Sin duda, el color es uno de los elementos más poderosos que hay en narrativa visual; por ello, tener la oportunidad de hacer fotos en lugares donde abundan distintos tonos y ofrecen un cromatismo fuera de lo habitual puede ser una buena experiencia (y una manera de obtener imágenes espectaculares). Os mostramos los 20 lugares con mayor abundancia de color del planeta según un estudio.

Lo ha publicado Uswitch, que es un comparador online de todo tipo de servicios de origen británico, y para realizarlo se basó en "las paletas de colores, los volúmenes de búsqueda global y los lugares que obtienen la mayor cantidad de hashtags de Instagram".

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“El 90% de las fotos se descartan de los concursos por tener colores artificialmente saturados”: Tino Soriano y 'Los colores y tú'

Más en concreto partieron de una lista inicial de 20 lugares coloridos seleccionados de una variedad de artículos, entre ellos los publicados por medios británicos como Wanderlust, Travel Nation, Love Exploring y Veranda, lo pasaron por "una herramienta de selección de color digital y las diez imágenes principales en Shutterstock, para determinar qué ubicaciones tenían las paletas de colores más extensas".

A partir de todos estos datos (no muy científicos, la verdad) han creado una lista de los destinos más coloridos del mundo. Un TOP20 curioso para todo fotógrafo que pueda estar interesado en conocer lugares coloridos; aunque, curiosamente, Uswitch orienta el listado no hacia fotógrafos sino hacia la gente que busque mudarse a un lugar más alegre que el Reino Unido (incluso dan consejos para mudarse).

Lugares más coloridos del mundo

Sea como fuere el listado lo encabeza Cinque Terre en Italia, con ocho colores en su paleta. Se trata de una región formada por cinco pueblos situados en la Riviera italiana y cuyas casas, apiñadas en la montaña, están pintadas de muchos colores formado un destino multicolor que varía desde el rojo hasta el azul pasando por el naranja, amarillo y verde.

El segundo puesto sería para Kampung Pelangi, un pueblecito de Indonesia cuyo nombre significa "El pueblo arcoirís" y en la lista ocupa este lugar gracias a siete colores. El tercer puesto es compartido por tres lugares: Guatape, una ciudad de Colombia, La Boca, barrio de Buenos Aires (Argentina), y Nyhaven, una zona del puerto de Copenhague (Dinamarca).

Por si os lo estáis preguntando no, no hay ni una sola localización situada en nuestro país, quizá porque nuestro clima aconseja pintar las casas de blanco en vez de colores chillones. La verdad es que, de los artículos que citan, sólo en uno hemos encontrado una sugerencia situada en España, Colonia de Sant Jordi en Mallorca, donde unas salinas forman un paisaje multicolor inmortalizada en una foto de Shutterstock.

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La clave de la fotografía en color y por qué es más difícil que el blanco y negro

En cualquier caso, un listado interesante por si, cuando la cosa se calme, podemos viajar a alguno de estos coloridos lugares donde poner en práctica nuestros consejos para sacar provecho del color.

Vía | Digital Camera World

Foto de portada | Jason F. Rossi compartida en Wikimedia con licencia Creative Commons CC0 1.0

Tino Soriano ha escrito muchos libros en los dos últimos años. Desde que publicó en 2019 'Ayúdame a mirar' no ha parado de contar su visión del mundo fotógrafico. Ahora es el turno de 'Los colores y tú. Entender el color y las emociones en la fotografía'. Si quieres entender qué es el color y cómo funciona en el mundo de la imagen, es el libro que debes pedir en la lista de deseos.

Los libros te enseñan a pensar. Son capaces de contarte las cosas como nadie. Además tienes la oportunidad de marcarlos, escribir sobre ellos y volver una y otra vez sobres sus ideas para aprender. Si además tocan un tema que te apasiona, se convierten en los mejores consejeros. Y eso es lo que ocurre con el último libro de Tino Soriano que ha publicado Anaya PhotoClub.

La portada del libro

'Los colores y tú. Entender el color y las emociones en la fotografía' te cuenta cómo trabajar con el color desde el principio, justo antes de llevarte la cámara al ojo. Si quieres entenderlo, saber cómo enfrentarte a él y encontrarle sentido (además de disfrutar leyendo) este libro servirá para tu mesilla de noche y para tu mesa de estudio.

Tino Soriano es uno de los mejores fotógrafos que tenemos por esta tierra. Junto con Cristóbal Hara y José Manuel Navia forma la trinidad del color. Y ha decidido contar todo lo que sabe, todo lo que ha aprendido a lo largo de más de 40 años de experiencia, en un libro.

Por esta razón en Xataka Foto hemos hablado con él sobre los rojos, los verdes, los azules y todo lo que nos permita comprender sobre algo tan cotidiano y tan desconocido como mirar en color.

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La entrevista a Tino Soriano

El color es uno de los temas más complicados de la fotografía. Por eso es una suerte poder hablar y aprender con uno de los que mejor lo dominan. La entrevista ha sido a través de una plataforma digital justo antes de que salga de viaje en busca de nuevas historias.

Entiende la fotografía de una forma directa, sin intermediarios: la cámara, la realidad y tú. Y realmente no se necesita mucho más... Y el ordenador lo justo. Se trata de atraparlo y darle forma, no de crearlo con un programa.

¿El color cambia la percepción del mundo desde un punto de vista fotográfico?

El cerebro asocia los colores a sensaciones. Nadie se puede imaginar un fuego azul porque siempre lo traducimos con tonos cálidos. Y al revés, tú no puedes concebir el hielo rojo. Así se descubre que el color influye directamente en la percepción. Esto para los fotógrafos supone algo positivo y algo negativo.

La parte positiva es que puedes utilizar el color de forma inteligente para enfatizar mucho más la intencionalidad de tus imágenes. Lo que se suele llamar atmósfera en un lenguaje más coloquial.

La parte negativa es que es muy fácil emplear mal el color. Si hacemos una fotografía en color sin pensar, lo que le estamos dando al espectador es una ensaladilla rusa, todo mezclado, y eso es complicado de leer. En el libro enfatizo mucho una máxima: Cuántos menos colores más potencia tendrá la fotografía final.

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La clave de la fotografía en color y por qué es más difícil que el blanco y negro

¿Por qué se lanzaron los maestros a apostar por el color? ¿Por qué apostaron por él?

Los primeros fotógrafos que trabajaron en color conscientemente, se sentían como miembros de una secta. Estamos hablando de la década de los sesenta, hace más de 50 años. En ocasiones se reunían para hablar de su color... Las galerías de arte no entendían que esta fotografía pudiera ser artística y la dejaban fuera del circuito.

Ellos se pasaron al color, según mi opinión, porque existen cerebros que tienen una especial percepción cromática y fotógrafos como Jay Maisel o Ernst Haas son un buen ejemplo de esta virtud. Y se sentían insatisfechos con el blanco y negro...

El problema es que al color no le damos importancia porque lo vemos siempre. Un pez nunca se plantea qué es el agua ni por qué está nadando. Así nadie se plantea que algo tan cotidiano pueda ser considerado como arte u cuando toman una foto no se dan cuenta de que tienen que ordenar los colores.

Robert Capa y Henri Cartier Bresson trabajaron en color. Pero ellos lo utilizan mal, sus imágenes son vulgares porque sienten en blanco y negro. En aquellos años era más exclusivo y por ese motivo era más apreciado. Las revistas y la publicidad pedían color para lograr mucha más difusión.

Además, el color retiene mucho más tiempo la atención del espectador. Concretamente dos segundos. El blanco y negro solo una sexta parte. Esto en publicidad tiene unos números. Un anuncio gris es un 42% menos eficaz.

El blanco y negro tiene una lectura mucho más directa. El color crea una especie de barrera entre el cerebro y la imagen. Cuando percibimos algo en color, antes de entrar en el contenido analizamos el continente. Es un retardo, no es que la foto nos atraiga más, sino que necesitamos más tiempo para procesar porque le estamos dando mucha más información.

Nos aporta datos sobre diversas sensaciones, como que algo puede estar frío o recordarnos lo que se siente al contemplar una estación del año.

¿Se compone de distinta forma en color que en blanco y negro?

Por descontado... El gran error de los aficionados es considerar que pasar a color o blanco y negro es una cuestión de gusto personal o de procesado. Cuando trabajábamos con película el cerebro lo tenías en modo color o en blanco y negro, según el carrete que tuvieras. No podías trabajar con las dos cosas a la vez.

Cuando trabajas en blanco y negro estás pendiente de unas constantes como la textura, el volumen o las líneas... En color todo esto queda más desapercibido porque cuando lo que manda es el contraste cromático, la influencia de cada color.

Y esto es lo que la gente no sabe distinguir... Hay unos colores que percibimos claramente, pero luego están las dominantes que no se notan tan fácilmente y marcan el disparo.

¿La temperatura de color digital complica la fotografía? ¿Tantas opciones en el revelado que tenemos nos dificultan la vida?

Mi suegra suele decir que el gran problema que tiene esta generación es la abundancia. En el momento en el que tienes demasiadas opciones te pierdes... Hoy es muy fácil seguir a mil fotógrafos en internet, sin embargo, si tratas de analizar el trabajo de todos ellos ya no sabes con qué te tienes que quedar.

Con el color pasa algo parecido. Los grandes artistas como Miró suelen soltar lastre con el tiempo y se quedan con la simplicidad. Y esta es la clave, utilizar una paleta reducida. Como sucede con las buenas películas, que no suelen disponer de más de 6 colores...

Hay que restringir las posibilidades que tenemos hoy en día. Hay que limitar las opciones como metodología... Si tienes 3000 canciones en un disco duro al final no escuchas ninguna.

Uno de los capítulos que más me ha gustado es el de las curiosidades del color. ¿Cuál es la que más te llamó la atención?

Puede parecer frívolo, pero al final habla del comportamiento del ser humano. Durante siglos las mujeres se han muerto por maquillarse con cianuro. Sabían que cuando se pusieran el blanco como maquillaje, el cianuro entraba en contacto con la piel y podía provocar su muerte.

Pasaba lo mismo con el tono verde. El componente era tóxico y tardaron tiempo en darse cuenta. En el libro cuento que Napoleón sufrió envenenamiento por su preferencia con dicho tono en todo lo que le rodeaba.

¿Dónde se aprende a fotografiar en color?

Es una pregunta que me hicieron hace 40 años cuando empecé a dar clases. Y he estado 40 años reflexionando hasta que he escrito este libro porque no sabía cómo explicarlo.

He leído docenas de libros sobre el tema. La gran mayoría van dirigidos a diseñadores gráficos y acaban con pantones y similares... Todos acaban con páginas y páginas de postproducción, así que yo me centro en explicarlo a base distintas aproximaciones con el mismo espíritu que 'Ayúdame a mirar'.

El resumen sería buscar pocos referentes y elegir pocos colores... Trabajarlos poco a poco. Desde un punto de vista teórico tendrías que encontrar a Ernst Haas o cualquier otro maestro e intentar entenderlo. Lentamente, de uno en uno...

Y a la hora de practicar, tendrías que tomar color por color y trabajar en diferentes sesiones el amarillo, el azul o el rojo. Analizando cómo responden, cómo interaccionan entre ellos y facilitan las sensaciones. Con cuál se llevan bien o son incompatibles...

Hay pocos fotógrafos que sean referentes en color, David Lachapelle sería uno de ellos. Sus colores son el verde y el magenta, dos complementarios difíciles de encontrar en el mundo real, Y así consigue llamar la atención... Steve McCurry siempre trabaja con tonos complementarios con un toque de rojo, por ejemplo.

También podemos fijarnos en los maestros de la pintura. Picasso, cuando murió su amigo de la juventud, entró en la época azul durante varios años. Con el tiempo conoció a una de sus mujeres y avanzó a la época rosa. Esto es un ejemplo perfecto de lo que nos puede enseñar la pintura a los fotógrafos en este tema. Es interesante ver cómo trabajó con dos tonos opuestos de tal forma.

Los maestros utilizan pocos colores... En 'Las meninas' Velázquez pinta con una gama muy reducida. Básicamente, son tonos ocres con tonos rojos en lugares muy localizados. No podemos olvidar que este tono aumenta la tensión e incrementa la atención del espectador.

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José María Mellado: "la cámara del móvil es un regalo para los fotógrafos"

Como dice Tino Soriano este libro está lleno de anécdotas para que sea ameno, como ocurre con 'Ayúdame a mirar'. Sigue la filosofía de enseñar deleitando. Es un libro gestado en cuatro décadas de trabajo. Te enseña a entender el color en el momento de la toma, que los fotógrafos entiendan la materia prima que tienen desde el momento de la toma.

Y un buen consejo que nos da para terminar el que ha sido jurado de algunos de los concursos más importantes: "el 90% de las fotografías se descartan por tener colores artificialmente saturados. Tienen un uso desmesurado y poco racional del color".

En definitiva, un libro que te ayuda a recuperar las ganas de volver a salir con la cámara al hombro y buscar el disparo desde el primer momento, lejos de la dictadura de los programas de edición. No dudes en pedírselo a Papa Noel o a los Reyes Magos... Y si te has portado mal, acércate tú mismo a las librerías.

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Tino Soriano | Página web | Instagram

Han pasado 20 años de 'Amelie', una de las películas más odiadas y amadas por todo el público. Su visión no admite un punto medio. O te encanta o la condenarías al fuego eterno y a todos sus seguidores. 'Amelie' destaca por muchas cosas, como el guion y la música, pero la fotografía de Bruno Delbonnel es lo que nos marcó a todos.

Es una película que me gusta, no lo puedo negar. La verdad que me ha dado vértigo darme cuenta de que ya han pasado 20 años desde que la vi por primera vez. Fui al cine porque el universo del director me encantaba desde que descubrí 'Delicatessen' (1991). Y quería ver más después de 'La ciudad de los niños perdidos'(1995) y 'Alien resurreccion' (1997).

La propuesta me enganchó desde el primer fotograma. El guion puede levantar ciertos recelos por la inocencia de la propuesta. Pero cada fotograma es una obra maestra de la composición y del color. El trabajo del director de fotografía es irreprochable plano por plano.

Y eso es lo que vamos a analizar. En cierta manera su trabajo recuerda a la forma de trabajar de Vittorio Storaro, el maestro italiano que utilizó el color para entender la evolución de los personajes.

La magia de la fotografía de 'Amelie'

'Amelie' es la historia de una mujer que, tras un hecho fortuito -encontrar una caja escondida de un niño en el momento en el que comunican la muerte de lady Di-, decide dedicar su vida a hacer el bien a los demás. El problema es que, como todos nosotros, primero tiene que tratar de arreglar su vida.

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Nueve trucos y consejos que te permitirán mejorar tus fotografías hechas con el móvil

A lo largo de todo el metraje la fotografía está muy presente, porque ella de pequeña tiene una cámara que cree que provoca accidentes. Y el amor de su vida es un coleccionista convulsivo de imágenes perdidas de fotomatón. Y aparece un enano de jardín que viaja por todo el mundo con una polaroid para contar su periplo.

Pero la dirección de fotografía es una maravilla y es la que consigue llevarnos de la mano plano tras plano. Una profesora una vez nos dijo que cada fotograma de la película es una obra de arte por sí solo.

El director de fotografía Bruno Delbonnel consiguió fama y notoriedad con este trabajo. Así llego a Hollywood para trabajar con los hermanos Coen ('La balada de Buster Scruggs') o el mismo Tim Burton en 'Big Eyes' o 'Sombras tenebrosas'.

¿El color de la esperanza?

El color es el protagonista absoluto. La paleta de colores, basada en los rojos y los verdes (dos complementarios en el círculo cromático), viene de una técnica que se llevaba mucho en los tiempos de los carretes, que era revelar las diapositivas con los químicos de los negativos de color.

Además, como Storaro, se sirve de lo que expresan estos colores para orientar al espectador. La esperanza, la alegría y la pasión se expresan gracias a los tonos elegidos en cada momento.

Toda la película destaca por el uso de la luz suave, gracias a la difusión tan grande de los enormes focos que utilizó para lograr ese contraste suave en el que los personajes parecen irradiar luminosidad, sobre todo la protagonista

Los encuadres de 'Amelie'

Además, tenemos que valorar el encuadre de cada una de las escenas. Gracias al manejo de la cámara por parte del director de fotografía, la historia vive a pesar de las dos horas de duración. Los movimientos de cámara, los encuadres llamativos y los juegos simétricos nos ayudan a fijarnos una y otra vez en la narración.

Como podemos ver en este vídeo, la simetría está presente en todo momento, desde que la cámara está fija en el rostro de un personaje hasta los momentos en los que inicia un travelling. Si te gusta el cine seguro que esta forma de elegir los planos te recuerda a uno de los directores más importantes de la historia: Stanley Kubrick.

El uso de la simetría y el color en un solo fotograma

Efectivamente, Stanley Kubrick, un gran fotógrafo también, dejó como seña de identidad los planos simétricos para conjugar la narrativa de la historia con el poder visual del cine. Y es una forma de mirar que está presente en 'Amelie' y en todo el cine de Wes Anderson, por poner un ejemplo más actual.

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'Las meninas': qué aprendemos los fotógrafos de la pintura

Mucha gente no soporta esta película. Pero seguro que si tratan de olvidarse de la historia y se centran en cada uno de los momentos desde el punto de vista fotográfico, descubrirán otra forma de verla. Y seguro que cambia su percepción. Han pasado 20 años, seguro que merece una oportunidad ¿Qué pensáis?

El destino final de las fotografías es la impresión, al menos era así no hace mucho tiempo. Todos queremos ver nuestras fotografías colgadas en las paredes de nuestras casas o en las populares fotorevistas. La fotografía móvil también se puede imprimir, pero parece que los problemas son muchos para conseguir calidad. Vamos a desmentir leyendas urbanas y dejar claro cómo es hoy en día la impresión de fotografías con móviles.

No me gusta hablar de la fotografía según la máquina con la que esté hecha. Creo que lo importante es la fotografía sin más, independientemente de la cámara que hayamos utilizado. Sin embargo si nos centramos en la técnica no hay más remedio que hacerlo. Y uno de los grandes problemas es la impresión de las fotografías hechas con los móviles.

Imprimir es fácil, hacerlo bien no tanto. Hay muchos factores que tener en cuenta para conseguir una buena copia en papel. Como siempre, depende de las exigencias de cada uno de nosotros. Y de cómo hagamos las fotografías, cómo las preparamos y cómo trabajan en el laboratorio al que confiemos nuestras fotografías.

Las pruebas de laboratorio

Así que hemos hecho unas cuántas fotografías de prueba con un teléfono móvil, en concreto el iPhone 13. Hemos disparado con la aplicación original (formato jpeg) y con la cámara de Adobe Lightroom (formato DNG) para ver cómo responden los archivos de un móvil a la hora de pasar por una impresora.

Los parámetros de la prueba

En las fotografías de ejemplo hemos buscado encuadres con luces y sombras, con un gran contraste (para distinguir la calidad en todas las luminosidades) y una pequeña prueba con ISOS altos.

En todas las fotografías, y para tratar de igualar resultados y acercarnos a la forma de trabajar de la mayoría de los usuarios, hemos optado por disparar en Programa con la cámara sin espejo y en modo Automático con el teléfono.

Con Adobe Lightroom y en la sin espejo hemos apostado por el ISO automático. Para la prueba de ruido hemos elegido la sensibilidad más alta del iPhone 13, 6400 ISO y la misma con la Sony. A la hora de disparar con la aplicación original no hemos tenido la posibilidad de elegir la sensibilidad.

Hemos hecho las mismas fotografías con una Sony A7 III con distinta focal (26 mm contra 35 mm), pero al mismo tiempo para que no cambiara la luz. Y ambas cámaras las hemos disparado con trípode y a distancia.

Las pruebas de impresión las hemos hecho en Print&Raw, un laboratorio digital de Alcalá de Henares que nos ha cedido sus instalaciones, sus impresoras y papeles para hacer la prueba. Tienen una larga experiencia con la impresión de fotografías móviles y conocen las claves para conseguir la mayor calidad.

Las imágenes se han revelado en Adobe Lightroom o directamente con la aplicación del móvil para acercarnos a la forma de trabajar de la mayoría de los usuarios. En algún momento haremos otra prueba probando los diferentes programas y aplicaciones que existen en el mercado.

La impresora es una Epson SC-P9500 44" de 12 tintas. Hemos utilizado un papel satinado RC Premium de 260 gr y Mirage, un software avanzado de impresión para redimensionar las imágenes y ajustar la gestión del color.

Para observar el verdadero alcance de la prueba, he hecho fotos de las fotos con un objetivo macro para poder apreciar las diferencias entre una y otra prueba. Algo que me ha llamado mucho la atención es que hemos tenido que imprimir a partir de un 24x30 cm para notar diferencias.

Las claves para conseguir la máxima calidad a la hora de imprimir una fotografía móvil

A la hora de imprimir una fotografía móvil debemos seguir las mismas normas que a la hora de imprimir un archivo de cualquier otra cámara. Mantener la máxima calidad de principio a fin es esencial para lograr el mejor resultado:

• Formato RAW
• Exposición correcta
• Revelado correcto
• Buenos parámetros de exportación
• Gestión del color

Formato de imagen

Con estos dispositivos nos encontramos con un problema: ¿Debemos disparar en RAW o confiar ciegamente en la fotografía computacional? Esta era una de las cosas que queríamos comprobar para este artículo.

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Cómo saber de una vez por todas qué espacio de trabajo hay que elegir para imprimir: sRGB o Adobe RGB (1998)

Todos reconocemos las virtudes de la fotografía computacional. En muchos casos consigue mejores resultados, en apariencia, que disparar directamente en formato RAW. No obstante los resultados se juzgan en la pantalla. En el papel, todo puede variar.

Colores muy saturados

Nos ha sorprendido mucho la calidad de impresión a partir de un jpeg directo. El único problema que he visto es que los colores son muy saturados por defecto, tal como se ven en la pantalla del móvil.

Para la prueba hemos hecho copias de tamaño considerable: 24x30 y 30x40 cm. Para que todo el mundo sea capaz de distinguir las diferencias entre una sin espejo y el iPhone.

A partir de estos tamaños el detalle fino empieza a dar la cara y se impone el formato DNG para acercarse al resultado de la Sony A7 III. Es algo muy significativo que ya nos indicaron desde el laboratorio.

Exposición

A la hora de trabajar con una fotografía es importante una buena calidad técnica para conseguir lo que quieres expresar. De nada sirve tener ideas si no sabes disparar con los parámetros correctos.

La velocidad de obturación y la sensibilidad intentan suplir la carencia del tercer soporte del conocido triángulo de exposición. Pero sí que se nota el rango dinámico. Las luces están reventadas en el caso del teléfono móvil y tenemos muchos más detalles en el disparo de la Sony A7 III. Algo por otro lado que ya esperábamos. Sería sorprendente que fuera igual. Es verdad que le falta muy poco.

Jpeg directo vs DNG vs Sony

En la fotografía móvil no se puede jugar con el diafragma, y es un parámetro del cual nos tenemos que olvidar. La profundidad de campo es inmensa y toda reducción de la misma depende solo de la óptica y de complicados cálculos computacionales.

Con los tamaños de impresión que hemos utilizado se notan las diferencias en este aspecto. El móvil evidentemente tiene más profundidad de campo.

Revelado

Si tenemos un buen archivo tenemos que saber revelarlo correctamente. Ahora mismo tenemos a nuestra disposición muchas aplicaciones para sacar lo mejor de cada archivo.

Como ya hemos comentado en otro artículo no hay casi diferencia a la hora de revelar con las versiones de escritorio y móvil de Lightroom. Todo depende de la información que tenga el archivo que tenga entre manos.

Los problemas surgen cuando tratamos de revelar el color, ajustar la acutancia y controlar el ruido. Si partimos del DNG nosotros podemos elegir sin miedo estos parámetros. Todo se complica cuando trabajamos con el jpeg directo del teléfono. La saturación es excesiva y estás obligado en la mayoría de los casos a bajarla.

A la izquierda la fotografía móvil

La acutancia crea una ilusión de nitidez excesiva en este caso. Las fotografías en jpeg del iPhone 13 están claramente sobreenfocadas. Sobre el papel, y nunca mejor dicho, tienen un aspecto demasiado digital.

La solución pasa por apostar por el formato DNG. Sobre todo si tienes claro que el destino final de tus fotografías es la impresión.

Y dejamos para el final el tema del ruido. Como era de esperar, un móvil responde sin problemas con una sensibilidad baja. Pero si tiene que subir apenas a 400 ISO, el ruido hace acto de presencia. Por mucha fotografía computacional que tenga en su interior.

El ruido a 6400 ISO a la izquierda y la falta de detalle del jpeg apenas a 400 ISO

El resultado final llama la atención, sin embargo las comparaciones son odiosas... En la fotografía de los cactus disparamos a 6400 ISO. El formato DNG no puede ni empezar el combate. Y la fotografía en jpeg de la aplicación sorprende pero el ruido en la copia es visible a simple vista. Y no se puede ni siquiera comparar con el de la Sony a 6400 ISO.

Cuando falta la luz, el detalle desaparece en el mundo móvil, al intentar hacerlo desaparecer por medios digitales. Y el resultado desde luego no convence en absoluto a la hora de contemplar la fotografía en papel.

Parámetros de exportación

Aquí el único requisito realmente importante para imprimir una fotografía móvil. Lo único que hay que tener en cuenta, y en lo que insisten mucho a sus clientes en Print&RAW, es ajustar correctamente la resolución.

La mayoría de los móviles tiene configurado por defecto la resolución a 72 ppp en sus archivos. No tiene sentido, porque si vas a ver la imagen en una pantalla, puedes poner la que quieras: 1, 72, 3450 o 37. Ni se consigue más nitidez ni pesa menos.

Solo hay que cambiar la resolución en el momento de la impresión

Pero todo cambia cuando imprimimos la fotografía. En este momento es fundamental cambiar correctamente la resolución y ajustarla para la impresión. Para que veáis lo importante que es solo hace falta fijarse en la fotografía que acompaña este párrafo.

Si os fijáis, el detalle desaparece en la impresión de la izquierda... y todo por no cambiar la resolución

Ese es el único cambio entre una y otra imagen. Realmente no hay que hacer nada específico para imprimir una fotografía móvil. Solo tener cuidado con la resolución. Ni hace falta más enfoque, ni hay fórmulas secretas.

Todo funciona igual que con el resto de las cámaras. Calidad de principio a fin y todo solucionado.

La gestión del color

La gestión del color es una pesadilla para todos. Una cosa es el color real, otra cómo lo percibes, cómo lo observan la cámara y la pantalla y por supuesto, cómo lo ve la impresora.

La gestión del color se encarga de dar coherencia y que el color que vemos sea lo más parecido al color final de la impresión. Si no dominamos nada de este tema estamos a merced de la cámara. Y os aseguro que no es una buena solución.

Los diferentes espacios de color. Arriba del todo el jpeg directo

A la hora de presentar la fotografía para imprimir tendríamos que saber cuál es el espacio de color con el que trabaja nuestro teléfono móvil. Si disparamos en jpeg puedo asegurar que es sRGB, el más pequeño de los espacios. Así es más fácil conseguir esos colores hipersaturados que vemos en las copias.

Para elegir el espacio de color en Adobe Lightroom tenemos que esperar a la exportación. Si estamos trabajando desde el móvil, marcaremos el icono Compartir en... buscaremos Exportar como... y ahí podemos seleccionar el espacio de color adecuado para cada destino.

Aquí elegimos el espacio de color en Adobe Lightroom

Sobre este tema hay muchas teorías, todas válidas: El espacio de color lo tenemos que elegir en función de los colores de la fotografía; depende del destino final de la imagen; o tiene que ser un perfil específico de la impresora.

Yo siempre he trabajado con un espacio de color Adobe RGB 1998. En Adobe Lightroom no se puede elegir el espacio, ya que por defecto trabajo con uno muy parecido a ProPhoto. Solo en la exportación puedes elegir el espacio de color.

Si trabajamos con un laboratorio profesional, seguramente tendrá instalado Mirage que permite conseguir de una forma muy sencilla igualar el color de la fotografía con el perfil de la impresora. Si no conoces el laboratorio, lo mejor es entregar el archivo en sRGB, que casi con total seguridad será el espacio por defecto de nuestro móvil.

En conclusión

Imprimir una fotografía hecha con un móvil tiene exactamente las mismas normas que imprimir cualquier otra fotografía. En serio, solo hay que tener en cuenta los siguientes puntos:

• La resolución tiene que ser la idónea para la impresora. Vigila siempre que supere los 180 ppp como mínimo.
• No hay que hacer ningún tratamiento específico por ser una fotografía hecha con un móvil.
• Si vas a trabajar con ISOS nominales, puedes elegir sin problemas el formato jpeg. Pero si subimos a más de 400 ISO siempre da mejor resultado el formato DNG. El ruido es muy evidente pero no pierdes detalle en la impresión.
• Hay que vigilar la gestión del color si no quieres que el color de tu fotografía cambie.

La respuesta a la impresión de las fotografías hechas con un smartphone es sorprendentemente buena. Hemos tenido que imprimir a partir de 24x30 cm para empezar a notar las diferencias de una forma realmente clara y evidente.

Solo si miras la impresión con un cuentahilos las diferencias son claras. A simple vista tienes que contar con una foto de ejemplo para que cualquier observador se de cuenta y pueda decidir con qué cámara está hecha cada fotografía.

Eso sí, las diferencias son notables con solo subir el ISO a 400 ISO. Ahí es donde las cámaras de sensores más grandes siguen siendo imbatibles, por el momento. Puede que en pantalla no lo notes, pero es más que evidente en la impresión.

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Los propósitos de conversión: una de las claves para imprimir nuestras fotografías

No hay que olvidar que esta prueba se ha hecho con las mejores condiciones posibles: un buen móvil, con trípode y un laboratorio profesional. Los resultados pueden variar mucho con cualquier otro teléfono. Pero para imprimir, los teléfonos móviles, con ISOS nativos, ya se pueden tener en cuenta. Eso sí, depende de las necesidades de cada uno.

Siempre andamos buscando técnicas sencillas para conseguir mejorar nuestras fotografías. La mejor técnica es lograr el mejor disparo posible. Pero si todo falla siempre podemos recurrir a Adobe Photoshop. La técnica que vamos a ver hoy sorprende por su sencillez. Solo necesitamos las Curvas para igualar el color de dos objetos.

El color siempre es una asignatura pendiente para todos los fotógrafos. Cuando dominas el color en tus fotografías te conviertes en uno de los buenos. Pero es difícil acertar. Siempre aparece algo en el encuadre que no tiene el color que debe o no entra dentro de la armonía que estamos trabajando.

La carta de color original

Por estos motivos es interesante ver cómo funciona esta técnica que me ha pasado uno de mis mejores alumnos. Solo necesitamos una fotografía, un color que queramos sustituir, una herramienta de selección y las curvas. Vamos a verlo.

Igualar el color de dos objetos mediante las Curvas de Adobe Photoshop

Lo primero es tener una fotografía en la que necesitemos cambiar el color de algún objeto para igualarlo al de otro. En este caso quiero cambiar el rosa y convertirlo en amarillo. Vamos a ver cómo hacerlo:

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• Duplicamos la capa principal con Ctrl+J.
• Seleccionamos, con la herramienta Marco rectangular, una zona del color que queremos igualar. No hace falta que sea muy grande. Solo que sea una zona uniforme.
• Copiamos esa selección con Ctrl+J y llevamos esta nueva capa, con la ayuda de la herramienta Mover, al color que queremos cambiar.
• Activamos la capa duplicada de la fotografía original.
• Es el momento de ir a la ventana Canales (Ventana>Canales) y hacemos clic en el canal Rojo. La imagen, no os preocupéis, la veremos en blanco y negro.
• En el menú Imagen>Ajustes>Curvas (Ctrl+M) abrimos Curvas y ajustamos la curva para que la luminosidad del fragmento y la del color elegido se igualen.
• Hacemos lo mismo con el canal Verde. Es decir marcamos en la ventana Canales el Verde y ajustamos de nuevo la curva.
• Y por supuesto hacemos lo mismo con el canal Azul.

Cómo me han quedado las curvas para convertir el amarillo en rosa

• Desactivamos la visibilidad de la capa del color recortado.
• Creamos una máscara de capa en negro en la capa en la que hemos cambiado el color en Capa>Máscara de capa>Ocultar todo.

Así queda la fotografía

• Ya solo nos queda pintar en blanco con la herramienta Pincel sobre el color que queremos sustituir y listo. Por el arte de las curvas el nuevo color aparece.

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Seguro que en las primeras pruebas os cueste conseguir el color elegido. Pero es cuestión de practicar con el movimiento de cada una de las curvas hasta conseguir que la luminosidad se iguale... Una de las curvas siempre tiene que subir, al menos... Al final os prometo que sale. Ya nos contaréis.

El color es una de las cosas más difíciles de ver y entender. Yo me preocupé de verdad cuando un profesor me preguntó el color de una lata de cola... Por supuesto le respondí que roja, pero él me recordó que nunca sabremos si dos personas verán exactamente igual el mismo tono. Todo se complica si sufres de daltonismo. Esta paleta para GIMP se adapta a la visión daltónica.

El color es un misterio. Depende de muchos factores y la forma de representarlo esta adaptado a una visión ideal. Si tienes problemas para percibir el color algunos programas ofrecen una serie de ayudas para corregir la visión del color. Una especie de gafas que desconozco si realmente funcionan.

¿Seguro que todos vemos el mismo color?

En Adobe Photoshop tenemos que ir al menú Vista>Ajuste de prueba>Daltonismo para ver los archivos con el color adaptado. Si experimentamos con la famosa lata de cola yo veo un tono ligeramente verdoso.

Esto es posible hacerlo también en GIMP, el editor gratuito por excelencia, gracias a la labor de Øyvind Kolås.

La corrección del color para los daltónicos

Es complicado pensar cómo verán los demás el color. Así que verlo con la ausencia de algún tono es más difícil. No me imagino un mundo sin ver mis rojos, mis verdes o mis azules... Así que es una maravilla que piensen en este problema y traten de solucionarlo.

Existen muchos tipos de daltonismo, pero los más comunes son:

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Cómo corregir el equilibrio de blancos con la ayuda de la capa de ajuste de Umbral

• Deuteranopia: no ven los tonos verdes.
• Protanopia: no ven los tonos rojos.
• Tritanopia: no ven los tonos azules.

Lo que ha conseguido Øyvind Kolås es crear una paleta de 16 colores que dan suficiente contraste para las variaciones más comunes del daltonismo y aplicarla en GIMP. Esta paleta está basada en la paleta CGA/ANSI, el estándar básico del color que creó IBM a principios de los años 80.

Los colores que se pueden ver según el contraste de la plantilla

Es muy modesto, pero es un gran avance para conseguir que todo el mundo sea capaz de ver el color de forma estándar. Además se puede adaptar sin problemas al espacio sRGB.

En Xataka Foto

Cómo sacar partido al color en fotografía y mejorar nuestra composición

Seguro que a muchos fotógrafos y diseñadores les será útil. A los que percibimos sin problema el color, porque hemos hecho el test de las cartas de Ishihara, nos servirá para hacernos una idea de un mundo distinto.

Darktable es uno de los editores de código abierto más interesantes que podemos encontrar en la red. En Xataka Foto hicimos un pequeño curso de introducción del programa. Entonces estábamos con la versión 3.0 y esta semana han presentado la versión 3.6 con numerosas novedades y mejoras en la estabilidad y el rendimiento, algo fundamental en este programa.

Darktable es uno de los programas que tengo instalado en mi ordenador principal. Reconozco que lo tengo abandonado desde que utilizo mi equipo Sony pero para los archivos Fuji que conservo es mi herramienta principal por el buen revelado que hace de sus archivos a partir de un sensor X-trans.

Como ya comenté en su momento no es mi programa principal porque me he acostumbrado a la agilidad de los programas de pago como Adobe o Capture One. Pero tengo que reconocer que su motor de revelado no deja de impresionarme cada vez que analizo sus entresijos.

La interfaz de la nueva actualización

No es fácil de manejar, entre otras cosas, debido a su mala traducción, la cantidad de opciones que ofrece y a ciertos problemas en la interfaz a los que te puedes terminar acostumbrando si lo utilizas asiduamente. Siempre tengo que recordar, cuando hablo de estos programas, que soy fotógrafo, no un informático experimentado.

Pero la nueva actualización promete mejorar la mayoría de los problemas que hemos comentado y en cuanto pueda trabajar a fondo con mi ordenador personal (diversas circunstancias me obligan a estar todo el verano con un portátil justo de capacidad) lo probaré a fondo. Es un programa complejo.

La actualización 3.6 de Darktable

Hay que recordar siempre que este programa es posible gracias a la dedicación de colaboradores altruistas. Por este motivo no tiene sentido ser tan exigentes como podríamos serlo con Capture One o Photoshop, con un presupuesto enorme detrás.

Antes he comentado que no está bien traducido, por ejemplo. He podido verlo un poco y parece que por fin la traducción es mucho mejor en esta nueva versión y no encontramos nada extraño...

En Xataka Foto

Cómo sacar partido al color en fotografía y mejorar nuestra composición

Pero vamos a centrarnos en las novedades que encontramos en su página oficial:

• Encontramos un nuevo panel que sustituye al de Ajustes básicos y en el que podemos agregar todas las herramientas que necesitemos de la misma forma que Capture One.
• Ofrece un nuevo método de interpolación que facilita la creación de la imagen cuando parte de un archivo que se ha disparado en una situación de mucho contraste y con una exposición insuficiente.
• El módulo dedicado al color permite trabajar sin miedo a estropear la imagen por un ajuste personal excesivo o por no tener en cuenta el espacio de color elegido.

REvelando con la nueva versión

• Una de las cosas que más me ha llamado la atención es el nuevo control de Saturación que permite modificar este parámetro del color teniendo en cuenta la Luminosidad. Es decir, como dicen en su página, es posible desaturar un rojo y convertirlo en rosa, sin convertirlo directamente en gris como ocurre en algunas ocasiones.
• Por fin es compatible con las cartas de color más comunes del mercado, como la Colorchecker, para una correcta calibración de la cámara.
• También empieza a trabajar a fondo con las famosas máscaras de luminosidad para conseguir revelados perfectos e independientes según tratemos las sombras, los medios tonos y las luces. Incluso permiten revelar por separado según la saturación de los píxeles.
• Llama la atención la posibilidad de crear máscaras paramétricas para enfocar única y exclusivamente las zonas más nítidas de la imagen o al contrario. Así no generamos ruido innecesario...

Hay que ver lo que significa curva segmentaria cúbica

La lista de mejoras es increíble... hay más cambios en la interfaz, cambios en la importación de archivos, nuevas formas de representación como el vectorscopio, tan común en programa de vídeo y tan poco frecuente en los de fotografía...

En Xataka Foto

Cómo controlar el color en la fotografía digital (I)

Esta actualización merece una revisión profunda que haremos más adelante en Xataka Foto, porque sinceramente es una de las más potentes que hemos observado nunca en un software fotográfico.

El color está de moda. En el último año han aparecido por lo menos tres libros dedicados a este tema desde distintas perspectivas. En Xataka Foto hemos contado cómo trabajar con las armonías del color en Adobe Photoshop para conseguir resultados profesionales. En esta ocasión vamos a controlar la armonía del color sin salir de Capture One.

El color es mucho más difícil que el blanco y negro. No es fácil conseguir en una fotografía que sus tonos sean armónicos. Una imagen en color es una partitura donde todo tiene que estar sincronizado, un poema donde todo tiene que rimar.

Por este motivo, igual que controlamos la luz en el revelado a partir de la información que hemos captado, tenemos que dedicarle tiempo al color para que rime perfectamente. Hasta ahora lo hemos hecho siempre con Adobe Photoshop pero después de un tiempo trabajando he conseguido desarrollar un método propio en Capture One.

Antes de empezar

La referencia en este campo es Jesús García Flores pero he buscado un método más sencillo, menos 'científico', más basado en la intución y en la percepción que propone Tino Soriano en su libro. Porque las armonías del color deberían conseguirse en el momento justo del disparo. E igual que con la luz, el programa solo debería servir para definir lo que hemos visto, siempre y cuando sea el estilo que nos guste, claro está.

Las armonías de color es un tema apasionante. Si trabajamos con Adobe podemos hacer ajustes más salvajes pero en Capture One dependemos mucho del archivo original. No podemos hacer cambios radicales y precisamente por esto puede ser muy interesante para muchos fotógrafos.

Así que voy a escoger una fotografía y le voy a ajustar las armonías del color con la ayuda de Adobe Color para tener las referencias numéricas y Capture One.

Ajustar las armonías del color con Capture One

Antes que nada aprovechamos este artículo para anunciar que la ventana Temas de color de Adobe desaparece de todos los programas de la casa, pero la aplicación sigue activa. En el mercado encontramos muchas otras aplicaciones para las armonías del color pero yo seguiré fiel a Adobe Color.

Recomiendo, como flujo de trabajo, revelar primero la fotografía con el decálogo que tantas veces recomiendo. Luego podemos seguir trabajando por zonas para conseguir la luz que queremos. Y para el final dejaremos el trabajo del color que vamos a ver a continuación:

En Xataka Foto

Cómo manipular las luces en Photoshop con capas de curva invertidas

• Lo primero que tenemos que hacer es identificar cuál es el color principal de nuestra fotografía. En este caso creo que el rosa de la bicicleta es lo más importante (cada uno tendrá una interpretación distinta).
• Creamos una capa de ajuste llena en Capa>Añadir capa de ajuste llena y la llamamos Color.

El editor de color es fundamental para este tutorial

• Vamos al panel Color, abrimos la herramienta Editor de color avanzado y con Seleccionar corrección de color pinchamos en la bicicleta. Así conseguimos ver los valores de ese color, tanto en RGB como en HSB.
• Este último, HSB, es un modo de color que nos da los valores de Tono, Saturación y Luminosidad. Y es fundamental para poder ajustar las armonías del color en Capture One.

El trabajo en Adobe Color

Ahora vamos a nuestro navegador favorito y abrimos Adobe Color, la aplicación gratuita de Adobe para el control del color. No olvidéis los datos HSB del color seleccionado.

• En Adobe Color tenemos que hacer clic en el color base, que es el que está marcado con un triángulo. Y en la parte inferior izquierda elegir el modo de color HSB.
• Ahora solo tenemos que escribir los tres valores que hemos memorizado en ese color base. Y ahora empieza la magia.
• Si os fijáis, a la izquierda de Adobe Color, vemos todas las armonias del color: Triada, Complementarios, Análogos... Nosotros solo tenemos que ir pinchando en cada uno para ver qué colores armonizan con el principal que hemos elegido. No tenemos que buscar, simplemente marcamos la que más se acerque a los colores que tenemos en la imagen.

Adobe Color

• La fotografía se adapta perfectamente a una triada. Si queremos podemos modificar algún que otro color (porque estamos creando, no estamos haciendo ciencia). En este caso el verde que proponen lo voy a hacer menos amarillento.
• El único dato importante es el Tono (H). Así que apuntamos ese valor de todos los colores que queramos modificar.

Los últimos pasos

Y llegamos ya al punto final. Es el momento de ajustar la armonía del color a nuestro fotografía. Igual que hemos hecho con la luz toca hacerlo con el color. Vamos a verlo.

• Creamos una capa llena en Capa>Añadir capa de ajustes llena y le ponemos de nombre el valor de Tono que nos ha dado Adobe Color. Por ejemplo, para el Azul 210.
• Con la herramienta Editor de color Avanzado y Seleccionar Corrección de color pinchamos en el azul del cielo para seleccionarlo y vemos que el valor H de ese punto es 215.

La fotografía final

• Solo tenemos que jugar con el parámetro Matiz hasta lograr ese valor de 210 que nos hemos propuesto. Y listo. El azul ya está armonizado. Por supuesto podemos jugar con la Saturación y la Luminosidad hasta dar con el aspecto que estamos buscando.

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Una forma rápida de blanquear los dientes en Adobe Photoshop

Tendremos que hacer lo mismo con todos los colores que queramos ajustar. Parece largo y complicado pero es muy sencillo una vez tienes la rutina. El único problema es que si no hemos hecho nuestra fotografía pensando en las armonías del color poco podremos hacer en Capture One. Es un programa que exige fotógrafos experimentados en estas lides para lograr buenos resultados... pero qué resultados.

Es un tema recurrente que siempre sale en los foros y en las asociaciones de fotógrafos. ¿Color o blanco y negro? ¿Cuál es la clave del color? ¿Qué prefieres? No tienen mucho sentido estas preguntas, pues las dos formas de fotografiar son válidas. Lo único que hay que tener en cuenta es que debemos pensar de manera distinta, disparar, en función de lo que decidamos.

La fotografía digital corre el peligro de hacernos caer en la tentación de convertirnos en vagos. Hacer una fotografía desde un punto de vista técnico ya no es tan complejo como antes.

Disparas y la foto es perfecta, con las luces y las sombras en su sitio. Incluso podemos decidir si la queremos en color, con los tonos saturados o en un exquisito blanco y negro con un virado sepia. Y todo después de dar a tres botones.

Pero ojalá todo fuera tan fácil. En las redes encontramos muchísimos fotógrafos que marcan tendencia pero que no se mantienen en el tiempo. Todo el mundo se olvida de ellos porque aparece otro malabarista del ordenador que se vuelve viral al instante. Si tu trabajo se basa en un truco es difícil mantenerse en el candelabro (sí, me vacuno pronto).

@ferfoto.es

No es una decisión sencilla decidir hacer color o blanco y negro. No es tan solo dar un botón y listo. Es algo mucho más profundo que puede marcar tu carrera de fotógrafo o tu seria afición. Hacer blanco y negro o color no consiste en elegir lo que queda mejor o peor. No deberíamos ir por ese camino. Es mejor preguntarse qué resulta más difícil.

¿Blanco y negro o color?

En la vida hay que elegir un camino. Y ser sincero con uno mismo. No tiene sentido alardear en las redes de una forma de ser y luego hacer exactamente lo contrario. En la fotografía es igual, siempre y cuando quieras tener un estilo propio.

Si solo disparas por diversión, por estar en las coordenadas gps que indican los fotógrafos de moda y enseñar el disparo en las redes, las cosas que vamos a decir aquí no tienen sentido alguno. Depende, como siempre, de la implicación que tengas. Pero si quieres evolucionar puede que sea interesante hacerse esta pregunta: ¿Blanco y negro o color?

@ferfoto.es

A lo largo de la historia de la fotografía muchos han triunfado por su estilo en blanco y negro o por la fuerza de su color. Y unos pocos elegidos han sido capaces de hablar en ambos idiomas. Son pocos pero sus nombres están escritos con letras de oro en todos los ensayos: Carlos Pérez Siquier, Ramón Masats, Vivian Maier...

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¿Por qué muchas cámaras en los móviles es una mala idea?

Otros son los considerados maestros del color: Saul Leiter, José Manuel Navia, Tino Soriano, Cristóbal Hara, William Eggleston, Alex Webb... Y hay muchos centrados en el blanco y negro con excelentes resultados: Cartier Bresson, Sebastiao Salgado, Robert Capa...

Es verdad que todos han explorado ambos mundos. Cristóbal Hara empezó en blanco y negro y estuvo a punto de dejar la fotografía hasta que descubrió el color (una auténtica referencia); Robert Capa jugaba con el color porque en las revistas le daban más dinero por esas imágenes (pero no era bueno).

Creo que no se debe discutir qué es más difícil. La fotografía en color tiene que lidiar con una dificultad más que la fotografía en blanco y negro puede olvidar. Una persona contra un fondo rojo, por ejemplo, puede cambiar mucho con una u otra forma de mirar.

La clave de la fotografía en color

Para explicarlo vamos a acudir a una de las fotografías más importantes de William Eggleston: El techo rojo (Greenwood, Mississippi, 1973). Se puede encontrar en cualquier libro de historia de la fotografía. Es la imagen de una bombilla con un casquillo dorado, rodeado de cables. Y lo que más destaca es el fondo rojo del techo y las paredes.

Pero cuando la fotografía se reproduce sin recortar, y no es lo habitual, observamos en la esquina inferior derecha una serie de cuadros eróticos con siluetas azules, amarillas y rojas. Ahí está la clave y es cuando empiezas a entender que si disparas en color todo cambia.

@ferfoto.es

La he enseñado muchas veces en los cursos de fotografía. Y muchas veces los alumnos, al verla, dicen que no la entienden, que la borrarían si la hicieran ellos... que qué fea es... Pero es una de las obras maestras de la fotografía.

Fotografiar en color exige ver el mundo de otra forma. No tenemos que fijarnos en las formas sino en la armonía de los tonos. La imagen funciona por la relación entre los colores. Es una triada donde el rojo se apoya en el azul y el amarillo. Parece una instantánea de aficionado pero no es así. Está llena de intención creadora:

Las fotografías de William Eggleston tienen esta inquietante cualidad. A primera vista, sus imágenes parecen las fotografías de un aficionado. Pero sus 'instantáneas' tienen una consistencia que, en última instancia, no puede ser el resultado de una creación accidental. Tras una inspección más cercana, se nota que sus fotografías son el resultado de una apropiación artísticamente justificada de un lenguaje visual popular y, por lo tanto, de fácil acceso. Ocasionalmente, se ve reforzado por perspectivas poco comunes, pero generalmente se favorece un punto de vista humano probable. El resultado es paradójico: Cargado por el artista con una dimensión hasta ahora desconocida para nosotros, el mundo se presenta como familiar y extraño al mismo tiempo.

Si después de leer este artículo te detienes en las fotografías de los grandes maestros del color -y te fijas en ese trozo de coche que aparece al fondo y que tú hubieras quitado, en la mitad de una persona que parece que estropea la composición, en la molesta luz fluorescente del fondo- te darás cuenta por fin de que no están ahí por su forma sino por su color. Seguro que empiezas a apreciar mucho más la dificultad que tiene disparar en color.

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¿Por qué seguir hablando de fotografía en términos de 35mm?: Resolución y profundidad de campo en sensores de distinto tamaño

Por este sencillo motivo no podemos pensar igual en blanco y negro que en color. Hay que mirar de otra forma y enfrentarse al disparo con una filosofía distinta en la cabeza. Lo importante es la armonía de los colores, la relación que ese establece entre ellos. Y darse cuenta de que la fotografía nunca es apretar solo un botón.

Una buena fotografía puede vender un producto. Cuando no tenemos acceso a un estudio, cámara o iluminación profesional tenemos que resolver con lo que está a la mano. ¿Se puede hacer una buena foto de producto con un móvil? Eso creemos y acá os damos los consejos básicos para conseguir una foto de producto llamativa con nuestros móviles.

Sentarse a observar

La clave de la fotografía de producto está en mirar el objeto a fotografiar y ver sus propiedades. Algunas veces, lo único que hacemos para una publicación es una simple fotografía y esperar que alguien ya tenga experiencia con el producto. Pero, cuando nos detenemos, podemos ir tomando pequeños pasos para llamar más la atención sobre el sujeto.

Un antes de...

Como siempre, lo más recomendable es utilizar un trípode, pues nos ayudará a que expongamos manualmente y controlemos mejor la toma. Si no tenemos uno, siempre podemos utilizar algunos libros u otros elementos que nos ayuden a mantener el móvil de manera estable.

1- Pensando en la composición

¿Qué es lo que queremos mostrar de nuestro producto?¿su totalidad o solo un detalle?

Lo primero que debemos hacer es pensar en la escena, cómo está compuesta y con qué ángulo y distancia se ve mejor nuestro objeto. Con la resolución actual de los móviles, podemos aprovechar las imágenes de muchos MP para tener en cuenta que haremos un recorte posteriormente, por lo que no importa si dejamos un área más grande de lo común para componer la imagen en un principio.

Las rejillas de tercios nos pueden ayudar a balancear la escena.

Ordenando esto desde el comienzo nos ayudará a centrarnos en el objeto y determinar a partir de ahí lo que necesitamos para que sobresalga mucho más.

2- Pensando en el fondo

El fondo es algo muy importante, nos puede ayudar a destacar el objeto o a ponerlo en algún contexto. En un comienzo, cuando no tenemos muchos recursos, lo mejor es ayudarlo a destacar utilizando un fondo plano.

El color correcto nos ayuda a darle más vida a la escena.

Los colores neutros, como el gris, el blanco y el negro son ideales cuando solo vamos a mostrar el producto. Pero, podemos jugar con armonías de color para resaltar el mismo producto o generar una imagen más llamativa a partir del contraste de color.

3- Las propiedades del producto

Lo siguiente es mirar el producto y sus propiedades. ¿El objeto es opaco, traslúcido?¿Es muy brillante y refleja las luces o No posee brillo?

Un producto que refleja se debe pensar desde cómo iluminar con brillos.

Esto nos permite saber qué tipo de accesorios e iluminación podríamos utilizar para hacer que luzca mejor.

4- Iluminando el producto

El siguiente paso es iluminar nuestro objeto. Como hemos mostrado en ocasiones pasadas, hay muchas formas fáciles de hacer iluminación y modificadores caseros tipo ‘Hazlo tu mismo’. Así mismo, es bueno tener cartones blancos y negros para crear rebotes y recortes de luz; y papeles transparentes o cortinas de baño blancas que podamos utilizar como difusiones de luz.

Luz con difusión a la izquierda, rebote de cartón blanco a la derecha.

Luego, según las propiedades del producto que analizamos comenzaremos a diseñar la iluminación. Productos opacos con mucha textura se van a ver beneficiados con luces más puntuales que, usando iluminación lateral, destacan la textura. Los objetos con brillos se van a ver más beneficiados de fuentes amplias y largas, ya que con estas diseñamos los brillos sobre la superficie, como en este caso. Una luz difusa desde un lado y un rebote con un cartón largo pueden lograr una iluminación pareja, con brillos que le dan volumen a la lata.

Un después.

Teniendo en cuenta estos cuatro elementos podremos crear mejores fotografías de producto con nuestros móviles. Una vez hagamos nuestra toma, será mucho más sencillo editar y obtener una imagen llamativa que logre vender nuestro producto.

En Xataka Foto

Cómo aprovechar un sensor de muchos MP para obtener mejores imágenes con nuestros móviles

¿Qué otros trucos le recomendáis a la comunidad para hacer mejores fotos de producto?