Hace meses, nuestro compañero Santiago ya os habló de Bus Street Photography, un protecto del fotógrafo vizcaino Javier Ferdo. La idea es simple: hacer fotografía callejera desde el asiento de un autobús, protegido por el cristal y las focales largas, capturando la vida de la calle desde la distancia.

La serie, íntegramente en blanco y negro, ha llegado a su fin tras dos años y 299 capturas, y su autor ha tenido a bien compartirla con nosotros a través de nuestro formulario de contacto. En su galería no encontraremos fotografía callejera clásica, de grandes angulares o transeuntes sorprendidos al paso: Javier nos enseña instantes congelados en el tiempo, sin interferir en ellos, y sin prisas ni estridencias.

Quizá eso mismo sea lo que más pueda crear polémica entre los más puristas, como bien indica el autor en su propia descripción de la galería:

No se si seré la única persona que practique este tipo de fotografía urbana con asiduidad, el “bus-street-photography”, pero estoy convencido que los más acérrimos al más puro estilo del típico fotógrafo callejero me acusarán de cobarde. Este peculiar estilo tiene la ventaja de estar ahí arriba tras el cristal sin que sepan que están siendo fotografiados.

El mérito, y el valor de las series fotográficas

¿Es por tanto menos meritoria esta fotografía “cobarde“? No seré yo el que me atreva a lanzar esta contundente afirmación, entre otras cosas porque ese “mérito“ que tanto valoramos también se puede encontrar en muchos puntos de esta serie: el uso de una compacta, la complicación de tirar tras un cristal, la diferencia de altura a la hora de crear una perspectiva, la búsqueda de encuadres interesantes, etc.

De todas formas, la valoración de una obra como ésta no puede obtenerse de ninguna de captura individual: las series fotográficas tienen un valor distinto al de la suma de sus fotografías individuales, y son un ejercicio que en algún momento de nuestra etapa de aprendizaje tenemos que acometer los aficionados. Por eso he querido compartir ésta con vosotros, porque me parece un buen ejemplo de cómo la repetición de una fotografía, que seguramente todos habremos hecho alguna vez, da lugar a algo mucho mayor que cada una de sus partes.

El problema de trabajos como éste, con tanta cantidad elementos, es que a menudo resulta complicado apreciarlos dentro del maremagnum de fotografías que aparecen en Flickr, y es ahí donde un vídeo de presentación como el que enlazamos arriba puede resultar una ayuda para reducir este “efecto Stendhal“ digital. De hecho, sus tres minutos pueden ser una duración media más que suficiente para atraer la atención, y redirigir a la web para quien quiera un desarrollo más extenso.

Al fin y al cabo no hay que olvidar que nuestras galerías online son precisamente galerías, y al igual que ocurre en una exposición real, una buena selección del fondo de museo es esencial. No vendría mal, por ejemplo, una segunda versión con un subconjunto aún menor de imágenes: Todo sea por captar cuanto antes la atención de nuestro público, y ayudarle a localizar imágenes tan interesantes como la que encabeza este artículo.

Galería en Flickr | Bus Street Photography
Más información | Tras el visor (blog del autor)

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Cuando hablamos de fotografia de paisaje, el nombre de Ansel Adams se nos viene a todos a la mente. Pues bien, exactamente fue lo mismo lo que se le pasó por la cabeza a Mitch Drobowner, cuando decidio que lo suyo era esto de la fotografía.

Este fotógrafo nacido en Long Island, dentro del estado de New York, decidió a sus 21 años que su vida debía dar un giro sustancial y se marcho a realizar un viaje por el sudeste de Estados Unidos. A partir de este momento y tras conocer a su esposa en California se afinco alli, y juntos crearon un estudio de diseño y fotografía. Años después Mitch dejo de tomar fotos, hasta el año 2005, gracias a la inspiración producida por su mujer e hijos, que volvió nuevamente al mundo fotográfico.

Mirar las fotos de Mitch es sumergirse en la visión fotográfica de los grandes paisajistas de principios de siglo. Blancos y Negros rompedores, en los cuales el sosiego hace meya en nosotros, con la tranquilidad que transmiten sus tomas; aunque lo mismo nos sumergen en un sobresalto, al observar algunos espectaculos de la naturaleza como las tormentas. Con un detalle espectacular en todas las zonas de la fotografía, aplicado al más puro estilo Ansel Adams, la fotografia sutil, pero perfecta de Mitch ha conseguido ganar numerosos premios desde que volviera al mundo fotografico, alla por el 2005, dentro del apartado de paisajes y naturaleza.

Toda su obra esta realizada en blanco y negro, y aunque casi toda su obra actual esta realizada en formato digital, al mirar sus fotografías no podemos dejar de pensar en lo bien que trata la “película” digital. Un tratamiento exquisito, que nos recuerda claramente a tomas realizadas en analógico, y que de hecho seriamos incapaces de distinguir sus primeras fotografías en formato químico, a las actuales realizadas en formato digital.

En definitiva, un fotógrafo con un estilo muy marcado, y que sin duda ha tenido grandes influencias hasta el punto de confundir algunas de sus obras con la de sus predecesores. Ansel Adams nos dejó, pero su idea ha quedado bien marcada, en muchos fotógrafos, y un claro ejemplo de ello es este.

Sitio Web | Mitch Dobrowner

Hay veces que uno hace determinados procesos de manera automática y sin plantearse demasiado por qué, pensando que todo el mundo actúa de manera similar. Algo similar me ocurrió cuando subí mi último lote de fotos, y muchos de mis contactos se interesaron por el procesado que había estado aplicando, y que pensaba que era bastante más común.

La idea general es hacer por separado un tratamiento en blanco y negro (para la luminosidad), y otro completo (para el color), y fusionarlos. Como decía, es tan simple que seguramente todos lo hayamos hecho alguna vez casi sin proponérnoslo, pero siempre es bueno recordarlo y darle un poco de forma.

En general, utilizo este tratamiento para darle a las imágenes un toque más suave y agradable, permitiéndome ciertos excesos con el tratamiendo de la luminosidad, ya que reaplicarles el color original las vuelve a acercar a la realidad.

Ya que vamos a hacer dos revelados independientes de una misma imagen, aconsejo trabajar siempre con objetos inteligentes de Photoshop, tal y como hemos visto en el curso de revelado con Adobe Camera RAW. El concepto es, en cualquier caso, fácilmente aplicable a cualquier otra herramienta.

La capa que utilizaremos como base, tal y como veis arriba, será un revelado más o menos estándar, cuidando tanto la exposición (curvas, ajuste de luces, etc.) como el color (básicamente, el balanceo de blancos). No es necesario cuidar mucho el detalle, ya que podemos hacer modificaciones en cada uno de los dos procesados más adelante.

Una vez hechos estos ajustes básicos, la duplicamos creando un nuevo objeto inteligente (de esta manera podemos seguir modificando parámetros sin perder nada de calidad), y pasamos a blanco y negro la capa inferior.

En mi caso, suelo hacer este paso desde el propio revelador, probando uno a uno cada uno de los colores para sacarle el máximo partido, aclarando los más oscuros y oscureciendo los que tienen más iluminación. Esto puede crear halos en los puntos donde se unen dos tonos distintos, pero se puede solucionar con un poco de maña y mezclando distintos revelados a base de capas.

Una vez que estemos contentos con el blanco y negro, simplemente tenemos que cambiar el modo de fusión de la capa superior a color, y ya tendremos un resultado que en muchos de los casos será definitivo.

Como indicaba anteriormente, en este punto podemos seguir haciendo ajustes en el revelado de cualquiera de las dos capas, ya que al trabajar con objetos inteligentes seguimos manteniendo esta capacidad. También, muchas veces será interesante bajar la opacidad del revelado en color, para acentuar la suavidad en el resulado definitivo.

Todo este proceso puede durar perfectamente menos de cinco minutos para conseguir un primer resultado rápido y efectista, y es bastante adecuado para paisajes o imágenes con un toque atemporal, como la utilizada como ejemplo. Incluso podemos aplicar un pequeño desenfoque gausiano a la capa de color para limar uniones y acentuar este efecto.

Nada nos impide, en cualquier caso, hacer un blanco y negro contrastado y rabioso, o utilizar una capa de color saturada e irreal, con resultados radicalmente distintos.

Continuando en esta línea, podemos utilizar modos de fusión distintos, según el tipo de fotografía con la que trabajemos. Por ejemplo, los retratos se prestan bastante mucho a ello:

Una vez realizados los mismos pasos (revelado en blanco y negro en la capa inferior, y en color en la superior), el modo de fusión de luz suave nos ofrecerá imágenes mucho más dramáticas y poderosas, realzando las líneas de expresión y los detalles de la piel del retratado.

En este caso los colores estarán de por sí algo más apagados, así que posiblemente no nos sea necesario bajarle la opacidad a la capa para lograr resultados con una atmósfera similar a la anterior.

En resumen, hemos visto cómo a veces puede ser interesante aislar partes esenciales de la imagen (luminosidad y color) para tratarlas por separado, evitando usar presets prediseñados y controlando mejor el proceso.

Esta misma idea se puede aplicar de muchas maneras, editando por ejemplo cada canal de manera individual, o separando los revelados con máscaras de capa. Sólo tenéis que encontrar el que os proporcione un balance entre potencia y simplicidad que os resulte más cómodos.

Fotos | Javier Prieto

Estamos en tiempo de crisis. Mi presupuesto se había acabado y no podía comprar más juguetes para la cámara. No sé de donde apareció cómo conseguir un filtro de densidad neutra por 5 euros que baje unos 10 pasos. Dicho así no suena mal. Estas cosas suelen suceder cuando tienes un presupuesto ajustado o más bien próximo a cero porque ya te lo has gastado antes en otros artilugios fotográficos. En fin, en esas estaba cuando por casualidad mirando en Google me encontré con 2 enlaces: un vídeo y un grupo de flickr. El caso es que el vídeo que podéis ver aquí, es un poco rollo, mirad a partir del minuto 4, me mostró un individuo que se había fabricado un filtro de densidad neutra. Bueno no es que se lo hubiera fabricado él claro pero sí había conseguido adaptar un cristal de algún tipo al objetivo.

Lo cierto es que no me convenció esa manera de resolver el problema. Me recordaba a lo que me dijo un amigo hace tiempo y que hacía cuando hacía mucho sol, poner las rayban delante del objetivo ... como eran de esas muy anchas pues pues conseguía tapar casi todo y reducir el efecto de la luz. En fin, un apaño. El caso es que buscando algo más encontré este enlace. El sábado nuestro amigo Rubén Toquero nos contaba cómo construyó su ND400 casero.

Básicamente los requerimientos son el cristal de soldador, un anillo adaptador y un poco de pegamento. El pegamento nos vale cualquier pegamento rápido que permita pegar cristal y metal. Damos unas gotas hacia la parte exterior del anillo adaptador para que al presionarlo contra el cristal de soldador.

Yo conseguí el adaptador de 77mm (tengo un tokina 12-24 y su diámetro es ése) en ebay por aproximadamente 1 euro puesto en casa. Para el cristal de soldador puedes mirar en alguna cristalería o taller o bien pedirlo también por ebay, basta que busques en ebay “welding glass”. Me costó 4 euros puesto en casa también y es de densidad 11, que sería equivalente más o menos a un BW110 o un ND400. Las dimensiones eran de 80mm x 100mm, con cual cubría perfectamente el diámetro del tokina. Fíajte bien y si no, pregunta al vendedor.

Antes de empezar se me ocurrió utilizar el portafiltros que tenía y colocar el cristal allí, pero al estar separado 4-5mm del frontal del objetivo, me hacía un efecto espejo y podía ver mi propio objetivo reflejado en las tomas. Así que continué con la idea original de pegar el anillo al cristal. Una vez que finalicemos y el pegamento estés bien seco, podemos pasar con cuidado nuestra bayeta de microfibra, la misma que usamos para limpiar los objetivos, y limpiar un poquito el filtro. Tiempo total del montaje 15 minutos.

Lo primero que había leído es que daba una dominante fuerte entre amarillo y verde. Es cierto, pero no es problema si queremos imágenes en Blanco y Negro. Así que ya tenía listo mi filtro de 10 pasos, aproximadamente. Al menos para mí y por este precio. Este fue el resultado directo desde la cámara:

Nota del editor: Gracias a nuestro amigo Rubén (comentario 25) podemos obtener imágenes en color: “Depende del TONO de la mascara que utilices, la que yo cogí del 11 permite usar las imágenes a todo color. Simplemente con la herramienta cuentagotas del ACR te varia el matiz y la temperatura y ya lo tienes calibrado en los blancos.”

Pasando la imagen a Blanco y Negro, añadiendo contraste y corrigiendo alguna manchita proveniente de las impurezas del cristal podemos obtener unos resultados que no están nada mal para la inversión hecha, como podéis ver en las siguientes fotografías que he realizado últimamente:

Un apunte sobre la imagen en blanco y negro. Hice 2 tomas, una con filtro (de 120 segundos) y otra sin él. El motivo quedarme con la parte inferior del suelo de la toma sin filtro ya que la hierba salía muy difusa, además de esta forma logré que la parte inferior estuviera más contrastada. Combinamos ambas y tenemos una bonita imagen en Blanco y Negro. Cómo veis el resultado ha merecido la pena. Si os gusta el brico tuning y estáis dispuestos a disfrutar con ello durante un rato divertido os animo a ello. De todas formas si podéis permitíroslo, un buen filtro de densidad neutra os permitirá disfrutar enormente. De momento aprovechad las que saquéis con el filtro de densidad neutra por 5 euros.

Fotografias | Alfonso Domínguez Lavín
Referencias | Welding Filter en flickr

Una fotografía basada en lo que se llama Alto Contraste es aquella en que expresa un gran diferencia entre las luces y las sombras. Cuando nos encontramos con un objeto de la realidad muy contrastado, es decir que existen una gran diferencia entre las luces y las sombras, lo que hace una exposición automática es reducir el valor de la parte iluminada y la parte oscurecida. Con ello se obtiene una fotografía media entre luces y sombras que conlleva una falta de detalle. Pero esto no es lo que buscamos, buscamos fotografías de alto contraste para inspirarte.

De todas maneras, el nivel de Alto Contraste es un gusto personal. Las apreciaciones, muy comunes en este tipo de fotografías, sobre si está expuesto o sobre expuesto, deben quedar solamente en eso. A veces nos quedamos únicamente en esos detalles pero al espectador común que disfruta de la imagen no le suele preocupar eso. Si funciona visualmente, funciona.

Fotografía de Aitor jorge Pascua en nuestro grupo flickr

Por ejemplo, en los retratos, una técnica muy utilizada a lo largo del tiempo, ha sido la de usar un fondo blanco. Si vestimos al modelo con ropas ligeramente oscuras facilitaremos la posibilidad de obtener un alto contraste entre el modelo y el fondo blanco. En cambio si el modelo viste ropa clara, esta posibilidad desparecerá y obtener un alto contraste resulta mucho más complicado. En estos casos una medición ponderada al centro funciona muy bien. También en los casos de fotografías de conciertos encontramos estos contrastes muy fuertes, en este caso una medición puntual sobre el artista funcionará bastante bien.

Fotografía de Aitor Lopez de Audikana en nuestro grupo flickr

También podrían entrar en esta categoría de Alto Contraste los llamados retratos en Clave Baja, donde utilizando como norma general un fondo negro, iluminamos parte del sujeto, obteniendo así un gran volumen en los contornos del modelo como ya nos contó en su día nuestro compañero Jesús León en su artículo sobre fotografías de Clave Baja, aunque también podemos utilizar objetos de color predominantemente claro frente a un fondo negro.

Fotografía de KORGAN en nuestro grupo flickr

Fotografía de Luis Hernández en nuestro grupo flickr

En resumen, tradicionalmente con Alto Contraste, como indica su nombre, nos referimos a una imagen en la cual vamos a encontrar Negros muy profundos y los Blancos muy iluminados pero esto no quiere decir que el alto contraste se encuentre solo en fotografías de ByN, sino también en las de color. . Aunque los más puristas dirán que si es un blanco y negro, es un blanco y negro. Que no es muchos tonos medios y poco blanco y negro. Quizás se pierdan detalle en las sombras, y en las altas luces, pero se gana muchísima fuerza en la imagen. Personalmente, mi concepto de alto contraste es algo más amplio. No pasa porque los negros pierdan todo el detalle y las iluminaciones estén totalmente sobre expuestas, me gusta el detalle y para ello no podemos prescindir absolutamente del todo de los tonos medios, tanto para blanco y negro como para color, en mi opinión. También veremos como, en determinados casos el uso acertado del HDR puede ayudar a ofrecer fotografías de alto contraste.

Fotografía de Alex Jiménenez en nuestro grupo de flickr

Veamos algunos ejemplos más de imágenes de Alto Contraste y cómo pueden servirnos de inspiración, teniendo en cuenta que hemos escogido las siguientes imágenes por su alto grado de contraste.

Fotografía de José Singla en nuestro grupo flickr

Fotografía de domimb en nuestro grupo flickr

No podíamos olvidar la fotografía en color y para ello hemos dejado hueco a esta imagen de Arnau23 que se apoya en técnicas de iluminación, algo que no podemos olvidar en cuanto obtener imágenes muy contrastadas como las que vimos hace unas semanas en la entrevista a Joel Grimes.

Fotografía de Arnau 23 en nuestro grupo de flickr

En último lugar he elegido esta fotografía de Malegrya porque además de tener un alto contraste lo tiene también en sentido metafórico por lo chocante entre la chica y los monjes, un pequeño guiño al doble sentido del contraste.

Fotografía de Malegrya en nuestro grupo flickr

Finalmente, unos pequeños consejos en cuanto al procesado de imágenes de Alto Contraste en Blanco y Negro. Para realizar estos pasos en Camera RAW y conseguir una foto en Blanco y Negro de Alto Contraste podemos guiarnos por los siguientes valores, siempre y cuando trabajemos sobre una imagen que esté bien expuesta:

Saturación = 0 o bien ponerlo en Escala de Grises
Los negros: entre 30 y 60 (dependerá de la exposición de la foto, en algunos casos podremos subir la exposición hasta +1.00)
La Luz de Relleno: entre 15 y 40
Contraste: Entre 30 y 70
Recuperación: entre 10 y 30
Claridad, entre 40 y 50
Curva de puntos: Poner Contraste fuerte y ajustar las sombras y las iluminaciones de forma que no se pierdan detalles.
Valor de Enfoque: De 70 a 110
Radio de Enfoque: De 1,5 a 3
Detalle de Enfoque: De 25 a 50

Y hace unos días os ponía como ejemplo esta otra imagen en el artículo sobre selección por canales consiguiendo un alto contraste:

Fotografía de Alfonso Domínguez Lavín

Básicamente si no ponemos la saturación a 0, obtendremos una imagen muy contrastada pero en color, aunque aquí probablemente tendremos que variar alguno de los parámetros que hemos tocado anteriormente. Otra posibilidad en Blanco y Negro que tenemos es usar el plugin Nik Silver Efex del que hablábamos hace unos días. Espero que este artículo os haya animado a realizar fotografías de Alto Contraste y que nos mostréis los resultados.

Fotografía de Portada | Santiago Díaz

Hace poco ha sido liberada la última versión de este conocido plugin para tratamiento de fotografías en Blanco y Negro. ¿No lo conoces? A qué esperas pruébalo. Puedes descargar la versión de prueba de 15 días en la página del fabricante Nik Software.

Cuando hemos analizado Silver Efex Pro 2 una de las primeras cosas que nos llamó con respecto a la primera versión es el aspecto que, aunque renovado, sigue manteniendo un diseño muy similar a Lightroom, Aperture o Camera RAW y bastante intuitivo. Uno de sus puntos fuertes que hacen que podamos conseguir buenas resultados en tan solo unos pocos pasos.

Hemos de decir que la instalación de este plugin sigue resultando bastante sencilla: Ejecutamos el instalador, con Adobe Photoshop cerrado y seguimos las instrucciones. En apenas un par de pasos hemos instalado el plugin, que aparecerá, al abrir Photoshop, dentro del menú Filtros. Se agradece, ya que, como sabemos, a veces, la instalación de determinados plugins supone un verdadero dolor de cabeza.

Nik Silver Efex Pro 2: Paquete Todo-en-1

Ciertamente, resulta ser una herramienta todo en 1 para el tratamiento del Blanco y Negro. Desde sus diferentes menús podemos ajusta el brilo, contraste y estructura de forma general y localizada con los menús de ajustes globales y selectivos. Aplicar diferentes filtros de color para obtener distintos acabados en Blanco y Negro, imitando el uso de los tradicionales filtros ópticos utilizados para obtener fotografías en blanco y negro.

Una de las opciones que más me gustan es la posibilidad de comparar el original en blanco y negro sin procesar con el procesado que estamos realizando según vamos avanzando en los ajustes. Cosa que no demasiados plugins permiten.

Otro apartado muy interesante es la posibilidad de añadir grano de película analógica tradicional. Para esto puedes entretenerte en ver la amplia variedad de tipos de película que incorporar. Si se selecciona un valor predeterminado para una película en particular, se le añadirán automáticamente el granulado, la sensibilidad del color y la curva de tonos más adecuados, siempre teniendo la posibilidad de poder ajustar estos parámetros.

Además otra de las funciones interesantes es la de los ajustes de Acabado, en donde podrás virar la foto hacia los tonos que más te gusten pudiendo elegir entre numerosas opciones incluyendo el poder crear marcos muy curiosos para nuestras fotos.

Puedes ver todas las nuevas características en el siguiente vídeo que la gente de Nik Software pone a tu disposición:

Los puntos de control y la edición selectiva: Tecnología U-Point

Capítulo aparte merece esta tecnología. Básicamente, mediante puntos de control que establecemos en nuestra fotografía podemos aplicar ajustes locales de Brillo, Contraste y Estructura.

Además en esta segunda versión se ha ampliado el abanico de atributos permitiendo Amplificar blancos, Amplificar negros, Estructura fina o la Coloración selectiva (para poder realizar interesantes cutouts)

Precisamente es la zona de influencia de esos puntos de control lo que significa una de las opciones interesantes por las cuales el procesado con Silver Efex resulta rápido. El uso de zonas circulares de influencia para los puntos de control permite que aplicar de forma gradual los cambios deseados evitando los tan temibles halos. De todas formas no pienses que Silver Efex lo resolverá solo. Si tu procesado es muy agresivo tienes más posibilidades de que se noten. Un ejemplo del trabajo que puedes realizar lo puedes ver en el siguiente vídeo:

Si deseas eliminar un punto de control, basta con hacer doble clic sobre el punto de anclaje y pulsar suprimir. Sencillo, ¿verdad?

Nik Silver Efex Pro 2: ¿Algoritmos únicos?

Si bien cada maestrillo tiene su librillo, Nik promociona este producto indicando que usa unos algoritmos únicos para conseguir, eso sí, brillantes resultados. Aunque seguramente esta afirmación tiene más de marketing que otra cosa. Independientemente de cómo lo llamemos, los resultados de este plugin son bastante buenos como podéis ver en las siguientes fotografías que hemos aplicando tan sólo algunos ajustes básicos del plugin.

El nuevo Histórico de cambios

Una de las cosas que resultaba complicado, o al menos poco intuitivo en la primera versión era deshacer los cambios y volver hacia atrás. Ahora con la segunda versión parece que los chicos de Nik se han puesto las pilas y han mejorado con el histórico. Además tienes la posibilidad de comparar distintos procesados antes de procesar el filtro, cosa que en la versión anterior tenías que ejecutar el filtro varias veces y realizar las comparaciones a posteriori.

Para poder hacer uso del Historial, pulsamos en el icono que tiene una flecha (icono del símbolo deshacer), que se encuentra en la parte superior izquierda. Una vez haya aparecido en pantalla el Navegador de historiales, se mostrará una lista de todas las mejoras aplicadas. Si se hace clic en un estado, la imagen se restablecerá a dicho estado inmediatamente. A continuación, es posible hacer clic en otro estado para volver a restablecer la imagen, o bien, ajustar los controles de imagen. Si se ajustan los controles de imagen después de restablecerla a un estado anterior, cualquier paso posterior quedará eliminado permanentemente.

Puntos negativos

Como punto negativo, diremos, que los requerimientos resultan algo excesivos para un plugin y que en determinadas ocasiones puede falle o que bien no se apliquen los cambios realizados, como ya ocurría en la versión primera..

También el precio resulta algo excesivo para un plugin que, puede convertirse, en un plugin de cabecera para el tratamiento en Blanco y Negro. Además nos encontramos desgraciadamente con la conversión 1:1 en el cambio dólar-euro, ya que si compras la versión desde su web en EEUU el precio es de 199,95 dólares y si lo compras en la europea el precio son 199,95 euros.

Otra punto en contra que encontramos son los altos requerimiento hardware que exige, 2GB de RAM mínimos, pero recomendados 4GB, para un solo plugin resultan excesivos. En nuestras pruebas usamos un portátil con 4GB de RAM y el tiempo de procesamiento fue bastante alto en comparación con la versión 1.

Nik Silver Efex Pro 2: Requerimientos

Puedes encontrarlo disponible para Mac OS X y Windows así como Inglés, Alemán, Francés, Español e Italiano y sus requerimientos son los siguientes:

Windows

– Windows XP, Windows Vista, y Windows 7

- Procesador AMD o Intel

– 2 GB RAM (4 GB recomendado)
– Adobe Photoshop® CS3 a CS5
– Adobe Photoshop Elements 6 a 9

- Adobe Photoshop Lightroom 2.6 a 3.0 o superior

– Compatible 32-bit y 64-bit

Macintosh

– Mac OS 10.5.8, 10.6 y superior

- Procesador Intel

– 2 GB RAM (4 GB recomendado)
– Adobe® Photoshop® CS3 a CS5
– Adobe Photoshop Elements 6 a 9
– Adobe Photoshop Lightroom 2.6 a 3.0 o superior
– Apple® Aperture® 2.1.4 a 3.0 o superior
– Compatible 32-bit y 64-bit

Nik Silver Efex Pro 2: Conclusiones

En definitiva, a pesar de sus puntos negativos, resulta ser un plugin con unos resultados bastante bueno para casi todo tipo de fotografías. Para concluir diré que la versión que más me gusta personalmente es la integrada con Photoshop, ya que por mi flujo de trabajo prefiero realizar el revelado RAW primero y mantener un objeto inteligente sobre el cual poder aplicar el filtro. Ah, ¿no lo dije? Silver Efex Pro sigue pudiéndose aplicar como filtro inteligente, lo cual nos permite volver a editar el objeto inteligente y ver los cambios aplicados sin tener que volver a aplicar el filtro. Combinando ambas cosas, el revelado RAW y Silver Efex Pro, puedes obtener unos resultados bastante aceptables. Sin embargo, si no dispones de un equipo potente, la versión 1 te permitirá seguir consiguiendo grandes imágenes en blanco y negro también

Fotografías | Nik Software
Más información | Nik Silver Efex Pro 2, Lecciones sobre Silver Efex Pro

Os hemos aconsejado dicho muchas veces tirar en RAW, para poder controlar en postproceso el balanceo de blancos, el paso a blanco y negro, los ajustes de saturación y contraste, y en general cualquier opción “artística” que os proporcione vuestra cámara, pero… ¿es esto siempre así? ¿nunca tienen sentido estas opciones para los fotógrafos que disparan en crudo?

Hace tiempo que me he acostumbrado a tirar en RAW+JPG, y a volver a jugar con los modos predefinidos. Es una opción a la que tardé en ver su utilidad, pero que me permite una serie de ventajas que merecen bastante la pena:

• La previsualización es mucho más cerca del resultado final – Si piensas en blanco y negro, verás el resultado en este modo, sin renunciar a hacer otros procesados cuando llegues a casa.
• Resultados mucho más inmediatos – Si quieres subir alguna foto rápida a la web, o pasársela a los amigos, ya tienes hecho un primer revelado básico.
• Una opción básica de backup – Muchos fotógrafos guardan los JPGs por un lado y los RAW por otro, al igual que antes se almacenaban los negativos y las copias reveladas en sitios distintos.
• Vista rápida más potente – Este es un tema algo más técnico pero también interesante: Muchos procesadores RAW utilizan los JPG relacionados para poder empezar a trabajar con la foto más rápidamente, mientras se procesan las previsualizaciones completas en segundo plano.

• Histograma más fiable – Relacionado con el primer punto: La cámara nos muestra el histograma de la versión JPG de la foto, así que si ese fichero está bien configurado (saturación, contraste, enfoque, etc.), esta gráfica será más representativa que si utilizamos la básica.

Por supuesto, este sistema también tiene sus fallos, aunque os dejo a vosotros valorar si son o no relevantes:

• Tiempo de captura más lento – Especialmente en cámaras de gama media/baja, notaremos como los buffer se saturan antes, y perdemos velocidad de captura, especialmente en modo ráfaga.

• Menos espacio de almacenamiento – Obviamente, ocupamos por un lado el espacio del RAW y por otro el del JPG, aunque este punto es fácilmente solucionable con un mínimo de inversión en tarjetas de memoria.

Para acabar, recordaros que normalmente podemos elegir la calidad del JPG asociado a los RAW. Yo normalmente la dejo al mínimo, ya que los acabo desechando en favor del RAW una vez importados frente a los anteriores.

Aparte de todo esto, tirar simultáneamente en los dos formatos es muy práctico para eventos como los rallys fotográficos, donde estamos obligados a entregar una copia de nuestras fotos sobre la marcha, pero a la vez queramos llevarnos el original para trabajar en casa. Eso sí, consultad siempre las bases en este caso, para aseguraros de que no os vayan a poner problemas.

Foto | Erkua, de nuestro grupo de Flickr

En el siguiente tutorial vamos tratar de dar un toque creativo a tus paisajes. En realidad vamos a ver un tipo de procesado basado en un revelado RAW muy personal, en este caso en Blanco y Negro pero deciros que el concepto es aplicable para color igualmente, y, finalmente, vamos a añadir unas texturas que nos darán el toque creativo final.

Como material necesario os facilitamos unas acciones para photoshop que nos ayudarán a completar la tarea: Acciones_tutorial

Queremos llegar a este resultado:

Lo primero que vamos a hacer es realizar el revelado RAW, yo uso Lightroom para ello, pero en Photoshop, utilizaríamos el comando “Nuevo objeto inteligente mediante copia” para tener 3 copias de nuestra imagen. Si trabajáis con Photoshop, abrid siempre en modo objeto inteligente … pero esto lo hablaremos otro día.

Bien, en Lightroom 3.0 elegimos la imagen y usamos realizamos 3 copias virtuales de nuestra imagen, que sin retoque alguno es ésta:

Desde la imagen y botón derecho, pulsamos en el menú la opción crear copia virtual, en Photoshop, abriríamos el RAW como objeto inteligente y utilizaríamos “Nuevo objeto mediante copia”. Revelamos individualmente cada una de las copias, bajando la saturación y subiendo y bajando la exposición. Fijándonos en el cielo primero y luego subiendo la exposición para fijarnos en el suelo. Tocamos un poquito también las curvas, pero mejor lo vemos en las imágenes:

Realmente lo que hemos hecho es revelar el suelo por un lado, el cielo por otro y uno más para la parte central del cielo. Abrimos las 3 imágenes reveladas, en Photoshop.

Ahora lo que vamos a hacer es poner las capas más oscuras arriba y las más claras abajo, y usando máscaras vamos a quedarnos con las partes que nos interesan. Para ello, os aconsejo usar un pincel con una opacidad baja y un flujo bajo.

Usamos Ctrl+E para combinar la tercera y la segunda capa y repetimos el proceso con la que nos queda y la que estaba más abajo en la que habíamos revelado el suelo.

Finalmente combinamos esas dos capas, que vemos marcadas en la imagen. Para ello, las seleccionamos y pulsamos CTRL+E. Añadimos una máscara de capa a la capa resultante. Aquí, en vez de usar solamente el pincel es más fácil enmascarar usando la herramienta degradado y completar usando el pincel y quedaría así:

Como decía, usamos el pincel con una opacidad del 35% y flujo 35% completamos la máscara:

Ahora vamos a aplicar la acción Luz 3D de José María Mellado que tenéis en el ZIP. También podéis descargar sus acciones de su propia web. No soy muy dado a contrastar usando esta acción salvo cuando la uso en Blanco y Negro, en Color me parece que hace cosas extrañas y solo uso la máscara de aclarar y oscurecer. En blanco y negro no hay problema, vas pintando en cualquiera de las tres máscaras. Yo suelo potenciar las luces en la máscara de aclarar y tocar un poquito la de oscurecer. En este caso el fondo de las montañas me parece que tiene poco contraste así que para igualarlo, contrasto usando la máscara de contrastar, el resto lo podéis ver en la imagen.

Ya llegamos al final. Vamos a aplicar algo más de contraste pero de una forma especial. Usando la acción de curvas de luces y sombras que tenemos en el archivo zip (este método lo trataremos en artículos posteriores). Esta acción aplica las curvas para contrastar pero usando como selección las luces y las sombras esto nos hará ganar rango dinámico. La explicación de este método lo veremos en detalle otro día.

Acoplamos y añadimos un poco de viñeteado y apliamos el enfoque de paso alto, tenéis la acción también en el archivo de descarga. Al aplicar esta acción, pintamos en la máscara aquellas zonas que deseamos queden más enfocadas. Fijaros en la imagen. A mi me gusta enfocar mucho la parte del suelo pero no tanto las nubes.

Finalmente uso dos texturas libres de derechos que nos brinda Skeletalmess, las escalo, las desaturo (también lo suelo hacer cuando la foto es en color) y ponemos las 2 capas de texturas en modo superponer y luz suave en este caso. Los modos habituales para “texturizar” suelen ser trama, aclarar, oscurecer, superponer, luz suave y luz fuerte.

Y ya tenemos el resultado final:

Espero que os haya gustado.

Fotografías | Alfonso Domínguez Lavín

Referencias | Fotografía Digital de Alta Calidad (José María Mellado)

Texturas | Skeletalmess

Nueva fotaza la que os traemos hoy tras una visita por nuestro grupo de flickr. Si hace un par de semanas os dejamos un espectacular paisaje de Joserra Irusta, hoy le ha tocado el turno a Pablo (Keep the funk alive en flickr) con este fantástico bodegón donde la geometría es el alma mater de la toma.

Y es que es difícil dejar de mirar esta hipnotizante fotografía sin rendirse a sus encantos, principalmente por ese áurea minimalista que la rodea y que ya de por si la hace interesante, así que veamos un poco más a fondo porqué es una buena foto.

Los datos de la toma

Para realizarla, Pablo uso una Nikon D200, y un esquema de iluminación que el mismo cuenta y comparte.

Un objetivo Tamron 17-50 F2.8 a una distancia focal de 34mm. El esquema de iluminación que se usó, según cuenta Pablo, consistió en un par de flashes (uno a 45º con ventana de luz y otro a 60º con softbox). Para la toma final, uso un tiempo de exposición de 1/40s para un F11 e ISO 100.

El encanto de la foto

Sobre la foto en si, me parece un acierto y algo casi imprescindible, el uso de un soporte reflejante que hace que todo el encuadre se llene de lineas rectas, excepto las que se refractan en el agua, Por otro lado, me parece una gran idea usar el Blanco y Negro para una toma como esta, ya que el color no aportaría mucho.

El uso de las diagonales, junto con el encuadre centrado y la linea de unión entre soporte y fondo en posicion de tercios, hacen finalmente que el encuadre y la composición sean finalmente, los protagonistas de la toma final.

Sólo nos queda felicitar al autor por la gran técnica y la perfecta ejecución de la toma. Podéis ver sus fotos más interesantes, siempre según flickr, aquí o visitar su galería completa en flickr.

Foto | Keep The funk alive, de nuestro grupo de flickr.

Los que hacéis fotografía química, seguro que ya conocéis Digital Truth, entre otras cosas porque son unos de los pocos que venden cosas como mi adorada película Rollei ATP 1.1, aunque no los únicos. Y seguro que también os suena The Massive Dev Chart, una valiosísima base de datos que contiene miles de combinaciones probadas de película y revelador para blanco y negro.

Bueno, pues resulta que hay una aplicación para iPhone, iPod, iPad, Android e incluso para otro tipo de móviles, que nació de ahí y facilita un montón la vida del sufrido amante de la fotografía analógica. Lo mejor del mundo digital al servicio de la vieja tecnología fotoquímica. La aplicación The Massive Dev Chart nos permite tener en la palma de nuestra mano una enorme chuleta con toda esa información sobre las disoluciones y los tiempos y temperaturas de revelado, paro, fijador, hipo-clearing y secado para nuestra combinación de película y revelador, pero no sólo eso sino que además incorpora un sencillo contador de tiempos automático que nos ayudará mucho en el laboratorio (de momento sólo en la versión para iOS). Por supuesto, cuenta con un modo que pone nuestro dispositivo en modo “cuarto oscuro”, cambiando el esquema de colores a negro/verde y atenúa muchísimo el brillo de la pantalla para evitar sustos innecesarios en determinadas circunstancias.

Os recomiendo que le deis una oportunidad y lo probéis, o al menos que veáis el vídeo demostrativo (en inglés), porque realmente está muy bien. Esperemos que no tarde mucho la versión definitiva para Android con las mismas funcionalidades que la de iOS, pues ahora mismo es útil pero no pasa de ser una sencilla base de datos de películas, reveladores y sus tiempos.

Para iOS | Digital Truth Photo
Para Android | Kian Ryan
Vídeo demostrativo | YouTube