En ocasiones, romper la reglas, probar nuevas composiciones, encuadres y velocidades de obturación, pueden conjugar resultados sorprendentes. Pero no basta con abandonarse al albedrío y esperar que el resultado, por fortuna, depare un resultado interesante. Hay que tener claro qué queremos transmitir, cualquier motivo vale, pero es importante que sea una forma de expresión, de comunicación con el espectador.


Podemos jugar con la luz, los colores, las formas, la composición, más aproximada a la realidad o más alejada, lo importante es que la imagen nos diga algo. La máquina suele ser importante, pero para transmitir un mensaje dentro de la abstracción no es necesario tener un completo equipo fotográfico. Desde la cámara de un teléfono móvil podemos lograrlo. Además, siempre tenemos la edición digital, para mejorar, potenciar efectos y lograr adecuarnos a nuestro objetivo.

Si nos convertimos en observadores pausados podemos encontrar a nuestro alrededor múltiples motivos que nos pueden ofrecer formas abstractas. No es necesario buscar en lugares indómitos o alejados, ni emplear horas en un procesado. La sencillez es siempre lo más efectivo. Por ello, mira a tu alrededor, observa detenidamente e intenta encontrar posibles imágenes abstractas en objetos reales y con formas conocidas.

Sin embargo lo abstracto a veces está en lo verídico. Un objeto común visto con otra perspectiva, iluminación o encuadre poco habitual puede darnos un resultado sorprendente y visualmente efectivo. Siguiendo ejemplos de grandes fotógrafos de la historia (Man Ray, Moholy-Nagy), podemos ver como daban total libertad a la subjetividad para transmitir un mensaje a través de una imagen, que no siempre tenía que ser un fiel reflejo de la realidad.

Observa, dispara, experimenta. Busca intencionalidad o no, pero intenta renunciar de la realidad cotidiana. Aléjate del objeto reconocible, de las perspectivas tradicionales, del detalle nítido o incluso de los colores fieles.

Como no estamos tratando de algo concreto o definible, sino más bien a un concepto no podemos establecer algunos consejos sencillos para lograrlo, se trata más bien de experimentar con una idea, dando igual el método y la forma de lograrlo.

Espero que esta divagación y aproximación a la abstracción sirva, al menos, para encontrar nuevas formas de trabajar con la fotografía digital, alejándonos de los convencionalismos. Un método útil para reflexionar sobre la imagen y poder encontrar un estilo propio. O no. Pero al menos jugar con nuestra cámara de formas distintas puede resultar extremadamente divertido.

Fotos | Mark Valentine y César Augusto

En principio, una silueta es cualquier forma sobre un fondo claro o muy iluminado, donde el sujeto es una simple forma negra que queda resaltada. Lo más común es que la fuente de luz sea el sol, por ejemplo en un atardecer, lo que provoca que gran parte de la imagen quede subexpuesta.

Hay algunos factores que hay que tener en cuenta para lograr efectivas siluetas y, resulta muy gratificante alcanzar buenos resultados, cuando tomamos una correcta medición, a menudo la clave de la toma. Vamos con algunos sencillos consejos:

• Es importante que el sujeto no reciba demasiada luz, que no existan reflejos que le resten importancia a la silueta en sí.

• Si no hay suficiente luz en el fondo, la silueta aparecerá gris en vez de negra, por lo que es esencial tener una fuente potente que provoque el contraste.

• Suelen dar mejor resultados si elegimos sujetos relativamente grandes, en vez de pequeños e insignificantes, así el resultado es más espectacular.

• Recomendable usar una abertura pequeña (número f alto), para captar una gran profundidad de campo.

• Como consecuencia, tendremos que utilizar trípode o una base estable para la cámara, puesto que tendremos que usar velocidad de obturación baja.

• Para la medición es mejor no tomar el sujeto oscuro ni la luz más fuerte, mejor buscar un punto intermedio, alguna sombra grisácea nos puede dar un valor adecuado (aunque esto depende mucho de cada escena).

• Para lograr una silueta impactante hay que cuidar mucho la composición y buscar el lugar más adecuado para los elementos.

• La simplicidad ayuda mucho a destacar nuestra silueta, por ello, elimina todo aquello que pueda distraer la mirada.

• Podemos conseguir buenas siluetas con muchos motivos diferentes, desde personas, animales a edificios o cualquier elemento que disponga de una silueta interesante a contraluz. Por ello, no nos centremos siempre en los mismos motivos, agudizando la vista podemos encontrarlos en cualquier lugar y situación.

Todo estos son sencillas cuestiones a tener en cuenta, pero no hay una teoría exacta que nos permita alcanzar buenas siluetas. Por lo que resulta importante la práctica, la experiencia y un poco de suerte. A practicar.

Algunos ejemplos | 13 buenas siluetas en Flickr
Fotos | tookie | AmmarQ8

Ya os habíamos avisado. Tan solo tenéis que presentaros voluntarios y sacaremos a la palestra alguna de vuestras fotos. Así de fácil. Y en este caso, el valiente ha sido Amir K., que nos ha mandado su cuenta de flickr para que elijamos una instantánea y le demos un buen repaso. Amir, leas lo que leas por aquí, en Xataka Foto te admiramos por tu valentía. A ver si el sr Cabezón es tan valiente como para poner toda la carne sobre el asador después de mi crítica…

Crítica 1: Israel Belchi

He elegido esta fotografía de nuestro amigo Amir por ser una foto con muy buenas intenciones pero que puede mejorarse un poco teniendo en cuenta unos principios básicos:

• ISO 64, f/8 y 8 segundos de exposición. Elección más que correcta. Aunque me sorprende el estado del agua, que con semejante tiempo de exposición pienso que debería ser más “sedoso” en la zona de los reflejos.
• El momento del día elegido parece también muy adecuado, concretamente la hora azul.
• Los reflejos de las farolas en el agua son interesantísimos. Es un buen motivo al cual intentar sacar partido.
• Lo que no me queda muy claro es el motivo de la fotografía. La intención está clara, con el terreno, el cielo y los reflejos situados siguiendo la intersección de las líneas que marcan los tres tercios. Pero veo demasiado terreno en ella, muy poco horizonte (siendo muy quisquillosos, ligeramente caído) con su cielo interesante… ¿Qué tal un cambio de composición?
• Yo hubiera intentado centrarme en los reflejos mediante una fotografía vertical donde éstos ocupen los dos tercios inferiores de la foto y el terreno ocupando el tercio superior. Si quisiéramos destacar el cielo y este fuera lo suficientemente espectacular, invertiría las proporciones que acabo de proponer.
• En todo caso, intentaría no desaprovechar la luz de las farolas, que con la apertura de diafragma seleccionada consigue un bonito efecto de “estrella”.

Crítica 2: David Cabezón
Piensa el Sr Belchi que el Sr Cabezón, quien escribe, se pliega ante cualquier cosa. Lamentablemente no es así y, pese a que en este foro siempre guardaremos las formas, me dispongo a continuación a llevar a cabo mi crítica inmisericorde.

• La foto es interesante y, sin duda, desprende muy buenas intenciones y una técnica correcta. Pero para mi gusto se queda ahí, pues no está bien resuelta. ¿Qué queremos que se vea? ¿El horizonte anaranjado? ¿Los reflejos del agua? ¿Las luces de la montaña? De este lugar, con estos parámetros, podrían haber salido tres fotos geniales: una del horizonte anaranjado, una del reflejo del agua y otra de las luces sobre la montaña y el reflejo que generan en el agua. Es importante saber qué queremos mostrar en una foto. No suele ser eficaz mostrar muchas cosas a la vez. Mejor hacer varias fotos que querer abarcarlo todo.
• En la esquina superior izquierda se aprecia un poco de viñeteo, probablemente un trozo de parasol mal ajustado que podría haber sido recortado o, simplemente, clonado. Una pena.

Me temo que no puedo decir mucho más. Una buena técnica en una foto que se queda ahí, a las puertas de ser varias interesantes. Creo que valorando estos detalles Amir K. tiene capacidad para darnos grandes alegrías desde su stream, pero ésta no fue una de esas ocasiones. En cualquier caso, debemos valorar positivamente su valentía por someterse a nuestras afiladas garras.

¿Alguien se anima a solicitar nuestra crítica?

Actualización importante: Para solicitar que utilicemos vuestras fotosen los “duelos”, por favor utilizad el formulario de contacto, añadiendo un enlace a vuestra galería o foto que queráis que sea criticada. Los comentarios a esta entrada, mejor los utilizamos para hablar sobre la foto protagonista. Muchas gracias.

Fotografía | Mar el poder del mar de Amir K.

Al menos a mí así me ocurrió una vez. No hace mucho tuve que realizar unas fotos de distintos platos para después diseñar una carta de comidas. No era nada excesivamente profesional, puesto que para lograr esas imágenes que vemos en las vallas publicitarias (por cierto llevan un enorme trabajo de retoque) hay que contar con un gran equipo y conocimiento, por ello al principio me resultó un abismo.

No sabía como afrontarlo, pero con mucha paciencia y aplicando ciertos conocimientos generales sobre fotografía logré salir airoso del apuro. Y con ello me percaté de lo interesante que era el tema de la fotografía de alimentos. Voy a recopilar algunos sencillos consejos por si os encontráis con la misma situación, o simplemente os apetece el reto.

• Lo más importante es la iluminación. Hay que ver, analizar el entorno y buscar la fuente de luz más idónea. La luz natural es magnífica, siempre y cuando sea suficiente, pero no está de más apoyarla con luz auxiliar. Con reflectores (una simple cartulina blanca) o algún flash indirecto.

• Por cierto, evita el uso del flash directo, produce unos brillos excesivos con resultados poco agradables.

• Hay que lograr potenciar al máximo las texturas, por lo que es importante que la luz no sea excesiva. Mejor algo más baja de lo que pensamos, una vez hagamos las primeras mediciones con la cámara.

• Para ingredientes translúcidos, como hojas de verduras, es muy interesante una suave fuente de luz desde atrás.

• Siempre utiliza trípode, así evitamos movimientos indeseados en las tomas. Y además, intenta mantener la cámara entre unos 10 y 45 grados por encima del plato o del motivo, con ello lograremos profundidad.

• En cuanto a los objetivos puedes probar dos opciones diferentes. Un teleobjetivo con una abertura de diafragma mínima para lograr que quede enfocado todo el motivo, incluso el fondo (ver siguiente punto). O bien un angular con una abertura grande y controlando bien la profundidad de campo. Ambas posibilidades pueden funcionar bien, dependiendo de la situación. Aunque el angular puede provocar que las dimensiones de los elementos queden algo distorsionados y hay que tenerlo en cuenta en el resultado final. Prueba varias opciones.

• Cuida el fondo. Es muy importante. Si fotografías un plato con una jugosa carne guisada por tu madre, puedes optar por colocar detrás algún cesto con panes. Preparar un bodegón sencillo de fondo es idóneo, sin que reste interés al motivo principal (se pueden utilizar copas, botellas de cristal, por ejemplo). La composición es muy importante, por lo que además intenta utilizar encuadres cerrados, eliminando todo lo prescindible y las posibles distracciones.

• Mide bien con el Balance de Blancos, es importante para lograr una temperatura de color adecuada al motivo y resaltar bien los colores. Y mejor usa una velocidad ISO baja.

• Para resaltar algunos alimentos podemos utilizar algunos trucos profesionales: pulveriza con aceite una ensalada y lograrás unas fantásticas gotas o con glicerina sobre la fruta y darás un aspecto de frescura idóneo.

• No olvidemos el imprescindible procesado. Podemos mejorar la saturación de colores, el equilibrio de sombras y luces, eliminar algún brillo indeseado…

Si te pones a ello, comprobarás que resulta interesante. Afrontar la dificultad de la iluminación, captar las texturas supone un reto estimulante. Y no olvides hacer todas las pruebas que puedas hasta lograr lo que buscas.

Más información | Food Photography Blog
Fotos | Tanya! y Paula Vucovich

Es fácil definirlo y entenderlo, pero mucho más complejo alcanzarlo. Podemos tener ojo fotográfico, dominar la técnica y la tecnología pero aquello que se requiere para que una imagen sea identificable con nosotros, es disponer de un marcado estilo propio. Como se ha definido en alguna ocasión, el estilo fotográfico es la prolongación de nuestra personalidad, por ello todo fotógrafo anhela que sus capturas se diferencien y se identifiquen.

La dificultad estriba en cómo lograr plasmar nuestra personalidad en nuestras imágenes. Para ello, y sin querer adoctrinar, sino más bien aconsejar, os dejo algunos aspectos que podemos tener en cuenta si queremos desarrollar nuestro estilo o bien afianzarlo.

• Primero tenemos que saber con qué tipo de fotografías nos sentimos más cómodos y potenciarlo. Para detectar tanto el género, como otras características nuestras que están implícitas pero que no detectamos fácilmente, se puede optar por escoger un motivo o sujeto y disparar muchas fotos de distintas formas, perspectivas y composiciones. Cuando las tengamos en la pantalla de nuestro ordenador podemos ir viendo cuáles son las que nos han resultado más satisfactorias, aunque no necesariamente tienen que ser las más correctas técnicamente. Es un buen punto de partida.

• Es importante estudiar bien a fondo y analizar cada toma, para ir viendo la mejor forma de aportar nuestro personal punto de vista. Si tenemos claro el mensaje, será más fácil que el espectador lo comprenda y viendo nuestro trabajo nos identifique más claramente.

• Aislar y organizar los elementos forman parte del proceso de composición y son esenciales a la hora de expresar nuestra visión.

• Hay que intentar dejar atrás el escalón que supone el conocimiento técnico. Familiarizarse al máximo con la cámara para hacer fotos casi sin pensar en la cámara, tan sólo mirando debemos descubrir lo que queremos capturar. Por ello una buena opción puede ser utilizar una cámara sencilla, que nos nos reste atención a la hora de fotografiar.

• Es importante ir expresándonos con fluidez, si un motivo o un género nos cuesta mucho tenemos que seguir experimentando o darle un giro a nuestra idea original.

• Otros aspectos importantes que confieren nuestro estilo son desde el contraste y el color, al recorte o el mismo procesado. No nos olvidemos que desarrollar nuestro estilo nace en la selección del motivo y finaliza cuando logramos tener la imagen digital procesada según nuestro criterio particular.

• Por supuesto, y aunque es obvio, hay que buscar siempre la originalidad. No es fácil, pero ver muchas imágenes nos puede ayudar a ello. Conocer lo que hacen otros es muy beneficioso.

• Con la fotografía digital, lograr el estilo propio es más sencillo y rápido, además de más económico. Podemos disparar, experimentar con gran comodidad y comprobar los resultados al instante. Así que no tenemos excusa. Lleva la cámara siempre que puedas y a disparar. Eso sí, hay que ser paciente porque lograr ese estilo propio puede llevarnos mucho tiempo.

Bueno, por supuesto son simples retazos a modo de consejos, pero que teniéndolos en cuenta puede servirnos de utilidad para plantearnos dar un paso más allá. Al fin y al cabo, el estilo propio es lo que diferencia a un gran fotógrafo del resto.

Foto | Ellen von Unwerth
Selección en Flickr | the brownhorse | nynewe | brett walker

Otra opción complementaria para organizar el centro de interés es la simetría dinámica, que se basa en las proporciones de la sección áurea, pero utiliza las diagonales en vez de las cuadrículas. Diagonales que cruzan, imaginariamente, el encuadre de extremo a extremo.

Como podéis ver todo esto son sencillas reglas geométricas que, cuando uno está aprendiendo las tiene que tener en cuenta, pero a menudo que se va adquiriendo experiencia, uno llega a olvidarse, puesto que es un concepto que acaba asimilándose. Veamos ahora algunos sencillos consejos para aplicar la composición y lograr imágenes que funcionan.

• Simplificar. Es sin duda lo más importante. Hay que desechar aquellos elementos que distraen la atención del encuadre, eliminar lo que no contribuye a transmitir el mensaje de la imagen. Para lograr esta simplificación, lo mejor es encuadrar en el momento del disparo, aunque podemos apoyarnos para mejorarlo en el proceso digital posterior en el ordenador.

• Utilizar líneas. Podemos utilizar las líneas naturales que nos encontramos en cada escena: una carretera, una sombra proyectada, un edificio,... Ya sean horizontales, verticales, diagonales, curvas o rectas, con ellas se consigue transmitir fuerza, dinamismo y ayudan al ojo del espectador a recorrer la imagen, a modo de guía visual. Lo lógico es que se logre converger las imágenes en los puntos fuertes, que no se crucen y generen profundidad (como los puntos de fuga en pintura).

• Usar formas básicas. A la hora de fotografiar nos encontramos formas y, a menudo, si nos fijamos bien, podemos apreciar que existen geometría en ellas, Por ello combinarlas y jugar con ellas ayuda a mejorar la composición. Por supuesto, hay que tener en cuenta la textura, la iluminación y el color que son elementos que complementan las formas, las generan y las destacan.

• Primer plano, plano intermedio y fondo. Hay que cuidar especialmente la profundidad de campo. Para ello, además de utilizar la perspectiva, la iluminación y el encuadre, tenemos que prestar especial atención al enfoque. Un enfoque selectivo destacará el elemento en la composición, quedando desenfocado el resto, lograremos captar la atención sobre el motivo que queremos destacar.

Como podéis apreciar el tema de la composición se presta a profundizar en él y tratar todos sus aspectos con más detalles, incluso trasladar todas estas formas de aplicarlos a los distintos géneros (paisaje, bodegón, retrato,...). Pero, como siempre insistimos, es necesario hacer muchas fotografías para practicar y ver a los grandes fotógrafos para aprender y entrenar nuestro ojo. Os recomiendo visitar las galerías del portugués Tiago Estima, todo un maestro en la composición fotográfica.

Fotos | Galería de Tiago Estima en photo.net

La composición implica toda la creación de una imagen, desde la valoración y estudio del motivo, la selección y análisis, hasta el disparo. Al contrario de lo que ocurre con la técnica fotográfica, donde se requiere una aplicación metódica, la composición exige criterio y aplicación de nuestro gusto particular, de nuestra percepción personal. Por ello es indispensable aprender a mirar. Y es que para componer hay que saber organizar las formas dentro del espacio visual de forma armoniosa y equilibrada, lo que requiere que aprendamos a ver como fotógrafos.

No existen unas reglas fijas que se puedan aplicar para realizar una composición vigorosa, por lo que hay que desarrollar nuestra visión fotográfica, basada en la experiencia y en el conocimiento de ciertas normas. Por lo que es necesario y útil conocer los principios básicos de la composición para mejorar nuestras fotografías.

La regla de los tercios.
Esta archiconocida y clásica regla nos dice que el centro de atención debe colocarse en la intersección de las líneas imaginarias que dividen una fotografía en tres partes de arriba abajo y de izquierda a derecha. Supone una excelente ayuda para establecer la estructura de la composición en una imagen. Cualquier cámara incorpora la posibilidad de mostrarnos esta cuadrícula en la pantalla y que nos resulta útil para componer.

Hay que tenerla muy en cuenta en fotografías de paisajes, por ejemplo, y evitar situar el horizonte en el centro del encuadre. Por lo que si tenemos un cielo muy interesante podemos colocar el horizonte en el tercio inferior y darle protagonismo. También es aplicable en el caso opuesto. Del mismo modo, podemos ayudarnos de las líneas verticales para situar a una persona en un paisaje, o bien, en un retrato vertical, situar los ojos en el tercio superior. Es recomendable, en estos casos, tener en cuenta la también conocida ley de la mirada, con la que situaremos más espacio libre hacia el lugar donde miran los ojos.

Otros aspectos a tener en cuenta en la composición:

• El punto de vista. Romper con el habitual punto de vista puede ayudar a lograr imágenes originales o mejorar la composición, con un efecto interesante. Pero, lo cierto que hay que tenerlo muy en cuenta porque la correcta elección del mismo forma parte de una buena composición y contribuye a aumentar el interés visual de la imagen.

• La simetría. Se produce cuando centramos el motivo y se divide la imagen en dos partes, creando una sensación agradable. Hay que intentar no abusar del mismo, para no ser monótonos y poco originales. Es fácil encontrar esta simetría en la fotografía de edificios o en los reflejos del agua en un paisaje.

• La asimetría. Poseen más fuerza e impacto expresivo, a la vez que resulta más ágil y dinámica. Esta asimetría se puede producir desde el mero encuadre hasta el enfoque, el color, el volumen o la perspectiva de la imagen. Hay que tener en cuenta que resulta necesario compensar el desequilibrio de alguna forma, a lo que nos puede ayudar también el color, con el enfoque selectivo o con elementos formales como la textura, el tono o la forma. Es más difícil de desarrollar, pero nuestro ojo fotográfico debe acostumbrarse a componer asimétricamente de forma intuitiva.

Como conclusión hay que incidir que el proceso de composición resulta algo pesado al principio, ponerlo en marcha requiere mucho esfuerzo por nuestra parte y también más tiempo en cada toma. Y se podría decir que esto puede frenar la espontaneidad de la fotografía, pero tomar una buena imagen requiere, en muchas ocasiones, de algo más que disparar en el momento adecuado. Una buena forma de asimilar la forma adecuada de componer es viendo muchas fotografías, ver a los grandes artistas nos ayuda a entrenar el ojo, al igual que experimentar y tomar muchas imágenes. Hoy en día, esto resulta muy fácil gracias a las cámaras digitales, y también a internet, una fuente inagotable de grandes fotografías.

A practicar se ha dicho.

Más información | Cómo componer rápidamente una foto (en inglés)
Imágenes | shimonkey

Ya lo dijo nuestro admiradísimo Robert Capa:

Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente

Y como veréis no es una cita en vano, pues lo vamos a utilizar para ejercitar nuestra práctica fotográfica. Hoy nos acercamos mucho a aquello que fotografiamos. Y no hablamos de fotografía macro…

Buscar detalles

Como los de la fotografía que encabeza este post, titulada She Has Gotten Me A Gift de Daniel Lobo. Lo interesante y básico del ejercicio es intentar reparar en elementos que acostumbren a pasarnos inadvertidos, aquellos a los que nuestro sistema perceptivo visual no suele prestar atención. El hecho de hacer fotografías de este tipo le da un plus a nuestra toma, ya que podemos lograr sorpresa a los ojos de la persona que mira nuestra foto. Y si como en este mismo ejemplo, la fotografía es sugerente, desde luego que vamos para nota… Otro ejemplo sería el siguiente:

Atención a como cada color, cada arruga y la postura de las manos toman el protagonismo de la fotografía. Las manos como motivo fotográfico dan muchísimo juego, especialmente las de personas mayores, las de niños y bebés y las de éstos junto a las de adultos. Aprovéchalo. La foto es de algo y se titula Holding on.

Ojos

Quizás este ejemplo te resulte más familiar, pues existen multitud de fotografías de ojos, ya sean de personas o animales, y es muy probable que incluso tú lo hayas probado ya. Pero no por ser un motivo recurrente es menos interesante, pero ten en cuenta que para que tu foto destaque sobre las demás deberá ser original. Pero eso lo dejamos en tus manos.La fotografía sobre estas líneas es de Lá caitlin y se titula the kid of all kid’s.

Buscar formas

Si te acercas lo suficiente a lo que te rodea, seguro que descubres formas y composiciones que te llamen la atención. Por ser regulares, por ser extrañas, por ser originales, por parecerse a otras cosas… Uno de los mejores sitios para buscar formas es el mobiliario urbano, repletito de pequeñas obras de arte camufladas, como podemos ver en este ejemplo, una fotografía de eduardsb llamada blue 6.

Quizás otro ejemplo te sirva para ver el potencial de las formas y patrones. Esta fotografía se llama Cuerdas vocales de un piano y es de Carlos Madrigal.

Buscar texturas

En lo que respecta a las texturas, para ordenarme la cabecita y no inducir a errores, esta es la definición vía wikipedia:

La textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos, así como las sensaciones que causan, que son captadas por el sentido del tacto. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles.

¿Sí? Pues las fotografías con texturas llamativas, y especialmente si tienen algún elemento añadido que las rompa, son de lo más interesante. Fíjate en la sensación que te produce la siguiente fotografía. de Lili Vieira de Carvalho, titulada Buzios Textures and Chains.

Otra fotografía de Lili como ejemplo sería la siguiente:

Consideraciones finales

Destacaremos dos cosas. Al igual que hicimos cuando te propusimos cambiar la perspectiva para hacer fotografías, este ejercicio requiere un importante esfuerzo de concentración. Exige que estés en modo búsqueda de fotos. Si quieres automatizar tu ojo cazador de detalles, formas y texturas deberás practicar y dedicarle su tiempo. Almenos en un principio. Y luego te resultará más sencillo hacerlo de manera automática y natural.

Y finalmente debes saber que por mucho que te acerques a detalles que normalmente pasan inadvertidos, por mucho que encuentres formas curiosas o texturas apasionantes, hay algo que debes cuidar para que tu fotografía sea interesante. Que no se te olvide nunca cuidar la composición, o estarás tirando por la borda el trabajo de haberte percatado de donde había una fotografía por hacer. Y sería una lástima, porqué dar con la foto es la parte más complicada…

Y si no sabes demasiado acerca de la composición no te preocupes. Justamente la siguiente entrega de nuestro curso tratará sobre ella.

Como hoy estoy generoso (...) os dejo con el grupo Get closer (acércate) de flickr… ¡Buen provecho!

El encuadre no es otra cosa que definir qué elementos aparecerán en la imagen y cuáles vamos a descartar. El encuadre sirve para concentrar la atención del espectador en la imagen, por lo que la correcta selección del motivo es un primer y fundamental paso en el proceso fotográfico. Tenemos que pensar en el motivo a mostrar en base a las proporciones del marco de nuestro visor o nuestra pantalla LCD.


El encuadre de la imagen puede ser de las siguientes formas:

1. Horizontal. También denominado apaisado por ser el formato más habitual para capturar paisajes. Es el formato más común y se suele decir que produce sentimiento de serenidad y espacio, estabilidad y dirección. Aunque en al fotografía digital varía ligeramente la proporción con respecto a la clásica película de 35 mm, sigue siendo la forma más tentadora para componer, además de que fácil dejarse llevar por él, ya que es el formato que nos dispone la cámara en su posición horizontal. Por ello, es recomendable no abusar del mismo y probar otros encuadres hasta dar con el más idóneo al motivo.

2. Vertical. Más conocido como formato retrato, por tratarse del más adecuado para los retratos de medio cuerpo. Produce sentimiento de fuerza y enfatiza las líneas y planos verticales. También este formato confiere más poder visual a las diagonales. Es ideal para el retrato de cuerpo entero y primer plano, además de ser el más utilizado comercialmente para publicidad, revistas, portadas de libros, etc.

3. Cuadrado. Es un formato más estático y mucho más limitado. No es propio de la fotografía digital, sino que viene de las películas instantáneas Polaroid y de las películas de 6x6 para cámaras analógicas de formato medio. En digital podemos lograrlo en la edición posterior, recortando de los otros formatos, aunque el resultado final pueda ser satisfactorio tiene la desventaja de que no ha sido compuesto con el mismo rigor y parámetros. Los márgenes cuadrados son simétricos y transmiten solidez y estabilidad. En algunos campos es muy gratificante su utilización (vegetación, plantas, flores…), aunque es un formato en desuso, también debido a la dificultad que conlleva la composición.

4. Panorámico. Es un formato impactante en paisajes tanto naturales como urbanos y, a pesar de su historia y tradición, sigue resultando original. Requiere una cuidadosa selección del lugar o motivo y plantea dificultades de composición para no dejar zonas superfluas. Se trata de un formato muy de moda en la era digital, porque con los avances tecnológicos es muy sencillo crear una panorámica. Casi todas las cámaras incorporan esta función y con los programas de edición, el montaje de distintas tomas es muy sencillo.

Algunos aspectos que hay que tener en cuenta a la hora del encuadre son:

• La ubicación. La tendencia natural cuando comenzamos en la fotografía es ubicar el motivo en el centro del encuadre, que se suele denominar síndrome de “ojo de buey”. Esta composición deja dos zonas superfluas a cada lado del motivo y, aunque es atrayente, hay que intentar descentrar el motivo para liberar la composición. Es necesario separar el motivo y el fondo para lograr realzar los detalles.

• Tamaño del encuadre. Del mismo modo, hay una tendencia natural a no acercarse al motivo, a no recortarlo. Es habitual encontrar fotografías en los que todo queda tan general que no sabemos dónde mirar y es debido a que no hemos realizado una correcta composición, por lo que hay que intentar aproximarnos al motivo y llenar el encuadre para que el espectador capte rápidamente lo que queremos mostrar. En los retratos se enfatiza mucho si llenamos el encuadre y es un recurso que nos puede ayudar mucho a mejorarlos. Sólo hay que fijarse en las fotografías en prensa, donde es habitual encontrar primeros planos donde el rostro suele tener la frente cortada o no es mostrado completamente.

Conclusiones: todas estas indicaciones nos pueden ayudar a mejorar, pero como siempre hay que tener en cuenta que las reglas no son inflexibles y que lograr una fotografía bien encuadrada que funcione depende mucho de nuestra creatividad. De todas formas, experimentado y, sobre todo, disparando mucho en diferentes encuadres aprenderemos nosotros mismos a mejorar los encuadres.

Foto | Sthépane Rey-Gorrez

Cat Viton es del Reino Unido y sus imágenes son de una belleza impresionante, llenas de inspiración, captando momentos únicos y técnicamente impecables. El jurado ha destacado la pureza y simplicidad de sus fotografías.

Su primer portfolio está realizado en Noruega y nos evoca con la blancura de la nieve en unas imágenes en “clave alta” geniales. Su segundo portafolio con el que concursaba versa sobre el traslado de una familia nómada. Su composición y el formato de sus fotografías me resultan uno de sus mejores aciertos. El premio es bien merecido. Por cierto, la ganadora tendrá el privilegio de viajar a la India para fotografiar al Dalai Lama.

Vía | Photodoto
Web del concurso | tpoty.com

Los fuegos artificiales son un típico y bello motivo fotográfico, especialmente en épocas estivales que es cuando acostumbran a florecer este tipo de espectáculos. Y como tengo el veranito todavía bastante fresco y no me apetece dejar de pensar en él, hoy repasamos algunos consejos para la fotografía de fuegos artificiales:

• Llega temprano para elegir donde te vas a situar.
• Ármate de paciencia. Técnicamente es difícil y tendrás que tirar muchas fotos para obtener resultados que sean de tu agrado.
• Trípode indispensable (o algún punto de apoyo).
• Ten en cuenta que en la fotografía digital existe un lapso de tiempo entre que apretas el botón de disparo y cuando la cámara realiza la foto. Debes conocerlo bien para hacer la foto justo en el momento en el que lo deseas.
• El tiempo de exposición será tu lucha. Empieza con un tiempo de un segundo y experimenta incrementándolo. Altamente recomendable usar el modo bulb para reducir vibraciones de la cámara y controlar exactamente el tiempo de exposición que creemos necesario.
• Es recomendable disparar con el cable de control remoto.
• Mejor usar valores ISO bajos y ahorrarnos el molesto ruido. El control lo debe tener el tiempo de exposición.
• En general, utiliza un gran angular.
• Puede ser una buena idea (mejor dicho, una magnífica idea) añadir algún otro elemento en la fotografía. La harás más atractiva. Si cuidas la composición obtendrás fotos distintas como la que ilustra este post.
• Utiliza el enfoque manual. Haz alguna prueba con algún fuego artificial. O si tienes a la vista el lugar desde donde se lanzan, puedes enfocar allí.
• En cuanto a la apertura del diafragma… cierra lo posible. Yo prefiero cerrar y aumentar el tiempo de exposición (de f=8 para arriba).
• ¡Cuidado con la arena si estás en la playa! ¡O con el agua si estás en un barco!
• Te recuerdo que necesitarás paciencia.

¿Tienes algún consejo más? ¿Algo con lo que discrepes?

Más información | dzoom, New York Institute of Photography
Fotografía | Set de FreakyNami

Hoy vamos a hablar de los tipos de plano. Habrás oído mil veces hablar de planos americanos, primeros planos… para designar la cantidad de persona que se incluye en una foto o en una toma de vídeo. ¿Pero realmente conocemos qué es exactamente cada uno de ellos? Hagamos un repaso:

PLANO GENERAL: Abarca todos los elementos de una escena. Si se trata de una persona o un grupo de ellas, nos permitirá que los veamos enteros. Muestra todos algo al completo. En nuestro caso, a la chica al completo.

PLANO MEDIO: Muestra el cuerpo a partir de la cintura. Es adecuado para una foto de dos personas, por ejemplo.

PLANO DETALLE Enfatiza elementos concretos, destaca elementos pequeños que con otro tipo de plano pasarían desapercibidos. En nuestra chica, por ejemplo, el color de su pintura de uñas.

PLANO AMERICANO: Muestra la figura humana desde debajo de la cadera. Su uso se popularizó en la época dorada de los westerns, pues este tipo de plano era ideal en los duelos, pues permitía ver las pistolas colgadas en la cintura que llevaban los protagonistas. De este hecho viene su nombre.

PRIMER PLANO: Deja ver el rostro y los hombros. Implica cierto grado de intimidad y confidencialidad, así que con su uso podremos transmitir emociones más intensas que con los demás.

PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO: Abarca un rostro desde el mentón hasta la parte de arriba de la cabeza. Transmite incluso más intimidad y confidencialidad que el primer plano.

Más datos
Decimos que un plano es más abierto cuanto más ángulo de visión abarca. Por el contrario, uno cerrado será aquel que muestra partes concretas de una escena o detalles, es decir, poco ángulo. Del mismo modo decimos “abrir el plano” o “cerrar el plano” para referirnos a aumentar y disminuir la distancia focal respectivamente. Por tanto, cuanto más nos acercamos al gran angular, más abrimos el plano y cuanto más nos acercamos al teleobjetivo más lo cerramos.

Selección del tipo de plano
La selección del tipo de plano que usaremos depende principalmente de la información que queramos mostrar, lo cual será determinante en las emociones que transmitiremos con nuestra foto. También es importante tener claro qué no queremos que aparezca. Imaginemos que vamos a hacer un retrato en la calle. Si usamos un plano muy abierto quizás nos entre en plano un horrible contenedor que no aporta nada a la foto, unos cables o a saber qué. Si estos elementos no aportan ninguna información importante, mejor evitarlos, pues distraén. La solución, si no queremos cambiar la localización, puede ser simplemente hacer un plano un poco más cerrado.

En la próxima entrega hablaremos de los tipos de plano que podemos diferenciar en función de la posición de la cámara.

Información relacionada | Curso de Fotografía: 7. Tipos de objetivos

Hoy le echamos un vistazo a una bonita fotografía de Þverá, un río de la zona de Skíðadalur, en Islandia. Veamos algunas de sus características:

• Tiempo de exposición de un segundo. Con ésto se logra lo que más llama la atención de la fotografía, que el agua tenga una textura muy suave. Se le llama efecto seda. Por cierto, con esta exposición, sobra decir que el trípode es indispensable.
• Con este tiempo de exposición tan largo (y siendo de día), hay que reducir la luz en la medida de lo posible. Para ello se ha utilizado f=22 e ISO 100.
• Respecto a la composición hay dos elementos a destacar. El primero es el uso de la roca en un primer plano que marca nuestra atención. El segundo es que la línea que sigue el río nos marca el recorrido visual que hacemos de la fotografía desde la roca. La foto nos marca donde debemos mirar y como visualizarla.

Si te apetece ver más ejemplos sobre el efecto seda en el agua, puedes probar con esta otra foto del mismo autor o esta búsqueda en flickr. Recomendamos, siempre que sea posible, pinchar en el enlace Más propiedades de cada foto para ver los parámetros que se han utilizado para realizar cada una de las fotografías que os hayan llamado la atención.

Un último consejo. Este efecto no es demasiado original, pues está muy visto. Su uso no justifica una fotografía la mayor parte de las veces, de manera que intenta buscar la originalidad en el motivo fotografiado y como mínimo cuida muchísimo la composición.

¡A experimentar!

Fotografía | Flickr de Daníel Starrason

• Utiliza un objetivo 17-40 mm. La razón es evidente, hay que incluir muchos elementos en la fotografía y estaba ubicado muy cerca del motivo fotografiado.
• Tiempo de exposición de 25 segundos, apertura del diafragma de f=5 y uso de ISO 1000. Hay que conseguir la luminosidad necesaria en las condiciones en las que se realiza la fotografía. Y el resultado es excelente, todas las zonas de la foto perfectamente expuestas, menos las velas en primer plano que están quemadas (aunque inevitable y no por ello negativo).
• Uso de trípode y bloqueo del espejo debido a los parámetros anteriores. ¿Habrá utilizado un control remoto por estos mismos motivos?
• Composición: Excelente ubicación de los motivos de la foto. Gran uso de la regla de los tercios y línea de fuga en la foto.
• Lo más complicado: el enfoque, según palabras de Juan Luis. Con un diafragma tan abierto (f=5) seguro que tuvo que ser difícil.

Por cierto, aprovechamos la ocasión para darle la bienvenida a la blogosfera, ya que ha inaugurado recientemente este blog sobre fotografía.

Vía | Enfocando