Me ha encantado el ingenio de Julius Von Bismarck llamado “The Image Fulgurator”; un dispositivo capaz de manipular las fotografías mientras se están tomando, sin que nadie se percate de ello hasta ver el resultado.

Funciona cuando alguien está haciendo una fotografía con ayuda de flash. Así las células fotosensibles del “Fulgurator” reaccionan y en cuestión de milisegundos ha proyectado una imagen que acabará formando parte de la fotografía. El tiempo suficiente para que no podamos apreciarlo a simple vista. Sólo cuando echemos un vistazo en la pantalla nos damos cuenta de que nuestra cámara ha captado algo que no estaba allí.

Lo que ha hecho Julius es invertir el funcionamiento de una cámara analógica; en vez de captar luz, el “Fulgurator” la emite. Un flash colocado en la parte trasera de la cámara proyecta la imagen que hay en la película. Pero lo mejor es verlo en funcionamiento para acabar de entenderlo:

Más allá del funcionamiento del dispositivo, lo interesante es la intencionalidad del mismo. Julius Von Bismarck se vio motivado por la gran confianza que la gente deposita en la representación de la realidad que captan con sus cámaras, y como la manipulación que puede llevar a cabo el “Fulgurator” puede tener el mismo efecto que la que hacen los medios de comunicación de masas con la realidad que nos rodea. Aunque él busca otra forma de manipulación.

En el video mismo podemos ver como unos turistas se retratan junto a una famosa señal berlinesa que marcaba la frontera del muro de Berlín, y que reza: “Está usted entrando en sector americano”. Pero cuando ven la fotografía pueden leer: “Cientos de personas murieron el pasado año intentando hacer esto en la frontera entre estadosunidos y México”.

Un ingenio que en buenas manos puede ser un gran arma de sensibilización, como muchas obras de arte. Y pienso que esto no deja de ser arte, una auténtica “perfomance”.

Vía | Engadget
Sitio Oficial | Image Fulgurator

En casi todas las ciudades creo que existe esa librearía que todo el mundo te aconseja. Sobre todo si lo que buscamos son libros de fotografía. Un sitio donde sabes que vas a encontrar las últimas novedades que sigues por Internet, o que al menos puedes pedirlos encargados sin temor a tener que insistir y ser un pesado para que te lo busquen hasta debajo de las piedras.

Pero en unas ciudades más que en otras. Al menos los que tenéis la suerte de vivir en Madrid contáis con “GraphicBook”, una librería especializada en diseño, ilustración o fotografía, entre otras cosas relacionadas con el diseño y el arte. Que puedes encontrar en el numero 50 de la calle Palma de Madrid.

También tienen página web. Pero no hay nada como la atención personalizada que te puede dar una tienda especializada. ¿Conocéis librerías especializadas en vuestra ciudad?.

Vía | Urbit.es
Sitio Oficial | GraphicBook
La fotografía es de Victoriano Izquierdo

Estaba viendo algunos trabajos de fotógrafos de cine y me encontré con la web de Dan Winters. Después de un rato viendo fotos retocadas hasta la extenuación, las fotografías de Winters me sentaron como un jarro de agua fresca.

Destacan sus retratos, sobre todo a actores famosos. Él mismo dice que lo suyo no lo definiría como estilo propio, es más bien cuestión de sensibilidad. Y desde luego es lo que llama la atención en sus retratos, o como muestra con tanta simplicidad el carácter de las personas.

La clave de sus retratos es la iluminación, un aspecto que en la mayoría de sus fotos trabaja mucho más que la escenografía. Fijaos en la luz de cada una de las fotografías, como para cada persona hay una iluminación completamente diferente.

Si hay escenografía, esta no le roba protagonismo a la persona, todo lo contrario, ayuda a reforzar su imagen. Para algunos de sus retratos llega a construir sus propios sets, dedicados de forma específica para esa fotografía.

Ha recibido cientos de premios en estadosunidos, pero el más importante fue el primer puesto en el World Press Photo de 2004, en la categoría de arte por un retrato de Leonardo di Caprio. Trabaja para publicacions como The New York Times Magazine, Esquire, GQ o The New Yorker.

Espero que disfrutéis viendo sus fotografías, y sus ilustraciones, que tampoco tienen desperdicio.

Sitio Oficial | Dan Winters

Que no hay que perderse, aunque suene a tópico, si tenéis la oportunidad y estáis por Madrid o Barcelona, apuntad estas fechas y lugares. Nunca se aprende lo suficiente de los maestros de la fotografía.

En la Sala de Exposiciones de la Fundación Telefónica de Madrid se puede ver la mayor colección de fotografías que se ha reunido en España de Horacio Coppola, afamado fotógrafo argentino. Documentó como nadie el avance a la modernidad de su ciudad natal; Buenos Aires, y en sus fotografías destaca su dedicación por los espacios urbanos y la geometría. La exposición se puede ver hasta el 25 de Mayo.

Y en el Centro de Cultura Comtemporanea de Barcelona podemos ver la exposición titulada “Magnum, 10 secuencias”. 10 fotógrafos de la agencia Magnum muestran la influencia del cine en su imaginario. Además de la exposición se llevarán a cabo talleres, conferencias y proyecciones. La exposición finaliza el 7 de Septiembre de 2008, tiempo hay para verla.

Vía | DSLR Magazine.
Más información | Fundación Telefónica, CCCB

Hipic es un proyecto artístico independiente que tiene la fotografía como motor principal. Es un mural virtual donde personas de cualquier parte del mundo pueden colaborar enviando fotografías, sin restricciones artísticas ni técnicas.

Las fotografías se van mostrando de una en una, cambiando a cada minuto. El objetivo es mostrar esas fotografías de forma sincronizada en diferentes lugares donde se disponga de una pantalla y conexión a internet, normalmente instalaciones relacionadas con el arte.

Como las fotografías no se repiten y la obra se va nutriendo de los aportes de los usuarios, en el momento en que se dejen de subir fotos, la obra se dará por finalizada. Arte efímero colectivo, o algo así. En fin, que es llamativa la idea de que tus fotos las pueda estar viendo alguien en una galería de arte de Shangái, o donde sea que tienen Hipic conectado. Ánimo y participa.

Vía | Cámara Abierta
Sitio Oficial | Hipic
Fotografía de alvazer

“The Ones We Love” es un proyecto que está recopilando el trabajo de varios fotógrafos jóvenes de todas partes del mundo. Cada fotógrafo contribuye con seis fotografías, las cuales tienen una temática común; fotografiar a la persona o personas más importantes para cada uno.

Solamente exigen que las fotografías estén realizadas en exteriores y con luz natural. Siguiendo todos esas mismas pautas, es interesante ver los diferentes resultados que obtiene cada fotógrafo.

Están abiertos a contribuciones, así que si tienes en mente a alguien que se merezca este homenaje, no lo dejes pasar.

Sitio Oficial | The Ones We Love

Colores primarios y secundarios, círculo cromático, colores de mezcla, gradaciones o matices, colores complementarios, luminosidad, colores acromáticos, colores calientes y fríos, escalas lumínicas, escalas unidimensionales, bidimensionales y estructuras tridimensionales, cubo de Hickethier, el doble cono de Ostwald… : son algunos de los términos existentes referidos al color. Podría escribir varios libros, como los hay, sobre este único tema, pero como no tenemos tiempo ( ni tú querido lector de Xataka Foto, ni yo) pues intentaremos hacer una síntesis práctica que ayude más que dificulte la ya dura labor del aprendizaje.

La Armonía

La armonía en sí, es ya un arte; el de saber combinar, en este caso, los colores en una imagen de tal forma que creen una sensación agradable en la visualización de la fotografía.

En la música, existe incluso una función matemática que expresa esa armonía (y = ( i – 0) ( i – n ) = i^2 -i n ) Pero ¿ y los colores? ¿ Cómo hemos de disponerlos ? Pues también existe
una teoría acerca de ello, la teoría del Color.

Cualidades propias de cada Color

Matiz o tono: corresponde al nombre del color: rojo, verde, amarillo, azul…

Saturación: La pureza de un color sin mezcla de otro.

Luminosidad: La mayor o menor brillantez que posee un color respecto a los demás.

En toda composición bien organizada, el matiz, así como su saturación y luminosidad están establecidas de tal modo que forman entre si un conjunto equilibrado. Además cualquiera de estos parámetros son fácilmente modificables desde software de edición digital y es específico sobre archivos RAW.

Los colores complementarios

A cada color le corresponde su complementario, el opuesto en el círculo cromático. Son colores que se intensifican mutuamente. Y es que al parecer la visualización persistente de un color primario fatiga las zonas sensibles de dicho color en el cerebro y el ojo fabrica el complementario como defensa al cansancio producido. Al cambiar la vista hacia otra zona hace que aparezca la post-imagen en su color complementario durante algunos segundo .

Prueba a cerrar los ojos fuertemente tras mirar durante unos segundos tu pantalla y verás la de colorines que aparecen en tu retina.

Por ello trata de que los elementos que forman parte de la fotografía cumplan dicha condición siempre que puedas.
Por ejemplo en fondo natural verde, una mariquita que es roja siempre funciona mucho mejor que un insecto negro o amarillo.

Gamas de color frías y cálidas

Si partimos nuestro círculo cromático en dos, observaremos como queda a la derecha una serie de colores a los que llamaremos cálido y otros a la izquierda, los fríos.

La gama de colores calientes a los comprendidos entre los amarillos y los rojos y los fríos a las gamas de verdes y azules. Con independencia de su explicación científica, lo que nos interesa comprobar en fotografía, es que los colores calientes dan la impresión de avanzar y los fríos de retroceder, los primeros salen al exterior, los segundo se repliegan. Los grandes artistas han sabido utilizar estos efectos transformando la extensión estática en espacio dinámico sin recurrir a la profundidad o al modelado.

Psicología del Color

En el lenguaje visual de la fotografía, el color también puede jugar una importante labor psicológica y esta está marcada fuertemente por la cultura. Así sabemos todos que hay colores cercanos al amor y la violencia ( rojo ) o de pureza ( blanco ), que existen grises triste y naranjas acogedores…

Se puede llegar a convertir en un juego muy entretenido el de asociar o no estos colores al contenido de la fotografía que has hecho.
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Y por último os dejo con una bonita reflexión acerca del color que dijo un tal Berger, que era pintor:

“Los colores existen en virtud de una lógica que les es propia y constituyen el espacio que necesitan para expresarse. No se les podría exigir pues que reproduzcan la realidad y menos aun que obedezcan a nuestros prejuicios. Corresponde al espectador situarse en la lógica que ellos plantean y en la que, si se entra, adquieren poder de lenguaje”

Cuando iniciemos nuestro curso de edición digital, os prometo que os ayudaremos a aplicar todos estos conceptos sobre vuestras fotos en programas como Photoshop

Fotografías que aparecen | Mías :- )

Por pura coincidencia me acabo de topar al mismo tiempo con dos sitios web de fotografía que tratan una misma temática; el abandono y decadencia de la industria moderna. Interesante coincidencia que quería compartir con vosotros.

Uno es el fotolog Endangered Machinery de Haiko Hebig, un recorrido por los lugares olvidados de la industria en Alemania, con especial atención a materiales como el hierro y el carbón, o la energía y el transporte. La fotografía de arriba es suya.

Y el otro sitio es la galería de imágenes Modern Ruins de Shaun O´Boyle, que entre otros lugares abandonados tiene como fondo la industria estadounidense.

Vía | Foto Microsiervos, eCuaderno.
Relacionado con | El encanto de los lugares abandonados.

Esta es una de esas exposiciones que le hacen a uno plantearse un viaje para poder ir a verla. Palma de Mallorca me coge bastante lejos, pero Cuenca ya es otra cosa.

La exposición es una retrospectiva de uno de los grandes pioneros de la fotografía del siglo XX, Andreas Feininger. Fue educado como arquitecto e influenciado por las ideas de la Bauhaus, pero lo suyo era la fotografía a la que se dedicó como freelance después de emigrar a estadosunidos. Trabajó para la revista LIFE, y se le considera como uno de los precursores de la fotografía tal y como la conocemos hoy.

Fotógrafo completo, hizo todo tipo de fotografía, pero destaca por hacer del fotorreportaje un auténtico arte. La exposición se puede ver hasta el 3 de Mayo en la fundación Juan March en Palma de Mallorca, y más tarde será trasladada a Cuenca.

Vía | caborian
Sitio Oficial | Fundación Juan March
Fotografías | Andreas Feininger

Los ganadores de cada una de las diez categorías son premiados como reconocimiento a su trayectoria y su contribución al arte fotográfico. Y se les valora además, su capacidad, creatividad, composición, fuerza conceptual y técnica. Los privilegiados ganadores recibirán un diploma acreditativo y licencia de libre uso para la Hasselblad H3D II durante cuatro meses. Podrán utilizarla a su gusto, pero tendrán que realizar fotografías que se incluirán de un libro referente al concurso que se lanzará en septiembre.

Más detalles sobre lo que ha dado de sí este concurso y la convocatoria de su próxima edición estarán disponibles el próximo mes de febrero en la web de Hasselblad. Por cierto, en vista del éxito participativo, doblarán los miembros del jurado.

A continuación detallo los ganadores por categorías y sus webs. Merece la pena una visita a todos ellos, pero destacaría las increíbles imágenes de motos del americano Gregor Halenda, una de cuyas imágenes encabeza este post y también me ha llamado profundamente la atención el trabajo de August Bradley.

• Arquitectura. Ganador: Benjamin Antony Monn, Alemania. (www.benjaminmonn.de).
• Editorial. Ganador: Louie Palu, Estados Unidos (www.louiepalu.com).
• Moda/Belleza. Ganador: Andrej Kopac, Canada (www.andrejkopac.com).
• Arte. Ganador: Julia Fullerton-Batten, Inglaterra (www.juliafullerton-batten.com).
• General. Ganador: Bronek Kozka, Australia (www.kozka.com).
• Paisaje/Naturaleza. Ganador: Hans Strand, Suecia (www.hansstrand.com).
• Futuro. Ganador: August Bradley, Estados Unidos (www.AugustBradley.com).
• Retrato. Ganador: Morfi Jiménez Mercado, Perú (www.morfijimenez.com, www.incaprincess.org/sesions/MunayWarmikuna/index.htm).
• Productos. Ganador: Gregor Halenda, Estados Unidos (www.gregorhalenda.com).
• Bodas/Social. Ganador: Kevin Then, Malasia (www.kevinhan.net).

Vía | Photographyblog
Web oficial | Hasselblad.com

• Fieles a nuestro compromiso, avanzamos con el curso de fotografía, tocando lo concerniente a la sensibilidad ISO.

• Por el enorme interés y debate que han generado, los artículos de opinión están logrando gran acogida. Esta semana Israel ha abordado el tema de la lomografía, con multitud de opiniones, y nuestro Victoriano ha profundizado en la consideración de la fotografía digital como más artística que la analógica. Además, de opinar sobre una de sus temáticas favoritas “la fotografía callejera”.

• Conocer a otros fotógrafos también resulta estimulante y esta semana David no ha ofrecido una entrevista a “Yosigo”, de muy recomendable lectura.

• Como esta semana se estado desarrollando CES 2008 en Las Vegas, las novedades tecnológicas han tenido destacada atención. Así, os hemos comentado las novedades de Casio, de Kodak, la novedosa réflex de Sony (la Alpha A200), así como Samsung ha presentado nuevas compactas y una réflex. Por su parte, BenQ ha dado a conocer la cámara más delgada del mundo. Entre los accesorios, destacamos un monitor espectacular y el último modelo de 24 pulgadas de LaCie.

• En Estamos.es os podéis informar de la actualidad a través de imágenes, en un nuevo servicio online muy interesante. Y con Photophlow disponemos de otro servicio más social si cabe que el popular Flickr.

• Para terminar, Israel nos ha propuesto 20 motivos fotográficos para el 2008 que son para anotar en la agenda y llevarlos a cabo. ¿Te apuntas?

Desde luego no se podrá decir que no ofrecemos cantidad y variedad. Seguimos trabajando en la misma línea. Buen domingo fotográfico a todos.

Leo con atención una entrada en el nuevo blog Foto36 (al que saludamos efusivamente desde XatakaFoto) en la que se plantea un interesante debate sobre lo que conlleva la tecnología digital al mundo de la fotografía. Aprovechando que a un servidor le gusta el debate, me permito el lujo de mostrar mi opinión al respecto, recalcando que es totalmente personal, y que no hablo por ningún otro de los editores de este blog. De modo que las piedras, a mi persona.

Si no he entendido mal, la postura básica de la opinión de Sergio Jaén (autor del post) es que hoy en día gracias a los avances en el software de edición, fotografía y realidad ya no van de la mano. Podemos cambiar colores, quitar personas, o múltiples procesos a posteriori, lo que resulta en imágenes que pierden… su esencia.

Veamos por qué yo no estoy de acuerdo con esta postura. Citaré algunas palabras del artículo original (que a su vez puede que sean en ellas mismas otras citas). Y antes de continuar aviso de que lo que viene a continuación es un buen tocho de post.

“Debe existir una relación entre lo que existe delante del objetivo y la imagen conseguida. En el medio argéntico la imagen es “tallada” en la película, en el medio digital no existe relación”
Poco tengo que decir a tal sentencia pues es cierta. El sensor interpreta.

Sin ánimo de resultar pedante y ni mucho menos demasiado metafísico, me pregunto ¿qué es la realidad? A veces pienso que los sensores (ver capítulo del curso sobre partes de la cámara) son copias baratas de algo que ya existe en la naturaleza desde hace mucho tiempo: nuestro cerebro. Y es que lo que vemos no es más que el resultado de una serie de procesos que realiza el cerebro sobre la luz reflejada que entra por nuestros ojos. Y lo que tú ves, ¿es más real que lo que ve alguien con daltonismo? ¿O más real que lo que ve un murciélago? Y es que puestos a interpretar, las fotos que encuentres por internet, tu navegador las interpreta y… ¡sorpresa! Dependiendo de qué software utilices verás unos colores de un modo u otro en tu monitor. Quizás deberíamos abstenernos de admirar fotografías por internet y dejarlo solo para las que esten en papel…

Muchos pensaréis, “vale, pero el argumento es una falacia ya que con el famoso Photoshop añadimos o quitamos según nuestra voluntad elementos a la fotografía”. Y es completamente cierto, pero para mi la fotografía es una manera de expresarme. Seguramente no hago buenas fotos (seguro, vamos) pero son un reflejo de como me siento, como pienso, cuáles son mis gustos, de mi (nula) creatividad… Y a veces son intentos de crear una respuesta en la persona que las observa. Me permitiré el lujo de compararlo con la pintura, que a estas alturas de la historia todo el mundo la considera un arte. Hay quien plasma una escena de la realidad en su cuadro y hay quien la inventa. Incluso hay quien transforma la escena real según su criterio. Pues con la fotografía sucede lo mismo. En esta línea aparece en el artículo original la siguiente reflexión:

Fotografía y verdad se han separado. De hecho hoy en día una imagen de un paisaje, captada con medios digitales, y que nos parezca increiblemente bella, aunque no haya sido retocada, siempre suscitará una duda.

Bueno…¿y dónde está el mal? Me remito a mis anteriores palabras, no creo que el procesado sea en sí mismo algo negativo para la fotografía, por muy intenso o exagerado que sea (a menos que se trate de fotos de playas paradisíacas que realmente no existan).

Si has llegado hasta aquí, ánimo, viene la última cita que hago antes de la reflexión final:

“No es lo mismo el conseguir efectos en la imagen final durante la captura, que durante el tratamiento posterior”.
Recuerdo que al comprar un objetivo de fuelle para lograr efectos de distorsión, alguien proclamó: ¡Pero si eso lo puedes hacer con photoshop! Encontré la respuesta días después en las palabras de un usuario de flickr: “Yo soy fotógrafo, no soy fotoshopgrafo”.

Completamente de acuerdo, pero no por ello el procesado le resta mérito a la fotografía. A lo mejor es más fácil (a lo mejor), o se requieren menos conocimientos sobre la cámara y su funcionamiento. Pero ¿realmente importa cómo llegamos a una foto? A mi me parece que este argumento es como si yo dijera que tiene menos mérito hacer una tortilla en una cocina de gas encendiendo el fuego con un mechero, que si lo hubiera encendido en unas ramas secas con la ayuda de dos piedras (si tú que estás leyendo esto haces así las tortillas, te admiro).

No creo que con el retoque digital la fotografía pierda su esencia por:

• La realidad la construimos nosotros, a través de nuestro cerebro y el de la cámara. Y no nos olvidemos del cerebro del que mira a la fotografía. No creo que sea demasiado útil basarnos en esta característica para discernir qué es fotografía y qué no.
• El uso del procesado digital es simplemente una herramienta que ayuda al artista a plasmar mejor aquello que intenta expresar con la fotografía. Gracias a éste muchos artistas pueden lograr lo que nunca conseguirían sin la existencia de este software.
• Existen diferentes tipos de fotografía en función de las herramientas que se utilicen, por supuesto. La hecha con una cámara que aproxime el resultado a lo que pueden ver nuestros ojos, la requetertocada con Photoshop, la hecha con una cámara lomo… Son expresiones artísticas bajo el paraguas de la fotografía, aunque luego tengan diferencias más que evidentes y que den lugar a resultados diamentralmente opuestos. Igual que existen diferentes tipos de pinturas, la hecha con óleo, acuarela, etc. Pero continuan siendo pintura.
• Si en el cine existe el género de la ciencia ficción lleno de efectos especiales, ¿no puede existir el género fotografía de ficción?

Y por favor, que nadie entienda esta divagación como una crítica a la opinión del autor referenciado, faltaría más. Estamos más de acuerdo de lo que pueda parecer a simple vista. Aunque de vez en cuando me da por encender fuegos a ver si se caldea el ambiente…

¿No os parece bellísima la fotografía que encabeza esta entrada a pesar de tener añadida una textura mediante un programa de retoque fotográfico?

Vía | Foto36
Fotografía | Flickr de Marta Potoczek

Cuando allá por el XIX nació la fotografía, la gente se quedó asombrada por la cantidad de detalles que el nuevo invento era capaz de captar y la fidelidad con la que lo hacía. Esto llevo en muchas ocasiones a enfrentar a pintores con fotógrafos, pues en algunos círculos existía la creencia de la superioridad de la fotografía sobre la pintura.

Entorno a la década de los 60 irrumpió en el panorama artístico estadounidense el realismo pictórico, el hiperrealismo, como una reacción a los movimienos artísticos abstractos y minimalistas. Parece que los pintores hiperrealistas aceptaron en cierto modo la premisa de la superioridad de la fotografía sobre la pintura, pues se centraron en representar la cruda realidad, eligiendo como vínculo entre el artista y la realidad el objetivo fotográfico.

Fotorrealismo
Dentro de la corriente hiperrealista hay una rama conocida como fotorrealismo que redunda en el concepto de hiperrealismo, con lo que para muchos ambos términos han pasado a ser sinónimos.

El Fotorrealismo es una práctica muy sencilla que consiste en hacer un cuadro a través de una fotografía. Es la plasmación de la realidad tal cual la captaría una cámara fotográfica. Como apuntó en su día Ana María Guash los fotorrealistas sustituyeron el ojo humano por el objetivo fotográfico, para aproximarse a la realidad contemporánea.

Los fotorrealistas usan como material primario las diapositivas de colores. Tratan de asegurar el paso de la fotografía a la pintura a través del empleo de medios mecánicos tales como la proyección de transparencias o retículas sobre las telas. Los resultados son conseguidos aplicando con aerógrafo finas capas de pintura y gracias al uso de nuevos materiales tales como pintura acrílica, látex y resinas sintéticas.

Richard Estes
Dentro de este movimiento, el neoyorquino Richard Estes es uno de los artistas más reconocidos. Si bien es cierto que Estes se vale de la proyección de diapositivas para garantizar el color, la tonalidad y el enfoque verídico, en su proceso compositivo se toma ciertas libertades respecto al modelo fotográfico.

Aún estando tan próximo a la fotografía él se considera un pintor tradicional, y la meticulosidad con la que lleva a cabo su trabajo ha llevado a muchos a emparentarlo con la técnica de los pintores flamencos del XVII.

Sus composiciones están formadas por diversas tomas fotográficas que él mismo realiza y a las que también aplica dibujo, aportando así información suplementaria al espectador y resueltas generalmente con pintura al óleo. El resultado son imágenes reales para el ojo humano pero científicamente incorrectas.

Así consigue esas visiones brillantes de las grandes ciudades, ya sean las calles, los establecimientos, fachadas de edificios, carteles luminosos, cabinas telefónicas, etc. que llevan detrás la huella iconográfica pop.

Aquí os dejo algunas de sus obras, que hablan por sí solas.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Gracias Antonio, por tu pista.
Colaboración | Diana Mariño Blanco

Manuel Vilariño ha sido galardonado hoy con el premio nacional de fotografía. Además de fotógrafo, es pintor y poeta, de ahí que al observar sus fotografías no podamos evitar ver esas influencias o mezcla de expresiones artísticas. Recubre de poesía sus fotografías para mostrar un mundo propio, y combina diversos materiales para componerlas.

Sus obras pueden verse en el Centro Reina Sofia de Madrid, en el Centro Gallego de Arte Contemporaneo de Santiago de Compostela, en el Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa de La Coruña, y otros muchos centros de españa, así como en varias salas del extranjero.

No conocía bien a este autor, y es que nunca me había parado a ver su obra como fotógrafo que es. Quizá lo veía más bien como un “artista” y no como un “fotógrafo”, hablando de forma estricta, pero claro, qué es un buen fotógrafo si no un buen artista.

Vía | Público.es
Más información | Wikipedia

Para los que nos gusta la fotografía creativa, descubrir a Chema Madoz es como un miniorgasmo para la vista. A mi me paso hace casi un par de años, cuando empecé con las reflex digitales

Y lo conocí gracias a un comentario que me hicieron en una de mis fotos de flickr, donde alguien insinuaba que era del estilo de Chema. A partir de ahí, y tras ver su galería me convertí en fan incondicional suyo.

“Aún sigo vivo”, en flickr

Seguro que muchos no lo conoceis y seguro que a todos os encantará.

Os dejo con una impresionante galería de mas de 50 imágenes de este genial fotógrafo:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Web oficial | Chema Madoz

Sigma acaba de anunciar dos nuevos objetivos ojo de pez diseñados de forma expecífica para cámaras digitales SLR con sensores tamaño APS-C.

El Sigma 4.5mm F2.8 EX DC Circular HSM tiene un angulo de visión de 180º en todas las direcciones, y cuando se usa con una cámara con formato APS-C produce una imagen circular. Gracias a su apertura f2.8 ofrece una gran luminosidad por lo que puede ser de gran utilidad en situaciones con escasa luz. Idoneo para astrofotografía o para fotografiar auroras.

Es un objetivo con aplicaciones un tanto específicas tanto para el mundo de la ciencia como para el arte.

El Sigma 10mm F2.8 EX DC HSM tiene un angulo de visión de 180º en las cámaras Nikon, 154º para las Sigma y 167º para Canon. Pero este no ofrece una imagen circular como el anterior, por lo que nos permitiría un uso más popular del objetivo. También se anuncia como un buen objetivo para fotografía macro ya que permite enfocar un objeto a 1.8 cm de la lente exterior.

Ambos objetivos tienen un motor ultrasónico de enfoque(HSM).

Más información | Sigma 4.5 Fisheye, Sigma 10 Fisheye
Vía | DSRL Magazine

Cuando se te rompe una cámara tienes tres opciones.

1. Mandarla al servicio técnico si consideras que arreglarla merece la pena
2. Tirarla a la basura y olvidarte de ella.
3. Hacer lo que ha hecho este usuario de flickr, montarte una galería, grabar un video de demostración e incluso llegar a montar una exposición.

Ya sabeis que el arte no tiene limites. ¿O si?

En Xataka Foto | ¿Qué es una buena foto?
Más información | Galería flickr

El cubismo de Picasso cambió la forma de mirar el mundo. A unos yankis frikis se les ha ocurrido la idea de deformar tu cara a lo Picasso gracias a las pantallitas que tienen cámaras digitales, móviles, reproductores MP4 o cualquier cacharro que enseñe fotos. Pasos:

1) Encuentra un par de cacharros con pantalla ( cuanto más grandes mejor ).

2) Coloca los cacharros cerca de algunas partes de tu cara, preferiblemente ojos y boca. Es probable que necesites una mano ayuda.

3) Envía la imagen por correo a digitalpicassos@gmail.com y ellos la colgarán en la web.

Este es un ejemplo total de tecnología y web 2.0

Vía | Digg
Web Oficial | Digital Picassos