En Xataka Foto hablamos mucho de la fotografía en blanco y negro. Tras unos principios dubitativos en el mundo digital, es un proceso que ha ido ganando más y más adeptos y ha recuperado el lugar que no debería haber perdido. Así que vamos a diseccionar cómo podemos conseguir una buena imagen en blanco y negro.

El blanco y negro es difícil. Pero no más complicado que la fotografía en color. No os fieis nunca de quien os dice lo contrario. No es tan fácil como mirar una foto y decidir en el momento que quedaría bien sin color alguno. Tampoco podemos ir por ese camino en el que muchos hemos caído una y otra vez intentando salvar lo insalvable: la pasamos a blanco y negro y todo solucionado.

La intuición es importante. Y puedes tener una visión que te anime a cambiar todas las fotografías de ese viaje para pasarlas a escala de grises. Pero este no es el mejor camino para lograr una imagen impactante.

Después de muchos años detrás de las claves para conseguir la mejor fotografía he llegado a varias conclusiones. Puede que no sean las mejores para ti, oh lector, pero seguro que os servirá para empezar a decidir cómo podéis hacerlo.

Las claves de la fotografía en blanco y negro

La fotografía digital permite conseguir algo que era muy difícil con la fotografía química. En los tiempos pasados teníamos un filtro por el que había que mirar un mero instante para ver la escena sin color. Solo funcionaba si eras rápido.

Ahora tenemos la opción de configurar la cámara en blanco y negro directamente para hacer la visualización mucho más sencilla. Ya no tenemos que imaginar, directamente la vemos en la pantalla o en el visor. Y lo mejor de todo es que seguimos teniendo a nuestro alcance la información original.

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“El 90% de las fotos se descartan de los concursos por tener colores artificialmente saturados”: Tino Soriano y 'Los colores y tú'

Así que es el momento de descubrir todos los pasos que podemos dar para conseguir el mejor blanco y negro. Y ojo, es mi método, no es que sea el único ni el mejor. Es algo que hay que especificar últimamente:

Visualizar la fotografía final

Esta es la clave. Y nos la dio Ansel Adams hace mucho tiempo. Es tan importante para mí, que en mis diez pasos de revelado ocupa el primer lugar.

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Si no eres capaz de ver cómo quedará la fotografía en el momento justo en el que miras por el sensor es que te quedan muchas horas de aprendizaje.

Como ya hemos indicado, es posible ver en escala de grises en la cámara. Pero, por favor, hay que disparar siempre en RAW para evitar perder información muy valiosa. Salvo que tengas la Leica Q2 Monochrom, por supuesto, con sensor monocromático.

Componer en blanco y negro

A la hora de elegir el encuadre no podemos regirnos por las normas del color. Tiene poco que ver. El color es tan protagonista que puede destrozar un disparo solo porque en una pequeña porción de la imagen aparezca el color rojo de una señal de tráfico.

En blanco y negro estos matices no son tan importantes. Como nos contó Tino Soriano:

Cuando trabajas en blanco y negro estás pendiente de unas constantes como la textura, el volumen o las líneas... En color todo esto queda más desapercibido porque cuando lo que manda es el contraste cromático, la influencia de cada color.

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Nos tenemos que fijar en menos cosas. Y podemos jugar más con el contraste que nos dé la luz en ese momento y cómo responden las diferentes texturas que entran en el encuadre.

El revelado es esencial

De nuevo tenemos que recordar a Ansel Adams. La técnica mejora notablemente todas las fotografías, pero en blanco y negro es obligatorio dominar el proceso que elijas para tener un estilo propio.

Otro aspecto que nos impide evolucionar es probar mil métodos distintos con cada fotografía hasta dar con el resultado apetecido. Así solo tendremos muchas imágenes en escala de grises, no un estilo propio.

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Ansel Adams decía en sus manuales que para que una copia sea perfecta deberá tener un blanco y un negro absolutos y buena gama de grises en función de la luz que se captó en el momento del disparo.

Si no cuidamos algo tan sencillo nuestras fotografías serán planas o demasiado contrastadas, sin vida alguna.

Aprender más allá de nuestros propios límites

Cada vez me asombro más cuando doy clases a los fotógrafos más jóvenes. En los cursos están atentos a todas las técnicas de Adobe Photoshop, Lightroom o Capture One posibles. Pero cuando entramos en la historia se quejan.

La técnica es esencial

Todavía recuerdo un día en el que una alumna que se atrevió a montar un motín en la clase si no dejaba de hablar de historia... solo eran seis horas en un curso anual... Al final convenció a dos más y por lo que veo en su Instagram han aprendido a la perfección las técnicas más complejas. Sin embargo, no se ve nada de ellos.

Estamos equivocados si pensamos que la técnica lo es todo. El blanco y negro es una forma artificial de ver las cosas. No existe en la realidad. Por este motivo tenemos que tener fuentes en las que beber... Si nada más aprendemos técnica lo único que haremos es clonar información.

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Saul Leiter, el artista que fotografió a Cartier Bresson sin avisarle

Y de verdad no hay nada más que debamos tener en cuenta para mejorar nuestro blanco y negro. Hay que dedicarle tiempo, olvidarse de técnicas rápidas que hacen todo por nosotros y trabajar, trabajar y trabajar. Tan fácil y tan complicado.

Casi hay tantos métodos de blanco y negro como fotógrafos. Siempre he recomendado trabajar con el que te permita encontrar un estilo propio. Así que vamos a ver qué propone Scott Kelby, presidente y cofundador de la Asociación Nacional de Profesionales de Photoshop (NAPP) para conseguir el mejor blanco y negro posible con Adobe Lightroom.

El primer libro sobre Photoshop que leí en mi vida estaba escrito por él. Luego he ido comprando algunos de sus libros más interesantes y he intentado reírme de todos los chistes que ha publicado. Pero no he podido. Y me he quedado con todo lo que enseña de los programas fotográficos de Adobe.

En esta ocasión vamos a aprender a revelar un blanco y negro con Adobe Lightroom. Lo mejor de todo es que todos los pasos los podemos dar tanto con la versión de escritorio como la versión móvil del programa.

Fotografía original

Los resultados son buenos y depende de nuestros gustos y necesidades para adoptarlo para nuestro flujo de trabajo.

El blanco y negro de Scott Kelby con Adobe Lightroom

Este método es muy práctico y rápido. Y para mí esta es su mayor virtud. En apenas siete pasos tenemos una fotografía en blanco y negro lista para publicar en cualquier red social o para formar parte de una serie.

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Siguiendo con la tradición, el iPhone 13 no tiene acceso al RAW nativo: cómo solucionarlo

Consigue buenos resultados con cualquier tipo de fotografía. No es el típico método para lograr un blanco y negro perfecto para imágenes de setas en los meses de noviembre. Es muy versátil y por eso debemos mirarlo con buenos ojos.

Uno de los pasos en el programa

1. Abrimos la fotografía en Adobe Lightroom y nos vamos al módulo Revelar.
2. En la pestaña Básicos hacemos clic en el icono de cuatro rectángulos en la zona Perfil y buscamos los 17 perfiles de Blanco y negro que nos ofrece el programa. Es la parte más lenta del proceso. Y recomiendo tener dos o tres favoritos para ir más rápido.
3. Una vez elegido, tenemos acceso a un parámetro de Cantidad para elegir un efecto más o menos intenso de ese perfil. Funciona como si fuera un control de contraste.
4. Luego acude a los parámetros de Claridad y Textura para ajustar el contraste de los tonos medios. Yo soy partidario de utilizar solo Textura, pero no soy nadie para discutir con Scott Kelby.
5. A continuación, con la ayuda de Blanco y Negro, define los puntos más claro y oscuro de la fotografía para mejorar su rango dinámico. Y nos recuerda la opción de utilizar el Nivel de umbral en ambos casos con la ayuda de la tecla Alt si estamos en la versión de escritorio del programa.
6. Para finalizar solo nos queda subir el Contraste con el parámetro del mismo nombre del panel Básicos.
7. Si queremos mejorar el resultado, en la pestaña Efectos vamos a Viñetas>Cantidad con el Estilo puesto en Prioridad de iluminación; y le damos un valor negativo y bajo, entre 5-10.

Resultado final

Y listo, ya tenemos un blanco y negro bien construido, con un negro profundo, un blanco luminoso y una luminosidad acorde con la luz que había en el momento del disparo.

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Sony A7 IV, análisis preliminar: una evolución lógica que mejora lo que ya era un modelo muy capaz por la vía de la sensatez

Si no quieres complicaciones, este es tu método de blanco y negro perfecto. Es perfecto para trabajar con una serie en la que queremos resultados inmediatos... Ya nos diréis qué os parece.

Chema Madoz ha abierto la temporada fotográfica del Círculo de Bellas Artes de Madrid con su exposición 'Crueldad', una nueva revisión de su trabajo alejado de la poética a la que nos tenía acostumbrado. Es la misma obra, pero desde una perspectiva distinta que parece volverle más interesante.

Dentro de la fotografía española actual, Chema Madoz es uno de los pesos pesados. Además su estilo es totalmente reconocible e imposible de imitar. Fue capaz de encontrar una forma de mirar única e inimitable.

Es verdad que bebe de varias fuentes que hay que buscar, desde el surrealismo hasta Ramón Gómez de la Serna, pero ha formado un universo del que nunca ha salido. Si te gusta, sígueme; si no, no hay problema alguno. Es lo que parece decir con sus fotografías que vemos una y otra vez.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Ya no hay nada nuevo en su trabajo. A muchos ya no nos sorprende, pero seguimos mirando con la boca abierta las greguerías visuales que nos propone, aunque ya formen parte del paisaje cotidiano.

Por este motivo puede resultar muy interesante la nueva exposición del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la que los comisarios Juan Barja y Patxi Lanceros han sido capaces de ofrecer una nueva lectura de los disparos que ya no tienen la atención del primer encuentro.

La crueldad de Chema Madoz

El reto parecía difícil. Chema Madoz siempre ha estado relacionado con la poesía visual, con la insinuación y las cosas sin sentido aparente. Para él un objeto siempre tenía otra respuesta, otra utilidad distinta a la que conocemos. Un poema visual.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Pero esta vez han logrado hacer desaparecer ese aire inocente, cándido y directo de sus fotografías y lo han llevado al lado opuesto. A un punto oscuro del que el propio autor era consciente, pero que no veía que nadie se atreviera a insinuar.

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El primer paso del proyecto fotográfico: La idea

Es verdad que han tenido que recurrir, a veces, a las palabras propias de autores conceptualistas que no tienen nada que decir con la fotografía:

La fijeza ejemplar de lo que vemos en cada una de esas pro-yecciones, construcciones, montajes objetivos –el agudo rigor de sus matices, de las sombras y luces de los cuerpos que ahí se hacen presentes, que se muestran ya ‘de cuerpo presente’ a la mirada– induce reacciones en cadena: la creación como cre-acción, en la cual se empareja lo distinto y se disuelve, en cambio, lo que era unitario y común –lo parecía...–. O lo mismo leído de otro modo: la sucesión de sus analogías –la semejanza en lo desemejante– hace explotar el núcleo de la imagen que se articula en / por las diferencias que re-velan / des-velan lo que era, aun oculto, concreto, perceptible.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Han conseguido que miremos sus fotografías desde el otro lado. Y este nuevo prisma enriquece, y mucho, la obra de Chema Madoz. Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.

En total son setenta y tres fotografías en la exposición y ciento dos en el catálogo que será un éxito de ventas. Con muy pocas imágenes inéditas. Blancos y negros perfectos, impolutos, realizados con luz natural de su estudio que no parece de fotógrafo, sino de escultor.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Y han añadido, para 'abrir posibilidades de sentidos a partir de cada obra', textos de autores famosos a cada una de las fotografías a través de un código QR. Aquel que no sepa sacar la información se lo perderá. Y es una buena idea, pero creo que complica enormemente un trabajo tan abierto a las interpretaciones como el de Chema Madoz.

Sus fotografías no necesitan explicación, solo una interpretación personal. Meter a autores tan diversos como Dante, Cesar Vallejo, Federico García Lorca, Samuel Beckett, G. W. F. Hegel, solo intelectualiza unas imágenes que eran de todos y que lo único que necesitan es que las miremos.

Hay que ir a ver la exposición. Si queremos podemos evitar los textos contaminantes, así podremos ver todas las fotografías sin límites (buena idea al fin y al cabo el código QR) pero siempre bajo el nuevo prisma de la crueldad. Y os aseguro que se disfrutan de nuevo. Ya nos contaréis...

• Chema Madoz 'Crueldad'
• Sala Picasso Círculo de Bellas Artes de Madrid
• 16.09.2021 > 21.11.2021
• Entrada general 5€

En el mundo de los premios es difícil decidir cuál es el más importante. En el mundo de las artes está muy disputado. Y lo más curioso es que el más conocido, el premio Nobel, no da ningún premio a los pintores o fotógrafos. Para solucionarlo, los japoneses crearon los Praemium Imperiale, para rellenar huecos... Este año el premio en la categoría de Pintura ha recaído en el gran Sebastiao Salgado.

Los premios internacionales Praemium Imperiale (Takamatsu no miya denka kinen sekai bunka-shō) se otorgan desde 1989 a las contribuciones destacadas al desarrollo, la promoción y el progreso de las artes.

Los apartados son: Pintura (donde entra la fotografía), Escultura, Arquitectura, Música y Cine/Teatro. Y está dotado con una medalla de oro y 15 millones de yenes japoneses (125.000€).

Uno de sus últimos trabajos

Está relacionado con la familia imperial japonesa y la Asociación de Arte de Japón con una serie de asesores internacionales tan relevantes como miembros de la familia Rockefeller. Un premio con una importante trayectoria que ya ha premiado a fotógrafos como Cindy Sherman o Hiroshi Sugimoto dentro de esa categoría de Pintura.

Sebastiao Salgado recibe el premio Praemium Imperiale

Sebastiao Salgado pasará a la historia como uno de los grandes fotógrafos de la historia. Sus series en blanco y negro suponen años de trabajo hasta encontrar el mensaje que quiere trasmitir. Él era un economista del mundo del café que se enamoró de la fotografía gracias a su mujer.

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Lo que más detesto de la fotografía móvil es la vida útil de los smartphones

Muchas veces se le acusa de ser demasiado estilizado a la hora de mostrar las desgracias sociales del mundo, pero es la única forma que ha encontrado de darles visibilidad. Las hambrunas, los problemas laborales de las clases desfavorecidas, las grandes miserias de la tierra entran en el debate internacional gracias a la fuerza visual que trasmite.

Una de sus imágenes más icónicas

El motivo por el que se le ha otorgado este premio es:

El trabajo de Salgado se caracteriza por una intensidad que nace de su integración paciente y empática en la vida de sus sujetos. Vive con ellos, pues cree que "debe ser la persona que tienes delante la que te regale la foto". El regalo que le hacen sus retratados es siempre intensamente personal, a veces angustioso, pero siempre revelador de su humanidad. El uso de la luz natural contribuye a aumentar el impacto de sus fotografías, que con frecuencia adquieren una profundidad y un estado de ánimo intangibles.

Su figura se entiende mejor desde que publicó su autobiografía y sobre todo por el documental que hicieron su hijo y Wim Wenders, 'La sal de la tierra', de obligado visionado para todos los que queremos hacer una buena fotografía.

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Seis razones para olvidarse para siempre de usar Niveles en Adobe Photoshop

Es un premio merecido, aunque seguro que encontraremos a gente que se rebelará contra él por lo que hemos comentado. Ahora solo nos queda esperar a que llegue a nuestro país el último proyecto dedicado a la Amazonia y quedarnos con la boca abierta.

La tecnología permite hacer cosas impensables. La última moda que ha resurgido es la de colorear nuestras fotografías antiguas. Muchos programas presumen de hacerlo mejor que nadie, incluso hay aplicaciones que lo hacen todo por tí. La pregunta es la siguiente: ¿es realmente necesario colorear las fotografías en blanco y negro?

Hoy he dormido en casa de mi madre. Y además de hacerme un desayuno estupendo ha aprovechado para darme unos cuántos cd´s para saber si las fotos que estaban dentro las tenía ya guardadas en sus discos duros. Los cd ya no sirven para nada, desde luego... Esto nos ha llevado a ver las fotografías antiguas de la familia, como las que hizo mi abuelo con su flamante Agfa de fuelle en la Feria Internacional de Barcelona de 1929.

Y son increíbles. Son pequeñas, muy nítidas y bien reveladas por mi abuelo. Y en un glorioso blanco y negro... Recuerdan cuando se inauguró el Palacio Nacional o la Fuente Mágica. Mis abuelos veían todo el color, al contrario de lo que yo pensaba de pequeño, pero las fotografías solo reproducían, como se dice ahora, escalas de grises.

Cassowary Colorizations

Seguro que muchos estarán tentados ahora a colorear todas esas fotos que tendrán almacenadas en casa de sus padres o escaneadas en su ordenador porque se verán más bonitas o tendrán una segunda vida... ¿es realmente necesario hacerlo? ¿No rompemos la historia de una obra? ¿No cambiamos completamente su contexto? ¿O si se puede hacer sin esfuerzo, por qué no modificarlas totalmente?

La nueva moda de colorear fotografías

Adobe permite hacerlo gracias a uno de sus neural filters, una empresa israelí ofrece este servicio como extra para completar tu árbol genealógico... en las tiendas de fotografía ya ofrecen el servicio de coloreado además de la impresión y poner las fotos en tazas y cojines...

Incluso hay empresas especializadas para conseguir la reproducción más fidedigna del color. Hay que documentarse y entender cómo funciona la luminosidad de las antiguas películas para saber si ese gris viene de un rojo o de un verde... Es un problema complejo sobre todo si la imagen fue revelada a conciencia, con la idea de aclarar y oscurecer distintas zonas.

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Qué tener en cuenta antes de comprar una cámara que (quizá) no necesites

Cassowary Colorizations es una empresa que se dedica a esta especialidad. Los han entrevistado en un periódico por su labor a la hora de colorear las fotografías dela Guerra Civil. El trabajo es impresionante y el resultado llama la atención. Pero vuelvo a insistir ¿era necesario?

Ni Robert Capa se salva

El autor de las fotografías pensó en blanco y negro. Los motivos podían ser varios pero lo más seguro es que lo hiciera así por economía y rapidez. Pero su intención era disparar con esa película. Por este motivo no tiene sentido cambiar la percepción del artista por modas contemporáneas.

La explicación que dan en el artículo es llamativa:

El problema del blanco y negro es que, según algunos, es sinónimo de pasado y romantiza los hechos. Si pensamos en la Guerra Civil o en las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, las imaginamos en blanco y negro y eso da la sensación de que es algo antiguo y que no se puede repetir

Se da por sentado que el espectador no sabe leer, interpretar y poner en contexto una fotografía antigua y da como único solución modernizarla para hacerla comprensible al público moderno. Una fotografía en color es más cercana y contemporánea.

Así que en vez de enseñar al público a pensar, vamos a colorear el 'Guernica', tapar los desnudos que puedan resultar ofensivos a los ojos cada vez más conservadores y suavizar las historias mitológicas porque contaron cosas totalmente reprochables...

Cassowary Colorizations

Como bien señala José Pereira en un interesante debate que se ha planteado en Full Frame en Facebook:

Desde la semántica de la imagen, en la medida que funciona como simbolo, no tiene porque existir una correspondencia estricta con la realidad para reconocer dicha escena como real o natural. De hecho, lo que más ha marcado la figuración de la imagen fotografica fue su nitidez, no su color ni siquiera su correspondencia en gamas tonales.

Cassowary Colorizations

Si el único requisito para entender una fotografía es que tenga color el problema real no es ese, sino la falta de educación visual por parte del espectador que demanda esta tecnología. Es algo que puede tomarse como un juego muy interesante pero una falta de respeto para los fotógrafos y la historia.

Las fotografías de la Guerra Civil resultan distintas en color. Ahí están las banderas de ambos bandos con sus colores originales, las caras curtidas por el sol... Pero no añaden nada realmente interesante, no cambia nuestra percepción de los hechos atroces de una guerra sin sentido. No hay que ver en color, hay que leer más e informarse para tener una opinión.

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¿Capture One es tan bueno y Adobe Camera RAW es tan malo con los archivos RAW?

De todas formas confío que sea una moda pasajera, una curiosidad técnica muy entretenida y se olvide pronto. Tal como pasó con las películas en blanco y negro que colorearon. Fue un absoluto fracaso pero tiemblo al pensar lo fácil que es hacerlo ahora.

Ayer nos llegó la triste noticia de la muerte de Ferran Freixa, uno de los fotógrafos catalanes que mejor han sabido jugar con la alegoría del tiempo a través de la cámara. Su trabajo más famoso fue el que realizó después del incendio del Gran Teatre del Liceu en Barcelona. Con él se va una mirada única que nos servirá de inspiración a los que seguimos pensando que la fotografía es más que utilizar filtros y trucos digitales.

Hacer fotos debería ser un ejercicio de contemplación, un acto tranquilo basado en la contemplación de la realidad y mostrar tu forma de ver las cosas. En los últimos tiempos se ha convertido en una carrera de filtros y programas para ver quién consigue el efecto más llamativo. Todo lo contrario de lo que hacía Ferran Freixa.

Ferran Freixa nació en Barcelona. Su formación en pictórica, como tantos otros fotógrafos famosos (esto es algo que debería estudiarse con más profundidad). En 1969 se hizo fotógrafo profesional y tocó la moda, la industria y la publicidad. Pero desde 1978 se especializó en fotografía de arquitectura e interiorismo. Y ganó un merecido prestigio internacional.

Su serie más famosa, por la que le recordarán todos, es 'El foc, darrer acte', el trabajo que hizo después del incendio del gran teatro de la música barcelonés. Impresiona ver las tripas aún humeantes de un teatro lírico único que después de mucho tiempo logró resurgir de sus cenizas. Es un ejemplo de la fotografía como memoria.

Pero lo que verdaderamente sorprende, lo que llama la atención a los que no conocíamos su obra en profundidad es la limpieza de su mirada y lo directo que es su estilo, en un impecable blanco y negro (y color) que te obliga a detenerte en cada espacio para comprender el disparo.

La obra de un autor único que miraba al tiempo

No es fácil enseñar el paso del tiempo sin artificios. Puedes caer en estilos manidos, miradas ampulosas y técnicas demasiado agresivas. Sin embargo, Ferran Freixa demostró a lo largo de su carrera que lo único que hace falta es sensibilidad y paciencia. Y un dominio impecable de la técnica, que no cobra protagonismo pero que permite ajustar el estilo.

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La regla del F8 en fotografía documental, de calle o viajes: qué es y cómo sacarle provecho

Su obra se puede ver en el MNAC, el IVAM, el Museo Reina Sofía y la Biblioteca Nacional de Francia. La exposición más importante fue la que se celebró en 2018 en la Sala de l’Estrella, en Vilassar de Dalt. Recorría 40 años en la vida del autor, de ahí su nombre: 'Fotografía 1973-2013'.

Ferran Freixa por Adolfo Fernández

Las fotografías de Ferran Freixa, íntimas y poéticas, se convierten en una auténtica alegoría del paso del tiempo y constituyen un testimonio extraordinario que realza el patrimonio cultural urbano en proceso de desaparición, denunciando su destrucción. Visual y gráficamente, el estilo de este fotógrafo es estéticamente impecable, dibujando los ambientes de una manera precisa y equilibrada, en una sinfonía de luces y sombras.

No es un fotógrafo tan conocido por las grandes masas porque las grandes exposiciones que ha tenido no han salido de su tierra. Y es un pena que muchos de nosotros nos hayamos perdido su forma de contar las cosas. He visto pocas fotos de él. Algunas las conocía pero no las identificaba como suyas.

Pero puedo decir que cuando pueda perderme por Cataluña buscaré todos y cada uno de sus libros para deleitarme con su trabajo. En Photobolsillo hay un número dedicado a él, el número 40:

Ferran Freixa por Adolfo Fernández

Imágenes que nos hacen pensar, por una lado, en objetos surrealistas, por otro, en la repetición de elementos de fabricación industrial relacionados con la Nueva Visión. Armonía, quietud, simetría. Freixa parece preservar el estado de las cosas mas que la memoria de los lugares. La luz marca el perfil de los objetos, pero los objetos quedan suspendidos en una infinita espera.

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Cómo hacer Dodge & Burn con estilos de capa de Photoshop y conseguir realzar el volumen de nuestros retratos

En el Reina Sofía de Madrid tienen obra suya. Parece que cuentan con tres positivos. Lo malo es que estarán en los almacenes, o en un lugar oscuro sin tránsito ni señalización... Qué necesario es un Centro de Fotografía que permita la movilidad de estos autores... Hasta entonces solo me queda poder escaparme a Barcelona y buscar su archivo en el MNAC y luego perderme por el mar. Ha sido un placer descubrirle.

Hoy toca la segunda parte de la serie dedicada a la fotografía en blanco y negro fine art. En esta ocasión vamos a fijarnos en lo más importante para conseguir el mejor resultado posible en este mundo de fantasía que estamos creando en escala de grises: las selecciones. Cuánto más perfectas sean mejor será el resultado. Es el paso más difícil, largo y complejo pero una vez superado, todo será mucho más fácil.

Las selecciones siempre son una asignatura pendiente para los fotógrafos que nos enfrentamos al revelado digital. Antes, en la época química era imposible la precisión salvo que trabajaras con hojas de acetato recortadas y dedicaras un tiempo interminable a cada imagen. Ahora queremos ser tan perfectos que estamos también encadenados al tiempo.

Pero si queremos profundizar en este estilo no nos quedará más remedio que dominar todas las herramientas y conocer todos los trucos que se pueden hacer para lograr llevar a buen puerto nuestra fotografía fine art. Vamos a hablar de dos métodos fundamentales para conseguirlo. Más viene bien recordar que ninguno de los dos son rápidos y perfectos. Hay que llenarse de paciencia.

Fotografía original

Así que la clave es el tiempo que le dediquemos a las selecciones. Tienen que ser muy precisas para conseguir el efecto que estamos buscando y evitar los halos que malogran el resultado. Eso, o comprar el panel de Joel Tjintjelaar para hacerlo de forma automática.

Las herramientas para la selección

No hay una herramienta perfecta para todo. Nosotros tenemos que saber, según la fotografía, cuál es la herramienta que dará mejor resultado. Y para la fotografía fine art tenemos que dominar la herramienta Pluma de curvatura, la herramienta Lazo poligonal y Selección rápida. Así que vamos a descubrir el funcionamiento de cada una de ellas y un truco que podemos ver en el famoso libro de más de 400 páginas de Joel Tjintjelaar y en sus vídeos.

Lazo poligonal

Es la herramienta más rápida en el caso que estemos trabajando solo en fotografías con líneas rectas, con imágenes arquitectónicas. Su funcionamiento es idéntico al Lazo que todos conocemos pero solo permite trabajar con líneas rectas.

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Cómo utilizar la herramienta Upright de Adobe Camera RAW

Para trabajos sencillos puede que no haya nada más fácil. Su barra de configuración es idéntica a la de la herramienta madre. Lo más cómodo es elegir siempre Añadir a la selección y listo. Pero tiene un problema grave, si nos equivocamos en un punto no hay forma de corregir.

No queda más remedio que terminar la selección y luego solucionar el fallo como acostumbramos con la opción Restar de la selección. Eso sí es muy cómodo trabajar al 100% e ir moviendo la fotografía (Espacio+clic en el ratón) para que la precisión sea máxima.

Pluma de curvatura

La herramienta Pluma de curvatura es la herramienta vectorial que deberíamos utilizar todos los fotógrafos, por encima de la veterana Pluma que tanto nos ha hecho sufrir a muchos de nosotros. Se comporta igual que Lazo pero con la precisión de una herramienta vectorial.

En Photoshop podemos trabajar con imágenes de mapa de bits (rasterizadas) y vectoriales. Las primeras son fotografías y las segundas son imágenes compuestas de formas y trazados que pueden cambiar de tamaño sin perder calidad:

Las imágenes rasterizadas (o de mapa de bits) se describen mediante un conjunto o mapa de bits dentro de una cuadrícula rectangular de píxeles o puntos. Las imágenes vectoriales se describen mediante líneas, formas y otros componentes gráficos de imagen almacenados en un formato que incorpora fórmulas geométricas para interpretar los elementos de la imagen.

Una herramienta vectorial no tiene problemas a la hora de hacer una selección precisa porque no depende de los píxeles y evita los bordes dentados en las diagonales y curvas. El funcionamiento de la herramienta Pluma siempre ha sido complejo.

Por este motivo presentaron hace dos o tres versiones la Pluma de curvatura, la pluma de los fotógrafos con prisas. Solo tenemos que ir marcando los puntos precisos y automáticamente se irá ajustando al contorno que queremos seleccionar.

Es verdad que tiene una locución adjetiva que parece indicar que no sirve para líneas rectas, pero solo con dar a la tecla Alt/Opt (o doble clic) permite dibujar líneas rectas.

Además es posible hacer un trazado rápido y luego ajustar cada punto de ancla al sitio exacto. Y si lo queremos quitar, solo hay que marcarlo y dar a la tecla Supr.

Cuando terminemos, tendremos que convertir el trazado en una selección. Tan fácil como dar al botón derecho del ratón y elegir Hacer selección. En la ventana que se abrirá poner en Interpretar>Radio de desvanecimiento 0 o 1 píxel para que todo sea perfecto.

Selección rápida

Esta herramienta sirve para lo que su propio nombre indica: una selección rápida siempre y cuando sea posible porque el contraste está muy marcado y la separación de elementos es muy sencilla. Por ejemplo un cielo blanco frente a un primer plano definido.

Selección precisa

No tiene más misterio que pinchar en la zona que queremos seleccionar y mover el ratón para que se seleccionen todos los píxeles con la misma luminosidad.

Cómo hacer selecciones para fotografía fine art

Como se puede leer en el libro de Joel Tjintjelaar lo más importante no es hacer selecciones, sino conseguir que se relacionen perfectamente entre sí para evitar espacios vacíos entre ellas. Ese es el motivo por el que muchas veces nos encontramos con halos durante el revelado en fine art.

Así que vamos a tomar la sencilla fotografía de ejemplo para entenderlo. La clave es aprovechar todo lo que aprendimos en nuestra más tierna infancia:

• Añadir a la selección significa sumar.
• Restar a la selección significa restar.
• Intersecar con la selección significa que solo se selecciona lo que coincide entre dos o más selecciones.

Vamos a entenderlo mejor trabajando con la fotografía de ejemplo:

• Hago una selección precisa con la herramienta Pluma de curvatura del edificio.
• Cuando termino y compruebo todos los puntos doy al botón derecho del ratón y marco Hacer selección.
• Después voy a Selección>Guardar selección y le doy un nombre descriptivo.

Selección de la banda vertical del edificio

Ahora es el momento de seleccionar el cielo. La forma de hacerlo es muy importante. No debemos partir de una selección nueva, sino aprovechar lo que tenemos... Así que vamos al menú Seleccionar>Invertir y la guardo de la misma forma.

Imaginaos que ahora quiero guardar la banda vertical como una selección porque quiero darle una luz distinta. ¿Cómo lo hacemos?

Imagen final

En este caso voy a la ventana Canales, hago Ctrl+clic para cargar la selección de la casa. Y a partir de ella resto, elimino, todo lo que nos sobra, con la herramienta Pluma de curvatura. Lo más importante es partir siempre de las selecciones que tenemos para que se solapen perfectamente.

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¿Tiene sentido derechear la exposición hoy en día?

En el próximo artículo vamos a ver cómo pasamos la fotografía a blanco y negro y cuántas capas distintas tenemos que hacer para conseguir una auténtica fotografía fine art.

Capítulo 1

'Mank' es la película de David Fincher con la que Netflix quería triunfar este año en la gala de los Oscar 2021. Al final, de las diez nominaciones, se ha quedado con dos premios: Diseño de Producción y Mejor Fotografía. Erik Messerschmidt ha conseguido seguir la estela de Greg Toland, que fotografió 'Ciudadano Kane', la película de la que se habla en esta obra maestra de Fincher.

Llama la atención que en apenas tres años dos películas en blanco y negro hayan ganado el Oscar a la Mejor Fotografía. 'Roma' en 2018 y ahora 'Mank' en 2020. Y es que una buena fotografía en blanco y negro consigue llamar la atención en la época de saturación marvelita.

Erik Messerschmidt tiene una carrera corta pero no ha parado de trabajar. Se le conoce por su labor en algunas de las series para televisión que más han impactado últimamente, como 'Mindhunter' de Fincher, un episodio de 'Fargo' o la serie de ciencia ficción de Ridley Scott.

Con esta película tenía la obligación de homenajear a Greg Toland, el mítico director de fotografía de Orson Welles que hizo 'Ciudadano Kane', pero también 'Cumbres borrascosas'(1939), 'Las uvas de la ira'(1940), 'La loba'(1941) y 'Los mejores años de nuestra vida' (1946).

Así que vamos a analizar el trabajo de Erik Messerschmidt dentro de la película de David Fincher, una auténtica maravilla pero solo para aquellos que conozcan toda la historia detrás de 'Ciudadano Kane'. Si no habéis visto nunca esta obra maestra, os costará seguir el hilo de 'Mank'.

'Mank', una película con una fotografía que acompaña a la historia plano a plano.

Esta película habla de 'Ciudadano Kane' desde la perspectiva del guionista Herman J. Mankiewicz. La historia duda de la participación de Welles en la escritura del guion y le da todo el mérito a este hombre que vivía en aquel entonces una de sus momentos más duros, alcoholizado e intentando recuperarse de un accidente de coche.

David Fincher escogió a Erik Messerschmidt por su colaboración en la serie de Netflix. El motivo es simple, se llevaban bien y lo considera un profesional flexible que piensa en el resultado final, no en su lucimiento personal. Y que es capaz de seguir el ritmo endiablado del director.

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35 películas y documentales con, de y para fotógrafos

Los dos buscaban un aspecto clásico y la referencia es, sin duda, la obra de Greg Toland. Como comentamos en el artículo que le dedicamos, su fotografía destaca por:

• La profundidad de campo
• El uso del objetivo angular
• El uso de la luz
• Los encuadres

Fotograma de la película

Pero Erik Messerschmidt no se quedó ahí. Él mismo confiesa que buscó referencias en muchas de las películas con mejores fotografías en blanco y negro... y lo curioso es que los que están detrás de 'La noche del cazador', 'Rebeca', 'El apartamento', 'A sangre fría' siguieron el camino de Toland.

Los aspectos técnicos de 'Mank'

El trabajo de Messerschmidt es una continuación de la labor de los grandes maestros de la fotografía en blanco y negro. Utilizó cámaras RED Ranger HELIUM 8K S35 con un sensor de blanco y negro, por lo que fue necesario producción previa inmensa para ver qué colores quedaban mejor con la conversión directa.

Decidieron trabajar alta sensibilidad para lograr una textura, un ruido interesante y clásico. Y para conseguir la profundidad de campo de Toland cerraron el número T( luz real que llega al sensor) de los objetivos al máximo. Usaron los objetivos Leitz Summilux-C.

La iluminación fue otro reto. Intentaron usar, siempre que la escena lo permitiera, iluminación justificada y realista para lograr esos contraluces tan llamativos.

Fotograma de la película

Pero, como cuenta él mismo en una entrevista, hay una escena en la que los dos protagonistas están paseando por la noche. Y tuvieron que colgar bombillas de 800 w para lograr ese contraste... a cambio tuvieron que poner lentillas a los actores para que no se deslumbraran...

La película está grabada en HDR. Antes podía parecer una aberración pero todo depende del uso lógico de la tecnología. Así pudieron explotar al máximo el sensor y conseguir el contraste exacto de cada escena.

Como dice el propio Fincher, el cine digital permite ver todo con más claridad y precisión. Y Messerschmidt pudo darle al director todo lo que le pedía. Al final la técnica es importante no por ella misma, sino porque te puede ofrecer todo lo que tú le pides.

Es un placer contemplar la fotografía de 'Mank'. El blanco y negro se integra a la perfección con el argumento. Y a los que amamos el cine nos lleva directamente a los tiempos que cuenta... Rompe con

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La película, en los tiempos de pandemia que corren y por ser de Netflix, tuvo poco recorrido en los cines de pantalla grande, sala oscura y silencio. A cambio la podemos ver ya en Netflix, en pijama, en nuestro sofá favorito y con alguna que otra interrupción... Pero el cine siempre nos enseñará cosas nuevas.

La fotografía fine art en blanco y negro está de moda. Solo hace falta darse una vuelta por las redes para encontrar fotografías con esta estética. La idea es conseguir un disparo con unas características determinadas y luego procesarlo por zonas para conseguir una interpretación de la realidad. La intención es jugar con las luces y las sombras, con la luminosidad del archivo hasta llegar a la imagen final. Este será el primer artículo de la serie dedicada al fine art en blanco y negro.

La fotografía fine art se puede traducir como fotografía de bellas artes, un tipo de imagen que depende totalmente del revelado fotográfico y en este caso, de la luminosidad. La fotografía como espejo de la realidad no tiene ningún sentido aquí. Cualquier parecido con lo que vimos es poco menos que una ilusión.

Pero es una forma de hacer fotografía que llama cada vez más la atención. Es un delirio técnico, por la cantidad de tiempo que exige. El resultado de esta técnica, de esta forma de ver, es muy llamativo. Y depende de nosotros el grado de irrealidad que consigamos o busquemos.

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Como siempre en estas series que presentamos, vamos a ir de menos a más. Conoceremos su orígenes, buscaremos sus referentes actuales y explicaremos un método para conseguir de la forma más sencilla los mejores resultados. Pero no todas las fotografías de nuestro archivo sirven para el fine art.

Los orígenes del fine art

La fotografía fine art en blanco y negro es la interpretación de la realidad a partir del uso de la técnica. Para muchos puede parecer excesivo y para otros es simplemente una forma de ver. El antecedente más claro es la fotografía pictorialista de mediados del siglo XIX y principios del XX (aunque es España aguantó hasta bien entrados los años 60).

La fotografía pictorialista se sostiene con la técnica, sin la cual carece de sentido. Cualquiera de los autores de esta corriente invertían más tiempo en el revelado de la imagen que en la planificación. Y sus obras eran únicas. Ahí tenemos a Henry Peach Robinson que creaba fotografías a través del collage de varios disparos; Ortiz Echagüe, Oscar Gustave Rejlander que destacaban por el impresionante despliegue técnico antes que por la temática, manida y copiada del prerrafaelismo pictórico.

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Como comentamos en un artículo dedicado al pictorialismo, Peter Henry Emerson, uno de los popes del pictorialismo escribió:

Las fotografías de calidad artística tienen individualidad, al igual que otras obras de arte, y podríamos hacer apuestas sobre la identidad del autor de cada una de las pocas fotografías que se envían a nuestras exposiciones. Lógicamente el artesano común no tiene individualidad, como tampoco la tiene el reproductor de dibujos arquitectónicos o mecánicos. Pero donde un artista use la fotografía para interpretar la naturaleza, su trabajo siempre tendrá individualidad, y la fuerza de esta individualidad variará, como es lógico, en proporción a su habilidad.

La fotografía fine art en la actualidad

En los últimos tiempos se ha puesto de moda la fotografía fine art en blanco y negro de temática arquitectónica. También podemos encontrar fotografía de naturaleza. Lo que prima en esta resurrección de la fotografía de bellas artes es el uso de la luz. Todo se sostiene con luces imposibles que parecen más cercanas a un cuadro tenebrista de Caravaggio que de lo que podemos ver un día por la calle.

En la actualidad podemos hablar de Michael Kenna como uno de los ejemplos más claros de la fotografía fine art. Su trabajo con cámaras de formato medio es más realista aunque se basa en largas exposiciones y composiciones minimalistas.

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Pero los referentes más importantes son Joel Tjintjelaar y Julia Anna Gospodarou. Sus fotografías arquitectónicas en blanco y negro son fuente de inspiración continua para todos los que miran quieren imágenes con cielos negros, nubes borrosas y luces imposibles.

Esa imagen del skyline de una ciudad, la del puente blanco contra el río, la del embarcadero al infinito, la de los rascacielos picados... las han hecho ellos primero. Solo hace falta darse una vuelta por su página para descubrirlo.

Su libro de más de 400 páginas y sus vídeos lentos y sosegados son la referencia de todos los artículos que veréis por las redes. Podría decirse que son unos de los fotógrafos más influyentes de la actualidad. Yo he leído su libro 'From Basics To Fine Art' y he visto sus vídeos una y otra vez intentando descubrir sus secretos.

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Y al final he decidido crear, a partir de sus propuestas, un método más sencillo y realista para crear fotografía fine art. De hecho, mi flujo de trabajo de blanco y negro está inspirado en ellos. Intento que sea más natural y creíble. Pero aquí vamos a llegar hasta el final.

Fotografía de partida

Y lo primero que vamos a buscar es una fotografía que nos permita conseguir una imagen fine art. Seguro que dentro de vuestro archivo tenéis esa imagen anodina de un día recorriendo la ciudad. Un disparo en el que las líneas sean muy sencillas y se adivinen luces y sombras más o menos separadas.

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En el próximo artículo empezaremos a revelar nuestras fotografías para llegar a un trabajo fine art. En mi caso apuesto por la de la estación de Atocha. No hay nada que destaque en ella, pero seguro que os llamará la atención el resultado final. Nos vemos en el siguiente artículo.

Hace un tiempo, Harman Technology lanzó una cámara compacta de 35mm reutilizable para los aficionados de la fotografía analógica. Debido a la popularidad del modelo, la compañía británica ha diseñado una nueva versión acompañada por su popular negativo blanco y negro Ilford HP5: Harman EZ-35.

A diferencia del primer modelo de cámara reutilizable, el EZ-35 cuenta con un motor de carga, lo que permite cargar, avanzar y devolver el rollo automáticamente. Esto es una función interesante y cómoda para alguien que recién está comenzando con el mundo del negativo, o simplemente busca una cámara de apunta y dispara cómoda de utilizar. Así mismo incluye un flash integrado que tiene un tiempo de reciclado de 15 segundos, para apoyar escenas donde necesitemos un poco de apoyo de iluminación.

La cámara está diseñada para ser utilizada con un negativo de 35mm. Tiene un objetivo fijo 31 mm con apertura F11 y una obturación fija de 1/100s. El área de enfoque es de 1m a infinito. Su visor tiene un cubrimiento del 70% del cuadro, y es necesario tener en cuenta el error de paralaje de las capturas. El cobertor de objetivo funciona como seguro de bloqueo. Tiene un largo de 110 mm, una altura de 62 mm y un ancho de 38 mm.

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Como reporta PhotoRumors, la cámara se encuentra en preventa en algunas páginas por un precio de 54 dólares (~45€). En España aún no aparece listado en un distribuidor específico, aunque es probable que llegue a tiendas en línea como la de Revelab Studio. El kit de cámara de Harman Ez-35 llegará con un rollo de negativo blanco y negro Ilford HP5.