La fotografía es un arte que requiere práctica, paciencia y retarse constantemente a superar los límites que enfrentamos al capturar imágenes. Con las facilidades de la tecnología, muchos fotógrafos generan una tendencia a ser ‘equipo-dependientes’. Con la fotografía móvil aparecen nuevos retos que nos permiten desarrollar una mirada distinta, incluso si usamos principalmente un sistema tradicional. Por eso, Adorama quiere mostrar cómo hacer fotos con nuestro smartphone nos puede beneficiar para ser mejores fotógrafos.

Como reporta FStoppers, el vídeo de Adorama es una coproducción con el equipo de SRL Lounge en una nueva serie de vídeos pensados para quienes quieren mejorar en el campo fotográfico. Los vídeos son en inglés, pero pueden activarse los subtítulos automáticos de Google en español.

En este episodio, Pye Jirsa de SRL Lounge nos muestra a modo de comparativa cómo el smartphone puede ser una herramienta que nos permite acercarnos a una escena fotográficamente. Este primer vídeo se enfoca en la composición, en las limitaciones y en las ventajas de un sistema portable. Dentro de esta exploración podemos ver cómo el fotógrafo se acerca a la escena, busca el encuadre y captura una foto de manera similar a como lo haría con un sistema más profesional.

¿Qué debo hacer para ser mejor fotógrafo?

Los puntos de Jirsa se enfocan en entender las propiedades del móvil y cómo usar esto a la ventaja del fotógrafo cuando se acerca a la escena. Aquí están los tres elementos principales de este acercamiento.

Entender cómo vemos

Cuando nos acercamos a una escena varía la forma en que nos acercamos dependiendo de lo que nos llama la atención, si un detalle o el general de la escena.

En este sentido, cuando queremos capturar un detalle, Jirsa recomienda entender cuál es nuestro sujeto principal y tratar de encerrarlo en un espacio neutro para que destaque más. Esto lo hace usando el teleobjetivo y aprovechando que el móvil no es tan invasivo para entrar más en la escena y conseguir el acercamiento deseado.

Por el otro lado, cuando hay una escena amplia, donde destaca el general de todo, Jirsa recomienda no tomar el acercamiento de vista tradicional, sino el caminar a los alrededores y observar si hay elementos y ángulos que nos puedan ayudar a hacer que la escena sea más dinámica. El inclinar o elevar el punto de vista también ayuda.

La profundidad de campo no tiene que ser completa o inexistente

Con los smartphones conseguir una profundidad de campo mínima en una toma general es casi imposible debido a las propiedades físicas del sensor. Sin embargo, cuando nos acercamos mucho a un sujeto, la distancia va a reducir la profundidad de campo, lo que es ideal en tomas de acercamiento y detalle. Por otro lado, cuando usamos los elementos de la escena para poder crear profundidad a través de lo que se encuentra en nuestro primer, segundo y tercer plano, podemos crear imágenes más dinámicas.

El practicar hacer capturas de este estilo con el smartphone nos puede ayudar en un sistema profesional a entender que no siempre se necesita tener el diafragma a tope, sino que podemos aprovechar y variar la profundidad de campo en otras situaciones para dar más dinámica o más textura y contexto a nuestra imagen.

Usar las herramientas de composición

Los smartphones y las cámaras profesionales cuentan con un sistema de rejillas que son una gran herramienta para organizar la escena, ver los aires, ver dónde llevar el peso visual y manejar la estructura. La idea de usar esta rejilla es poder ajustar la imagen a nuestra conveniencia para luego poder ir rompiendo esas reglas de tercios.

La composición es una forma de organizar elementos dentro de nuestras imágenes, y puede variar de muchas formas. Sin embargo, acostumbrarse a estas rejillas en un comienzo es importante para interiorizar mejor la composición y entender los balances visuales.

¿Qué más podemos hacer para mejorar?

Además de los consejos de Adorama y SLR Lounge, hay otros elementos de la fotografía móvil que también nos pueden ayudar a mejorar como fotógrafos. Estos se centran en comprender los aspectos más técnicos de los sistemas para aprovechar y romper sus límites.

Entender que son sistemas computacionales

Parte de practicar fotografía con un móvil consiste en que los resultados pasan por varios procesos computacionales que buscan mejorar la calidad de la imagen. Incluso en RAW, como es el caso al usar GCam. Estos procesos podemos usarlos a nuestra ventaja en el mundo profesional, entendiendo los procesos para aplicar o evitar acciones durante la edición de nuestras imágenes.

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Así mismo, entender qué tipos de procesos son ventajosos para un flujo de trabajo común, puede ayudarnos a utilizar herramientas basadas en algoritmos de análisis y mejora para obtener imágenes de mucha mayor calidad.

Límites por romper

Así mismo, es importante tener en cuenta los límites de cada uno de estos sistemas. La fotografía móvil tiene muchos límites en cuanto a ciencia de color y rango dinámico. Si bien hay procesos que los ayudan a superar estos límites, la mejor calidad se consigue cuando se dominan de la forma correcta para aprovechar toda la información.

Cuando nos acostumbramos a trabajar con los bajos rangos dinámicos y de color de los móviles, podemos entender mucho mejor cómo usar los límites a nuestro favor. Y, al pasar a sistemas más profesionales, podremos sacar aún más provecho del rango expandido que nos ofrecen otros sistemas.

Seguro que has oído hablar de las reglas de composición, una serie de normas más o menos establecidas que ayudan a que una fotografía tenga orden y sentido. La más popular es la de los Tercios, pero también hay otras como la regla de las probabilidades o impares que es muy útil para lograr imágenes más llamativas.

¿Qué es la regla de las probabilidades en fotografía?

Esta norma tiene la particularidad de que "aprovecha" el cerebro del espectador para ayudar a crear una composición que capte su atención debido a una particularidad bastante curiosa: nuestro cerebro tiene propensión a crear orden en lo que ve. Por ello, cuando vemos un grupo de objetos tendemos a agruparlos en pares (o grupos) de forma inconsciente; así, si nos encontramos con una serie de objetos cuyo número es impar, a nuestra mente le cuesta más agruparlos y eso hace que llamen más la atención.

Seguro que ahora entendéis porqué hablamos de regla de las probabilidades o de los impares; porque cuando en una composición hay un número impar de objetos, el espectador tarda más en examinar la imagen, ya que su vista se mueve entre los elementos individuales trantando de agruparlos. Por tanto, hacemos que el cerebro del espectador trabaje un poco más y se vea más atraído por la fotografía; es decir, logramos que nuestra imagen llame más su atención.

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Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Por tanto, el número de elementos que decidimos incluir dentro de una composición es importante y, según la regla de los impares, es aconsejable que incluyamos siempre un número impar de elementos para crear una imagen más dinámica y, por tanto, como decimos, más llamativa. Así, una imagen será más interesante si incluimos un único elemento que si hay dos, lo mismo que será mejor elegir tres que cuatro. Para verlo más claramente recurramos a un ejemplo que hemos realizado con una sencillas mandarinas:

¿Cuál os parece más atractiva? En la primera imagen el único elemento se convierte lógicamente en el protagonista indiscutible de la foto, algo que (dependiendo de otras variables) podría dar sensación de soledad... o de seguridad; en la segunda, al haber dos objetos que son (aparentemente) iguales hay equilibrio y estabilidad, lo que suele ser menos atrayente para la vista; en la tercera, con tres mandarinas, de alguna manera creamos un conflicto (¿cuál es la fruta dominante?) o damos una impresión de unidad; en cualquier caso, creamos un dinamismo visual que no hay en la anterior.

Como veis, las posibilidades son muchas, porque dependen de ciertas variables adicionales. Por ejemplo, hay que saber es que la regla de las probabilidades es aplicable hasta unos diez elementos (aproximadamente), ya que una vez sobrepasamos esa cifra nuestro cerebro ya tiende a juntan los objetos en grupos y, por tanto, no hablaríamos de elementos en solitario sino de grupos.

Por otro lado, también es muy importante la manera de situar los objetos en el encuadre, porque la composición sin duda puede afectar mucho al resultado y hacer que el espectador asocie los objetos como grupos unitarios según como los hayamos colocado.

Cómo aprovecharlo

Es evidente que esta regla es aplicable a una gran cantidad de ámbitos pero también que sus efectos son mucho más visibles en algunos de ellos como puede ser la fotografía de producto, la fotografía gastronómica o la de naturaleza. Sin embargo sus ventajas se pueden aplicar a todo tipo de situaciones simplemente eligiendo, siempre que podamos, un número impar de objetos (el tres suele considerarse como el "número mágico" que mejor funciona) para incluir en nuestras composiciones para que "descoloquen al espectador".

Y por supuesto estos elementos no tienen porqué ser iguales como en el caso de las mandarinas o los adorables cachorros de arriba, sino que podemos aplicarlo a objetos de todo tipo. Eso sí, en estos casos hay que atender a muchas otras variables que ya hemos citado más o menos: por supuesto la forma de colocarlos en la composición pero también el tamaño de los objetos y su propia naturaleza.

Podemos buscar que los objetos formen una composición agradable, eligiendo elementos que estén relacionados (como en la foto de abajo), que tengan un tamaño similar o que estén situados en la imagen de una manera armónica para lograr un resultado amable.

Foto de Dmitry Ratushny

Pero también podemos hacer que sean muy distintos. Por ejemplo como en la foto de abajo donde, sobre un fondo de margaritas blancas hemos situado una amapola roja, logrando así que este elemento se convierta en el punto focal de la foto y atrayendo inmediatamente la atención del espectador.

Otra opción es descolocar los objetos para acentuar la sensación de cierto caos que llame la atención del espectador. Por supuesto podemos aprovechar sus formas para crear líneas o figuras reconocibles por quien mira la foto, cuyo cerebro siempre está a la búsqueda de líneas y patrones. En cualquier caso, siempre es interesante que el número de objetos sea impar.

Otra variable a considerar es la propia naturaleza de los objetos ya que, cómo es lógico, nuestro cerebro tiende a agrupar objetos que sean "familiares". Así por ejemplo, si en una composición incluimos una taza, un plato y un destornillador estaremos cumpliendo la regla de los impares pero probablemente su cerebro agrupe los dos primeros como un único elemento. En cualquier caso, el resultado será llamar la atención del espectador.

Si hablamos de situaciones en las que no podemos manipular fácilmente el número de objetos de la composición, por ejemplo cuando estemos fotografiando paisajes, siempre tendremos la opción de movernos alrededor y restringir la composición a un número impar de árboles, picos de montañas, rocas, nubes, etc.

Excepciones a la regla

Por supuesto, las reglas se pueden romper, y también tienen excepciones. En este caso una de las excepciones más entendibles se aplica cuando fotografiamos a personas. El mejor ejemplo lo tenemos en la fotografía de bodas, donde evidentemente no tendría sentido introducir una tercera persona en las fotos de los novios.

Sin embargo, si la pareja tuviera un hijo se podría conseguir una buena composición que cumpla la regla de todas todas; de todos modos, en esta disciplina es importante recordar lo ya dicho: para las fotos de invitados, convite, etc siempre se puede tener en cuenta la regla pero sin olvidar lo de que, a partir de cierto número, los objetos se agrupan.

Foto de Natalya Zaritskaya

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Técnicas avanzadas de composición que quizá no conocías

Por último, es importante no obsesionarse; la regla de las probabilidades es como la regla de los tercios: hay que usarla siempre y cuando funcione para mejorar nuestra composición pero no debemos sentirnos limitados por ella si, sencillamente, tenemos un número par en una composición que funciona.

Y es que un par de zapatos siempre será un par de zapatos pero, aunque no se cumpla la regla, si la composición es atractiva la foto puede funcionar. Y a vosotros ¿qué os parece la regla de las probabilidades o impares? ¿la conocíais? ¿la tenéis en cuenta al hacer vuestras fotos?

El balance de los elementos en nuestras escenas es de suma importancia para una imagen agradable. Sin embargo, algunas veces nos centramos en cuánto más podemos meter, lo que satura nuestra composición. Por eso, a veces es necesario pensar en términos de qué eliminar.

Comenzando desde ceros

Tradicionalmente, los fotógrafos aprendemos un desglose de la composición de sujeto, fondo y complementos contextuales. Se nos dice que conseguir una imagen de esas características (y ubicando los elementos bajo alguna retícula de composición) nos da una imagen completa que cuenta una historia. Bajo este principio, muchos de nosotros nos quedamos en una búsqueda de la imagen que suple todas esas características.

Sin embargo, este estilo de búsqueda nos mantiene en la búsqueda de una lista de mercado donde vamos tachando mentalmente cada uno de esos elementos. Y, en otras ocasiones, hasta nos hace desear más y más información, pues nos permitirá contar una imagen mucho más detallada.

Pero las imágenes que capturamos no siempre tienen como propósito contar grandes historias. A veces solo necesitamos transmitir el momento: una característica llamativa, una sensación de calma, un color o una curiosidad. Y el acercamiento narrativo de escuela fotográfica empieza a ser cada vez menos efectivo para estos propósitos.

Y, para poder combatir esto es necesario un acercamiento que viene desde la perspectiva opuesta.

¿Cuánto puedo quitar para compartir la sensación en mi?

El acercamiento de la mínima información se basa en centrarse en características más que en elementos. Los componentes de la imagen aparecen al encontrar estas características. Lo que resulta en una imagen llamativa.

Podemos buscar la armonía a través de los patrones naturales. Y, en ese caso, la repetición y la textura se vuelven las guías de lo que sentimos al capturar una fotografía. En otros casos el enfoque será en un tono o en una característica que resalte al sujeto sobre los demás componentes de la imagen.

Como mencionamos en una entrada dedicada al trabajo de Hiroshi Sugimoto, los pensamientos y sentimientos detrás de la imagen son poderosos cuando los buscamos con coherencia. En su trabajo, el detener el tiempo o encapsularlo a través de la imagen es solo posible a través de capturar estos elementos desde sus características y contrastar el cómo en la fotografía se pierden.

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El mar, el tiempo y una pequeña obsesión creada por Hiroshi Sugimoto

Más que mirar dónde y cuántos elementos están en la imagen, podemos ver las características de la misma y empezar a ver qué ocurre cuando se cambia el sentido de lo que se dice con uno u otro al entender las características que lo componen. La búsqueda de quitar en vez de agregar nos puede ayudar a entender qué es lo mínimo que necesitamos mostrar para hablar a través de nuestras imágenes.

Muchísimas veces hemos hablado de la importancia de la composición en fotografía, de si es útil o no seguir la Regla de los tercios y otras normas compositivas. Pero nunca está de más insistir si de lo que se trata es de conocer algunos consejos de composición avanzada que te ayudarán a conseguir imágenes más atractivas.

Así que vamos a hablar de algunas técnicas o ejercicios que nos ayudarán a conocer formas de composición más elaboradas que nos permitan ir más allá de las reglas clásicas. Y, además, vamos a intentar proponeros un ejercicio por cada una de ellas para que sea más fácil entenderlas y llevarlas a cabo.

La yuxtaposición

Según la RAE, la yuxtaposición es la “acción y efecto de yuxtaponer” que, a su vez, significa “poner una cosa junto a otra”. Aplicado a fotografía se trata, como ya habréis adivinado, de situar objetos en la imagen que estén una al lado de la otra y, por tanto, provoquen un efecto de contraste. Éste generalmente tiene forma de contraste visual, pero también es válido que la diferencia sea temática o emocional.

Foto de Etienne Girardet

En cualquier caso, las imágenes que contienen fuertes yuxtaposiciones suelen ser muy atractivas, y requieren que el fotógrafo tenga buen ojo para localizar el contraste visual, o paciencia (y suerte) para detectar ejemplos de contraste emocional.

De cualquier manera, para lograrlo se puede intentar ir a la caza de elementos contrastantes para yuxtaponerlos en nuestras fotos. Por ejemplo podemos proponernos encontrar elementos viejos y nuevos, blancos y negros, tradicional y moderno, natural y artificial…. La clave está en ser capaz de “sacudir” al espectador con una gran diferencia entre ambos elementos.

Las capas

Se trata de una técnica muy efectiva para dar profundidad visual a una imagen. En su forma más simple, simplemente permite crear una diferencia visual entre las partes de una escena (primer plano, plano intermedio y fondo, por ejemplo) para que se produzca la sensación de profundidad, algo que variará bastante dependiendo de la focal utilizada.

Foto de asoggetti

Muy usada en fotografía de paisaje, encontrar una escena donde se pueda aplicar es relativamente sencillo si se tiene buen ojo. Por eso, nuestra recomendación para practicarlo es intentar localizar una toma en la que haya entre cinco y siete capas distintas (al menos).

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Spot color

Añadir un elemento de color que resulte muy llamativo es una técnica muy efectiva para dirigir la mirada del espectador a ese punto. Normalmente se elige una escena en la que no haya excesivo color (o éste sea muy uniforme) salvo esa cosa destacada que, preferentemente, debe ser de un tono muy vivo o que destaque mucho respecto a lo demás.

Foto de Samuel Myles

Por supuesto no hablamos de las típicas fotos en las que se ha virado toda la fotografía a blanco y negro excepto un foco de color (una de esas “técnicas controvertidas”), sino de hacer algo que resulte natural, razón por la que no resulta fácil lograr una foto de este estilo. Si lo vemos imposible, siempre se puede forzar eligiendo algún objeto llamativo y colocándolo en un entorno en el que contraste fuertemente.

Enmarcados

Otro elemento compositivo muy eficaz para dirigir la mirada del espectador de una foto es enmarcar una parte de ésta con algún elemento, aunque también sirve para sugerir profundidad, contextualizar la imagen o ayudar a organizar sus elementos.

Foto de Farrel Nobel

El ejercicio que os proponemos para conseguir desarrollar esta técnica es tan sencillo (y tan complicado) como salir a la calle y estar muy atentos para localizar cualquier elemento que pueda convertirse en un marco atractivo. A partir de ahí, buscaremos cómo incluir elementos interesantes dentro del marco, como pueden ser personas que pasen por ahí.

Los reflejos

Quizá nunca hayas pensado en los reflejos como un técnica compositiva pero realmente puede serlo si se utilizan como algo más que una especie de apoyo simplemente para rellenar el primer plano. Muy al contrario, si sabemos sacarles partido pueden convertirse en una forma de que la fotografía cobre un sentido muy distinto al habitual si tratamos el reflejo como una parte de la imagen de vital importancia.

Foto de Rainier Ridao

Que se lo digan a Guido Gutiérrez que ha hecho de los reflejos una forma de fotografiar al conceder a ambos planos la misma importancia. ¿Cómo llevarlo a cabo? Fácil, busca reflejos y dales tanta importancia como el resto de la foto. Si es invierno los encontrarás fácilmente en exteriores cuando llueva en forma de charcos, si es verano en lugares con agua (ríos, lagos…). Acuérdate también de las superficies reflejantes como los espejos o los cristales, tanto en exteriores como interiores.

El punto de fuga

Como ya sabrás, se trata de una técnica que a través de la perspectiva permite crear una gran sensación de profundidad y, de paso, dirigir la mirada del espectador. En este artículo ya hablamos en profundidad de cómo se trata de buscar un punto imaginario al cual parezcan converger dos o más líneas para dar impresión de tridimensionalidad.

Foto de Harry Cunningham

Es bastante fácil de localizar y sacarle partido, así que para ponerlo un poco más difícil os proponemos que busquéis puntos de fuga en lugares donde no son tan evidentes. Ya sabéis, nada de pasillos del Metro o vías de tren; tratad de ponerlo en práctica en lugares más reducidos, donde las líneas no sean tan evidentes y haya que escurrirse un poco el cerebro.

La Proporción Áurea

Hemos dejado para el final la que quizá sea la técnica más compleja de todas las que hemos hablado, la proporción o sección áurea. Es similar a la Regla de los Tercios (de hecho se considera que aquella es una simplificación de ésta), ya que se basa en utilizar la Espiral de Fibonacci (que surge de una secuencia matemática) que marca donde situar los elementos importantes de la foto.

El caso es que, para aplicarla, hay que imaginar esas formas y utilizarlas para delimitar las partes importantes de la foto. Evidentemente, no es algo fácil de aplicar, pero el dibujo seguro que os será más fácil de recordar si pensáis en la forma de una caracola marina.

Foto de Maxime Lebrun

Foto de portada | Simon Matzinger

Por su propio significado, podemos pensar que el espacio negativo, o espacio en blanco, es algo vacío de contenido y, por tanto, prescindible. Sin embargo, su uso está muy extendido en muchas artes (por supuesto la fotografía) porque bien utilizado ayuda a enfatizar el tema de una imagen y puede darle una potencia visual difícil de conseguir de otro modo.

Por este motivo, el espacio negativo es una de las claves fundamentales en fotografía minimalista, y es muy útil en disciplinas como la fotografía de producto, la foto arquitectónica o la street photography; de hecho, podemos decir sin miedo a equivocarnos que es algo de lo que se puede sacar provecho prácticamente en cualquier ámbito fotográfico.

Foto de averie woodard

Hace bastantes años ya os dimos algunas directrices y dejamos claro que “ausencia de contenido no tiene porqué significar ausencia de interés”. Y ahora vamos a retomar este interesante tema empezando por repasar el concepto y siguiendo por ofrecer algunos consejos prácticos para aprovecharlo.

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¿Qué es espacio negativo y qué positivo?

Según la RAE, una de las acepciones de ‘negativo’ es “que implica la ausencia o inexistencia de algo” y uno de los usos de ‘blanco’ significa “que no lleva nada escrito o impreso”. Así, podemos decir que el espacio negativo o en blanco de una foto es todo aquel que no incluye información relevante, el que queda entre los diferentes elementos de una composición.

Por contraposición, el espacio positivo es el área de la foto que contiene información importante de la composición. Así, esta zona (o zonas) es la que atrae primero la atención del espectador en una foto, al ofrecerle elementos con algún contenido.

Por eso, aunque podemos asimilarlo con el fondo (un elemento que tiene su importancia en fotografía), en este caso hablaríamos de uno sin apenas información, o con un contenido neutro o redundante.

Y es que hay que dejar claro que el espacio negativo no significa que esté completamente vacío, sino que es un área que se ha dejado sin apenas información con unos fines concretos, para evitar atraer la atención sobre él y, por contra, definir, delimitar y/o potenciar el espacio positivo.

Foto de Joanna Kosinska

Por tanto, es muy efectivo para hacer que la mirada del espectador se dirija rápidamente hacia el elemento principal de una composición. Pero además, su eficacia está muy relacionada con el hecho de que podemos obtener una fuerte asociación entre el espacio negativo y las emociones. Así, un espacio en blanco puede evocar una sensación de calma, misterio, melancolía y/o asombro.

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¿Cómo sacarle provecho?

Lo primero es tener claro lo que ya hemos dicho, que no es para nada un espacio en blanco y, por tanto, tiene su importancia en la composición. Eso sí, aunque es útil echar mano de las normas básicas de composición y conocer sus principios, aquí las reglas tienen un papel secundario y lo que prima es la imaginación del autor.

Foto de Pierre Châtel-Innocenti

Sin embargo, hay algunas cosas que debemos considerar a la hora de utilizar el espacio negativo en fotografía de la forma más aprovechable que sea posible:

Menos es más

Es una de las máximas de la fotografía minimalista, donde prima eliminar todo lo superfluo y usar los elementos básicos de diseño (línea, forma, color, textura…) en su forma más simple. Con ello se consigue que los elementos principales de la imagen (lo que sería el espacio positivo) cobren una gran potencia visual por contraposición al “vacío” que ofrece el espacio negativo.

Por eso, para ponerlo en práctica debemos buscas composiciones con elementos mínimos, donde el espacio en blanco ocupe una parte importante del encuadre. Por ejemplo, podemos utilizar una “regla” que dice que es útil incluir el doble de espacio negativo que espacio positivo en una composición, aunque esto sólo sería un principio que dependerá mucho de la toma en concreto.

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Ojo a la posición

Un aspecto clave al utilizar espacio negativo es dónde situarlo concretamente, porque esto determina el impacto visual que finalmente tendrá la foto. Por ejemplo, si pensamos en una imagen con un único elemento protagonista podríamos optar por situarlo justo en el centro y rodearlo de espacio vacío.

Foto de Josh Calabrese

El resultado, evidentemente, es que potenciaremos el objeto, incluso puede que le demos un aire abstracto a la imagen, pero no necesariamente estaremos añadiendo atractivo; al menos no más allá del interés que pueda tener el elemento en sí para el espectador. Por eso, es bastante más recomendable situar ese elemento principal a la derecha, izquierda, arriba o abajo (dependiendo del tamaño), con lo cual al mismo tiempo estaremos creando un área continua de espacio negativo de cierta importancia.

Si el objeto es pequeño es bastante interesante echar mano de la siempre útil regla de los tercios para situar el elemento en alguno de los puntos que forman sus líneas imaginarias. Esto significará utilizar las esquinas de la composición, lo que con frecuencia nos proporcionará un buen resultado.

Foto de Laura Connesson

De cualquier manera, vamos a ver qué conseguiremos (en general) dependiendo de dónde situemos el espacio negativo. Si éste se sitúa mayoritariamente en la parte baja de la foto, normalmente estaremos aportando una sensación de ligereza, sugiriendo que el elemento principal de la foto flota en ella.

Si, por el contrario, lo situamos arriba, aportaremos una sensación de pesadez al objeto; aunque todo depende de éste, ya que también podemos sugerir que algo sucede hacia arriba, y que nuestro protagonista principal quiere (o puede) escapar del cuadro.

Foto de Osman Rana

Esa misma sensación podemos conseguir si el espacio en blanco se sitúa delante del sujeto principal, es decir en la dirección hacia la que éste mira o se mueve. Esto, como ya habréis adivinado, está íntimamente relacionado con las reglas de dirección y movimiento y la ley de la mirada, que dicen que siempre debemos dejar más espacio en la dirección hacia la que el sujeto mira o se dirige.

Si decidimos cumplirla, normalmente conseguiremos dar la impresión de que la escena se desarrolla de forma natural y progresiva y que el sujeto “respira”. Pero si preferimos no hacerlo, y situar el espacio negativo por detrás del sujeto, crearemos una composición mucho más chocante y llamativa.

Así, podremos dar sensación de agobio, de que el elemento principal choca con el marco de la foto y se encuentra atrapado. Esto se debe a que, de forma natural, nuestro ojo tiene a mirar hacia donde va el sujeto, con lo que en este caso estaremos poniendo cortapisas a la mirada del espectador y “atrapándole”.

Y si hablamos de un objeto inanimado, situar el espacio negativo a la derecha o izquierda también tiene su influencia, aunque sea algo menor. En estos casos, lo más importante es recordar que miramos de izquierda a derecha, con lo cual lo situado a la derecha tiende a tener mayor peso visual. ¿Significa esto que siempre debemos colocar el espacio negativo a la izquierda? En absoluto, todo dependerá de nuestra intención.

Si queremos crear una imagen “natural”, y dar el mayor protagonismo al elemento principal de la foto, sí sería una buena estrategia. Si queremos conseguir una foto que llame la atención, es posible que sea más efectivo disponerlo justo al revés. Como decíamos, la creatividad juega un papel clave, así que todo es cuestión de probar.

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Texturas y colores

Estamos diciendo que el espacio negativo no está completamente vacío pero, entonces, ¿con qué lo llenamos? Recordemos que lo ideal en una composición de este tipo es utilizar la menor cantidad de objetos para la composición, por lo que el espacio en blanco debe estar acorde a esta idea.

Sin embargo, cuando decimos vacío nos referimos básicamente a vacío de elementos, pero sí que podemos rellenarlo con distintos elementos como texturas y color. Este en concreto es muy efectivo para utilizar en el espacio negativo que, ahora sí, queda claro que no tiene que ser blanco.

De hecho un color intenso es una muy buena idea para obtener una imagen llamativa. Eso sí, es preferible que sea un color sólido y que su tonalidad esté en consonancia con la parte “positiva” de la foto. En este sentido, lo ideal es utilizar un color que sea complementario al predominante en el elemento principal, o al menos que contraste porque, como es fácil de entender, no conseguiremos el mismo efecto si usamos un tono u otro, o un color muy oscuro que uno claro.

Foto de Boris Thaser

En cuanto a las texturas, podemos emplear casi cualquier cosa, pero siempre pensando en que su apariencia sea suave, sin restar demasiado protagonismo al elemento principal de la foto. También es útil utilizar patrones, pero también procurando que no sean muy llamativos (cuanto más repetitivos mejor).

Profundidad de campo y clave alta/baja

Cuando no podemos tener un fondo prácticamente plano, es decir vacío de elementos y sólo relleno por algún color o textura, tenemos que recurrir a otras estrategias como puede ser desenfocar el fondo o utilizar la técnica de clave alta o baja. Lo primero podríamos hacerlo con Adobe PhotoShop en la edición, pero lo ideal es hacerlo in situ recurriendo a limitar la profundidad de campo.

Foto de Anatoly S

De esto ya os hemos hablado en muchas ocasiones pero recordamos que se consigue siguiendo estos pasos: colocar al sujeto principal lo más alejado posible del fondo, acercar la cámara a él lo máximo posible con la mayor distancia focal que podemos y abrir el diafragma al máximo (lo ideal es contar con un objetivo luminoso que ofrezca un buen bokeh). Si lo hacemos bien y logramos un fondo suave tendremos un atractivo espacio negativo incluso aunque detrás haya un área llena de elementos.

En cuanto a la clave baja y clave alta, se trata de dos técnicas que también pueden resultar muy efectivas y en las que el espacio negativo suele cobrar mucha importancia. También se pueden lograr en la edición posterior, aunque es más efectivo realizarlas en estudio utilizando iluminación artificial, motivo por el que es una técnica más complicada de llevar a cabo.

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Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Y con esto hemos acabado de contar cómo sacar partido del espacio negativo en fotografía, así que ahora sólo queda animaros a salir y explorar sus posibilidades. Podéis empezar probando a crear composiciones realizadas en casa con un objeto que nos guste sobre una superficie plana, y quizá más tarde buscar inspiración en la calle y/o la naturaleza.

Foto de Óscar Condés

No es una disciplina fácil, y puede que al principio no obtengamos resultados inmediatos, pero si somos capaces de mirar de manera diferente, y saltarnos las reglas, podemos lograr tomas únicas y muy llamativas.

Foto de portada | Rodion Kutsaev

Al contrario que un pintor, que puede tomar directamente de la paleta los colores que quiere aplicar en su lienzo, el fotógrafo tiene el desafío de localizar los distintos tonos dentro de una escena que, normalmente, ya estará dispuesta. Así, puede que distraídos pensando la velocidad de obturación, el diafragma, la profundidad de campo, la sensibilidad, la luz de la escena y todos los demás detalles técnicos, se nos olvide que también hay que tener cuidado con cómo usamos el color.

Circúlo cromático RGB. Imagen de Wikipedia

Y es que, con un buen uso de los distintas longitudes de onda de la luz, podemos conseguir que nuestras imágenes tengan un mayor nivel de sofisticación. Por eso, al componer debemos tenerlo en cuenta como un elemento más que puede aportar mucho. Sobre todo dirigiendo la mirada del espectador hacia lo que nos interesa, pero también aportando a la fotografía un determinado estado de ánimo. Vamos a ver algunos ejemplos de cómo utilizar el color para conseguir una composición llamativa.

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Color en su mínima expresión

Una de las posibilidades más básicas, muy útil para dirigir la vista hacia algún elemento, es buscar una escena en la que haya una monocromía general y algún elemento de color que sobresalga. Esto, evidentemente, hace que ese objeto o persona llame la atención especialmente y se destaque del resto.

Foto de Gaelle Marcel

Sería lo mismo que se persigue con esas típicas fotos donde, gracias al retoque, viramos la imagen a blanco y negro y dejamos un único elemento de color brillante (¿quién no ha hecho alguna foto así?), pero lo ideal es realizarlo de una forma natural. Para ello, será necesario buscar encuadres con escasez de color y “meter” algo que sobresalga por sus tonalidades, a ser posible procurando que sea de la forma más realista posible.

Añadiendo tridimensionalidad

Una posibilidad similar a la anterior, y que también es una de las técnicas más básicas para destacar un elemento, la tenemos en elegir un motivo con un color destacado y apoyar esta idea con un fondo apagado (tanto en color como en luminosidad). Esto no sólo ayuda a que destaque el sujeto principal sino que también ayuda a lograr una cierta profundidad en la imagen.

Foto de Rommanas Kongmeng

Para conseguir este efecto resulta bastante útil medir la luz en el elemento principal y subexponer un poco (por ejemplo medio paso) de manera que el fondo quede aún más oscuro y resalte más el contraste entre las dos zonas de la imagen.

Jugando con los tonos

Como sabéis (y si no para eso está nuestro Curso de Fotografía), los colores suelen representarse en gráficos o círculos donde se agrupan las distintas tonalidades y saturaciones por similitud. También que existen colores contrarios y otros que, no siendo de la misma “familia”, son complementarios.

Foto de kazuend

Pues bien, nosotros como fotógrafos podemos jugar con los distintos colores de formas muy variadas, por ejemplo integrando en nuestro encuadre dos tonos totalmente opuestos (por ejemplo uno frío y otro caliente como en la imagen superior). El resultado de esto, como es fácil suponer, es un elevado contraste en la imagen que, inevitablemente, llamará la atención del espectador y hará que ambas zonas de la imagen estén muy claramente diferenciadas.

Otra posibilidad, que también permite conseguir un buen contraste pero esta vez de una forma más “armoniosa” y no tan “cortante”, es utilizar dos colores complementarios. Por ejemplo el verde y el magenta o el azul y el amarillo, tonos que residen en los lados opuestos de la rueda de colores pero se pueden usar juntos con resultados sobresalientes.

Foto de Gabriele Diwald

En el ejemplo de arriba, gracias al azul es posible crear un ambiente tranquilo al tiempo que, con el amarillo, añadimos dinamismo. El resultado permite obtener un importante contraste en la imagen pero manteniendo un interesante equilibrio entre los elementos.

Foto de Jeremy Cai

Una tercera vía, contraria a las anteriores, es utilizar gamas de colores análogos o adyacentes. Colores que están cercanos en el círculo cromático y que utilizados conjuntamente permiten tener una imagen armoniosa. Por ejemplo rojos, naranjas y amarillos, o verdes, azules y morados. Esta uniformidad cromática ayuda a aportar tranquilidad a nuestras fotografías, ya que el contraste resulta mucho menor.

Jugando con los estados de ánimo

Al hilo de lo anterior, queda claro que jugar con los colores es una de las posibilidades que tenemos para aportar sensaciones en una imagen. Para ello podemos jugar con los tonos, como en el caso anterior, pero también con la saturación (lo que sería la intensidad del color) otro elemento importante en este ámbito.

Foto de Anthony Cantin

Así, eligiendo escenas con colores apagados, como la foto de arriba, daremos una sensación de tranquilidad, justo lo contrario que si elegimos colores muy brillantes que aportarán dinamismo a la escena. Hay millones de posibilidades que debemos manejar con pericia y cuidado.

La importancia de la luz

A estas alturas no habría que decir lo crucial que es la luz de la escena cuando queremos jugar con los colores en la composición. Al fin y al cabo el color no es más que una sensación que produce en nuestra retina la luz reflejada en los objetos. Por eso, a la hora de manejar el color en las fotos hay que tener mucho cuidado con la luz de la escena, su intensidad y, muy especialmente su orientación.

Foto de Markus Spiske

Por ejemplo, de todas las direcciones de las que puede provenir la luz, hay una muy interesante para enfatizar el color: Cuando los objetos son iluminados por detrás. Esto aporta una gran brillantez al elemento y un fuerte contraste, siempre que no incluyamos la fuente de luz en el encuadre (ya que eso seguramente tendría el efecto contrario).

El color y las siluetas

Como ya sabrás, hay unas horas “mágicas” en la que el cielo ofrece un espléndido despliegue de colores. Hablamos del amanecer y el atardecer, momentos en los que podemos aprovechar las tonalidades de color que puede tener el cielo para conseguir resultados muy llamativos e interesantes.

Foto de Stefan Kunze

En este artículo ya os hablamos de trucos y consejos para captarlos correctamente, pero os recordamos que lo fundamental es medir la luz en el cielo y exponer para esta zona. Por otro lado, si se da el caso de tener un sujeto principal en la foto, lo mejor será que aparezca como una silueta para conservar toda la gama tonal del cielo y evitar que éste se vuelva pálido o aparezca lavado.

Foto de Toa Heftiba

Y con esto hemos acabado esperando, como siempre, que el artículo os sea útil para conseguir que el color juegue un nuevo y destacado papel en vuestras fotografías.

Foto de portada | Robert Katzki

Experimentar con estilos fotográficos ajenos a nuestro enfoque es una llamativa forma de adquirir elementos para nuestro estilo fotográfico. Una especialidad que tiene un interesante flujo de trabajo y mucho que aprender es la fotocomposición. Esa fue nuestra exploración del mes y esto lo que aprendimos con ella.

Capa capa capa

En el pasado hemos hablado de lo que podemos aprender practicando crear estilos de color; los flujos de trabajo que se adquieren con la fotografía de producto y la visión de composición y balance a la que uno se enfrenta al trabajar con fotografía de alimentos. Cada estilo fotográfico nos enseña nuevos elementos técnicos y de prácticas (y la fotocomposición no se queda corta).

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Antojos fotográficos: Experimentando con la fotografía de alimentos

Probablemente lo más llamativo de esta especialidad de la fotografía es sentarse e imaginar qué vamos a ver. Es un buen acercamiento dentro de un flujo de trabajo para planear nuestras tomas: saber cómo será nuestro espacio, qué iluminación tendrá nuestro sujeto, qué elementos complementan la imagen y qué estilo de color podemos generar para darle un espacio único. En el proceso de experimentar uno de los ejercicios realizados fue buscar fotografías viejas y pensar si podría hacer algo con ellas.

El siguiente punto de aprendizaje fue enfrentarse ante los distintos retos técnicos que cuentan nuestras imágenes. En esta exploración, por ejemplo, uno de ellos era integrar el personaje con el fondo. Debido a que la modelo tiene un vestido con transparencias y elementos que interfieren con la pantalla verde sobre la que fué capturada, eliminar el fondo y conservar transparencias era uno de los elementos a pensar en cómo solucionar. Esto nos lleva a experimentar mucho con las técnicas y herramientas de edición.

El proceso de separación e integración también nos enseña a ser muy pacientes. Podemos durar horas haciendo selecciones, eliminando objetos, haciendo máscaras especiales, explorando tipos de fusión de capas y modificando la iluminación de un elemento para que encaje dentro de la escena.

En este proceso podemos practicar elementos que hemos aprendido, como crear uniformidad entre niveles de luminancia y tonos, perfeccionar técnicas usando herramientas de selección y aprovechando el potencial de las capas de ajuste a distintos niveles.

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¿Qué son y cómo controlar los puntos de blanco y negro en nuestras imágenes?

Otro elemento importante que se aprende en este estilo de fotografía es la organización de nuestro proceso en Photoshop. Comenzar a separar elementos en grupos, nombrar las capas para saber qué ajustes debemos realizar y en dónde. Es una práctica que no tenemos quienes no trabajamos en Photoshop para más que una limpieza o correcciones que no tienen más de cuatro capas. Pero es importante tener estas prácticas para cuando trabajamos con procesos de edición y corrección más complejos (como en fotografía de producto).

El resultado de practicar con este estilo fotográfico es un gran aprendizaje a nivel de planeación y organización para lograr nuestras imágenes. Si bien no es necesario que seamos expertos creando mundos y situaciones fantásticas, es un ejercicio que nos ayuda a comprender mejor nuestras escenas y a contemplar con más detalle lo que hay en ellas.

Como siempre, la práctica nos ayuda a mejorar y adquirir velocidad. Quienes trabajáis en fotocomposiciones, ¿qué consejos le dais a la comunidad para explorar a fondo la fotocomposición?

Hablamos de ella con bastante frecuencia, y del mismo modo que decimos que la Regla de los Tercios es un recurso muy útil para conseguir una mejor composición (sobre todo en el caso de los novatos), casi siempre añadimos también que no es para nada una norma que haya que seguir a rajatabla. Por eso, solemos recomendar romperla pero ¿cuándo es aceptable hacerlo?

Como sabréis, esta regla consiste en dividir la imagen en nueve zonas a través de cuatro líneas imaginarias que se cruzan en el mismo número de puntos. Lugares en los que se recomienda situar los elementos de interés de la foto, al mismo tiempo que las líneas se usan como referencia para las que puedan aparecer en el cuadro (por ejemplo el horizonte).

Todo esto se hace con el fin de obtener una composición más equilibrada y dirigir la mirada del espectador hacia los puntos clave. Además, uno de sus principios básicos es ayudar a los fotógrafos menos experimentados a evitar ciertos errores muy usuales. Por ejemplo el de situar siempre al protagonista de una foto justo en el centro. Otro el de situar la línea del horizonte justo en la parte central de la imagen.

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Aplicar la regla de los tercios es una manera sencilla y efectiva de evitar estos errores y obtener resultados mejores, pero ¿significa que siempre se debe evitar el centro como lugar para situar el punto de interés o como eje del horizonte en una toma para que ésta sea atractiva?

La respuesta a esta pregunta, como ya habréis adivinado, es que no, que no siempre se debe huir del centro ni para situar el elemento de mayor peso visual ni como referencia del horizonte… Entonces ¿cuándo se puede romper la regla de los tercios? Esta tiene una respuesta más complicada y, al tiempo, más sencilla: Siempre que se considere oportuno.

Pero ¿cómo saber que es oportuno? La respuesta la encontraremos fundamentalmente en la práctica y la experiencia, que son la mejor receta para avanzar. Es decir, con el tiempo y la constancia veremos como nuestras fotos mejoran, cómo asimilamos los conceptos compositivos y los volcamos en nuestras fotos y cómo, con ello, vamos arrinconando la regla de los tercios como una simple norma a la que recurrir en determinados casos.

Claro que una pequeña ayuda en forma de ejemplos siempre viene bien, y eso es justo lo que nos hemos propuesto hacer con este artículo en el que vamos a mostrar ejemplos de composiciones que rompen la regla de los tercios y, sin embargo, funcionan adecuadamente (ojo, tampoco es que sean “fotones”).

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Centrar la imagen a veces no es mala idea

La primera de las situaciones que hemos mencionado, elegir el centro como punto principal, es casi con toda seguridad, la más recurrente. Pero, como decíamos, esto no tiene que significar que no se pueda conseguir un resultado armonioso como nos proponemos demostrar.

Empezando por, sin duda, uno de los ejemplos más claros que encontramos en el campo del retrato fotográfico. Al fin y al cabo, si lo que queremos es atraer la atención del espectador sobre un elemento claramente protagonista, y evitar despistes a otros elementos, lo más rápido y efectivo es situarlo directamente en el centro como en el ejemplo de arriba (un retrato “clásico”).

Esto funciona también en escenarios con bastantes elementos que pueden distraer la mirada del espectador. En estas situaciones, elegir un elemento en concreto y darle importancia, haciendo que lleve el mayor peso visual, es una manera de lograr que el observador tenga un punto principal en el que fijar su mirada. En el ejemplo de abajo lo potencié además con un cierto desenfoque del fondo.

Por el contrario, si queremos hacer una toma en la que no haya elemento alguno que distraiga la atención, podemos recurrir a los planos detalle. En este tipo de tomas suele ser difícil aplicar la regla de los tercios, y generalmente funciona bien una composición central como la de abajo.

Hay muchísimas situaciones en las que situar el elemento principal en el centro de la imagen puede ser una buena idea. Así que os pongo algunos ejemplos más de fotos en las que seguramente haber aplicado la regla de los tercios creo que no las hubiera mejorado en absoluto:

¿Por qué no centrar el horizonte?

En ciertas disciplinas, como la fotografía de paisaje, se suele aplicar una máxima que dice que nunca hay que situar la línea del horizonte en el centro de la imagen. En su lugar, lo mejor es usar una de las horizontales que resultan de la regla de los tercios, decidiendo que suelo o bien cobren protagonismo sobre la otra parte.

Sin embargo, como ya hemos adelantado, esto es una norma que no debe tomarse de forma estricta y se puede romper siempre que lo consideremos oportuno. Por ejemplo como en el paisaje crepuscular de arriba, donde lo que trataba era de que la foto tuviera simetría entre ambas zonas, de manera que obtuviese una especie de efecto espejo.

Claro que también se puede hacer con dos partes claramente diferenciadas, como en la imagen de abajo donde consideré que la composición estaría más equilibrada si repartía ambas zonas de forma igualitaria para conseguir equilibrio de acuerdo a los elementos de la escena.

Buscando la simetría

Los ejemplos del apartado anterior ya utilizan de cierta manera este mismo principio, el de componer una imagen basándonos en la simetría. Esto no significa otra cosa que buscar el máximo equilibrio intentando que haya dos zonas en la imagen que sean prácticamente iguales y tengan un peso visual equivalente.

Es el caso de la foto de arriba, donde centré la composición en busca del mayor equilibrio, o de la de abajo, donde busqué el momento de captar los trenes de manera que ambos lados fueran simétricos y potencié el interés de la imagen con un sujeto situado en el centro. Este recurso, utilizar la simetría para dirigir la mirada a un elemento situado en el centro, suele funcionar muy bien.

Claro que lo contrario, buscar la asimetría, también puede dar buen resultado. Es el caso de la siguiente imagen, de estilo minimalista, en donde justo lo que pretendía era dar interés a la foto contraponiendo dos zonas del mismo tamaño pero con un contenido muy diferente.

Como en el epígrafe anterior, hay muchas posibilidades de sacar partido a la simetría y obviar el uso de la regla de los tercios así que os pongo algunas imágenes más a continuación. La primera un curioso ejemplo de simetría: En el neoyorkino barrio de Brooklyn hay un lugar desde donde se puede ver, a lo lejos pero justo debajo del puente de Manhattan, el famoso Empire State Building (si os suena es porque aparecía en el cartel del clásico cinematográfico Érase una vez en América).

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Otras situaciones

Como venimos diciendo, hay muchas escenas en las que se puede obviar la regla de los tercios, y una de ellas es claramente cuando lo que se busca es una imagen cuya composición llame la atención del espectador. Es el caso de la foto de abajo, donde busqué vaciar una parte de la imagen para potenciar la otra lo que, al mismo tiempo, me permitía situar al protagonista en el centro (y compensar así su reducido tamaño).

También podría ser el caso de composiciones minimalistas, donde la escasez de elementos puede hacer conveniente recurrir a situar lo más importante directamente en el centro como en la foto de abajo (aunque en otras situaciones la regla de los tercios puede ser muy útil, todo depende).

También en el caso de fotos más o menos improvisadas, como en la fotografía callejera donde muchas veces se toman imágenes sin encuadrar de forma premeditada, como en el ejemplo que sigue.

O de este otro, la foto de abajo, en donde, de forma inesperada, experimentando con la profundidad de campo y un encuadre bastante radical (a ras de suelo) obtuve una toma espontánea (que me gusta bastante) gracias al niño que corría arrastrando su camión por un parque.

Por último, no podemos dejar de mencionar la influencia de Instragram, una red social que, nos guste más o menos, se ha convertido en una referencia para los fotógrafos y su formato cuadrado en una tendencia. Y, como podéis comprender, en este formato aplicar la regla de los tercios resulta más complicado (y también absurdo), con lo que se tiende a las composiciones centradas.

Como habéis visto, la regla de los tercios es de fácil aplicación y muy útil en muchas situaciones, pero desde luego no es una regla perfecta ni aplicable en todas las tomas. Como norma general, podemos romperla siempre que pensemos que el resultado va a ser mejor, como en las situaciones que os hemos mostrado. Eso sí, gracias a las ventajas de la fotografía digital también podemos probar ambas opciones y luego comparar ¿No os parece?

Fotografías de Oscar Condés

Aprovechar la regla de los tercios, usar puntos de fuga o desenfocar el fondo son formas más o menos convencionales de dirigir la mirada del espectador de las que ya hemos hablado en otras ocasiones. Sin embargo, si lo que queremos es una forma de destacar a un sujeto en concreto y hacerlo de forma creativa hay que echar mano de otro tipo de recursos.

Se trata de aprender a enfatizar la presencia del sujeto principal al que queremos dar el mayor protagonismo y eliminar posibles distracciones. Y se trata de hacerlo de una forma diferente para que el resultado sea creativo y se aleje de las imágenes más convencionales, como puede ser sencillamente abrir diafragma para que el fondo de la imagen pierda nitidez. No es que esta opción sea mala, simplemente es buena idea conocer otras posibilidades como las que vamos a contar a continuación:

Foto de Ricardo Gómez Ángel

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Aprovechar el contraluz

Incluir el sol en nuestras fotografías es una que opción tiene sus inconvenientes pero también sus ventajas si se hace adecuadamente. Una de ellas es la posibilidad de aislar a un sujeto y llamar la atención sobre él.

Foto de Leah Kelley

Se trata de aprovechar el contraluz para que los rayos de sol hagan que todo (o buena parte de) lo que rodea al protagonista aparezca sobreexpuesto, lavado o con un contraste reducido. Por supuesto hay que tener cuidado que esto no afecte demasiado al sujeto principal, ya que si nos pasamos probablemente acabaremos con una foto fallida. El truco está en tener cuidado con la cantidad de luz que dejamos entrar en el cuadro.

Por eso que es importante que el sol no sobresalga demasiado por detrás de la figura, porque incluso una diferencia de un milímetro puede cambiar drásticamente el efecto, y probar haciendo varias tomas para poder escoger posteriormente.

También hay que tener en cuenta que el mejor momento para hacer este tipo de fotos es durante los atardeceres/amaneceres ya que, como es lógico, la potencia del sol es menor, y que es recomendable subexponer ligeramente para conservar detalles en las zonas más cercanas a los rayos del sol.

Foto de Julia Caesar

Utilizar rayos de luz

La segunda forma de aislar creativamente a un sujeto en una foto también está relacionada con la luz pero en este caso de forma más selectiva. Se trata de aprovechar rayos de luz más o menos aislados para centrar la atención en los sujetos y destacarlos sobre el resto de la composición.

Foto de Brooke Cagle

Este efecto podría ser similar al que conseguiríamos usando un flash, pero en este caso hablamos de aprovechar la luz que podamos encontrar de forma “natural”. Por eso, las ciudades son un buen escenario, tanto por las noches, donde podemos encontrar muchas fuentes de luz artificial distintas (incluyendo cosas como las luces de los escaparates o las pantallas de los móviles), como durante el día en que los rayos del sol pueden incidir entre los edificios.

Sea como fuere, situar al elemento a destacar en esas franjas de luz es una posibilidad muy efectiva, entre otras cosas porque la diferencia lumínica muy probablemente hará que todas las zonas fuera del área más iluminada queden muy atenuadas y el sujeto principal se enfatice claramente.

Foto de Darius Bashar

Usar el movimiento

La posibilidad de jugar con el movimiento que ofrece la fotografía es algo que tiene mucho de magia, y también ofrece la opción de aislar sujetos. De hecho, si hay algo que permanece inmóvil en una imagen mientras todo lo demás se mueve, el efecto puede ser inigualable.

Foto de Roman Koester

Lo cierto es que las posibilidades son casi infinitas, pero básicamente hablamos de utilizar una velocidad de obturación lenta para que en la imagen prevalezca el desenfoque de movimiento excepto en el sujeto principal. Esto se puede hacer básicamente de dos formas; la primera acompañando el movimiento del protagonista, es decir lo que normalmente se conoce como barrido (o paneo).

La otra posibilidad es dejar la cámara fija en un punto donde haya mucho movimiento, en cuyo caso lo destacado será lo que permanezca inmóvil. Algo difícil de conseguir en escenas callejeras salvo que contemos con un modelo que posea como en el caso de la foto de abajo.

Foto de Thomas Lefebvre

Rompiendo patrones

Recurrir a la repetición de objetos es una opción muy interesante en fotografía que ayuda a componer de forma efectiva y crear ritmo en las imágenes. Pero usarlos también puede ser una manera de llamar la atención sobre un objeto que introduzcamos en el encuadre rompiendo ese ritmo.

Foto de Karl Köhler

La idea es eminentemente sencilla de entender, no tanto de llevar a cabo si lo que queremos es lograr un gran resultado. Lo más importante es tener un buen ojo para encontrar la situación propicia y lograr que la contraposición entre los patrones de la foto y el elemento destacado tengan un significado tan potente como esta icónica foto de Marc Riboud.

Foto de Michal Pechardo

Limpiando el fondo

Otra opción que tenemos para llevar la mirada del espectador hacia un elemento principal es, literalmente, vaciar de contenido el resto de la imagen. De la importancia de cuidar los fondos de nuestras imágenes es algo de lo que hemos hablado a menudo, y sin duda puede ser clave para conseguir buenos resultados.

Foto de Leio McLaren

Pero ahora hablaríamos de un caso en el que lo de cuidar el fondo sería llevado prácticamente al límite, eliminando en lo posible cualquier elemento que distraiga. La forma más sencilla, evidentemente, es que lo hagamos en un estudio con un fondo elegido a propósito. Sin embargo, el resultado en este caso no sobresaldrá precisamente por su creatividad ni, sobre todo, por su naturalidad. Por eso, lo ideal es buscarlo en un entorno no controlado como en la foto de arriba.

Foto de Fernand De Canne

Utilizar marcos

Nuestra última propuesta es también un clásico que hemos tratado en artículos como éste, porque los marcos son una excelente manera de focalizar la atención del espectador hacia una parte de la imagen. Podríamos pensar que son una forma bastante convencional, pero sus infinitas posibilidades lo convierten en una técnica muy creativa.

Foto de öscar Condés

Pueden ser naturales o artificiales, regulares o irregulares y se presentan en forma de ventanas, ramas de árboles, elementos arquitectónicos… Hay mil y una posibilidades y para aprovecharlas, como en el caso de los patrones, lo más importante es tener el ojo bien entrenado y moverse en busca del mejor encuadre.

Foto de Björn Bechstein

Con esto hemos terminado pero, como estamos seguros de que hay más opciones, os animamos a compartir a través de los comentarios vuestras propias sugerencias de maneras para lograr que el protagonista de una foto destaque de forma creativa. Gracias de antemano.

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Siete fotos que todo aficionado debería hacer cuando empieza en fotografía

Foto de portada | Alex Ronsdorf

Hace no mucho ya os ofrecimos un artículo con consejos para dar un salto de calidad en vuestras fotos de paisaje, y en esta ocasión vamos a dar un paso más allá centrándonos en la composición, ese elemento crucial en toda fotografía pero que en este tipo de tomas se convierte en esencial.

Porque la fotografía de paisaje es una de las disciplinas más practicadas, pero conseguir buenos resultados no es tan fácil o intuitivo como uno podría esperar en principio. Sobre todo porque es fácil que uno se sienta impresionado por la belleza de un paisaje pero, al trasladar eso a una imagen, no sea capaz de traducir esa impresión.

Foto de Neil Ladkin

Y cuando eso ocurre, sobre todo le podemos echar la culpa a la composición de la foto que, como decimos, es un elemento crucial que tenemos que cuidar en toda clase de imágenes pero sobre todo en las de este tipo. Por eso, aunque no existen recetas mágicas, sí conviene tener en cuenta algunos trucos y consejos sobre composición que nos permitirán mejorar nuestras fotos de paisaje.

Utiliza la regla de los tercios

Empezamos con un consejo básico pero que, no por sabido, debemos menospreciar. La Regla de los Tercios es un principio ampliamente repetido porque es muy sencillo de entender y de aplicar. Y aunque es cierto que a veces su uso puede hacer que una imagen resulte más convencional, bien usada puede ayudar a lograr una composición bastante más efectiva.

Foto de Ajay Goel

La clave está en que no se utilice de forma forzada o de manera que su uso sea muy evidente. Por el contrario, hay que saber aplicarla con flexibilidad y adaptarla a la toma en concreto sin forzar la escena o la perspectiva para que los elementos se ajusten a ella. En este sentido hay que recordar que la idea es conseguir una composición más dinámica y descentrada, evitando la tentación de situar al elemento principal siempre en el centro o la línea del horizonte (siempre importante en un paisaje) en el medio del plano.

Anticipa la lectura de la imagen

A la hora de componer hay que tener muy en cuenta las particularidades del lenguaje visual y los elementos básicos que dan significado a las fotos. Y por supuesto hay que considerar que nuestra manera de interpretar una imagen es similar a la que usamos al leer un libro (por ejemplo): de izquierda a derecha.

Foto de Paul Morris

Por este motivo, a la hora de componer hay que intentar pensar en cómo el espectador va a leer la imagen, y ser capaz de “ayudarle” si es necesario a través de los elementos que dispongamos en la escena. Por ejemplo como en la imagen de arriba, donde con la montaña de la izquierda se ha creado una línea visual que lleva la mirada del observador hacia el lugar donde el sol se está poniendo tras las montañas y las nubes.

Incluye un punto de interés

Es otro consejo básico que muchas veces es la clave para dar interés a una fotografía de paisaje. Porque, como decíamos, muchas veces la belleza del lugar puede “obnubilarnos” y hacernos tomar una imagen monótona por falta de algo que cobre protagonismo o llame la atención del espectador.

Foto de Luis Del Río Camacho

Y es que una buena fotografía usualmente requiere de un punto de interés que atraiga la mirada y ayude a saber leer la imagen sin que el ojo divague sin saber cómo hacerlo o donde debe fijar su atención. Y eso se puede conseguir con multitud de elementos: Un árbol especial, una cabaña, un animal (o grupo de animales), un barco (si es que hay un agua en el plano) o bien una persona tal y como contamos aquí.

Centra la composición

Este elemento principal puede estar situado en alguno de los puntos imaginarios que forma la regla de los tercios o bien, por qué no, en el centro de la imagen. Porque colocar al protagonista en el medio de una foto hace que ésta gane en sencillez al instante y que el observador sepa rápidamente dónde debe mirar.

Foto de Joshua Earle

Eso no significa que una composición central sea mejor ni peor, depende de los casos; Sobre todo porque lo más importante es la creatividad a la hora de componer. Sin embargo, un sujeto centrado en combinación con elementos (con menor peso visual) que formen curvas o rectas alrededor suele funcionar muy bien. Y tampoco desdeñes la posibilidad de utilizar un marco para encuadrar la composición y dirigir la mirada del espectador.

Saca partido de los patrones

De los patrones en fotografía hablamos hace no mucho y ya entonces os contamos cómo la repetición de elementos es un recurso muy valioso para incluir un cierto ritmo en una composición.

Foto de Demi DeHerrera

En la naturaleza se pueden encontrar muchos patrones, aunque es cierto que en fotografía de paisaje puede ser complicado si nos limitamos a pensar en planos generales. Sin embargo, si nos acercamos a las cosas (por ejemplo usando un teleobjetivo) veremos que hay multitud de ellos formado parte de los seres vivos.

Aprovecha el espacio negativo

A veces tenemos tendencia a menospreciar el “espacio vacío” de una fotografía porque no aporta información. Sin embargo, si se deja intencionadamente un área de la imagen sin nada estaremos logrando que todo lo que rompa ese espacio gane en interés. Por eso el espacio negativo no deja de ser otro recurso con el que podemos jugar para lograr una composición equilibrada o diferente.

Foto de Rod Long

Un ejemplo es la foto de arriba, donde en un gran espacio negativo (que no tiene porqué ser necesariamente ni blanco sólido ni negro) se ha situado un elemento concreto. Este elemento no es muy grande pero al estar en un área prácticamente vacía se consigue atraer la atención del espectador de forma poderosa.

Fíjate en las líneas predominantes

Ya las hemos mencionado de pasada en los apartados anteriores pero teníamos que dedicarles uno especial porque son un elemento primordial en cualquier composición, y desde luego en una de paisaje. Las líneas, sean rectas o curvas, son uno de esos elementos básicos del lenguaje visual y transmiten rigidez o dinamismo (respectivamente).

Foto de William Bout

Aparecen con muchísima frecuencia de forma natural y son un recurso más que importante en fotografía de paisaje, sobre todo para estructurar la composición, dar profundidad a la imagen (por ejemplo gracias al punto de fuga) y dirigir la mirada del espectador. Para aprovecharlas, eso sí, conviene mirar la foto con calma, identificar las líneas existentes y tratar de situarlas en el encuadre a nuestra conveniencia.

Cuida el primer plano

Como ya sabrás, a la hora de componer hay que pensar que estamos ante una escena en tres dimensiones que se va a recrear en dos. Por ello, no hay que subestimar ni mucho menos los distintos planos que pueden aparecer en la imagen. Así, del mismo modo que hay que cuidar el fondo, también es recomendable incluir un primer plano con elementos que aporten interés.

Foto de Sebastian Unrau

Esta técnica suele ser muy interesante sobre todo para dar profundidad a la imagen, aunque hay que procurar que los elementos del primer plano no sean demasiado protagonistas y también que haya una cierta limpieza para que no concentren toda la atención del espectador y “quiten brillo” al resto de planos de la fotografía.

En Xataka Foto | Nueve trucos para mejorar nuestra composición fotográfica (I)

Foto de portada | Sven Scheuermeier