabajo.

Y es que, como el nombre del certamen indica, aquí de lo que se trata es de elegir a aquellos que destacan por “empujar los límites del medio a través de la experimentación y la innovación creativa”. Curiosamente, a pesar de ello desde la organización destacan que la mayoría de trabajos han versado sobre problemas de naturaleza política y muy actuales.

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Así, buena parte de los 38 fotógrafos premiados (los seis vencedores de las categorías ‘Series’ y ‘Single Image’, más los Juror’s Picks y 25 finalistas) han presentado trabajos creativos utilizando medios mixtos pero con una temática que explora problemas sociales contemporáneos como la inmigración o el calentamiento global y sus consecuencias.

Es el caso del primer premio en categoría Series que se lo ha llevado la norteamericana Noelle Mason con su proyecto ‘X-Ray Vision vs. Invisibility’ en el que se pueden ver inmigrantes ocultos en camiones tratando de cruzar la frontera de México a los EE.UU. También de la foto ‘Rashida. Accra, Agbogbloshie' de la británica Carolina Rapezzi que ha vencido en categoría individual con la imagen que habéis visto en portada y que muestra a una niña que malvive en uno de los mayores basureros de componentes electrónicos del mundo (del que ya os hablamos a propósito de este otro trabajo).

'EUROPE 2' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick en los LensCulture Art Photography Awards 2019

Y aunque los premios principales los han copado fotógrafos anglosajones (curiosamente los tres de series han ido a parar a norteamericanos y las tres individuales a británicos), entre los elegidos por el jurado hay dos españoles, uno en la modalidad de series y otro en categoría individual. En concreto los elegidos han sido Miguel Ángel García (de quien os hablamos el año pasado a propósito de esta exposición) por su serie ‘IN_DEPENDENCIES’ y Lluís Estopiñan por su imagen titulada ‘Reverse’.

Desde aquí felicitamos a todos ellos y, como siempre, os dejamos con las fotos de los ganadores en las distintas categorías, así como los destacados por el jurado, y os remitimos a su página web para ver el resto de finalistas y más interesantes imágenes.

Ganadores LensCulture Art Photography Awards 2019

Categoría Series

Primer premio: ‘X-Ray Vision vs. Invisibility’ de Noelle Mason (EE.UU.)

'Backscatter Blueprint (Janus)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Backscatter Blueprint (Ultima Cena)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Backscatter Blueprint (Homunculus)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Backscatter Blueprint (Los Tristes)' © Noelle Mason, 1st Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

Segundo premio: ‘El Sueño Americano/The American Dream’ de Tom Kiefer (EE.UU.)

'Give Me Your Tired, Your Poor' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Cell Phone Assembly' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Duct Tape Water Bottle' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Soap' © Tom Kiefer, 2nd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

Tercer premio: ‘The World is Astonishing with You in it: A 21st Century Field Guide to the Birds, Ferns and Wildflowers’ de Amanda Marchand (EE.UU.)

'Henslow’s Sparrow' © Amanda Marchand, 3rd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Hart’s Tongue' © Amanda Marchand, 3rd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Tall Bugbane' © Amanda Marchand, 3rd Place Series, LensCulture Art Photography Awards 2019

Categoría Individual

Primer premio: ‘Rashida’ de Carolina Rapezzi (Reino Unido)

Rashida. Accra, Agbogbloshie © Carolina Rapezzi. 1st Place Single, LensCulture Art Photography Awards 2019

Segundo premio: ‘On the Way to Shimoda’ de David Houghton (Reino Unido)

'On the Way to Shimoda' © David Houghton, 2nd Place Single, LensCulture Art Photography Awards 2019

Tercer premio: ‘Mythographies’ de Steven Barritt (Reino Unido)

'The Solitude of Pygmalion' © Steven Barritt, 3rd Place Single, LensCulture Art Photography Awards 2019

Juror´s Picks

‘IN_DEPENDENCIES’ de Miguel Angel Garcia (España)

'IN_DEPENDENCIES 1, Athens' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'IN_DEPENDENCIES 2, Paris' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'IN_DEPENDENCIES 3, Berlin' © Miguel Ángel García, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘I Need You More Than You Need Me’ de Edgar Martins (Reino Unido):

'Make Men Great Again' © Edgar Martins, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'The hatch is not the sort of place to have a face like a slapped ass' © Edgar Martins, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'No Man is an Island' © Edgar Martins, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘Pending Memories’ de Adrián Fernández Milanés (Cuba):

'Untitled No 1' © Adrián Fernández Milanés, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled No 2' © Adrián Fernández Milanés, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled No 3' © Adrián Fernández Milanés, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘Turistica’ de Carlo Rusca (Suiza):

'Untitled 01' © Carlo Rusca, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled 02' © Carlo Rusca, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Untitled 03' © Carlo Rusca, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Serie ‘Surprise Inside’ de Walter Plotnick (EE.UU.):

'Surprise Inside 1' © Walter Plotnick, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Surprise Inside 2' © Walter Plotnick, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

'Surprise Inside 3' © Walter Plotnick, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

‘Reverse’ de Lluís Estopiñan (España)

'Reverse_B03' © Lluís Estopiñan, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

‘Studio Practice’ de Julia SH (EE.UU.)

'Studio Practice' © Julia SH, Juror’s Pick, LensCulture Art Photography Awards 2019

Más información y fotos | LensCulture

Foto de portada | 'Rashida. Accra, Agbogbloshie' © Carolina Rapezzi. Primer premio en categoría individual de los LensCulture Art Photography Awards 2019

La conocimos a raíz de la concesión del premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2018 por su serie ‘Naranja de sangre’, pero esta joven fotógrafa mexicana tiene ya varios premios y una interesante trayectoria gracias a un trabajo muy personal e imaginativo.

Y es que los proyectos de Liza Ambrossio mezclan distintos formatos y todo tipo de fuentes para crear un universo personal único que se nutre de pinturas crípticas, performance, archivos macabros, intervenciones, vídeos, psicología, sueños y pesadillas lúcidas, brujería, ciencia ficción… Sin duda se trata de una artista muy especial con un rico mundo interior tal y como quedó claro en la entrevista que mantuvimos con ella y que transcribimos a continuación.

La artista Liza Ambrossio

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Liza Ambrossio vencedora del Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2018 con su proyecto ‘Naranja de Sangre’

Gracias por charlar con nosotros Liza. Como suele ser habitual, comenzamos preguntándote por tu trayectoria ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafa?

Una verdad cliché es que un artista no se hace, nace. Para mí, no hay mayor mentira que la sobreeducación del arte; Es castrar lo que es natural o lo que no lo es. Lo mismo sucede con los deportistas de alto rendimiento, los talentos de la ópera y los aspirantes a santos. Yo ya era artista desde que tengo memoria y estoy aprendiendo a vivir con la libertad que me es innata y en defensa de mi obra. Me dedico a esto porque es lo único que sé hacer y es a lo que quiero dedicar mi vida.

De muy niña estudié pintura clásica, pero no me considero una pintora con letras mayúsculas. Después pasé un par de años esculpiendo personajes imaginarios en masa de maíz, plastilina y cosas por el estilo. Pronto mi madre descubrió que escribía muy bien, pero no le gustaba lo que escribía porque ya entonces era radical y me gustaba basar mis personajes en la gente cercana a mí –como hacen la mayoría de los escritores-; mis facultades me ganaron varios pases a terapia. Así que escribir estuvo bien, pero en secreto.

Tiempo después, cuando tenía 16 años, me desperté, tomé un poco de dinero de un cajón y me fui a una tienda en el centro histórico de la Ciudad de México. Le pedí al vendedor que me diera lo mejor que pudiera comprar con lo que tenía. No sabía cuánto costaba nada.

A los 14 años fui parte de un colectivo de activistas por la comunidad LGBTI. Salíamos a hacer performances y a desfilar con vestidos de papel. A los 15-16 años me fui de casa y empecé a vivir a lo loco gracias a las becas de estudio en el extranjero (Estados Unidos, Islandia y España) y fue en ese momento donde comenzó la conexión con muchos de los artistas más importantes de Latinoamérica y agentes del arte en Europa, lo que autentificaría mi potencial para hacer vídeo, continuar escribiendo y fotografiando. Lo demás es una mezcla de caídas y saltos al vuelo. Pero, es así como me integré al mundo de los espejos.

Sin duda tus imágenes se salen de lo convencional ¿Cómo definirías tu trabajo? ¿En qué género lo encuadrarías?

Yo no encuadro mi trabajo, no hay nada más lejano a mi forma de entender el mundo que la pretensión de una estructura. Dejo que el trabajo mande en mi vida y se construya a sí mismo.

Tu fotografía mezcla muchas cosas ¿cómo es el proceso para llegar a unir cosas tan diferentes como las que aparecen en tus imágenes? ¿Todo surge espontáneamente de tu imaginación o es fruto de un largo proceso de elaboración?

Todos los procesos detonan algo hacia adentro o hacia afuera y mi trabajo sale de dentro, de las entrañas, y después se abre a la interpretación.

¿Qué importancia tiene la religión en tu trabajo? ¿Y la psicología?

Todo el arte posee algo de religioso, pero no me refiero a la religión de libros, sino al mecanismo espiritual y filosófico que todos contenemos para intentar acercarnos a lo divino y a lo demoniaco. Mi trabajo no se puede alejar de esa tensión porque soy un ser muy actual y que se deja invadir por símbolos de todo tipo: Psicológicos, políticos, personales... Y a la vez soy muy negada al proselitismo y a relacionarme con el pensamiento de las religiones, sin nunca abandonar las búsquedas de cómo se conforma o se destruye el pensamiento y las acciones que le continúan.

¿Es cierto que en tus comienzos hiciste fotografía de sucesos? ¿Tuvo mucha influencia posterior en tu obra?

Sí, “nota roja”, que es un tipo de fotografía mexicana que no posee traducción a la prensa de otros países. Se trata de acechar la guerra, la tortura, la destrucción y el auto exterminio sin aparente sentido. Con el tiempo lo he interpretado como un síntoma del pensamiento y la sociedad mexicana siempre en erupción. Cuando estás viviendo cada madrugada la muerte de alguien que no conoces te deja de importar quién fue esa persona y te vuelves, como dijo Emile Zola en ‘La obra’, la sombra de lo nauseabundo.

Algo bien sabido es que los mexicanos tenemos fascinación con la muerte, la sensualidad y la violencia, es algo epigenético, lo llevamos en la sangre, desde los pueblos indígenas hasta en la forma de alimentarnos, el narcotráfico o la forma de abordar la vida.

Hacer este tipo de trabajo me dio permiso de observar mis más angustiosas pesadillas y sueños sin prejuicios. Aunque en ese mismo momento me sucedían muchas historias: Acababa de suicidarse mi mejor amigo de aquellos años, un fotoperiodista que me había adoptado como una hermana pequeña. No sé si había llegado a los 18 años, pero el dolor estaba posado en mí porque de una noche a otra me había quedado sin él, sin donde vivir y además, me habían ofrecido pasearme por las madrugadas viendo muertos en las colonias más pobres y violentas de la ciudad. Todo un lujo al que no me pude resistir porque por alguna razón necesitaba ver lo terrible, porque no sentía nada y a ratos se me caía el mundo. Hasta que un día me cansé de la muerte o ella se cansó de mí y decidí irme a viajar porque las venas sangrantes de mi país habían intentado ahogar mi propio dolor.

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“Nunca pensé que mi foto iba a ganar”, Ronaldo Schemidt, vencedor del World Press Photo 2018

¿Qué es lo que pretendes con tus fotos? ¿Tratas de provocar al espectador, hacerle pensar o simplemente es una forma de expresarte?

Rendir una ofrenda al arte con mi propia alma, pensamiento y vida.

Además de fotografía utilizas muchos otros medios ¿Te consideras fotógrafa o simplemente artista visual? ¿Crees que la fotografía tiene más capacidad de llegar a la gente combinándola con otro tipo de medios?

Diría que soy una artista promiscua que por el momento se ve fascinada por la rapidez de la fotografía, pero no posee facultades de permanencia en un medio. Actualmente trabajo en la producción de mi primera novela. La combinación de medios es, por así decirlo, el destino de mi lenguaje, pero no creo que sea la ruta correcta de la imagen, solo es una coincidencia.

Háblanos de tu último proyecto ‘Naranja de Sangre’… ¿En qué te inspiraste? ¿qué pretendías contar en él?

Es la proyección de una naranja que sangra (traducción literal de ‘Orange Sanguine’ en francés). Dos colores son los pigmentos base de mi proyecto: El naranjado, el color de la juventud, la alegría, el punto más álgido del fuego, la tierra, y la diversión. Y el rojo, el color de la violencia, ira, rapidez, fuerza, sangre, poder, pasión y amor. A ellos les adhiero un tercer color complementario, el amarillo: Locura, luz y guía en el caos.

Toda la gama explota dentro de una sección de mi mente que permanece en la oscuridad, y que a su vez rebela una antiquísima simbología encriptada. Las naranjas significan en muchos pueblos de la tradición indígena americana, y otros credos al sur de Europa e incluso Asía, traición, violencia, sangre, sol o muerte. En las ofrendas mexicanas de día de muertos el tono anaranjado controla todo. Es el símbolo del astro mayor. Como lo es también el color amarillo. Las sombras que se proyectan en todo mi trabajo están relacionadas con el factor tiempo y este fruto; Significan a su vez el sol negro que es el principio del amanecer y que se convertirá en la estrella de la mañana latente de mutar al color naranja. La estrella de la mañana es también uno de los nombres de los dioses del inframundo y del dios de la guerra, quien es capaz de dotar al mundo de un nuevo orden después de la destrucción.

‘Naranja de sangre’ es un retrato contemporáneo del caos que se expresa convulsivamente en torno al cambio, la maldad y lo maldito, la enfermedad mental, la soledad, la epigenética, el ritualismo, el desarraigo, la libertad y el destino. Traza una narrativa usando la fuerza del instinto y la supervivencia emocional en el marco de un mundo cuyas leyes de vida están igualmente marcadas por el amor y la violencia. Un mundo donde lo sentido y lo vivido a veces se fusiona de manera mágica o trágica.

En este circuito mi relación con el terror responde a una necesidad muy primitiva, porque me permite desarrollar universos en los que surgen personajes extraños que pueden asumir una personalidad sobrenatural para enfrentar diferentes fases del infierno solo a través de la demencia.

Este proyecto es un drama agudo, rítmico y desgarrador que busca devorar al espectador a través de la asociación tradicional de mi origen mexicano: Rituales de muerte, sacrificio, sangre y actos de brujería, ejecutados en los rincones teóricamente más alejados a mi cultura: Islandia, Suecia, Suiza, Dinamarca, Holanda, etc. El sentido de desarraigo y la necesidad de conectar con lo más profundo de los orígenes de la humanidad pierden el pudor y se dejan encontrar en mi mirada.

En una de las cartas de Hernán Cortés (el conquistador español) a la reina de España Isabel la Católica a la llegada de éste a la ciudad imperial de Tenotchitlan (hoy Ciudad de México) se describe a los pobladores originarios como seres del inframundo:

“Cuando sorprendido por la blancura y la dimensión de la pirámide del sol contrastada por un denso color rojo en las escaleras. Se aterroriza al ver recostarse en la punta de la pirámide al ultimo ganador del juego de pelota, un sacerdote azteca le clava un cuchillo de obsidiana en el esternón, en ese instante le saca el corazón mientras aun grita de dolor,-ahora se ha convertido en comida para los dioses- el sacerdote se lo devora aún palpitando y deja que la sangre del moribundo pinte las escaleras de la pirámide de rojo.”

Al igual que en esta escena de la historia de la humanidad mi libro sangra: Lo animal y lo vegetal, lo espiritual y lo carnal adquieren la misma dimensión. Y la historia cambia de ruta cuando los arquetipos de europeo se vuelven extravagantes en mi iconografía.

Todos mis proyectos están vinculados y direccionados por un rictus relacionado con la figura de la hechicera como un ser capaz de emerger del inframundo, inteligente, arriesgado, mágico y todo poderoso. Todo hombre o ser vivo se inclina, desarma o muere.

Háblanos de tus referentes...

H.P. Lovecraft, Alejandro Jodorowsky, F.W. Murnau, Roman Polanski, David Cronenberg, Luis Buñuel, William Burroughs, Emmanuel Lubezky y Goya. Son quizás una suerte de ritual de exorcismo. Pero creo que lo que más ha marcado mi obra es mi creencia en que la realidad está sobrevalorada y la fantasía subestimada, en mi resolución lo más rico que existe en la vida es la fabulación y el poder de imaginar.

Por eso, mi fotografía está cargada de gestos performáticos y cinematográficos, al mismo tiempo alusivos al archivo pictórico y del documental. Consecuentemente mi trabajo se ha convertido en un ejercicio de libertad siniestra llevada hasta sus más extrañas consecuencias, que posee una fuerte relación con el azar y el instinto tratando de usar todas las herramientas narrativas para crear alguna emoción dentro de la imperfección.

Es una afrenta al terror y la deshumanización porque creo que la pasión humana es en sí misma un acto de desafío. Disfruto el jugar a fallar y vivir, mezclando diversas técnicas (imágenes de archivo, intervención pictórica, maquillaje, collage, fotografía analógica y digital…). Los textos que acompañan mi trabajo los inspiro basados en crudos instantes de desapego extremo. Entre la locura y la completa claridad (flashbacks).

¿Crees que tus fotografías se entienden mejor en México o en Europa?

Creo que mis fotografías poseen un contenido universal y que pueden interpretarse con la misma pasión en el continente europeo, americano o donde sea. Aunque si de lo que estamos hablando son de guetos de poder, para mí es más fácil darle movimiento en Europa a mi trabajo que en México. Por varias motivaciones: Los criterios visuales son más abiertos aquí que en Latinoamérica, apegada al documentalismo clásico, la dirección de dos o tres personajes para todo Latinoamérica y el conceptualismo old style. De Europa me gusta que existen muchísimos personajes que destacan en el mundo del arte y también que hay una educación visual más consciente a este lado del charco que del otro lado, aunque Europa es como Latinoamérica en otro sentido; La capacidad de visión de los agentes del mundo del arte se modifica de acuerdo al país, no es lo mismo hacer desde España, que desde Noruega o Francia.

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“Queremos que el creador, que pone precio a su trabajo, reciba una remuneración justa y digna”, Íñigo Lerma, fundador de Kilfi

De todos los premios conseguidos ¿cuál es el que te ha ayudado más en tu carrera?

Entre profesionales de la fotografía, el premio Voies Off de los encuentros de fotografía de Arles, Francia es de lo más elitista y me ha gestado un respeto que antes no tenían mis proyectos. Pero el premio Nuevo Talento FNAC ha potenciado mis proyectos de una forma más social, pues se puede acercar cualquier persona al proyecto sin temor de ser considerado fuera del circuito del arte, tener tus imágenes en una tienda, dar una charla y que igual el paseante del día, que un estudiante de fotografía, un profe o el director de un festival se te acerque en el mismo sitio es todo un lujo que me ha generado seguidores de todos los medios. Próximamente me encontraré en Fnac San Agustín (Valencia) del 29 de enero al 17 de marzo. En la feria Just Mad en Madrid del 18 al 26 de febrero y en Mecanic-Barcelona el día 22 de febrero.

¿Qué importancia tiene el equipo en tu trabajo? ¿Qué cámara y objetivos utilizas?

La misma importancia que tiene la marca de mi lápiz en la cartera. Uso lo que tengo al momento, ahora tengo una Sony A7 III porque me la regaló un generoso fotógrafo en Houston, Texas. Pero igual fotografío con los bichos menos sofisticados.

¿Eres de los que llevan siempre una cámara consigo a todas partes?

Para nada, la cámara es un lastre y un arma de detonación. Cuesta cargar con ella, pensar, sentir y entender...

¿Cuál tu próximo proyecto?

La construcción de mi novela ‘Promesas crueles’ y el desarrollo de mi serie ‘Agua de fuego-Leche de tigre’, un viaje entre el pasado y la modernidad del derecho al auto exterminio, donde relato el suicidio de mi padre y mi relación con el oscuro destino de los hombres en varias cotas de mi vida.

Pues muchas gracias Liza, felicidades por el premio, mucha suerte con tus proyectos, y esperamos que a pesar de que experimentes con otras artes no dejes nunca de lado el mundo de la fotografía.

Liza Ambrossio | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Liza Ambrossio reproducidas con permiso del autor para este artículo

Bienvenidos un domingo más a nuestro Galaxia Xataka Foto con las propuestas más interesantes sobre fotografía que hemos encontrado en nuestro deambular por la Red de redes y queremos compartir con vosotros en este domingo ya otoñal.

• Comenzamos hablando de la feria Photokina que tanto ha dado que hablar en los últimos días y de la cual os hemos ido contado lo allí presentado. Pero también es interesante ver la opinión desde un punto de vista muy personal del maestro Valentín Sama en su blog sobre lo que fue Photokina y lo que es actualmente.

• Se han desvelado los ganadores de la primera edición de los Premios al Talento Fotográfico The Yellow Awards organizados por la escuela de fotografía Too Many Flash y los resultados los podéis ver aquí. Felicidades a los premiados.

• Si te gusta la fotografía de calle te recomendamos dos entradas de fotógrafos muy diferentes (una clásica y otro contemporáneo) pero ambos excelentes. En Cartier Bresson no es un reloj nos hablan de la gran Helen Lewitt, mientras que en Cultura Inquieta dedican un artículo a Matt Stuart.

• Porque un poquito de autocrítica nunca viene mal, os recomendamos esta breve entrada de Fotofestín cuyo título lo dice todo: “Qué pensar si perdiste un Concurso de Foto”.

• El otro día hablábamos sobre la peligrosidad de los selfies y por eso queremos recomendaros un artículo que hemos visto en Público que aborda el tema desde un punto de vista más profundo y psicológico.

• Terminamos con una recomendación muy especial, una galería de arte dentro de un mercado que pretende llevar la fotografía de autor, y el arte en general, al público de la calle (lleve o no carrito de la compra). Se trata de La Pecera y se ha instalado en el madrileño Mercado de La Cebada, en el barrio de La Latina. Ya está abierto para cualquiera que quiera visitarlo y en principio cuenta con obras del fotógrafo Javier Jimeno que expone junto a otros dos artistas visuales.

Con esto acabamos por esta vez pero, como siempre, os invitamos a enviarnos vuestras pistas y sugerencias a través del formulario de contacto. ¡Hasta el domingo que viene!

Foto de portada | Una imagen de La pecera en el mercado de la Cebada de Madrid. Foto de Javier Jimeno

El miedo de muchos fotógrafos es caer en el lote que termina por rendirse ya que no encuentra originalidad en su mirada. Es probablemente lo más difícil de este arte, ¿cómo crear imágenes cuando prácticamente ya todo está creado? Cuando llegan puntos de estanque nos vemos compartiendo un espacio en Instagram, en una de esas imágenes que muestra como nuestra fotografía es parte de una tendencia, que miles de fotógrafos ya han hecho y siguen haciendo lo mismo.

La muerte de la originalidad

El gran problema con la originalidad es que depende de nuestro conocimiento. Entre menos conoce el espectador, más original puede ser una toma. Lo mismo ocurre con nuestra fotografía. Entre menos sabemos que hay, más original creemos que somos. A medida que encontramos fotógrafos que hacen lo mismo que nosotros y mucho mejor, esa originalidad se nos rompe en trozos. Ahí es donde podemos caer en negación, o motivarnos a seguir explorando y mejorando en la vida.

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Nikon Photo Contest 2018-2019: estas son las fotografías ganadoras en su 50º aniversario

Sin embargo, la era digital ha transformado nuestras generaciones en vagos exploradores de conocimiento. Por ende, consumimos las tendencias y eso se vuelve nuestro referente visual. Lo que exploramos y analizamos en la imagen son esos dos segundos que nos detenemos a observar una foto en Instagram, darle like y seguir adelante; o son esos cinco minutos de video de YouTube en los que pasamos oyendo a alguien mientras estamos distraídos con otra actividad.

Se ha perdido la costumbre de explorar el arte. Son menos los que se dedican a ir a un museo a ver un pedazo de exposición, pasar minutos frente a un cuadro de un artista favorito. Son menos quienes se detienen a agarrar un fotógrafo y entender bien su estilo, como hace sus tomas, como trata el color, como se inspira a tomar esas imágenes. Tampoco vemos películas con detenimiento, analizando cómo el director de fotografía encuadra e ilumina para ayudar a la narración, cómo el director decide presentar una secuencia para contarnos la historia de aquel personaje. Son muchos más los que comparten mi afición de jugar videojuegos, pero ¿cuántos se han detenido a observar el mundo creado por los magníficos equipos de arte de las desarrolladoras?

Es importante recuperar nuestra afición a observar, a referenciarnos; si queremos ser “originales”.

Observar más

Existen miles de ejercicios para poder mejorar nuestra fotografía y pulir nuestra originalidad. Dependiendo de cada fotógrafo, saldrán trucos que os gustarán más o menos. Mis ejercicios recaen mucho en consumir contenido. Así que son pequeños tips que os doy.

• Tablero de Pinterest: Tengo un tablero de Pinterest que tiene solo capturas de cuadros de películas. Ese tablero lo uso como una referencia de estilo, de ahí saco paletas de colores o composiciones que me interesan para mis fotografías y es de donde saco las bases de mis propuestas a clientes. Guardar lo que nos interesa nos ayuda a ir identificando los elementos que componen nuestro estilo.

Pinterest es tu amigo

• Ir a museos y exposiciones: Observar otros tipos de arte nos ayuda a entender mejor el uso del color, las formas, las composiciones. No hay que ser un experto teórico del arte para aprender algo de él (yo nunca me acuerdo ni de la mitad de los nombres de los artistas que veo). Pero al ver detenidamente los cuadros, hay elementos que s quedan grabados y nos ayudan a pulir nuestro gusto visual.

• Ver dos películas a la semana, bien vistas: No el típico ‘Netflix and chill’, no ver películas con el móvil en la mano, no ver películas con alguien. Solo tu, la pantalla (tal vez pop corn de microondas) y una película. En especial, trata de seleccionar películas de directores de fotografía reconocidos, ganadores de premios, pues visualmente siempre tendrán algo que ofrecer. Pero este ejercicio es igual de poderoso para ejercitar la mirada si véis ‘Legalmente Rubia’ o si véis ‘Interstellar’.

• Eliminar los presets de la vida: Nunca fuí muy fan de los presets, porque condicionan mi toma a lo que pide el preset para que funcione. Pero amo entender para qué sirven las herramientas de un software y experimentar con ellas. Así que dejad el preset de lado, entrenad en conocer el software de edición y retoque que utilicéis y, más bien, tratad de conseguir el estilo de imagen usando la lógica de cómo funcionan las herramientas. Más de una vez la liaréis en grande, pero os hará entender mejor la relación en la forma que capturáis una imagen y cómo la podéis editar.

• ¡Copiad!¡Copiad por montón!: Si hay un fotógrafo que os cautiva, tratad de recrear sus fotografías. No solo os ayudará a entenderlo mejor conceptualmente, será una buena herramienta de entender la luz, la relación de sujeto-fondo y los procesos de edición que hacen que sus imágenes sean espectaculares. Por ejemplo, soy fan de copiar el trabajo de Hiroshi Sugimoto. Nada de ello termina llegando al portafolio, pero siempre me abre la cabeza a entender más este arte que amo.

Y vosotros, ¿qué ejercicios realizáis para pulir vuestra originalidad?

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Foto inicio | Daniil Vnoutchkov