El último invento de los chicos de Lomography no es ni tan siquiera una cámara de fotos, aunque suponga una vuelta atrás al verdadero significado de los 35mm: el cine, embebido en la carcasa low-fi y low-cost, en una suerte de tomavistas lomográfico, envuelto en el hilo de exclusividad y el mimo al detalle al que acostumbra la firma.

Una vez cargado un carrete estándar, a golpe de manivela conseguiremos a un ratio de hasta 5 tomas por segundo, sacando unos cuantos segundos de vídeo de las 144 tomas en las que la cámara divide la película, ya que cada una ocupará aproximadamente una cuarta parte del negativo.

Los controles manuales, como siempre, son los mínimos imprescindibles: dos aperturas (f5.6 y f11), dos enfoques (macro y normal), un contador de exposiciones realizadas, y un obturador fijado en 1/100". Recordad que hablamos de lomografía, y nada puede distraernos de sus conocidas diez reglas.

Para no tener que esperar con el escaneado y montaje del film, podemos adquirir el LomoKinoScope, un visor de películas que trabaja directamente con los negativos. Ambos elementos cuestan 89 euros en su tienda (65 si sólo queremos la cámara), pero como siempre es complicado valorar este factor, porque no compramos practicidad, sino sensaciones: tocar la película, ver los frames, hacerlos saltar…

La presentación de este gadget retro se ha hecho simultáneamente en muchas capitales de todo el mundo, en fiestas temáticas con gran abundancia de claquetas, palomitas, y glamour en formato cool y plasticoso.

Si os ha parecido interesante, podéis ver bastantes vídeos hechos con esta cámara en su página web. Ahora que los fabricantes declaran obsoletos los 1080, una ración de película puede ser una buena cura de desintoxicación tecnológica.

En Lomography | Micrositio de la LomoKino

Nos introducimos en la última semana del mes de Septiembre, y por tanto la última entrada de Inspiración cinematográfica del mes. La semana pasada tuvimos como “acompañantes” en nuestros artículos a Bernardo Bertoluci y Vittorio Storaro como maestros de ceremonias de El Último Emperador. Film, en el que repasábamos uno de los usos más sublimes del color en el cine.

Esta semana, pretendo acercaros un final épico a la sección de este mes con el análisis de Gangs of New York. Repetimos director de los ya analizados, Martin Scorsese, pero para que os deis cuenta la buenísima adaptación que tiene un director a las diferentes facetas que se le presentan. En el apartado de la iluminación, nos encontramos ante el alemán Michael Ballhaus, que muchos lo conoceréis por ser el director de fotografía de la mítica Dracula de Coppola.

La película nos traslada a la gran Manzana en el año 1846, y justamente unos años antes del crecimiento de la ciudad de New York. En estos años mientras el pais estadounidense se encontraba inmerso en una guerra civil, la ciudad neoyorkina se debatía también en sus propias guerras lideradas por bandas de todo tipo (saqueadores, ladrones, asesinos etc…) Y justamente una de estas batallas internas de la ciudad es la que se nos cuenta, en la cual Amsterdam (Leonardo Dicaprio) tras ser encerrado en un orfanato vuelve a las calles de Five Points para vengar la muerte de su padre, y líder de la banda los “Conejos Muertos”, años atrás a manos de Bill Cutting “El Carnicero”(Daniel Day-Lewis) y jefe de la banda de los “Nativos”.

Planos, encuadres, técnicas creativas…

¿Es Martin Scorsese uno de los grandes directores de cine del planeta? Pues aunque todo sea muy subjetivo, podríamos dejar bastante claro que si. Y uno de los ejemplos es esta película, una de las tres mejores películas que ha hecho pasado el año dos mil que lo demuestran (junto con Shutter Island y El Aviador, y veremos Sinatra en qué queda).

En Gangs of New York, Scorsese sabe que esta contando una historia basada en un guión original el cual es muy muy descriptivo, y el que el incluso quiso llevar a más. La descripción siempre suele albergar algo muy importante, y es encuadrar en donde se realizan las acciones, y esto es algo que no sólo hace fenomenal sino que encima lo realiza de una manera soberbia. El llevar un plano general a un plano medio o plano corto, mediante un paneo sin cortes (y vicerserva), en el que juega con el movimiento de los actores es sencillamente exquisito. La estructuración de planos ya no sólo corre a cargo del movimiento de la cámara, sino que la asocia al movimiento global de toda la escena, y es que sólo les falta moverse a los edificios también para que todo fuera en sintonía.

La asociación de objetos y personas, o de acciones con ellas, también se hace, en muchas ocasiones, mediante paneos rápidos y en mismo plano, lo que da mucha más continuidad a una película que en muchos momentos se puede hacer algo pesada. Una de las mejores formas en las que hacer llamar la atención del espectador en los instantes importantes, es la la sucesión de planos de una misma escena de forma rápida a ritmo de saltos como si de un zoom se tratara.

Este film es como una gran obra de teatro, y los planos cenitales y nadir la hacen aún más si cabe sentirnos delante de la pantalla, como si un teatro se posicionara ante nosotros.

Pero si algó dentro de este apartado hace a esta película grande muy grande para la inspiración de cualquier fotografo, es lo perfecta selección de composición elegida para todas las tomas. Ver Gangs of New York es una forma de inspiración total para un fotógrafo callejero. En esta película Martin Scorsese se convirtio en un Weston o una Dorothea Lange de la época. Sin duda una delicia observar lo bien “reflejada” que está la sociedad de ese instante (según el guión original por supuesto).

En definitiva, una cinta que nos deja ver como Martin Scorsese es capaz de amoldarse a los diferentes guiones que tiene entre las manos, y siempre consigue darle un toque personal con el cual destacar, como bien pudimos ver en el analisis que hicimos de Taxi Driver.

Iluminación

Michael Ballhaus tenia un encargo, y no era otro que darle un aire épico histórico a la luz, pero sobre todo que tuviera mucha teatralidad, y así fue como lo hizo. La verdad es que a mi parecer es una película tremendamente difícil de iluminar, y de planificar. Al igual que como vimos en El Último Emperador, hay mucha escenografía real y esto complica enormemente la labor de iluminar, pero gracias a los contrastes entre interiores y exteriores le fue mucho más sencillo.

En general podríamos decir que toda la luz es una luz fuerte y contrastada en los interiores, mientras que se juega con la frialdad del momento en los exteriores diurnos con una luz más suave, pero en general hay que dejar claro que reina la luz cálida, amarillos, rojos, marrones… todo para dar aún mas sensación a los espectadores que nos encontramos ante un momento tumultuoso, en el que la paz y el sosiego es claramente impredecible. Otra cosa que ayudó a evocar todo esto es la ausencia de luz blanca dentro de los espacios cerrados, ya que o en algunos lugares no llegaba (por ser algo muy novedoso y sólo los ricos podían disponer de ella), o por ser las bombillas de un tono demasiado cálido.

Aparte de la luz interior, que muchas veces resulta tremendamente cargante y asfixiante, el uso de humo realza aún mas si cabe la dureza de algunas tomas, incluso ayudando mucho más a dar ese aire teatral que os comenté. El rebote de luces, también marcan los contraluces para despegar un poco a los personajes del fondo, aunque la diferencia de iluminaciones entre personajes y entorno ya es suficientemente buena para conseguir este efecto.

Sin duda, una iluminación bastante cargante y que a mi modo de ver algunas veces confunde en exceso, pero que tambien gracias a esto la hace más natural si cabe. Un lujo para la vista, a pesar de que no consiguiera un premio.

Y como todas las semanas os presento un par de curiosidades sobre la cinta. La primera de todas, es que el proyecto para rodarla empezó en 1977 y de hecho el productor Alberto Grimaldi la anunció ese año como una película en preparación. Pero bueno por el altísimo presupuesto que necesitaba no se estrenó hasta 2002. Y como segunda curiosidad, comentaros que salen algunas imágenes actuales de New York que el director rodó antes de trasladar el proyecto a Roma. Un par de años después con el estreno de la película decidió dejarlas a pesar de que salieran las Torres Gemelas, ya que todos los personajes que aparecen en su cinta lucharon y murieron por construir la ciudad y no por destruirla.

Posiblemente esta es una de esas películas que hay mucha gente que no habrá visto, o habrá oído hablar de ella. Debo reconocer que para algunas personas puede parecer larga y algo monótona, pero si consigues meterme bien en la historia y ademas de eso decides ver el fantástico trabajo de Scorsese, conseguirás que las dos horas y media de película te resultan más que bien invertidas. Además es una película que consiguió diez nominaciones a los Oscars, y no se llevó ninguna a pesar de que para mi Daniel Day-Lewis se mereciera el premio al mejor actor.

Como todas las semanas os recuerdo, que podéis visitar todas las demás películas analizadas en Inspiración cinematográfica, y espero que el mes que viene podamos seguir compartiendo estos tips de inspiración en el cine, al igual que espero vuestras sugerencias, dudas y demás.

En Xatakafoto | Inspiración cinematográfica

En Weblogs | Blogdecine.com

Como muchos de vosotros sabéis, el cine tiene su gran columna vertebral en la fotografía, y es a raíz de ella como se creó. Es cierto, que el cine cuenta con lo que podría llegar a denominarse un lenguaje propio, pero sería muy acertado dejar claro, que gran parte de su personalidad la ha conseguido en base a su hermana pequeña, la foto. Y como los tiempos también cambian, tanto en gustos como en moda, hoy día existe una corriente fotográfica (muy fuerte), que basa muchas de sus tomas, en gran parte de las secuencias del mundo cinematográfico.

Es por eso que a partir de hoy, vamos a intentar acercaros unas propuestas cinematográficas que por su fotografía (encuadres, iluminación etc…), son sin duda muy buenas referencias para todos aquellos que necesitéis inspiración, o que sin más, queráis seguir añadiendo conocimientos a vuestra actividad fotográfica.

Trailer de la película Taxi driver

Y sin más dilación pasamos a daros la recomendación de esta semana, Taxi Driver. Esta película del año 1976, nos cuenta las peripecias de Travis Bickle (Robert DeNiro), un ex-combatiente de la guerra de Vietnam, que comienza a trabajar como taxista. Estuvo dirigida por Martin Scorsesse y su fotografía corrió a cargo del fenomenal Michael Chapman.

Planos, encuadres, técnicas creativas…

Un filme, que sin duda nos muestra una cantidad de planos increíbles, en las que los fotógrafos podemos inspirarnos. El uso de los primeros planos y planos detalles bien compuestos, el uso de desenfoques creativos dando a los elementos enfocados un especial motivo narrativo; son sin duda uno de los puntos fuertes. Podríamos decir, que es una película que a penas usa planos largos, ya que en cada momento intenta introducirnos en la historia de una manera más psicológica y hacernos partícipes de cada personaje, cada diálogo etc… Pero sobre todo, cabe destacar los planos especialmente creativos, muchos de ellos en los que algún que otro espejo juega un gran papel, hacen de este apartado, uno de los mejores para observar y aprender.

El análisis podría ser muchisimo mas extenso y técnico, pero sólo pretendo daros unas pequeñas pistas, para que ejercitéis vosotros vuestra creatividad y análisis cuando la visioneis, al igual que pasará con la la iluminación.

Iluminación

En el apartado de la iluminación, comentaros que es a mi juicio de una de las películas mejor tratadas que he visto. La recreación de espacios lúgubres del ambiente nocturno neoyorkino, con sus luces de neón, toques de luz palpitando por toda la escena pertenecientes a farolas, o los interiores con esas luces fastuosas de incandescencia amarillentas; hicieron que Michael Chapman se situara como uno de los mejores directores de fotografía del momento.

Y todo esto, unido a escenas en las que jamás se ve ni un momento el sol. La elección de día nublados, tampoco fue elegida por casualidad, y es que en las escenas diurnas, podemos ver continuamente los interiores y los exteriores sin subexposiciones o sobreexposiciones (en el cine no se usa el HDR para combatir dichos problemas de rango dinámico, y menos en aquellos años). Y por supuesto unos colores impropios del cine actual, en la que tonos apagados, se unen con rojos impactantes, dándonos aún más esa sensación tan decadente, que jamás se pasará de moda.

No pretendo hacer ningún análisis mayor de la película (ya que sería muy extenso e impropio del fin del post), ni mucho menos entrar en temas argumentales, únicamente daros unos pequeños apuntes sin más, para que los que hayáis visto la película o no (en este caso disfrutar también de la trama), os fijéis un poco más técnicamente en ella, y os pueda servir en vuestras fotografías; ya que a la larga estos post irán encaminados a esto, a recomendaros para inspiraros. En caso de cualquier duda, o que queráis saber algo más, no dudéis en preguntarlo y os responderemos.

Como nos gusta haceros participes de todo en Xatakafoto, esta vez no va a ser menos, y voy a estar encantadísimo, de que me recomendéis películas que a vuestro juicio puedan servir de inspiración fotográfica, tanto en planos como en iluminación (y con todo lo que os resulte curioso que tenga que ver). Es por eso, que podéis contactar conmigo, y hacérmelo saber, para que así podamos enriquecer la sección y llevar todos vosotros un amplio abanico de posibilidades.

Recordaros en último término, que no son post de análisis de películas o de cine; sino algo enfocado hacia el mundo de la fotografía. Si os gusta el cine, y todo lo que tenga que ver con él, podeis visitar a nuestros compañeros de El blog de cine.

En Xatakafoto | Algunos directores de fotografía que no te puedes perder

Hoy en Xataka Foto os traemos una selección de cinco películas sobre fotografía y fotógrafos que no podéis perderos. Algunas no son muy actuales, pero pensamos que debido a la gran influencia que han tenido sobre el mundo de la fotografía y por su contenido son muy interesante.

Blow up

Un famoso fotógrafo Londinense realiza una serie de fotografías a una pareja en el parque. Lo descubren tomando las fotografías y, tras la insistencia de la chica por recuperar los negativos, el fotógrafo empieza a sospechar que esas fotografías ocultan algo. Tras ampliar y ampliar las copias descubre una forma irreconocible entre unos matorrales. Una película que nos plantea hasta qué punto lo que aparece en una fotografía puede utilizarse como prueba de la verdad.

Aunque se trata de una película de los años sesenta en la que no debemos esperar encontrar imágenes impactantes, efectos especiales ni nada de lo que predomina en el cine actual, es una película con un contenido conceptual muy fuerte, que además nos muestra escenas muy interesantes de cómo era Londres en los años sesenta. No os podéis perder la casa-estudio donde vivía este fotógrafo y la chulería con la que trata a las modelos.

Título original: Blow-up

Director: Michelangelo Antonioni

Reparto: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Peter Bowles, Jane Birkin, Gillian Hills.

País: Estados Unidos

Año de producción: 1966

Fotografía: Carlo Di Palma

Smoke

Auggie Wren (Harvey Keitel) es el propietario de un estanco en Brooklin, Nueva York. Cada día a las ocho en punto de la mañana está en su esquina, con su cámara sobre el trípode, listo para tomar una fotografía con el mismo encuadre del mimo rincón de Nueva York. Durante catorce años ha estado tomando esta fotografía y formándo una gran colección de escenas que ocurren a diario en un mismo lugar y a la misma hora. La película narra la hitoria de cómo este estanquero consiguió su cámara fotográfica, la clásica Canon AE-1

Una historia curiosa que nos puede inspirar para comenzar un proyecto de este tipo. Una escena interesante de la película es en la que el estanquero muestra algunas de las fotografías que ha ido tomando durante estos años. Realmente se tomaron esas fotografías y no se trata de una simple historia cinematográfica.

Titulo original: Smoke

Director: Wayne Wang

Reparto: Harvey Keitel, William Hurt, Stockard Channing, Forest Whitaker, Harold Perrineau Jr., Ashley Judd, Giancarlo Esposito, Victor Argo, Erica Gimpel, Clarice Taylor.

País: Estados Unidos

Año de producción: 1994

Fotografía: Adam Holender

El ojo público

El Gran Benzyni, un reportero gráfico en Nueva York, personaje basado en Weegee (Arthur Felling), es el mejor fotoperiodista de escenas de asesinatos de esa época en la Gran Manzana. No tiene ningún reparo en modificar elementos en la escena del crimen antes de que llegue la policía, incluso pedirle a policías que le pongan el sombrero al muerto (la foto de un muerto con sombrero vale unos dólares más que si no lleva sombrero).

Obsesionado por lograr la publicación de su obra y acostumbrado al trato personal tanto con la policía como con la mafia, se ve involucrado en una historia entre mafiosos en la que, cómo no, aprovechará para tomar sus mejores fotografías.

Se trata de una buena muestra de la fama de “sabandijas” que tenían los reporteros gráficos de esa época. La falta de escrúpulos de Weegee y cómo consiguió este fabuloso fotógrafo llegar a Nueva York sin nada en los bolsillos y convertirse en un maestro de la fotografía.

Títlo original:The Public Eye

Director: Howard Franklin

Reparto: Joe Pesci, Barbara Hershey, Stanley Tucci, Jerry Adler, Dominic Chianese

País: Estados Unidos

Año de producción: 1992

Fotografía: Peter Suschitzky

Retrato de una obsesión

Narra la historia personal de la fotógrafa estadounidense Diane Arbus, cuyos retratos consiguieron sobresaltar la sociedad americana de los años sesenta. Vive en su apartamento en Nueva York junto a Allan Arbus, su marido y fotógrafo de moda, junto al que además también trabaja.

Diane, atraía siempre por el misterio y los personajes extraños, termina acercándose a su vecino, un hombre con hipertricosis (enfermedad que cubre todo su cuerpo de pelo), del que termina sintiéndose extrañamente atraída.

Ya lo dice el título original, “An imaginary portait of Diane Arbus” (Un retrato imaginario de Diane Arbus). Aquellos que conozcáis la vida de Diane Arbus, apenas reconoceréis rasgos de la autora en el personaje que encarna Nicole Kidman. Como película es interesante aunque deja bastante que desear la parte documental.

Título original: An imaginary portait of Diane Arbus

Director: Steven Shainberg

Reparto: Nicole Kidman, Robert Downey Jr., Ty Burrell, Harris Yulin, Jane Alexander.

País: Estados Unidos

Año de producción: 2006

Fotografía: Bill Pope, ASC

The Bang Bang Club

A muchos de nosotros, al escuchar el nombre de Bang Bang Club nos vienen a la cabeza cuatro reporteros de guerra (Kevin Carter, Greg Marinovich, Ken Oosterbroek y Joao Silva) que nos han hecho llegar multitud de imágenes impactantes sobre las crueles historias que se han vivido y siguen viviéndose en África. Esta película narra las experiencias reales de estos cuatro reporteros en sus últimos días en Sudáfrica.

Aunque en algunas ocasiones los hechos transcurren demasiado rápido en la película, la historia de este grupo de amigos que deciden formar este peculiar club de reporteros de guerra es tan interesante y conocida, que el director puede permitirse esa velocidad en la narración de la historia.

Parece ser que finalmente no podremos disfrutar de ésta película en los cines españoles. Si queremos verla traducida al español será cuestión de esperar a ver si sacan alguna versión en DVD.

Director: Steven Silver

Reparto: Ryan Phillippe, Malin Akerman, Taylor Kitsch, Frank Rautenbach, Neels Van Jaarsveld

País: Estados Unidos

Año de producción: 2011

Fotografía: Miroslaw Baszak

Foto de portada | Miguel Perdiguero en nuestro grupo de Flickr

En XatakaFoto | Algunos directores de fotografía que no te puedes perder