La fotógrafa Miren Pastor lleva unas semanas que literalmente no para. Ayer se anunció que ha sido una de las 5 finalistas del Ing Unseen Talent Award 2016 en su modalidad europea, la semana pasada inauguró exposición en el festival de fotografía BAFFEST y ya se encuentra trabajando en la tercera parte de su proyecto fotográfico Bidean.

Hablamos hoy con ella sobre su trabajo Bidean, sobre su concepción de la fotografía y de su experiencia en el nuevo Festival de Fotografía para Mujeres

Bidean comienza partiendo de una reflexión acerca de la adolescencia y el tránsito hacia la madurez. Este es un tema que te obsesiona desde hace tiempo, como ya pudimos ver en tu proyecto "piloto" por llamarlo de alguna manera Waiteen, en el que de un viaje por EE.UU. y Canadá comenzaste a hilar una serie de retratos de adolescentes.

¿A qué crees que se debe este interés? ¿Hay algo que querías resolver de tu adolescencia?

Sí, como bien dices el proyecto “piloto” Waiteen fue la semilla gracias a la cual surgió Bidean. Al terminar de estudiar el Curso de fotografía Anual en Blank Paper, no te puedes ni imaginar la de referentes, ideas, nombres, libros que invadían mi cabeza. Aterricé en Nueva York cámara en mano, con mi hermano Ander, deseando poner en práctica todos los conocimientos adquiridos en la escuela, a lo largo de un viaje de 48 días por EE.UU.

Admiro la gente que es capaz de proponerse un proyecto, pensar cómo hacerlo y ejecutarlo. En mi caso la búsqueda del famoso “tema” fue totalmente intuitiva y llegué a él por acumulación. Al volver a Madrid fue cuando aprendí que más allá del momento de la toma fotográfica, era mucho más importante la edición. Cuando imprimes todas las fotos en miniatura, las extiendes en el suelo y te pones a seleccionarlas, ahí es donde empiezan a surgir las historias.

Me llamaba la atención la adolescencia porque supone un viaje de transformación, sentimos todo con más intensidad, sufrimos cambios físicos y psíquicos constantes, nuevas etapas que nos marcan un antes y un después y que, sin ser conscientes, van generando las bases de nuestra personalidad.

Tal vez tenía un asunto pendiente por resolver con la adolescencia, que aún no era consciente. La verdad es que la fotografía, muchas veces, sirve como terapia. Mi adolescencia recuerdo haberla vivido como una constante espera, deseando que llegara lo siguiente, adelantándome a los acontecimientos en vez de disfrutar del momento. Sin ser la protagonista de las fotografías, de alguna manera, esos jóvenes en esas situaciones me evocaban ese tipo de recuerdos y sensaciones. Así nació Waiteen, término inventado para definir la espera en la adolescencia (Wait +teen = la espera en la adolescencia).

Hacer fotos en un país que visitas por primera vez, donde todo te llama la atención, puede resultar fácil y atractivo, pero al mismo tiempo muy superficial. Otra de las cosas importantes que nos insistía Fosi Vegue durante mis estudios en Blank Paper es que para hacer un proyecto fotográfico no es necesario viajar lejos, sino aprender a mirar mejor nuestro alrededor. Hasta que me di cuenta de que el tema me acompañaba allá donde iba, como si me persiguiera, solo faltaba mirarlo de otra manera. Más que encontrar yo al tema, digamos me encontró él a mi.

Mi hermano Ander que estaba adentrándose de lleno en su adolescencia, y su entorno, se convirtieron en el foco del proyecto. Estaré eternamente agradecida por haber compartido conmigo y mi cámara su salto de la adolescencia a la madurez. Sin intención alguna de convertirle en el protagonista del proyecto, el objetivo era conectar con un lenguaje más universal.

La suspensión y la incertidumbre son un elemento principal en la primera etapa de Bidean, y en cierta forma, uno de los rasgos más propios de la fotografía, que todo lo convierte en un reflejo suspendido a la espera de activar otras imágenes.

¿Cómo llegas a focalizarte en este aspecto y qué es lo que más te atrae de la suspensión?

Mediante Bidean, término en euskera que significa que algo o alguien está en el proceso o en el camino, comencé analizando las etapas de cambio creando un paralelismo entre los altibajos a partir de la adolescencia enfrentados a la transformación del entorno. Me inquieta la paradoja entre esta efímera etapa vital caracterizada por el avance a tientas, casi un salto al vacío, enfrentada a los paisajes inmortales, pero vulnerables también en cualquier instante, creando un paralelismo entre los altibajos emocionales y la fuerza incontrolable de los ciclos inestables de la naturaleza.

En Bidean se contraponen dos formas de la naturaleza registradas fotográficamente en el momento de un cambio: individuos retratados en plena adolescencia y escenarios naturales capturados en el instante en que están también a punto de cambiar; apenas cambie la luz, o se agite la atmósfera.

Ambos motivos encierran una contradicción casi trágica con esa aparente quietud, esa incertidumbre que es la que toma el protagonismo en los propios rasgos de los jóvenes aparentemente serenos, como lo que esconden los paisajes boscosos o la poesía de las cicatrices de las rocas.

Esta sensación de suspense que se extiende en todo el proyecto pretende incitar a la reflexión, generar estiímulos y despertar recuerdos o sensaciones como empatía, rechazo, añoro, nostalgia o alegría en el espectador, llevándole a su adolescencia y al mismo tiempo planteando otras cuestiones sobre el presente y el futuro; qué somos, de dónde venimos y a dónde vamos.

Uno de los aspectos más interesantes de Bidean es su plasmación como fotolibros (dos diferentes hasta ahora), un formato que da mucho juego. Posee dos formas de leerse, literal, es decir, como libro, donde madejas de naturaleza bruta nos van dando paso a algunas imágenes concretas, o como mapa, si optamos por desmembrar el libro, lo que nos otorga una visión de conjunto de la obra.

¿Cómo llegaste a esta solución formal y cómo dialoga con el propio proyecto?

Soy muy consciente de que nunca hubiera llegado a desarrollar el proyecto sin la ayuda del equipo de profesionales que me ha rodeado, como Víctor Garrido, Gonzalo Golpe, Sonia Berger, Fosi Vegue… y en este caso especialmente, le debo las gracias al diseñador Alberto Salván Zulueta de Tres Tipos Gráficos.

El primer fotolibro, autopublicado con motivo de la exposición en la Galería Gema Llamazares en marzo de 2014, se convirtió en la herramienta que mejor expresa el concepto del proyecto. Con el proyecto anterior, Waiteen, había trabajado en formato póster/desplegable y me gustaba la idea de continuar en esa línea, dando más peso a la disposición espacial que a una secuencia narrativa, sin jerarquías. Al ser un proyecto vivo que sigue creciendo, en vez de marcar un inicio y un final, optamos por no encuadernarlo ni graparlo. Al plantearle a Alberto las ideas que tenía en mi mente, fue él quien le dio técnicamente forma, planteando algo diferente, una publicación que cumple una doble función: como fotolibro y como recurso expositivo.

Mientras que en la puesta en página la textura de un paisaje envuelve las fotografías inspirando cierto suspense, al desplegar el mosaico todo cobra sentido. Esconde una especie de adivinanza, retando al lector a ser partícipe, como en el proceso de descubrir el mundo al que nos enfrentamos en la adolescencia.

Al desencuadernar los dos libros que componen Bidean quitando la ligera goma que une los pliegos y siguiendo las coordenadas indicadas -actualmente Bidean cuenta con dos fotolibros y al ser un proyecto vivo y probablemente culmine con un tercero- surge una instalación al colgar los dípticos en la pared. Cada pliego encuentra su sitio, reconstruyendo visualmente un paisaje representativo que abarca las fotografías más importantes del proyecto.

La cubierta tiene un doblez característico que medio esconde el título y a su vez invita a adentrarse en su interior. El libro también contiene un metafórico texto del teórico de arte Iván del Rey de la Torre, abriendo nuevas vías de interpretación al lector.

Tu trabajo, lejos de aproximarse al retrato de adolescentes en su entorno, algo que dicho sea de paso, estamos bastante acostumbrados a ver, opta por establecer un diálogo con la naturaleza en el que el hombre en potencia se convierte en un elemento más de la tierra, dejando de ser espectador para ser un elemento propio del cosmos que le rodea, lo que sin duda es todo un acierto y lo que otorga a Bidean personalidad propia.

¿Qué te ha llevado a desarrollar esta equiparación entre el hombre y la naturaleza?

Me llamó mucho la atención la frase de Iván del Rey de la Torre que dice así:

Surge una perfecta comunión entre el humano que es Naturaleza y la Naturaleza que tiene una parte humana; los ciclos son compartidos, cualquier cambio que afecte a una parte afecta a la otra.

Me hizo ilusión porque no era algo buscado o premeditado, ciertos conceptos surgen intuitivamente. Cosas que pueden resultar complicadas de explicar o expresar con palabras, a veces hay que dejar que sean las propias imágenes quienes lo cuenten.

Poco a poco me voy dando cuenta de que Bidean es el reflejo de la suma de dos aspectos que van muy unidos a mi personalidad: el estrecho vínculo con mi hermano Ander y el entorno natural en el que hemos crecido.

Bidean lo vivo como una búsqueda en la que se plantean más dudas que respuestas. Un camino de largo recorrido, en el que más que el resultado, me interesa el proceso. No es un proyecto ligado a un espacio ni aun tiempo concreto, sino a un concepto, el cambio. Esto me da libertad de poder trabajar en cualquier sitio y poder experimentar. Al igual que los retratos transmiten ciertas sensaciones, me gusta encontrar en la naturaleza situaciones que pueden simbolizar diferentes estados anímicos o emociones vividas por estos adolescentes. Como puede suceder en la fotografía del árbol con las raíces desarraigadas que parece que quiere huir.

La primera etapa reflejada en el primer libro giraba en torno a la idea de suspensión, la incertidumbre, el salto al vacío que se experimenta en plena adolescencia y estaba representado a través de una atmósfera boscosa que invitada a perderse y a volver a encontrarse con uno mismo. Imágenes como la chica con el pelo en la cara que impide ver lo que tiene delante, el joven de brazos abiertos con postura de pasividad, a la espera de que algo pase, representaban situaciones que me iba encontrando gracias a la convivencia con estos adolescentes.

Bidean no fue plantado en un principio como un proyecto a largo plazo, pero tras finalizar el primer capítulo te percataste de que querías seguir documentando la evolución del joven -tu hermano- que se estaba abriendo a la vida. Esto lleva a plantearnos si existe un final para este proyecto y qué vías va a seguir en un futuro, ya que aquel joven chico al que comenzaste a fotografiar es ya prácticamente todo un hombre.

¿Qué evolución va a seguir Bidean?

Ya han pasado más de 5 años desde que empecé a trabajar en este proyecto y soy consciente que estos jóvenes van dejando de ser adolescentes, están creciendo, madurando y el proyecto seguirá creciendo junto a ellos. En vez de plantearme un fin, creo que esto no ha hecho más que empezar. Aunque los cambios se manifiestan de manera más cruda en la adolescencia, se van repitiendo a lo largo de la vida como los propios ciclos inestables de la naturaleza. Y será gracias al crecimiento de estos adolescentes el proyecto ir tomando forma y generando su propia identidad. Unas fotografías dejarán paso a otras nuevas y así constantemente. Es un proyecto de largo recorrido en el cual me interesa especialmente remarcar el proceso, tanto en la evolución de estos jóvenes, como el de la experimentación del propio lenguaje fotográfico con el acopio de errores y aciertos.

Sin ser consciente el primer libro se convirtió en el eje central del proyecto y ha sido una herramienta clave que me ha orientado en el desarrollo de la siguiente etapa. Bajo el mismo nombre y partiendo de la misma estructura que la anterior, la única diferencia entre ambas publicaciones es el color de la portada y las fotografías del interior.

Cada etapa se caracteriza por un cúmulo de fotografías de naturaleza y retratos que​ ​representan mediante un lenguaje simbólico y alegórico, situaciones, emociones, sentimientos, deseos, anhelos, etc., vinculados a un periodo concreto de nuestro desarrollo vital. Las características de cada paisaje que envuelven a los protagonistas, potencian también mediante su textura y gama cromática las sensaciones que se quieren transmitir en cada momento.

En la primera etapa, reinaba la incertidumbre en los profundos bosques que invitaban a perderse en su interior a los jóvenes protagonistas. En la segunda etapa, la superficie se percibe más abrupta, rocosa y dura, los adolescentes van creciendo, poco a poco van dejando la adolescencia de lado para convertirse en adultos. Al contrario de la sensación de cobijo, de estar arropado que ofrecía el bosque, la piedra representa algo más hostil y simboliza el darse cuenta de la realidad, que no todo es tan fácil como parecía y que hay que luchar para salir adelante.

Actualmente estoy desarrollando la tercera etapa, con la que me gustaría cerrar este primer ciclo, siguiendo el flujo constante del agua. Guiada por los ciclos de la naturaleza, el agua es un elemento esencial en la creación de la vida. Descendiendo desde las montañas, por los ríos, el agua siempre apunta una dirección, el mar. Estos jóvenes que han tenido su primer contacto con la realidad, tienen que desarrollarse y el escenario que lo simboliza será el mar. Cuando las cosas van bien estamos tranquilos. Pero cuando nos invaden los problemas y preocupaciones, nos invade la peor de las tempestades. Sin embargo, sabemos que después de la tormenta siempre vuelve la calma, y los ciclos de las propias mareas representarán la siguiente etapa.

En 2017 me gustaría cerrar este primer ciclo compuesto por 3 etapas que se mostrará a finales del año en el Aquarium de Donosti y culminará con la publicación de la tercera parte, dando fin a la estructura de esta publicación que me ha permitido comenzar en esta gran aventura.

¿Qué novedades trae la exposición de Bidean en este nuevo Festival de Fotografía en Barakaldo? ¿Qué ha supuesto esta exposición para ti?

Exponer un proyecto fotográfico como Bidean en el que la naturaleza tiene tanta presencia en un entorno natural tan maravilloso como El Regato, en Barakaldo, ha sido un gran reto.

Más allá de mantener un vínculo narrativo, hemos distribuido las doce fotografías de las tres etapas de Bidean mezcladas a lo largo del recorrido de 3,5 km integrando lo mejor posible cada imagen en el entorno. En algunos casos, incluso he tenido una sensación extraña, como si hubieran estado hechas para ese lugar concreto, sin haberlo sabido antes.

Al integrar las fotografías en su nuevo hábitat, la vida propia del espacio añade un valor que potencia cada imagen con el sonido de los riachuelos, el cantar de los pájaros o gracias a los diferentes matices de los rayos de luz que se filtran entre las ramas, generando una nueva experiencia.

Estoy muy ilusionada por la buena acogida por parte del público. Que la gente se detenga ante una fotografía tuya supone un gran logro y si además le sugiere o le hace plantearse algo, muy feliz de haber cumplido mi objetivo.

BAFFEST es un festival que ha nacido con muchísimas ganas e ilusión por parte de los organizadores, dando visibilidad a las mujeres fotógrafas y acercando la cultura fotográfica a los ciudadanos mediante exposiciones en la calle, charlas, encuentros y un BookJockey que tendrán lugar el próximo 18 de junio. Muy contenta de compartir esta experiencia junto a fotógrafas que siempre he admirado como Cristina García Rodero, Cristina de Middel, Lurdes Basolí y con muchas ganas de conocer al resto de fotógrafas.

Estoy muy agradecida al equipo del BAFFEST por haber contado conmigo y a Ander Soriano, de Estudios Durero, por haber propuesto al Festival producir esta exposición y haberme descubierto este rincón tan inspirador.

La exposición se podrá visitar hasta el 3 de julio y espero que os guste y disfrutéis tanto como yo de esta nueva experiencia.

BAFFEST | Página oficial

Miren Pastor | Página oficial

Paloma al Aire es sin duda alguna el hasta ahora más reconocido trabajo del fotógrafo alicantino Ricardo Cases, que pasados 5 años desde su publicación, sigue moviéndose como exposición en diferentes espacios además de contar con una segunda edición como fotolibro. El próximo 5 de mayo se expone en el Centro de Arte de Alcobendas de Madrid, por lo que aprovechamos para tener una charla con su autor.

Año 2011. Ricardo Cases decide publicar con la editorial nacional Photovisión junto a las editoriales extranjeras Schaden y Dewi Lewis, su nuevo proyecto, Paloma al Aire, un trabajo que podría parecer una continuación de su anterior ensayo visual, La Caza del Lobo Congelado, en su particular revisión de la idiosincrasia española a través de nuestra relación con los animales y la naturaleza.

Sin embargo, este trabajo supuso un salto profesional de gran calado para el alicantino, que tras ser presentado en los Rencontres d'Arles con gran acogida de público y crítica y figurar como uno de los fotolibros básicos del año 2011 para críticos como Martin Parr o Alec Soth, empujó a Cases a desarrollar todo tipo de nuevos trabajos como incursiones en el terreno de la moda o la documentación de la campaña republicana en las elecciones de 2012.

Tras su visita a distintos puntos de España, Europa, Japón, China, México o Nueva York, las palomas de Ricardo Cases visitan el Centro de Arte de Alcobendas, algo que le ilusiona, y mucho:

Me alegra que pese al paso del tiempo, Paloma al Aire se siga moviendo y especialmente que se exponga en un lugar como el Centro de Arte de Alcobendas, que lo acerca a un público más abierto, que no es necesariamente el fotográfico, algo que me parece positivo. Hoy día vamos muy deprisa y tendemos a cerrar los proyectos muy rápido. En mi caso, me gusta seguir trabajando con ellos una vez publicados, ya que son trabajos a los que dedico mucho tiempo antes de cerrarlos como exposición o libro. Es por ello que cada vez que se expone en un nuevo lugar, intento pensar algún giro nuevo en la forma de exponerlo.

Esta exposición, como es costumbre, cuenta con una cuidadísimo diseño expositivo, en el que además de jugar con todo tipo de marcos, se edita la forma de la propia fotografía, interviniéndola desde todo tipo de posiciones, algo que para Cases es fundamental, tanto en su fotolibro como en la exposición:

Me interesa jugar con la fotografía, buscar soluciones nuevas en cada trabajo. En Paloma al aire quería romper las propias imágenes, en su narrativa en el libro con el tipo de encuadernación que las agujerea (literalmente) así como en la exposición. Y en cierta forma, jugar con la fotografía como lo hacen los protagonistas de Paloma al Aire con la naturaleza.

¿Se equivocó la paloma?

Paloma al Aire es un trabajo que documenta la escena de la colombicultura en el levante español, en la que se realizan competiciones de palomos que intentan cortejar una paloma. Aquel que consiga la atención de la hembra durante mayor tiempo, gana, otorgándole un premio a su entrenador. Pero Paloma al aire es mucho más, siendo una excusa que sirve a Cases para reflexionar sobre nuestra propia naturaleza y una forma de adentrarse más a fondo en su tierra, el levante, y en sus habitantes.

En la inauguración de este jueves, se expondrá además una pieza audiovisual realizada por Jose Bautista, ganador de varios premios World Press Photo por sus trabajos audiovisuales, y se contará con miembros de la escuela de música de Alcobendas, que harán improvisaciones sonoras sobre las imágenes de Cases. Por si fuera poco, palomistas de la federación madrileña de colombicultura estarán presentes con sus palomas durante la inauguración.

El estudio N2 ha diseñado para esta ocasión un catálogo que incluye imágenes de las exposiciones, del libro y fotos antiguas de palomos campeones. Se han impreso 250 ejemplarse y van encuadernados a mano junto a un póster.

Página oficial | Ricardo Cases

Inauguración | Jueves 5 de mayo a las 19:30 horas, Centro de Arte de Alcobendas | C/Mariano Sebastíán Izuel 9 | Hasta el 26 de junio

Federico Clavarino acaba de publicar su nuevo trabajo fotográfico, The Castle, un proyecto que se desarrolla como exposición y como fotolibro que será presentado este jueves en la escuela de fotografía Blank Paper y que formará parte de Photo España este año. Hablamos con él sobre Kafka, sobre Europa y sobre el lenguaje, o lo que es lo mismo: de fotografía.

En la novela El Castillo, K, su protagonista y en cierta forma alter ego de Franz Kafka, intentaba acceder a un castillo que era una suerte de metáfora de los temas que preocupaban al escritor astrohúngaro: burocracia, alineación y en definitiva, la incapacidad de comprender una realidad que definía gran parte de una Europa de la que quería formar parte.

Casi 100 años después, tú trabajo plantea ciertas similitudes con este libro más allá del título, y donde parece que Europa no ha cambiado demasiado en este tiempo. Aunque si que creo que ver una diferencia sustancial. Mientras que K quería acceder al castillo, algo que finalmente no consigue, C, tras estudiar la gestación y funcionamiento del mismo, intenta buscar una forma de escapar de él tal y como se puede deducir de la última parte de tu fotolibro ¿Es así?

No lo sé. Me sucede una cosa con Kafka, quizás aún más que con otros, y es que toda interpretación de su trabajo se me queda muy corta. Al principio de la novela que mencionas, K parece querer acceder al castillo para poder cumplir con su función de agrimensor, y así conocer su destino, luego parece que lo importante sea simplemente poder hablar con Klamm, el funcionario del que depende su trabajo y que también fue amante de su nueva novia, Frieda. La burocracia del castillo a lo largo de la novela aparece cada vez más como algo lejano e incomprensible, contradictorio, indescifrable, y que por otro lado penetra en su vida más intima (a través de Frieda, hasta en su cama).

La trama del libro se va trasformando en algo cada vez más accesorio, los diálogos parecen esconder secretos o encubrir la ausencia de un secreto, de un significado más profundo, de una verdad más allá de los enigmáticos gestos de los personajes. La comunicación parece colapsar: se le acusa más veces a K de “malinterpretarlo todo, hasta el silencio”. El castillo aparece a lo lejos, proyectando su sombra sobre el pueblo, y dando forma a su destino con la ley, que es un lenguaje vaciado de su sentido, quizás de su verdad, y que mira únicamente a la reproducción de si misma, tal como explicó Walter Benjamin:

Una escritura sin su clave correspondiente, no es escritura, sino vida, vida como la que es vivida en la aldea a los pies del monte sobre el que se encuentra el castillo

En mi trabajo, el castillo no es algo al que miramos desde una distancia sino algo que pertenece a lo cotidiano especialmente en los capítulos 2 y 3, donde es fragmentado en los pedazos de nuestra existencia diaria: en objetos, paredes, gestos, trozos de cuerpos.

Después de reflexionar sobre la gestación y el funcionamiento del castillo, además de otras ideas también presentes en la obra de Kafka, como la ley, la autoridad, el destino, el castigo, etc., se deja abierta una posibilidad de romper con este edificio a través de un gesto y del reconocimiento de una suerte de redención del tiempo, la “pequeña puerta por la que puede pasar el Mesías” de la que hablaba Walter Benjamin en sus tesis sobre el concepto de historia.

En ésta, el filósofo rechaza la idea historicista y burguesa de progreso, caracterizada según el por un “tiempo homogéneo y vacío” que procede como un huracán, destrozando incesantemente todo lo que encuentra en su camino, a favor del intento de reconocer en el presente una posibilidad de entrar en un dialogo con el pasado, haciendo saltar el continuo de la historia, y así abriendo un espacio para un nuevo camino.

Las imágenes que componen tu nuevo trabajo poseen distinta procedencia no solo en cuanto a las herramientas que has utilizado para captarlas y su forma de mostrarlas (destacando el uso que haces de un rollo de negativo para narrar la consecución de las distintas etapas de la historia como capas de una forma magistral), sino de diferentes contextos y realidades. Se puede considerar que has ido tomando imágenes en diferentes contextos a las que a posteriori les has ido dando significado.

¿Cómo ha sido este proceso de toma de imágenes y de puesta de ellas en correlación?

La gestación del trabajo fue bastante larga y compleja. Hubo diferentes momentos, y unos cuantos accidentes, algunos de ellos afortunados. Lo bueno de estos procesos es que nunca cumplen con un objetivo bien definido desde el principio, en eso son lo más distante que hay de un proceso industrial. Uno empieza con un puñado de ideas, produce unas imágenes, que le llevan a otras ideas, de ahí a otras imágenes. En un proceso de ese tipo, el encuentro con la vida, con sus incoherencias y sus imprevistos, es inevitable. Me topé con el tema mientras intentaba trabajar sobre otro proyecto, que no funcionó. Me encontré en Belchite, un pueblo destruido durante la guerra civil Española, y paseando por sus ruinas me di cuenta de como todo aquello había pasado hace relativamente tan poco tiempo.

Esto me llevó a reflexionar sobre como los europeos nos relacionamos con nuestro pasado más reciente, con lo que vivieron nuestros abuelos, las guerras y los grandes experimentos políticos del siglo veinte como el holocausto. Viajé a Alemania y a Polonia. Busqué los restos, visité los campos, los museos, las ruinas, lo destrozado y lo reconstruido. Intuí una cosa que años después encontré, mejor formulada, en el ensayo “Homo Sacer: el poder soberano y la nuda vida” del filósofo Giorgio Agamben, y es que el modelo del campo de concentración ocupa un lugar muy importante, osaría decir fundacional, en el ordenamiento presente de nuestras sociedades.

El uso del rollo de negativo (una doble exposición, en la que las imágenes de unas calles de Varsovia se sobreponen a las imágenes de Auschwitz) fue fruto de una casualidad, que con el tiempo supe aprovechar. Fue a partir de ese momento que empecé a pensar que me hubiese interesado hablar más en profundidad de lo que empecé a llamar en mi cabeza “la idea de Europa” (el título de trabajo de The Castle fue durante un tiempo The Idea), y a buscar imágenes, destiladas de lo cotidiano y hechas en diferentes partes de Europa, que me ayudasen a hablar de ello. Tomaba apuntes, muchos eran palabras y otros eran imágenes que me proponía buscar: un corte de pelo y un cuello, un codo, una barra de pan, cosas de ese tipo, muy normales.

Muchas cosas no las conseguí nunca, y la gran mayoría de las imágenes surgieron de forma más espontánea, del encuentro con la realidad. Muchas fotografías las producía aquí en Madrid, otras en donde me encontraba (tanta era la libertad que me daba esta manera de trabajar), y luego había viajes a lugares más puntuales: Atenas, Delfos, Paris, el Valle de Los Caídos, museos y universidades...

Así iba acumulando imágenes y ordenándolas en cajitas (siempre las imprimo en pequeño). Contrariamente a lo que hice con el anterior trabajo, evité editar mientras trabajaba, hasta que un día, después de 4 o 5 años de trabajo, decidí instalarme unos días en casa de un amigo, Ricardo Cases, que muy amablemente me dejó usar su estudio para editar y me apoyó con su feedback. Salí de ahí con una primera idea, que volví a montar y desmontar varias veces hasta dar con el camino correcto.

El Castillo es tu primer fotolibro (que no tu primer trabajo fotográfico) en el que el blanco y negro está presente en todas las imágenes. Se trata de tu trabajo más abierto a interpretaciones donde llevas a un nuevo nivel la correlación entre imágenes que ya se había hecho muy presente en tu anterior trabajo, Italia o Italia. La tecnificación, la economía o el poder en la sombra se hacen muy presentes precisamente porque no aparecen de forma explícita, sino sugerida.

¿La elección del blanco y negro se debe a que te ha permitido tener una mayor facilidad a la hora de hacer alusiones y referencias a otros elementos ajenos a la imagen debido a su capacidad simplificadora?

Por lo que he podido ver en estos años, tiendo a trabajar en dos proyectos a la vez durante un mismo tiempo, uno suele ser en blanco y negro, el otro en color. Son dos lenguajes muy diferentes, y uno me ayuda a descansar del otro, a desconectar. Al blanco y negro le falta la intensidad emocional del color, por otro lado el color puede ser muy frustrante, y puede limitar mucho: tienes delante la idea correcta, la imagen potente, el retrato cargado de fuerza emocional, pero el color no funciona o apunta a una dirección distinta a lo que uno quiere contar.

Igual simplemente no es coherente con la paleta de colores del resto del trabajo. El blanco y negro te quita estos problemas. Como bien dices, permite una libertad mayor a la hora de hacer alusiones a elementos no formales, de generar contenido. Con esto no quiero decir que el blanco y negro no tenga un lenguaje que le es propio, hay maneras muy diferentes de fotografiar sin color.

Tras pasar un tiempo leyendo tus imágenes, llega un momento que estas se desdibujan y se convierten en el andamiaje de algo más grande, de ese castillo al que hace referencia el título del trabajo. Esto se debe en gran parte a los planos tan cerrados de la mayoría de las fotografías que dejan muy poco para ver y mucho para especular y el marcado ejercicio de montaje entre las imágenes que permiten crear nuevas ideas por la combinación de diferentes imágenes.

¿Qué estrategias narrativas has tenido en cuenta a la hora de construir tus imágenes y de hilarlas?

El trabajo contiene imágenes resueltas de maneras diferentes, pero que a la vez comparten algunas características fundamentales, tanto en su forma como en su contenido, y esto ayuda a la hora de hilar una estructura compleja de forma coherente. El trabajo, como tu dices, quiere ser como un edificio, en el que cada ladrillo tiene su importancia si mirado de cerca pero que a la vez es solo un pedazo de algo más grande. Es en los blancos de las páginas que se entrevé el castillo, tal y como como es en el espacio entre las palabras donde construye un relato o en los silencios de la realidad donde a veces se vislumbra una posibilidad de sentido. La comunicación con otros seres humanos siempre tiene algo de incompleto, de imposible y de frustraste, cuya formulación responde a una necesidad desesperada, a una urgencia de la que a veces parece que dependa nuestra propia vida.

El lenguaje, cuando tiende a la precisión, como es el caso de la ley, quizás una de sus formas más antiguas, siempre tiene algo de violento y absurdo, que se impone a uno mismo como fuerza del destino, mientras que cuando tiende a la verdad, todo lenguaje tiene que renunciar a definir lo real si no con pinceladas, moldeando vacíos. Por eso a la hora de editar quise trabajar con constelaciones de imágenes. Un descubrimiento clave fue el trabajo que hizo el teórico y historiador del arte Aby Warburg en su Bilderatlas Mnemosyne, una serie de paneles que presentan unos conjuntos de imágenes de diferente procedencia (obras de la antigüedad, arte renacentista, incluso fotografías de la prensa...) reunidas en virtud de sus analogías internas. Observar ese Atlas es como pensar con imágenes, es un artefacto que evoca correspondencias o o afinidades electivas tal como decía Goethe:

Aquellas naturalezas que al encontrarse se aferran con rapidez las unas a las otras y se determinan mutuamente

En el caso de mi trabajo se trató de construir unos mosaicos que me permitiesen trabajar con como ciertas ideas, o formas del pensamiento, sobreviven en las cosas, en como los europeos plasmamos nuestro entorno. Algunas de estas estructuras se mantuvieron en el capítulo dos del libro, “The Organizing Principles”. La estructura del primer capítulo fue pensada a partir del negativo doblemente expuesto del que ya hemos hablado, mientras para el tercero las resonancias entre imágenes se condensaron de dos en dos, por enfrentamientos en doble páginas, creando un ritmo más cerrado, una sensación más agobiante, y trabajando en todas la idea de lenguaje como algo que conecta pero que también separa, cual torre de Babel. La identidad siempre se construye a partir de la diferencia, o, volviendo a Goethe:

Las relaciones comienzan a ser interesantes cuando provocan separaciones

Tu trabajo se cierra con una alegoría a la juventud en la que en la última fotografía se ve una mano de un chico portando una herramienta cuyo uso desconocemos, pero que nos deja claro que si va a cambiar la Europa que conocemos actualmente y que hemos transitado durante tu fotolibro, va a ser precisamente a través de la juventud.

¿Crees que esto será así finalmente o necesitabas cerrar con cierto atisbo de esperanza el que sin duda es el trabajo más duro que has publicado hasta ahora?

No sé si hablaría de una alegoría de la juventud. A lo largo del libro solo hay fotos de jóvenes, pero es en el último capitulo que la cámara se acerca a una cara, y pide la identificación del lector con una mirada y luego con un gesto. La juventud no me interesa de por sí, pero me identifico con una generación, a pesar de rechazar muchos de sus valores. Quienes encajan perfectamente con su época no pueden verla, no adquieren la distancia suficiente para no dejarse cegar por sus luces y así ver su sombra, “su íntima oscuridad”. Para reconocer el mundo, ante todo hay que hacerlo problemático, subrayar su extrañeza tal como explica Nietzsche:

Lo familiar es lo habitual, y lo habitual lo mas difícil de conocer, es decir, de considerar como un problema, ósea como algo extraño, lejano, situado fuera de nosotros.

No sé tampoco si hablaría de esperanza. La esperanza siempre remite a una agencia externa que nos excede, que es lo contrario de lo que acabo de decir. Es ver a lo externo, lo que es situado fuera de nosotros, como normal, familiar, y esto es pura ideología, que en mi opinión equivale a negar el mundo.

El último capítulo del libro tiene por lo menos dos aspectos fundamentales. Primero, tiene algo abierto, incompleto, como la novela que Kafka nunca llegó a terminar. El Castillo se interrumpe en un momento de gran dificultad de K, pero aparentemente era intención de Kafka que al final se le concediera vivir en el pueblo, aunque “su solicitud” no fuera “válida”. De este modo K es en el mismo momento incluido y excluido del pueblo. Hay una resonancia así con el concepto explorado por Agamben del “Homo Sacer”, el ser humano reducido a su “nuda vida”, al que no se puede sacrificar pero que todos pueden matar, que es excluido de la ley pero al mismo tiempo es víctima de ella, y cuyo ejemplo en la contemporaneidad es el habitante del campo de concentración.

El segundo aspecto tiene que ver con el concepto de historia del que hablé antes: el pasado es nuestra responsabilidad, podemos redimirlo. No es verdad lo que dijo Theodor Adorno de que escribir poesía después de Auschwitz es un acto de barbarie. Todo lo contrario, tenemos que hacerlo. Walter Benjamin hablaba de un “tiempo mesiánico”, de la frágil posibilidad de revolución que aparece en ciertos momentos para desaparecer justo después. Algunos estudiosos de Kafka han subrayado la relación entre la llegada de K al pueblo y la llegada del Mesías.

Todo esto para mí se resume en el gesto contenido en la imagen final del libro, que añade una consideración que para mí es fundamental: no podemos esperar a que llegue ese momento, ese evento que nos empuje hacía un futuro mejor, tenemos que apoderarnos de nuestro tiempo, todo esto está en nuestras manos y es una responsabilidad. Lo que hay entre las manos del joven es un sutil ramo, una línea, y el gesto está cargado de tensión. Esta tensión se mantiene abierta a lo largo de las páginas blancas que siguen, pero se tiene que resolver. Todos somos K, nosotros todos somos el Mesías. Y ahí está la clave de un lenguaje al que podemos devolver un significado, de un tiempo que podemos librar del yugo de la historia, de un espacio que podemos volver a habitar.

Página oficial | Federico Claravino

Compra del fotolibro | Dalpine

Presentación | Jueves 14 de abril, 19:00, Blank Paper (Madrid)

La escuela de fotografía madrileña Blank Paper cumple 10 años, y para celebrarlo, además de una fiesta por todo lo alto en la Sala Caracol y una exposición de la fotógrafa Maria Rojas, ofrecen nada menos que 3 becas para fotógrafos con más de 700 horas formativas valoradas en 10.000 euros. Te explicamos en qué consisten y como puedes optar a ellas.

Blank Paper es una escuela que nació con la idea de poner el foco de atención en nuevas formas de desarrollar la fotografía, alejándose de ciertas ideas fotográficas clásicas y adentrándose (y muchas veces liderando) la que podríamos denominar la nueva praxis fotográfica. Es importante que tengamos en cuenta su filosofía a la hora de optar por una de las becas que ofrecen.

Teniendo claro el marco creativo en el que se mueve la escuela, estas son las becas a las que podemos optar:

9ª Beca Desarrollo de proyectos

Es la beca más longeva de Blank Paper que ha sido concedida a fotógrafos como Laura Carrascosa o Iñigo Aragón y su meta es ofrecer a cada alumno las respuestas a las necesidades creativas y profesionales que conlleva realizar un proyecto fotográfico hasta su difusión.

1ª Beca Fotolibro

Primera edición de esta nueva beca en la que el ganador de la misma participará en un laboratorio de experimentación e investigación desde el punto de vista de la edición y la creación. La persona becada obtendrá soluciones a las necesidades creativas y profesionales que conlleva un proyecto editorial y lo materializará en una maqueta de fotolibro.

1ª Beca Creación de Proyectos Expositivos

Esta beca, que también se estrena este año, permitirá al ganador adquirir conocimientos y soluciones respecto a las necesidades creativas y profesionales que conlleva un proyecto y su diseño expositivo.

Para participar en las distintas becas, deberemos rellenar una ficha de inscripción así como entregar una biografía, un enlace a nuestra web personal, carta de motivación así como un resumen del proyecto que queramos desarrollar en la beca a la que optemos y distinto material gráfico que nos detallan en cada beca. Toda la información está disponible su página web. Tenéis de tiempo para presentaros hasta el 6 de Mayo.

Página oficial | Becas Blank Paper

Entrevistamos a Jesús Monterde, fotógrafo con un gran trabajo de fondo alrededor de la Sierra de Castellón y Teruel cuyo trabajo ha sido expuesto gracias al programa Lanzadera en CentroCentro Cibeles. Hablamos sobre la relación del fotógrafo con su tierra y sobre cómo se desarrollan los procesos de aprendizaje a lo largo del tiempo.

Hoy día conseguir una exposición individual no es nada fácil, por lo que sin duda has contado con ayuda y apoyo. ¿Cómo llegó a fraguarse tu primera exposición en CentroCentro Cibeles?

Todo ha ido surgiendo poco a poco. Todo empezó cuando en el 2010 me matricule en un curso de fotografía documental en la escuela de Blank Paper de Castellón, hasta ese momento había sido autodidacta, no conocía ningún autor y menos todo lo que envuelve el mundo del arte, que es tan competitivo y difícil. Incluso ahora seis años después me siento perdido dentro de él, aún me falta mucho recorrido.

Ya desde un principio empecé con Nemini Parco un proyecto sobre el mundo rural, el cual fue evolucionando en paralelo a mi formación como fotógrafo. En esos primeros años solo tenia en mi mente la idea de mejorar y sorprender al profesor en cada clase. Él no dejaba de mencionar lo importante que era que cada uno encontrara su lenguaje visual, y yo quería conseguirlo.

En aquella etapa estaba lleno de energía, era muy perseverante y constante, para mí era un placer cada vez que salía a hacer fotos, quizás fruto de mi inocencia. Realmente no era consciente hacía donde iba.

No he cesado de trabajar en mis ratos libres en este proyecto, leyendo todo tipo de autores, visitando museos, exposiciones, conociendo la obra de otros fotógrafos... Pero sobretodo recorriendo mi comarca una y otra vez, que por suerte ya conocía bastante bien por mi afición al senderismo lo que facilitó mucho mi trabajo.

Esta perseverancia, tesón y fe tuvo su premio. La escuela me seleccionó para representarla en una exposición conjunta en Lleida Emergent y más tarde mostraron mi trabajo en la sección de alumnos de su página web. Esto último me ha dado mucha visibilidad y a medida que la escuela ha ido creciendo me ha arrastrado con ella. También publique un fanzine con Fiesta Ediciones y fui finalista en la Beca Aúpa de Blank Paper.

Ya en octubre de 2014, en la presentación de un libro, Iñaki Domingo me ofreció formar parte de su proyecto Lanzadera. Como tú dices es muy difícil conseguir una exposición individual, creo que el secreto esta en el trabajo duro y esperar que alguien te dé una oportunidad. Yo he tenido suerte.

En Nemini Parco documentas la vida en la Sierra de Castellón y Teruel, pero me parece que esta descripción dice en realidad bastante poco de tú trabajo. En cierta forma, para ti supone un viaje hacia ti mismo y tus raices. ¿De qué forma lo es esta serie fotográfica? ¿Estamos ante un autorretrato?

Antes para mí la fotografía era solo una manera de enseñar lugares donde había estado, sin ninguna intención de describir u opinar y menos aún el de crear una narración con una serie.

A raíz de los cursos de fotografía descubrí todo el potencial que puede llegar a tener, esto incremento mi curiosidad por esta disciplina. A partir de este punto empiezo a conocer la obra de fotógrafos, pintores, escritores, filósofos... Me interesan todas las disciplinas artísticas. Quiero saber cómo piensan muchos autores y las sociedades de las que hablan. Durante este proceso me doy cuenta que realmente me estoy conociendo a mí mismo.

Creo que cuando un autor está realizando una obra se proyecta en ella, en su trabajo se refleja su personalidad. Por otro lado, cuando el espectador observa la obrase encuentra a si mismo porque lee la pieza de arte según su manera de pensar. Para mí lo más valioso del arte es que te ofrece la oportunidad de poder tener experiencias que nunca has tenido y por consiguiente poder aprender de ellas y crecer como personas.

En el fondo Nemini Parco sí que es autobiográfico. Comenzó con la intención de documentar un estilo de vida a punto de desaparecer, pero a medida que el proyecto crecía me di cuenta de que iba mucho más allá de esa primera idea, estaba sacando a la superficie una parte de mí que desconocía. Incluso ahora siguen saliendo a la luz partes de mi personalidad más profunda. Esto me ayuda a vivir mejor, creo que el autoconocimiento es fundamental para tener una vida sana.

Me gustaría pensar que cuando un espectador se enfrenta a mis imágenes pueda llegar a tener una experiencia tan mágica como la que yo experimento cuando observo la obra de otros autores.

Hablar de España rural y de pequeñas poblaciones perdidas en la sierra dentro de la fotografía española, nos lleva irremediablemente a situarnos entre dos referentes completamente opuestos como son Cristobal Hara y Cristina García Rodero, siendo tu trabajo mucho más cercano al primero.

Aun así, tu trabajo posee una mayor carga agresiva a nivel estético que la obra de Hara, los encuadres se hacen más opresivos que los del fotógrafo madrileño y no pretendes disimular el claro uso que has realizado del flash. ¿Cómo ha sido el proceso de encontrar tu voz visual?

Mi forma de trabajar es instintiva, siempre me dejó llevar por mi intuición a la hora de construir una imagen.

Una parte muy importante del proceso ha sido pulir mi mirada para ser más directo, claro y contundente. Para esto fue esencial conocer el trabajo de muchos fotógrafos, entre ellos Cristóbal Hara. También la pintura influyó , las visitas al Museo del Prado fueron fundamentales en la evolución de mi voz visual. El poder ver como estos fotógrafos y pintores habían solucionado su imagen o pintura me dio muchas pistas de qué camino seguir para lograr mi objetivo.

Pero sobretodo es esencial que mis fotografías sean parte de mi vida y entorno, es lo que mejor conozco y lo que puedo fotografiar con más profundidad.

Por otro lado la lectura de libros de filosofía, mitología, y novelas como te comenté antes. Su lectura me dio mas confianza y solidez a mi personalidad. Yo tenia mi mente llena de colores, sombras, formas, ideas, conceptos... y mi vida, era el cóctel perfecto. Gracias a todo este proceso logre encontrar un estilo.

En cuanto al flash decidí usarlo porque además de acentuar el dramatismo me facilitaba todo el proceso de post producción, que no sé cómo llegue a él. No sé si fue la casualidad, el haber visto tantas imágenes y pinturas o el juego interminable con Photoshop.

España es un pedazo de tierra que cada cierto tiempo, entra en debates y crisis identitarias, planteando eternas preguntas como qué es la cultura española, cual es el genuino carácter español y cuestiones de similar índole.

En lo que has vivido, lo que has retratado y en el tiempo que has estado pensando alrededor de este trabajo, ¿Crees que hay algunos elementos que podrías caracterizar como propios de esta confusión que es España, o sería demasiado atrevido? ¿Tal vez de Castellón?

Nunca me he planteado estas cuestiones. Mi primera intención era documentar un estilo de vida a punto de desaparecer, un mundo rural que bien podría ser de principios del siglo XX. Pero a medida que avanzaba me di cuenta que realmente lo que buscaba era el origen de mi personalidad, y descifrar muchos porqués. ¿Por qué a veces nos aferramos a una manera de ser, pensar o vivir?, ¿No limita esto nuestras vidas y nos esclaviza?

Sinceramente pienso que estamos influenciados por siglos y siglos de palabras y vivimos bajo las ideas que nosotros mismos creamos. Está claro que cada país, región, pueblo o incluso cada persona tiene sus particularidades que son producto de su cultura, religión o entorno. Pero hay ciertos aspectos que son comunes en toda la humanidad. ¿Quién no teme a la muerte?, ¿Quién no siente miedo a lo desconocido?, ¿Quién no desea?...

Estos instintos más primitivos, presentes en todo ser humano y heredados de nuestros ancestros, son los que me interesan a mi. Creo que no importa en que época, lugar o cultura estemos, cambian las formas pero no lo que sentimos. Siento que estas emociones más primarias dirigen nuestra vida. Sé que nunca las podré entender pero quiero reconocerlas, aprender a aceptarlas, para así gestionarlas mejor. ¡A veces son tan turbadoras!

Con lo poco que he viajado por España o el extranjero (India, Tanzania, Perú, Turquía, Marruecos…), siempre me he sentido cómodo y entendido con sus gentes. Nunca he visto esas distancias insalvables que generan tantos debates, para mí la diversidad es lo que tendría que hacer grande un país, continente o planeta y no generar disputas. A lo mejor soy un idealista, pero me gusta pensar así.

¿En el futuro vas a seguir retratando tu tierra, o hay otros temas que te gustaría trabajar visualmente?

Este trabajo solo es un pequeño punto de vista de mi tierra, además los años pasan y las cosas cambian. Siempre tendré cosas que contar de este bello y tranquilo rincón. Mi intención es seguir retratando esta zona. Los budistas representan dentro de un circulo todo el universo, mi tierra es mí circulo.

Nunca me he planteado seriamente otro proyecto, he tenido a veces alguna idea, pero siempre ha sido muy efímera, producto del entusiasmo de un momento de locura creativa. Por lo general son las mismas fotos las que me dan ideas más sólidas. Es posible que haya alguna semilla de otro proyecto dentro de mi archivo, pero aún no me he planteado seriamente desarrollar ninguno, primero quiero terminar Nemini Parco.

Web oficial | Jesús Monterde

Hasta el 1 de abril, podemos disfrutar en La Fabrica (Madrid) de la exposición 11:11 de Alejandro Marote, última investigación del fotógrafo madrileño alrededor de la forma y la plasticidad de la imagen a través de la fotografía. Hablamos con él para conocer mejor como ha desarrollado la producción de su obra.

11:11 nos muestra un trabajo en el que combinas la doble exposición en negativo, creando piezas que lindan con la abstracción y en la que el color tiene una gran presencia. Para quienes no estén familiarizados con esta práctica analógica, que podríamos considerar que ya es marginal, ¿Podrías explicarnos como has desarrollado el proceso de captura y revelado de las imágenes?

El proceso de creación de estas imágenes es muy sencillo, se trata de dos tomas fotográficas similares en un mismo negativo. El punto de complejidad surge a la hora de crear con dos tomas una nueva fotografía que tenga un interés geométrico y visual.

Para tratar de conseguir esto he buscado las formas en la naturaleza más simples posibles como son el encuentro entre una vertical y una horizontal, o bien formas con tendencia a la esfera, ya sean cóncavas o convexas. Al unir dos de estas tomas opuestas el resultado que he buscado es el de formar entre ambas una unidad de forma.

En 11:11 podemos ver lo que probablemente sea una de tus producciones donde la abstracción es más palpable y donde la figuración asociada tradicionalmente a la fotografía se pierde definitivamente en un mar de color y texturas, o lo que se podría llamar Trinidad Visual (forma, color y textura). Este magma visual plantea dificultades en primera instancia para quienes se acerquen a tu trabajo sin conocer tu trayectoria ni tus intereses estéticos.

¿Podrías trazarnos una hoja de ruta para ver tu trabajo o precisamente es un proyecto que rompe con una lectura clara?

Mi trabajo comienza con un primer proyecto en blanco y negro llamado A que recientemente he publicado con la editorial RM Verlag (Iñaki Domingo y Ramón Reverte como editores).

Se trata de un proyecto de comprensión de la forma que durante siete años realizo y que arranca desde un estudio en la ciudad de la cara más visible de la realidad. Con el paso de los años el camino que sigo es el de la búsqueda de formas puras y eso me lleva a ir dejando la figuración atrás en busca de la abstracción. Una vez soy capaz de cerrar este primer proyecto y abandonar la ciudad y sus lineas rectas para encontrarme con la curva en la naturaleza comienzo a añadir capas de color a mis imágenes.

En este nuevo trabajo estoy volviendo a aplicar este proceso continuo en mi obra que va desde la realidad hacia la abstracción con una nueva plástica. Recurriendo a imágenes ya creadas en negativo de película, estoy en estos momentos utilizándolos como estructura serigráfica para, a partir de decenas de pasadas de una misma imagen con pigmento sobre tela volver a abstraer estas formas ya creadas y darles una nueva dimensión plástica.

Es decir, liberar la forma ya creada fotográficamente para que a partir de muchas pasadas de pigmento de la misma forma una capa encima de otra, tomen una nueva vida y se despojen de su propia realidad.

Al ver las imágenes de 11:11 no puedo olvidar tu anterior proyecto, A, un trabajo en el que has estado inmerso varios años y en el que realizabas un retrato a base de plano cerrado y búsqueda obsesiva de la linealidad de la ciudad contemporánea, para posteriormente ir diluyendo tus imágenes hacia la abstracción y el escape de la realidad palpable. Un sobrio blanco y negro y una palpabilidad casi táctil del hormigón eran las señas de ese trabajo. En tu nuevo proyecto, veo similitudes con este trabajo así como diferencias, más allá de que en este trabajo el color es central.

¿Qué hay de continuista y en qué rompes respecto a tu anterior trabajo?

Todo mi trabajo forma una unidad plástica en continua evolución. Cada vez que comienzo un nuevo proyecto, lo inicio desde el punto hasta donde he llegado en el trabajo previo e intento desnudarlo de las capas creadas para darle una nueva identidad. Se podría decir que todo mi trabajo es continuista, de ahí el nombre de mis proyectos que como grupos sanguíneos hermanos los denomino A-B-AB-0, y de alguna manera igualmente son rupturistas, pues es esta mi obsesión, la de hacer de lo que construyo una misma arcilla con la que moldear de nuevo.

Te defines como fotógrafo de película ya que si no me equivoco, tu producción se desarrolla siempre sobre este soporte. ¿Qué importancia tiene para ti el uso de este soporte frente a la facilidad del registro digital?

La diferencia entre el registro analógico y el digital para mí no se basa en diferencias técnicas sino que tiene que ver más con la cuestión de acumulación y edición. El hecho de tener un número limitado de disparos me ha obligado a elegir a la hora de fotografiar. Las infinitas posibilidades de producción digital, unidas a la imposibilidad de organizar un archivo digital infinito hicieron que me decidiera por usar un soporte analógico que te da como resultado un negativo matérico, algo que puedes tocar y archivar físicamente.

Una vez pasado este primer tramo a la hora de elegir el soporte, no cabe duda que al trabajar con película, los matices de color y la forma redondeada del grano ayudan a que las fotografías tengan una mayor atracción a mi vista y hoy por hoy descarte el uso de cualquier soporte digital a la hora de fotografiar.

Sin embargo, tu interés por lo analógico no implica que no te hayas interesados no solo por las nuevas formas narrativas, sino también por la aplicación de las nuevas tecnologías para contribuir a estas nuevas formas de contar lo visual.

Has producido un trabajo para The Portable Photo donde la interacción con las imágenes se lleva a un nuevo nivel. ¿Cómo te planteas crear un trabajo para una aplicación pensada para IPAD y qué nuevas posibilidades te ha abierto como fotógrafo?

La idea de crear una App surge a raíz de una propuesta de Gonzalo Golpe como editor para The Portable Photo. La misma idea que antes me preguntabas en cuanto a lo continuo o rupturista de mi trabajo la utilizo aquí para hablar de este concepto. Creo AB·STRACT para de alguna manera unir todos mis trabajos en un solo Ser. Poder mezclar todos los proyectos que había hecho hasta el momento me permiten comprender que todo mi trabajo es uno y que su nexo de unión más allá de la forma, el uso del Blanco y Negro o del color, se basan en la búsqueda de una misma estructura formal que une a cada una de mis fotografías desde su estructura interna, desde la relación entre los opuestos, el equilibrio entre lo lleno o lo vacío, o el encuentro entre colores.

Este punto de equilibrio es la raíz de mi búsqueda creativa, poder construir imágenes que estén equilibradas por sus opuestos y que sea este pulso continuo el que haga de ellas que cada vez que las observes sientas esa energía de lucha en equilibrio.

Web oficial | Alejandro Marote

Información de exposición | La Fábrica

Michele Tagliaferri es un fotógrafo italiano afincado desde hace más de 10 años en Madrid que forma parte del profesorado de la escuela Blank Paper. El próximo jueves a las 20:00 realizará una visita guiada en la escuela de su último trabajo, "Grass", que se encuentra expuesto para todo aquel interesado hasta el 11 de febrero. Hemos aprovechado para hacerle una entrevista y que así le conozcáis un poco mejor quienes no os podáis pasar este jueves.

Dices que fotografías para escapar. ¿De qué intenta huir Michele Tagliaferri? ¿Ayuda en algo la fotografía en tu huida?

No sé si huir es la palabra adecuada. La huida la asocio a cierta forma de cobardía y yo, en esto, no siento ser cobarde. Si digo que la fotografía es una escapatoria, aunque pensándolo mejor ahora te diría rebelión. Una forma de recordarme a mi mismo que no estoy conforme con la vida que, desde pequeño, me enseñaron como única posible. Me licencié en Ingeniería, y, como ingeniero, el entorno profesional en el que siempre me he movido ha sido un entorno muy estructurado y encasillado en ciertos esquemas en los cuales nunca estuve a gusto. La fotografía, junto con otras cosas, me sirve para romper esos esquemas.

Tu proyecto Grass, está inspirado en el libro de poesía "Hojas de Hierba", que sirve al poeta norteamericano Walt Whitman para poner de manifiesto la complejidad de la realidad y la incapacidad que el poeta a la hora de poner algo en claro. ¿Tú has conseguido sacar alguna idea concreta tras finalizar esta serie fotográfica?

Mi propósito nunca fue el de sacar ideas concretas, sino solo de generar preguntas que me hiciesen pensar en el sentido de las cosas, que me hiciesen ir más allá. Fotografiando solo pretendía sorprenderme continuamente y, partiendo del mundo real en el que vivía, inventarme, o quizás descubrir, el mundo latente que yo sentía debajo de las cosas. Hay una canción de Fabrizio De André donde él imagina que un óptico, cansado después de tantos años de trabajo, empieza a ofrecer a sus clientes lentes de contacto especiales “para que las pupilas acostumbradas a copiar, inventen los mundos a los cuales mirar”. Eso es precisamente lo que me hubiera gustado alcanzar.

Te ha llevado 5 años, entre reflexiones, maquetas de libros y lecturas, llegar a producir Grass, que además de una exposición ha conseguido convertirse en un fotolibro. Al final de todo es tiempo, ¿llegar a producir algo tangible como tu fotolibro o la exposición que tienes en Blank Paper tiene cierto valor para ti, o lo importante ha sido el proceso de aprendizaje y reflexión que has tenido durante este tiempo?

No puedo decir que una cosa sea más importante que la otra, para mí las dos tienen el mismo valor. El proceso y el camino que recorrí, y que aun ahora estoy recorriendo, han sido algo imprescindible para plasmar mi propia de visión del mundo y mi propia manera de entender la fotografía y el arte.

Por otra parte, cerrar mi primer libro, hacerlo con Dalpine de la forma que yo siempre había imaginado y poder verlo por fin real y concreto en las manos de la gente, ha sido algo fundamental para librarme de muchas inseguridades y ataduras que a ratos me bloqueaban al expresar lo que quería. Un amigo hace poco me recordó una cita de Goethe “Nunca llegamos tan lejos como cuando no sabemos a dónde vamos”; no sé si es verdad, pero para mi ha tenido mucho sentido durante estos cinco años.

Te obsesionan la energía que está detrás de nuestra realidad y que apreciamos con nuestros sentidos de una forma bastante opaca y limitada como seres humanos que somos. ¿Crees que pese a ello, la narrativa de imágenes que has creado aportan algo de luz? ¿Se puede superar el envoltorio de la forma en la fotografía?

No me obsesiona la energía de nuestra realidad, me obsesiona la belleza de la vida y el hecho de que muchas veces en nuestro día a día prescindimos de ella y la dejamos detrás de montones de obligaciones y de “tener que hacer”. Me obsesiona que la gente, y yo en primer lugar, no consigamos darnos cuenta de lo que realmente tenemos y de cómo sería fácil vivir serenos con eso. La fotografía, gracias a su mentira innata, me ha dado la capacidad de transformar las cosas, de apartar sus formas y sus envoltorios reales para verlas con la magia que yo quisiera que tuviesen.

Grass llegó tras mucho tiempo perdido y el afortunado cruce con el poeta Walt Whitman. ¿Tiene algún nuevo proyecto en claro Michele Tagliaferri o ha vuelto a donde se encontraba hace 5 años?

No lo llamaría tiempo perdido, como dije antes el proceso fue tan importante como el resultado. Tengo nuevos proyectos, sí, y creo que lo que he aprendido después de este primer intento y lo que pretendo seguir haciendo es “comunicar”. Ahora, después de la experiencia Grass, estoy intentando tener desde el principio de mis proyectos más intención y más visión de donde quiero llegar.

Tarkovsky en el libro “Esculpir en el tiempo” afirma tras finalizar su primer largometraje:

Al terminar La infancia de Iván sentí por primera vez que el cine estaba cerca, en algún lado. Como en ese juego infantil en que hay que encontrar a una persona escondida en el cuarto oscuro: se siente su presencia incluso cuando intenta contener la respiración. El cine estaba cerca, en algún lugar. Lo comprendí por mi inquietud interior, comparable al nerviosismo de un perro de caza que ha dado con unas huellas. Sucedió un milagro: Se había obtenido un buena película! Ahora se me exigía algo totalmente distinto: yo tenía que comprender que era el cine.

Si sustituimos la palabra cine con fotografía o con arte en general y con todo el respeto que le tengo a Tarkovsky, me gusta pensarme en ese punto del camino.

Visita guiada "Grass" | Jueves 4 de febrero a las 20:00, Blank Paper, Madrid.

Página web | Michele Tagliaferri

Existe una delgada línea entre la realidad y la ficción. Entre las muñecas que parecen mujeres y las mujeres que parecen muñecas. El mito de la mujer muñeca en Japón se convierte en objeto de estudio fotográfico a través de las imágenes de Elisa González Miralles. A través de la exposición "Wannabe", esta fotógrafa nos muestra en las paredes de Blank Paper su aproximación a la cultura y sociedad nipona.

Su interés por esa cultura de la mujer muñeca le llevó a Japón para tomar imágenes de chicas, en la mayoría de los casos a la salida del metro, sin interrelación alguna con ellas, simplemente observando, disparando y captando sus rostros sobre un fondo alterado, que las hace abstraerse y ponerse en contraposición con las muñecas que pudo fotografiar en una fábrica.

Las conexiones entre muñeca y mujer pueden verse en el montaje realizado en una de las paredes de la exposición. Espacio donde convive la carne con el latex, y donde el espectador, hipnotizado por los rostros, se pregunta cuáles son las mujeres de verdad. La obsesión de estas jóvenes japonesas por llegar a ese ideal de belleza (inerte) es tal, que muchas se someten a cirugía estética. Por tanto, no siempre es fácil distinguirlas, hasta que nos topamos con el brillo de su piel.

Con este proyecto quiero cuestionar cómo una sociedad y sus estándares determinan el comportamiento de un individuo y limitan el desarrollo de su identidad. Me preocupa que una persona por el hecho de nacer y vivir dentro de una cultura cumple un rol que le viene impuesto, y lo hace inconscientemente, sin preguntarse los porqués, ni plantearse que puedan existir otros caminos.

Hablo sobre las chicas que parecen muñecas, sobre la objetualización de estas mujeres al servicio de una sociedad y unas costumbres que generan comportamientos autómatas.

A través de este trabajo, que igualmente podría extrapolarse a otras latitudes por su carácter global a nivel de reflexión sociológica, nos permite descubrir (y ratificar) cómo el ser humano está condicionado por el medio que lo rodea social y culturalmente. "Wannabe" funciona porque nos lleva de una premisa, a priori sencilla, a un conflicto universal como es la pérdida de individualidad.

Lejos de querer reflejar de forma morbosa algunos aspectos de la cultura japonesa, me inspiro en ella para reflexionar sobre cuestiones que nos afectan a todos, especialmente en estos tiempos tan dados a la representación mejorada de uno mismo.

El montaje de esta muestra en sencillo, lo cual nos permite reflexionar también sobre el poder de los nuevos formatos de exposición. Imágenes impresas en vinilo que han sido montadas sobre paneles blancos. No hace falta nada más para que una exhibición sea efectiva y nos llegue con su mensaje discursivo.

En otra de las paredes se han colocado imágenes de mujeres, que ya no están en ese diálogo que nos llevaba a intentar descifrar cuáles eran muñecas y cuáles no, sino que aparecen sin interrelación alguna entre ellas y que, como observamos, corresponden a mujeres más maduras respecto a las demás jóvenes de la muestra.

Según nos comentaba Elisa, puede que sea una nueva línea de reflexión en un futuro proyecto. Pero de momento, nos quedamos disfrutando de "Wannabe", la cual puede verse en la Escuela Blank Paper de Madrid hasta el 25 de junio de 2015.

Le agradecemos a Elisa la visita guiada que nos concedió, y le deseamos mucha suerte con éste y sus próximos trabajos.

Más información Blank Paper Fotógrafa Elisa González Miralles

Desde Xataka Foto venimos apoyando todo lo relacionado con el tema del fotolibro. Primero porque está dando a conocer fotógrafos de nuestro país fuera de nuestras fronteras gracias a los premios conseguidos en ferias internacionales y, segundo, porque como objeto fotográfico en sí mismo, incluso objeto de arte, es una de las manifestaciones en relación a la fotografía que más nos gustan.

Por ello, el próximo sábado día 13 de diciembre vuelve FIEBRE a las instalaciones de la escuela Blank Paper, durante una jornada que se prevé llena de actividades en pro de disfrutar del arte del fotolibro. Para ello contarán desde visionado de proyectos fotográficos y maquetas, a visitas guiadas por los stands de editoriales y tiendas especializadas así como autores independientes, pasando por proyección de libros en la pista central y la firma de ejemplares.

Como plato fuerte, la presentación de los libros de Ana Galán (Vivr(e) la vie), Toni Amengual (PAIN), Miguel Ángel Tornero (The random series) y Cristóbal Hara (Los ensayos banales). Y todo ello, todas las actividades, con un marcado acento festivo, como podemos ver en uno de los detalles, ya que al comprar un libro nos darán un cartón de BINGO para participar del sorteo después en la fiesta de cierre.

Porque de hecho se trata de disfrutar, de no ver la cultura con la seriedad que normalmente acompaña los actos artísticos, sino de aprovechar para entablar, de forma distendida, comunicaciones entre los fotógrafos afines a las prácticas del fotolibro, pero también para cualquiera que quiera ver el trabajo que hay detrás de todo ello desde dentro y con la información de primera mano gracias a los autores convocados y a la gente que los hace posibles. En la web está disponible toda la información con el programa. Si estáis en Madrid, no os lo perdáis.

Más información Blank Paper

Es lo que ocurre cuando se presentan dos exposiciones o dos libros, como en este caso, simultáneamente, que al final se acaban buscando puntos en común y comparaciones. La paloma, ese animal desechado por la sociedad, se ha convertido en la anécdota que aparece en los fotolibros presentados ayer en la Escuela Blank Paper, además del ya conocido "Palomas al aire" de Ricardo Cases, que por otro lado viene estupendo para enlazar un trabajo con otro aún siendo opuestos en contenidos e ideas.

Se presentaron, por un lado "XY XX" de Fosi Vegue y, por otro "Mediodía" de David Hornillos. Ambos editados por Dalpine y con la colaboración de Victor Garrido en los retoques para impresión, gráficas Palermo y Eloi Gimeno como diseñador. De nuevo un trabajo en equipo como ya ocurriera con otras publicaciones como "Karma" de Óscar Monzón o de Miren Pastor con su "Bidean" que ya tuvimos ocasión de comentar en Xataka Foto, estos dos fotolibros nos ofrecen dos trabajos de largo recorrido de sus autores, donde no encontramos nada al azar sino que son fruto de reuniones y muchas horas para terminar dando el aspecto acabado que se quería conseguir.

Si algo aprendemos con estas presentaciones, aparte del trabajo expuesto por los fotógrafos contado en primera persona, del que más tarde hablaremos, es esa constancia que un proyecto fotográfico conlleva, las horas, las tomas y descartes de fotografías que lo hacen posible, los primeros planteamientos, las crisis creativas y los replanteamientos. Toda una serie de circunstancias no aptas para aquellos fotógrafos carentes de paciencia. Porque si algo tiene en común la fotografía contemporánea, es ese reposo.

XY XX de Fosi Vegue

El primer fotolibro de Fosi Vegue, "XY XX", es el resultado de un trabajo fotográfico de encuadres en la noche. Con situaciones que ocurren de ventanas para adentro en un patio de vecinos, el sexo desdibujado pero lleno de matices mentales es el protagonista. Un proyecto que le llevó a su autor desde unas primeras tomas de día a replantearse las fotografías de noche, con las ventanas como único foco de atención y utilizando en última instancia un 300 mm manual, con el ruido como ese elemento más que ayuda a la no comprensión de las imágenes desde un punto de vista objetivo. Aún así, un fotolibro sin textos, donde el lector de imágenes tendrá que sacar sus propias conclusiones.

Mediodía de David Hornillos

Las paredes de ladrillo de la estación de Atocha o Mediodía antaño conocida, son el "photocall" donde ocurren cosas. Con la predominancia del color naranja como aspecto cuidado en impresión y protagonista que aparece en elementos de las tomas como globos u otros objetos, la pared es el punto de conexión de todas las imágenes. Un catálogo de situaciones que nos lleva a conocer desde mendigos, a niños e incluso las citadas palomas. No deja de ser un reflejo de la ciudad de Madrid que se hace extensible a otras ciudades, por muy localizadas que se encuentren esas paredes, y al mismo tiempo como reza el texto de su presentación es un trabajo que, con ese tono anaranjado, "sitúa al espectador frente a esa pared y le introduce en una asfixiante atmósfera, en un hipnótico estado mental".

En resumen

Podéis ver el trabajo de David Hornillos en su página web, así como el de Fosi Vegue también en su espacio. Lo interesante es colaborar con la compra de estos libros para que la editorial Dalpine pueda seguir creciendo con más proyectos. Actualmente es uno de los referentes con varios títulos muy presentes en los festivales enfocados al fotolibro, lo que hace que podamos apostar por editoriales dentro de nuestro país y hacer de España un espejo en el que otros países de mayor tradición puedan mirarse. Os recomiendo una visita a su web para las publicaciones hechas hasta la fecha.

Más información | XY XX | Mediodía