Todos sabemos que la fotografía es una arte en dos dimensiones pero en el que normalmente se simula una ilusión de realidad que, lógicamente, tiene tres dimensiones. Pero lograr esta sensación de tridimensionalidad no siempre es fácil, y a veces nos encontramos con que nuestras fotos parecen planas, sin vida... Claro que hay maneras de evitarlo y de conseguir sensación de profundidad de forma bastante sencilla. Te contamos cómo.

Por cierto que si hemos incluido lo de "con tu móvil o una cámara" en el titular no es sino para dejar claro que es algo que podemos conseguir sea cual sea el tipo de dispositivo que utilicemos para hacer la foto. Igualmente, aunque los consejos que os vamos a dar funcionan sobre todo en foto de paisaje (que es el ejemplo principal que vamos a usar), la mayoría de ellos también son aplicables a muhcos otros géneros fotográficos.

Usa el punto de fuga

Quizá el recurso más sencillo e inmediato para lograr que una foto tenga profundidad, gracias a la perspectiva, es el conocido "punto de fuga". Se trata, como ya estáis imaginando, de buscar líneas en la composición que se dirijan hacia un punto imaginario al fondo de la imagen.

El ejemplo más habitual es el de unas vías de tren cuya proyección hacia el fondo de la foto hace que parezca que las traviesas se unen en algún punto del infinito. Algo que, de forma natural, dirige la mirada del espectador hacia el fondo de la fotografía.

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Introduce líneas diagonales

Muy relacionado con lo anterior, pero sin necesidad de que las líneas den la impresión de no tener fin, es utilizar líneas diagonales dentro de la composición. Éstas son especialmente llamativas si se dirigen de izquierda a derecha (como en la imagen de abajo), ya que esa es la forma instintiva que tenemos de leer una imagen, de manera que guíamos al ojo de una forma muy natural.

Cuida el primer plano

A la hora de componer hay que pensar que estamos plasmando una escena de tres dimensiones en dos; pero eso no significa que debamos subestimar los distintos planos que pueden aparecer en la imagen. Así, del mismo modo que es importante cuidar el fondo que aparece en nuestras fotos, también es recomendable incluir un primer plano con elementos que tengan interés.

Foto de Courtney Kenady

Esta técnica puede dar mucha profundidad a la imagen, pero hay que tener cuidado para que estos elementos del primer plano no sean demasiado protagonistas y concentren toda la atención del espectador, quitando importancia al resto de planos de la imagen. Para ello, como arriba, podemos recurrir a desenfocarlos.

Desenfoca el fondo

Aunque también podemos hacer lo contrario, desenfocar el fondo de la fotografía, para añadir profundidad. Tanto en el caso anterior (incluir elementos desenfocados en primer plano) como en éste se trata de dar la idea de que hay algo más allá del plano que está enfocado/desenfocado y que se encuentra a cierta distancia.

Por cierto que si piensas que este consejo no es muy aplicable a móviles que sepas que estás equivocado porque sí se puede hacer con los smartphones; basta con situar al sujeto principal lo más alejado posible del fondo, poner el zoom al máximo y situarnos a la distancia mínima a la que nos permita enfocar el móvil.

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Compara tamaños

Todo el mundo sabe que cuanto más cerca está un elemento más grande se ve, y cuanto más lejos más pequeño. Pero también sabemos que una roca es más pequeña que una montaña entera. Pero, si nos acercamos a una roca y la situamos en primer plano, puede pasar que la roca parezca incluso más grande que la montaña en la distancia, lo que ofrece una gran sensación de profundidad.

Esto lo podemos combinar con un desenfoque (como en la foto de arriba) o bien con una distancia focal corta, acercándonos lo más posible al objeto en primer plano para hacer que este elemento sea aún más grande y los elementos distantes más pequeños.

Busca patrones

La repetición de objetos, lo que en fotografía denominamos “patrones”, son una técnica recurrente a la que se le puede sacar mucho partido. Tiene muchas utilidades y una de ellas es ayudar a crear profundidad en las fotos si encontramos elementos repetidos que se alejen hacia el fondo de una imagen como la de abajo.

Como se puede comprobar, si tenemos un mismo elemento que se repite de manera prominente desde el primer plano hasta el fondo, esa repetición nos permite obtener ritmo en la imagen y una poderosa sensación de profundidad.

Utiliza marcos

Otra manera de obtener profundidad en una imagen consiste en enmarcarla dentro de algo. Puede ser a través de elementos buscados a propósito o encontrados por casualidad, pero es algo que permite (entre otras cosas) dirigir la mirada del espectador y, con ello, ofrecer sensación de tridimensionalidad.

Aprovecha las condiciones atmosféricas

Si hablamos de fotografía al aire libre siempre hay que tener en cuenta las condiciones atmosféricas, pero a veces éstas también son una forma simple y poderosa de dar profundidad a las imágenes. Hablamos de la neblina, un fenómeno que bien aprovechado ayuda a obtener un agradable efecto de capas en las montañas vistas desde la distancia que acaba ofreciendo una gran sensación de profundidad.

La neblina, que enfatiza el espacio entre las distintas montañas, y el contraste decreciente que ofrecen cuanto más lejos estén, permite un efecto muy atractivo que se puede potenciar aún más con el uso de una distancia focal larga.

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Usa la luz en tu beneficio

Finalmente había que hablar de la luz, cómo no. La dirección y calidad de la luz permiten añadir tridimensionalidad a nuestras fotografías de una manera natural y visualmente muy atractiva. La luz lateral suave, por ejemplo, enfatiza la plasticidad de un elemento y hace que parezca que llega más lejos hacia el fondo.

Foto de Joshua Reddekopp

Por otro lado, la luz permite revelar contrastes y texturas en las superficies de los elementos que aparecen en la imagen que también pueden ayudar a ofrecer la idea de que esos objetos pertenecen a un mundo tridimensional auténtico.

Uno de los grandes problemas de los fotógrafos que empiezan es que tienen muchas dudas a la hora de componer. Hay cientos de artículos, libros y vídeos explicando técnicas y trucos que los terminan sumergiendo en un mar de líneas ficticias que no llevan a ninguna parte, solo a repetirse una y otra vez. Y todo sería más sencillo si antes de llevarse la cámara al ojo analizaran lo que están viendo. Y si eres capaz de trasladar la realidad a un mundo bidimensional, tus fotografías mejorarán rápidamente.

Adelanto, como siempre, que hacer fotografías no es fácil. No te las hacen ni el mejor móvil ni la cámara más moderna, ni los filtros ni la inteligencia artificial. Disparar (o pescar) es un acto creativo que depende enteramente del que esté detrás. Y que una buena técnica no es lo único necesario.

Ahora todos estamos obsesionados con el teléfono, la cámara o el objetivo. Hemos caído en las redes de valorar más el dedo que el objeto que señala. Es increíble la de comentarios que vemos en las redes: 'pues está hecho con el móvil'... 'pues resulta que mi cámara consigue esto'... 'no entiendo que la gente lleve la cámara teniendo este móvil'...

Primero no se valoran ellos mismos como fotógrafos, sino que le dan todas las loas a la máquina. Y segundo que confunden la técnica con la expresión... Pero esto es otra historia.

Basado en el color

Las fotografías salen bien o mal por diferentes motivos. Muchas veces son cosas puntuales y casi siempre tienen que ver con nosotros. La exposición perfecta ya no es un problema porque las cámaras han alcanzado tal nivel que es difícil equivocarse salvo que te empeñes en seguir disparando en Manual.

Todo consiste en saber mirar y trasladar la realidad a un plano bidimensional. En la fotografía es complicado trasladar las sensaciones que nos trasmite el aire, los olores o las vivencias de ese momento. Para conseguirlo tenemos que entender la composición, las normas que nos dictan cómo colocar los elementos. Sin embargo, siempre se olvidan de recomendar lo más importante: el punto de interés.

El punto de interés es la clave de la composición

Si estás empezando te pido que después de leer este artículo vayas a por tus fotografías y te prepares para mirarlas de otra forma. Olvídate de los recuerdos que te inspiran, de lo que te dijo ese youtuber tan famoso para mejorar una fotografía con Adobe Photoshop. Incluso de lo que muchas veces contamos aquí sobre tal programa.

Siéntate con tranquilidad en tu silla de trabajo y mira. Limítate a mirar tus mejores trabajos, los que más te gustan. Los que te llevaron a comprarte una cámara mejor. Y te darás cuenta de una cosa.

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Cómo convertir una fotografía en un archivo PDF en cualquier dispositivo y de la manera más rápida, sencilla y efectiva

Todos tus buenos disparos tienen un punto de interés, un lugar al que pueden mirar los espectadores entre toda la información que tiene una instantánea. Esa es la clave que tenemos que perseguir.** Y si no lo tienen, no son tan buenas como te parecían**.

Aquí no pasa nada

No tiene sentido hacer un paisaje donde todo tiene el mismo protagonismo, donde solo hay cielo y tierra. Esas vistas funcionan en la realidad, pero un espectador fotográfico no puede tener la mirada perdida sin fijarse en nada.

Tiene que saber, inconscientemente, dónde tiene que mirar porque se lo estás diciendo tú. Has hecho la foto y has revelado para conseguir eso. Esto es, has trabajado la visualización, el concepto que introdujo Ansel Adams para explicar cómo hacer una fotografía.

Si antes de llevarte la cámara al ojo, decides qué es lo importante en el encuadre que has elegido, todo vendrá detrás corriendo... La composición empezará a funcionar por sí sola. Es verdad que podemos servirnos de las líneas ficticias para no andar perdido. Pero con el punto de interés el 80% del trabajo está hecho.

El punto de interés es el espacio, lugar u objeto que quieres destacar dentro de la composición. Y tiene que estar muy claro. A partir de esa decisión todo girará en torno a él. Si estás empezando te ayudarán las líneas que se formularon en un libro del siglo XIX, escrito por un pintor que no destacaba.

¿Es un punto de interés el jarrón?

Pero si quieres avanzar de verdad te darás cuenta de lo poderosa que es la luz para dirigir la mirada. O la importancia que tienen los colores para componer. Ahí es cuando entran los grandes maestros que tenemos que entender para mejorar. Y nunca menospreciarlos.

Ahora se insiste mucho en el concepto. Y muchos fundan su carrera en las ideas, pero se olvidan de las imágenes. Tienen que convivir las dos... Esto es otra historia, desde luego.

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La astronomía desvela el misterio de las fechas en las que Ansel Adams fotografió el parque nacional de Denali

Así que, a partir de ahora, si te ves atascado con tu trabajo, empieza a fijarte primero en lo que te llama la atención, busca ese punto de interés y tus disparos empezarán a mejorar.

Una buena fotografía puede vender un producto. Cuando no tenemos acceso a un estudio, cámara o iluminación profesional tenemos que resolver con lo que está a la mano. ¿Se puede hacer una buena foto de producto con un móvil? Eso creemos y acá os damos los consejos básicos para conseguir una foto de producto llamativa con nuestros móviles.

Sentarse a observar

La clave de la fotografía de producto está en mirar el objeto a fotografiar y ver sus propiedades. Algunas veces, lo único que hacemos para una publicación es una simple fotografía y esperar que alguien ya tenga experiencia con el producto. Pero, cuando nos detenemos, podemos ir tomando pequeños pasos para llamar más la atención sobre el sujeto.

Un antes de...

Como siempre, lo más recomendable es utilizar un trípode, pues nos ayudará a que expongamos manualmente y controlemos mejor la toma. Si no tenemos uno, siempre podemos utilizar algunos libros u otros elementos que nos ayuden a mantener el móvil de manera estable.

1- Pensando en la composición

¿Qué es lo que queremos mostrar de nuestro producto?¿su totalidad o solo un detalle?

Lo primero que debemos hacer es pensar en la escena, cómo está compuesta y con qué ángulo y distancia se ve mejor nuestro objeto. Con la resolución actual de los móviles, podemos aprovechar las imágenes de muchos MP para tener en cuenta que haremos un recorte posteriormente, por lo que no importa si dejamos un área más grande de lo común para componer la imagen en un principio.

Las rejillas de tercios nos pueden ayudar a balancear la escena.

Ordenando esto desde el comienzo nos ayudará a centrarnos en el objeto y determinar a partir de ahí lo que necesitamos para que sobresalga mucho más.

2- Pensando en el fondo

El fondo es algo muy importante, nos puede ayudar a destacar el objeto o a ponerlo en algún contexto. En un comienzo, cuando no tenemos muchos recursos, lo mejor es ayudarlo a destacar utilizando un fondo plano.

El color correcto nos ayuda a darle más vida a la escena.

Los colores neutros, como el gris, el blanco y el negro son ideales cuando solo vamos a mostrar el producto. Pero, podemos jugar con armonías de color para resaltar el mismo producto o generar una imagen más llamativa a partir del contraste de color.

3- Las propiedades del producto

Lo siguiente es mirar el producto y sus propiedades. ¿El objeto es opaco, traslúcido?¿Es muy brillante y refleja las luces o No posee brillo?

Un producto que refleja se debe pensar desde cómo iluminar con brillos.

Esto nos permite saber qué tipo de accesorios e iluminación podríamos utilizar para hacer que luzca mejor.

4- Iluminando el producto

El siguiente paso es iluminar nuestro objeto. Como hemos mostrado en ocasiones pasadas, hay muchas formas fáciles de hacer iluminación y modificadores caseros tipo ‘Hazlo tu mismo’. Así mismo, es bueno tener cartones blancos y negros para crear rebotes y recortes de luz; y papeles transparentes o cortinas de baño blancas que podamos utilizar como difusiones de luz.

Luz con difusión a la izquierda, rebote de cartón blanco a la derecha.

Luego, según las propiedades del producto que analizamos comenzaremos a diseñar la iluminación. Productos opacos con mucha textura se van a ver beneficiados con luces más puntuales que, usando iluminación lateral, destacan la textura. Los objetos con brillos se van a ver más beneficiados de fuentes amplias y largas, ya que con estas diseñamos los brillos sobre la superficie, como en este caso. Una luz difusa desde un lado y un rebote con un cartón largo pueden lograr una iluminación pareja, con brillos que le dan volumen a la lata.

Un después.

Teniendo en cuenta estos cuatro elementos podremos crear mejores fotografías de producto con nuestros móviles. Una vez hagamos nuestra toma, será mucho más sencillo editar y obtener una imagen llamativa que logre vender nuestro producto.

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Cómo aprovechar un sensor de muchos MP para obtener mejores imágenes con nuestros móviles

¿Qué otros trucos le recomendáis a la comunidad para hacer mejores fotos de producto?

Seguro que has oído hablar de las reglas de composición, una serie de normas más o menos establecidas que ayudan a que una fotografía tenga orden y sentido. La más popular es la de los Tercios, pero también hay otras como la regla de las probabilidades o impares que es muy útil para lograr imágenes más llamativas.

¿Qué es la regla de las probabilidades en fotografía?

Esta norma tiene la particularidad de que "aprovecha" el cerebro del espectador para ayudar a crear una composición que capte su atención debido a una particularidad bastante curiosa: nuestro cerebro tiene propensión a crear orden en lo que ve. Por ello, cuando vemos un grupo de objetos tendemos a agruparlos en pares (o grupos) de forma inconsciente; así, si nos encontramos con una serie de objetos cuyo número es impar, a nuestra mente le cuesta más agruparlos y eso hace que llamen más la atención.

Seguro que ahora entendéis porqué hablamos de regla de las probabilidades o de los impares; porque cuando en una composición hay un número impar de objetos, el espectador tarda más en examinar la imagen, ya que su vista se mueve entre los elementos individuales trantando de agruparlos. Por tanto, hacemos que el cerebro del espectador trabaje un poco más y se vea más atraído por la fotografía; es decir, logramos que nuestra imagen llame más su atención.

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Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Por tanto, el número de elementos que decidimos incluir dentro de una composición es importante y, según la regla de los impares, es aconsejable que incluyamos siempre un número impar de elementos para crear una imagen más dinámica y, por tanto, como decimos, más llamativa. Así, una imagen será más interesante si incluimos un único elemento que si hay dos, lo mismo que será mejor elegir tres que cuatro. Para verlo más claramente recurramos a un ejemplo que hemos realizado con una sencillas mandarinas:

¿Cuál os parece más atractiva? En la primera imagen el único elemento se convierte lógicamente en el protagonista indiscutible de la foto, algo que (dependiendo de otras variables) podría dar sensación de soledad... o de seguridad; en la segunda, al haber dos objetos que son (aparentemente) iguales hay equilibrio y estabilidad, lo que suele ser menos atrayente para la vista; en la tercera, con tres mandarinas, de alguna manera creamos un conflicto (¿cuál es la fruta dominante?) o damos una impresión de unidad; en cualquier caso, creamos un dinamismo visual que no hay en la anterior.

Como veis, las posibilidades son muchas, porque dependen de ciertas variables adicionales. Por ejemplo, hay que saber es que la regla de las probabilidades es aplicable hasta unos diez elementos (aproximadamente), ya que una vez sobrepasamos esa cifra nuestro cerebro ya tiende a juntan los objetos en grupos y, por tanto, no hablaríamos de elementos en solitario sino de grupos.

Por otro lado, también es muy importante la manera de situar los objetos en el encuadre, porque la composición sin duda puede afectar mucho al resultado y hacer que el espectador asocie los objetos como grupos unitarios según como los hayamos colocado.

Cómo aprovecharlo

Es evidente que esta regla es aplicable a una gran cantidad de ámbitos pero también que sus efectos son mucho más visibles en algunos de ellos como puede ser la fotografía de producto, la fotografía gastronómica o la de naturaleza. Sin embargo sus ventajas se pueden aplicar a todo tipo de situaciones simplemente eligiendo, siempre que podamos, un número impar de objetos (el tres suele considerarse como el "número mágico" que mejor funciona) para incluir en nuestras composiciones para que "descoloquen al espectador".

Y por supuesto estos elementos no tienen porqué ser iguales como en el caso de las mandarinas o los adorables cachorros de arriba, sino que podemos aplicarlo a objetos de todo tipo. Eso sí, en estos casos hay que atender a muchas otras variables que ya hemos citado más o menos: por supuesto la forma de colocarlos en la composición pero también el tamaño de los objetos y su propia naturaleza.

Podemos buscar que los objetos formen una composición agradable, eligiendo elementos que estén relacionados (como en la foto de abajo), que tengan un tamaño similar o que estén situados en la imagen de una manera armónica para lograr un resultado amable.

Foto de Dmitry Ratushny

Pero también podemos hacer que sean muy distintos. Por ejemplo como en la foto de abajo donde, sobre un fondo de margaritas blancas hemos situado una amapola roja, logrando así que este elemento se convierta en el punto focal de la foto y atrayendo inmediatamente la atención del espectador.

Otra opción es descolocar los objetos para acentuar la sensación de cierto caos que llame la atención del espectador. Por supuesto podemos aprovechar sus formas para crear líneas o figuras reconocibles por quien mira la foto, cuyo cerebro siempre está a la búsqueda de líneas y patrones. En cualquier caso, siempre es interesante que el número de objetos sea impar.

Otra variable a considerar es la propia naturaleza de los objetos ya que, cómo es lógico, nuestro cerebro tiende a agrupar objetos que sean "familiares". Así por ejemplo, si en una composición incluimos una taza, un plato y un destornillador estaremos cumpliendo la regla de los impares pero probablemente su cerebro agrupe los dos primeros como un único elemento. En cualquier caso, el resultado será llamar la atención del espectador.

Si hablamos de situaciones en las que no podemos manipular fácilmente el número de objetos de la composición, por ejemplo cuando estemos fotografiando paisajes, siempre tendremos la opción de movernos alrededor y restringir la composición a un número impar de árboles, picos de montañas, rocas, nubes, etc.

Excepciones a la regla

Por supuesto, las reglas se pueden romper, y también tienen excepciones. En este caso una de las excepciones más entendibles se aplica cuando fotografiamos a personas. El mejor ejemplo lo tenemos en la fotografía de bodas, donde evidentemente no tendría sentido introducir una tercera persona en las fotos de los novios.

Sin embargo, si la pareja tuviera un hijo se podría conseguir una buena composición que cumpla la regla de todas todas; de todos modos, en esta disciplina es importante recordar lo ya dicho: para las fotos de invitados, convite, etc siempre se puede tener en cuenta la regla pero sin olvidar lo de que, a partir de cierto número, los objetos se agrupan.

Foto de Natalya Zaritskaya

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Técnicas avanzadas de composición que quizá no conocías

Por último, es importante no obsesionarse; la regla de las probabilidades es como la regla de los tercios: hay que usarla siempre y cuando funcione para mejorar nuestra composición pero no debemos sentirnos limitados por ella si, sencillamente, tenemos un número par en una composición que funciona.

Y es que un par de zapatos siempre será un par de zapatos pero, aunque no se cumpla la regla, si la composición es atractiva la foto puede funcionar. Y a vosotros ¿qué os parece la regla de las probabilidades o impares? ¿la conocíais? ¿la tenéis en cuenta al hacer vuestras fotos?

Muchísimas veces hemos hablado de la importancia de la composición en fotografía, de si es útil o no seguir la Regla de los tercios y otras normas compositivas. Pero nunca está de más insistir si de lo que se trata es de conocer algunos consejos de composición avanzada que te ayudarán a conseguir imágenes más atractivas.

Así que vamos a hablar de algunas técnicas o ejercicios que nos ayudarán a conocer formas de composición más elaboradas que nos permitan ir más allá de las reglas clásicas. Y, además, vamos a intentar proponeros un ejercicio por cada una de ellas para que sea más fácil entenderlas y llevarlas a cabo.

La yuxtaposición

Según la RAE, la yuxtaposición es la “acción y efecto de yuxtaponer” que, a su vez, significa “poner una cosa junto a otra”. Aplicado a fotografía se trata, como ya habréis adivinado, de situar objetos en la imagen que estén una al lado de la otra y, por tanto, provoquen un efecto de contraste. Éste generalmente tiene forma de contraste visual, pero también es válido que la diferencia sea temática o emocional.

Foto de Etienne Girardet

En cualquier caso, las imágenes que contienen fuertes yuxtaposiciones suelen ser muy atractivas, y requieren que el fotógrafo tenga buen ojo para localizar el contraste visual, o paciencia (y suerte) para detectar ejemplos de contraste emocional.

De cualquier manera, para lograrlo se puede intentar ir a la caza de elementos contrastantes para yuxtaponerlos en nuestras fotos. Por ejemplo podemos proponernos encontrar elementos viejos y nuevos, blancos y negros, tradicional y moderno, natural y artificial…. La clave está en ser capaz de “sacudir” al espectador con una gran diferencia entre ambos elementos.

Las capas

Se trata de una técnica muy efectiva para dar profundidad visual a una imagen. En su forma más simple, simplemente permite crear una diferencia visual entre las partes de una escena (primer plano, plano intermedio y fondo, por ejemplo) para que se produzca la sensación de profundidad, algo que variará bastante dependiendo de la focal utilizada.

Foto de asoggetti

Muy usada en fotografía de paisaje, encontrar una escena donde se pueda aplicar es relativamente sencillo si se tiene buen ojo. Por eso, nuestra recomendación para practicarlo es intentar localizar una toma en la que haya entre cinco y siete capas distintas (al menos).

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Cómo sacar partido al color en fotografía y mejorar nuestra composición

Spot color

Añadir un elemento de color que resulte muy llamativo es una técnica muy efectiva para dirigir la mirada del espectador a ese punto. Normalmente se elige una escena en la que no haya excesivo color (o éste sea muy uniforme) salvo esa cosa destacada que, preferentemente, debe ser de un tono muy vivo o que destaque mucho respecto a lo demás.

Foto de Samuel Myles

Por supuesto no hablamos de las típicas fotos en las que se ha virado toda la fotografía a blanco y negro excepto un foco de color (una de esas “técnicas controvertidas”), sino de hacer algo que resulte natural, razón por la que no resulta fácil lograr una foto de este estilo. Si lo vemos imposible, siempre se puede forzar eligiendo algún objeto llamativo y colocándolo en un entorno en el que contraste fuertemente.

Enmarcados

Otro elemento compositivo muy eficaz para dirigir la mirada del espectador de una foto es enmarcar una parte de ésta con algún elemento, aunque también sirve para sugerir profundidad, contextualizar la imagen o ayudar a organizar sus elementos.

Foto de Farrel Nobel

El ejercicio que os proponemos para conseguir desarrollar esta técnica es tan sencillo (y tan complicado) como salir a la calle y estar muy atentos para localizar cualquier elemento que pueda convertirse en un marco atractivo. A partir de ahí, buscaremos cómo incluir elementos interesantes dentro del marco, como pueden ser personas que pasen por ahí.

Los reflejos

Quizá nunca hayas pensado en los reflejos como un técnica compositiva pero realmente puede serlo si se utilizan como algo más que una especie de apoyo simplemente para rellenar el primer plano. Muy al contrario, si sabemos sacarles partido pueden convertirse en una forma de que la fotografía cobre un sentido muy distinto al habitual si tratamos el reflejo como una parte de la imagen de vital importancia.

Foto de Rainier Ridao

Que se lo digan a Guido Gutiérrez que ha hecho de los reflejos una forma de fotografiar al conceder a ambos planos la misma importancia. ¿Cómo llevarlo a cabo? Fácil, busca reflejos y dales tanta importancia como el resto de la foto. Si es invierno los encontrarás fácilmente en exteriores cuando llueva en forma de charcos, si es verano en lugares con agua (ríos, lagos…). Acuérdate también de las superficies reflejantes como los espejos o los cristales, tanto en exteriores como interiores.

El punto de fuga

Como ya sabrás, se trata de una técnica que a través de la perspectiva permite crear una gran sensación de profundidad y, de paso, dirigir la mirada del espectador. En este artículo ya hablamos en profundidad de cómo se trata de buscar un punto imaginario al cual parezcan converger dos o más líneas para dar impresión de tridimensionalidad.

Foto de Harry Cunningham

Es bastante fácil de localizar y sacarle partido, así que para ponerlo un poco más difícil os proponemos que busquéis puntos de fuga en lugares donde no son tan evidentes. Ya sabéis, nada de pasillos del Metro o vías de tren; tratad de ponerlo en práctica en lugares más reducidos, donde las líneas no sean tan evidentes y haya que escurrirse un poco el cerebro.

La Proporción Áurea

Hemos dejado para el final la que quizá sea la técnica más compleja de todas las que hemos hablado, la proporción o sección áurea. Es similar a la Regla de los Tercios (de hecho se considera que aquella es una simplificación de ésta), ya que se basa en utilizar la Espiral de Fibonacci (que surge de una secuencia matemática) que marca donde situar los elementos importantes de la foto.

El caso es que, para aplicarla, hay que imaginar esas formas y utilizarlas para delimitar las partes importantes de la foto. Evidentemente, no es algo fácil de aplicar, pero el dibujo seguro que os será más fácil de recordar si pensáis en la forma de una caracola marina.

Foto de Maxime Lebrun

Foto de portada | Simon Matzinger

La composición en la fotografía es uno de los grandes quebraderos de cabeza para muchos alumnos. Solo hay que buscar en las redes y en los libros para encontrar mil reglas, mil propuestas para conseguir el mejor resultado posible. Una de ellas es acudir a la psicología de la Gestalt y trabajar con los 8 principios que significan una de las mayores aportaciones dentro del terreno de la composición fotográfica.

El principal problema de la composición fotográfica es que se pretende, muchas veces, caer en una serie de normas que solo estandarizan la imagen. ¿No os habéis fijado que últimamente todas las fotografías de paisaje son iguales? El famoso triángulo para equilibrar, el primer plano potente, el juego de colores... Las fotografías, es mi opinión, han perdido naturalidad en aras de un neopictorialismo seguido por muchos.

Cada uno es libre de hacer lo que le apetezca. Pero al ver estas fotografías no distinguimos al autor, solo vemos la técnica empleada. Todo es igual. Muy pronto se caerá en la monotonía hasta la siguiente moda que terminará muriendo de la misma forma. Al fin y al cabo la fotografía sigue el mismo curso que las demás manifestaciones artísticas. Y en la época que nos ha tocado vivir tenemos la libertad de seguir el camino que queramos.

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Pero como ya hemos comentado en otras ocasiones, las reglas que tanto proliferan en multitud de artículos y demás vienen de un pequeño libro del siglo XX escrito por Jay Hambidge en 1920. Ahí encontramos la regla de los tercios, la proporción áurea y todo intento de simplificar y facilitar el acceso de las Bellas Artes a toda persona que quisiera ser tenida en cuenta en el mundo del arte. No era más que un manual de recetas para que las cosas salieran bien.

Las reglas de composición

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Las reglas de composición son buenas para empezar. A mucha gente les ha servido en sus comienzos. Es útil saber que si colocamos un objeto en el cruce de cuatro líneas imaginarias el resultado será aceptado socialmente. O que si ponemos tres cosas en la fotografía el resultado llamará la atención en numerosos concursos.

Pero esto es el comienzo, una mera guía de iniciación que debemos olvidar cuando tenemos más seguridad a la hora de mirar a través del visor. La composición se aprende de los maestros, nos tenemos que inspirar en los grandes pintores, en los buenos directores de cine y sobre todo en los fotógrafos que nos gustan.

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Así veremos que las reglas no son más que líneas inventadas para justificar una forma de mirar con un fuerte componente social. Unos serán más clásicos, otros más rompedores. Pero ninguno de los grandes copia a otro. Esas líneas es para intentar hacer lo que hace otro sin aportar nada nuevo. Si es lo que queremos, es perfecto. Pero muchos fotógrafos les gustaría llegar más allá.

Por este motivo lo importante es conocer otra forma de enfrentarse a la composición. Lejos de las reglas impuestas por alguien del siglo XIX que nadie recuerda. Y aquí es donde entra la psicología de la Gestalt y sus principios que podemos imbuir en la fotografía.

Los principios de la Gestalt

Solo sé que no sé nada de la psicología. En sentido literal. Por este motivo siempre viene bien acudir a diversas fuentes. El problema es que muchas veces la ignorancia nos hace buscar en cualquier sitio. Afortunadamente muchas veces podemos acertar. Hay que leer mucho y hablar mucho para saber algo sobre un tema.

Por lo que he leído (y agradeceríamos cualquier aportación) la psicología de la Gestalt surgió como una respuesta contra la tendencia a creer que todo lo que nos sucede puede ser medido y cuantificado. Por este motivo busca la respuesta en las vivencias subjetivas de las personas. Observa su entorno social y su contexto familiar y considera al ser humano como un agente capaz de desarrollarse de forma libre y autónoma.

En este punto, en el que muchos tenemos ya el peligro de perdernos, podemos unir a la Gestalt con las manifestaciones artísticas, con la fotografía. Sobre todo por su relación con la Bauhaus y por extensión con la Nueva objetividad, una de las corrientes fotográficas más importantes del siglo XX. Como dijo Walter Gropius:

Nuestra idea directriz consistía en que el instinto configurador no es algo intelectual ni material, sino parte integrante de la substancia vital de una sociedad civilizada. Nuestra ambición se proponía sacudir al artista creador en su estado de persona ajena al mundo y restablecer su relación con el mundo real del trabajo y al propio tiempo, relajar y humanizar la rígida actitud, casi exclusivamente material, del hombre de negocios. Nuestra concepción de la fundamental unidad de toda configuración, con proyección a la vida misma, estaba en diametral oposición a la idea de “l’ art pour l’art” y la mucho más peligrosa filosofía de donde esa idea surgió, o sea la del negocio en sí.

Podríamos seguir hablando largo y tendido de dicho movimiento. Y más todavía si vemos que tenía relación con la escuela de la Bauhaus. Pero vamos a descubrir los principios que rigen las imágenes y que podemos utilizar para entender cómo funciona la composición. Y todos tienden a la simplificación. y que el todo es mayor que la suma de todas sus partes:

Figura-fondo

La imagen se percibe siempre como un objeto rodeado de un fondo. Por lo tanto la figura principal debe guardar relación con lo que le rodea para que el espectador lo destaque. Es la conocida ilustración del jarrón de Rubin.

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Proximidad

Los objetos de una fotografía tienden a percibirse como parte de un grupo si están cerca uno del otro.

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Principio del destino común

Los objetos se conciben como un grupo si se mueven juntos o siguen una misma línea.

Principio de similitud

Los elementos tienden a integrarse en grupos si son similares entre sí.

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Principio de continuidad

Los grupos tienden a integrarse en conjuntos perceptivos si están alineados entre sí.

@ferfoto.es

Principio de cierre

Los elementos tienden a agruparse si pueden dar lugar a una figura cerrada.

@ferfoto.es

Principio de la buena forma

Los elementos tienden a agruparse si son partes de un patrón.

@ferfoto.es

Principio de experiencia pasada

Los elementos tienden a agruparse si estaban juntos en la experiencia pasada del observador.

@ferfoto.es

Son 8 principios que pueden parecer obvios a la mayoría de los fotógrafos. Pero si observamos con detenimiento el encuadre podemos tratar de encontrar estos principios para facilitar la percepción y la lectura de la imagen a todos los espectadores que tengan la suerte de verla.

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Todos estos principios no son tan sencillos como las recetas que se dan para componer una imagen. Obligan a pensar, a observar. Y sobre todo a trabajar. Como siempre, tenemos que olvidar algo que siempre nos han hecho creer. La fotografía no consiste solo en dar un botón.

Por su propio significado, podemos pensar que el espacio negativo, o espacio en blanco, es algo vacío de contenido y, por tanto, prescindible. Sin embargo, su uso está muy extendido en muchas artes (por supuesto la fotografía) porque bien utilizado ayuda a enfatizar el tema de una imagen y puede darle una potencia visual difícil de conseguir de otro modo.

Por este motivo, el espacio negativo es una de las claves fundamentales en fotografía minimalista, y es muy útil en disciplinas como la fotografía de producto, la foto arquitectónica o la street photography; de hecho, podemos decir sin miedo a equivocarnos que es algo de lo que se puede sacar provecho prácticamente en cualquier ámbito fotográfico.

Foto de averie woodard

Hace bastantes años ya os dimos algunas directrices y dejamos claro que “ausencia de contenido no tiene porqué significar ausencia de interés”. Y ahora vamos a retomar este interesante tema empezando por repasar el concepto y siguiendo por ofrecer algunos consejos prácticos para aprovecharlo.

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¿Qué es espacio negativo y qué positivo?

Según la RAE, una de las acepciones de ‘negativo’ es “que implica la ausencia o inexistencia de algo” y uno de los usos de ‘blanco’ significa “que no lleva nada escrito o impreso”. Así, podemos decir que el espacio negativo o en blanco de una foto es todo aquel que no incluye información relevante, el que queda entre los diferentes elementos de una composición.

Por contraposición, el espacio positivo es el área de la foto que contiene información importante de la composición. Así, esta zona (o zonas) es la que atrae primero la atención del espectador en una foto, al ofrecerle elementos con algún contenido.

Por eso, aunque podemos asimilarlo con el fondo (un elemento que tiene su importancia en fotografía), en este caso hablaríamos de uno sin apenas información, o con un contenido neutro o redundante.

Y es que hay que dejar claro que el espacio negativo no significa que esté completamente vacío, sino que es un área que se ha dejado sin apenas información con unos fines concretos, para evitar atraer la atención sobre él y, por contra, definir, delimitar y/o potenciar el espacio positivo.

Foto de Joanna Kosinska

Por tanto, es muy efectivo para hacer que la mirada del espectador se dirija rápidamente hacia el elemento principal de una composición. Pero además, su eficacia está muy relacionada con el hecho de que podemos obtener una fuerte asociación entre el espacio negativo y las emociones. Así, un espacio en blanco puede evocar una sensación de calma, misterio, melancolía y/o asombro.

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¿Cómo sacarle provecho?

Lo primero es tener claro lo que ya hemos dicho, que no es para nada un espacio en blanco y, por tanto, tiene su importancia en la composición. Eso sí, aunque es útil echar mano de las normas básicas de composición y conocer sus principios, aquí las reglas tienen un papel secundario y lo que prima es la imaginación del autor.

Foto de Pierre Châtel-Innocenti

Sin embargo, hay algunas cosas que debemos considerar a la hora de utilizar el espacio negativo en fotografía de la forma más aprovechable que sea posible:

Menos es más

Es una de las máximas de la fotografía minimalista, donde prima eliminar todo lo superfluo y usar los elementos básicos de diseño (línea, forma, color, textura…) en su forma más simple. Con ello se consigue que los elementos principales de la imagen (lo que sería el espacio positivo) cobren una gran potencia visual por contraposición al “vacío” que ofrece el espacio negativo.

Por eso, para ponerlo en práctica debemos buscas composiciones con elementos mínimos, donde el espacio en blanco ocupe una parte importante del encuadre. Por ejemplo, podemos utilizar una “regla” que dice que es útil incluir el doble de espacio negativo que espacio positivo en una composición, aunque esto sólo sería un principio que dependerá mucho de la toma en concreto.

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Ojo a la posición

Un aspecto clave al utilizar espacio negativo es dónde situarlo concretamente, porque esto determina el impacto visual que finalmente tendrá la foto. Por ejemplo, si pensamos en una imagen con un único elemento protagonista podríamos optar por situarlo justo en el centro y rodearlo de espacio vacío.

Foto de Josh Calabrese

El resultado, evidentemente, es que potenciaremos el objeto, incluso puede que le demos un aire abstracto a la imagen, pero no necesariamente estaremos añadiendo atractivo; al menos no más allá del interés que pueda tener el elemento en sí para el espectador. Por eso, es bastante más recomendable situar ese elemento principal a la derecha, izquierda, arriba o abajo (dependiendo del tamaño), con lo cual al mismo tiempo estaremos creando un área continua de espacio negativo de cierta importancia.

Si el objeto es pequeño es bastante interesante echar mano de la siempre útil regla de los tercios para situar el elemento en alguno de los puntos que forman sus líneas imaginarias. Esto significará utilizar las esquinas de la composición, lo que con frecuencia nos proporcionará un buen resultado.

Foto de Laura Connesson

De cualquier manera, vamos a ver qué conseguiremos (en general) dependiendo de dónde situemos el espacio negativo. Si éste se sitúa mayoritariamente en la parte baja de la foto, normalmente estaremos aportando una sensación de ligereza, sugiriendo que el elemento principal de la foto flota en ella.

Si, por el contrario, lo situamos arriba, aportaremos una sensación de pesadez al objeto; aunque todo depende de éste, ya que también podemos sugerir que algo sucede hacia arriba, y que nuestro protagonista principal quiere (o puede) escapar del cuadro.

Foto de Osman Rana

Esa misma sensación podemos conseguir si el espacio en blanco se sitúa delante del sujeto principal, es decir en la dirección hacia la que éste mira o se mueve. Esto, como ya habréis adivinado, está íntimamente relacionado con las reglas de dirección y movimiento y la ley de la mirada, que dicen que siempre debemos dejar más espacio en la dirección hacia la que el sujeto mira o se dirige.

Si decidimos cumplirla, normalmente conseguiremos dar la impresión de que la escena se desarrolla de forma natural y progresiva y que el sujeto “respira”. Pero si preferimos no hacerlo, y situar el espacio negativo por detrás del sujeto, crearemos una composición mucho más chocante y llamativa.

Así, podremos dar sensación de agobio, de que el elemento principal choca con el marco de la foto y se encuentra atrapado. Esto se debe a que, de forma natural, nuestro ojo tiene a mirar hacia donde va el sujeto, con lo que en este caso estaremos poniendo cortapisas a la mirada del espectador y “atrapándole”.

Y si hablamos de un objeto inanimado, situar el espacio negativo a la derecha o izquierda también tiene su influencia, aunque sea algo menor. En estos casos, lo más importante es recordar que miramos de izquierda a derecha, con lo cual lo situado a la derecha tiende a tener mayor peso visual. ¿Significa esto que siempre debemos colocar el espacio negativo a la izquierda? En absoluto, todo dependerá de nuestra intención.

Si queremos crear una imagen “natural”, y dar el mayor protagonismo al elemento principal de la foto, sí sería una buena estrategia. Si queremos conseguir una foto que llame la atención, es posible que sea más efectivo disponerlo justo al revés. Como decíamos, la creatividad juega un papel clave, así que todo es cuestión de probar.

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Texturas y colores

Estamos diciendo que el espacio negativo no está completamente vacío pero, entonces, ¿con qué lo llenamos? Recordemos que lo ideal en una composición de este tipo es utilizar la menor cantidad de objetos para la composición, por lo que el espacio en blanco debe estar acorde a esta idea.

Sin embargo, cuando decimos vacío nos referimos básicamente a vacío de elementos, pero sí que podemos rellenarlo con distintos elementos como texturas y color. Este en concreto es muy efectivo para utilizar en el espacio negativo que, ahora sí, queda claro que no tiene que ser blanco.

De hecho un color intenso es una muy buena idea para obtener una imagen llamativa. Eso sí, es preferible que sea un color sólido y que su tonalidad esté en consonancia con la parte “positiva” de la foto. En este sentido, lo ideal es utilizar un color que sea complementario al predominante en el elemento principal, o al menos que contraste porque, como es fácil de entender, no conseguiremos el mismo efecto si usamos un tono u otro, o un color muy oscuro que uno claro.

Foto de Boris Thaser

En cuanto a las texturas, podemos emplear casi cualquier cosa, pero siempre pensando en que su apariencia sea suave, sin restar demasiado protagonismo al elemento principal de la foto. También es útil utilizar patrones, pero también procurando que no sean muy llamativos (cuanto más repetitivos mejor).

Profundidad de campo y clave alta/baja

Cuando no podemos tener un fondo prácticamente plano, es decir vacío de elementos y sólo relleno por algún color o textura, tenemos que recurrir a otras estrategias como puede ser desenfocar el fondo o utilizar la técnica de clave alta o baja. Lo primero podríamos hacerlo con Adobe PhotoShop en la edición, pero lo ideal es hacerlo in situ recurriendo a limitar la profundidad de campo.

Foto de Anatoly S

De esto ya os hemos hablado en muchas ocasiones pero recordamos que se consigue siguiendo estos pasos: colocar al sujeto principal lo más alejado posible del fondo, acercar la cámara a él lo máximo posible con la mayor distancia focal que podemos y abrir el diafragma al máximo (lo ideal es contar con un objetivo luminoso que ofrezca un buen bokeh). Si lo hacemos bien y logramos un fondo suave tendremos un atractivo espacio negativo incluso aunque detrás haya un área llena de elementos.

En cuanto a la clave baja y clave alta, se trata de dos técnicas que también pueden resultar muy efectivas y en las que el espacio negativo suele cobrar mucha importancia. También se pueden lograr en la edición posterior, aunque es más efectivo realizarlas en estudio utilizando iluminación artificial, motivo por el que es una técnica más complicada de llevar a cabo.

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Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Y con esto hemos acabado de contar cómo sacar partido del espacio negativo en fotografía, así que ahora sólo queda animaros a salir y explorar sus posibilidades. Podéis empezar probando a crear composiciones realizadas en casa con un objeto que nos guste sobre una superficie plana, y quizá más tarde buscar inspiración en la calle y/o la naturaleza.

Foto de Óscar Condés

No es una disciplina fácil, y puede que al principio no obtengamos resultados inmediatos, pero si somos capaces de mirar de manera diferente, y saltarnos las reglas, podemos lograr tomas únicas y muy llamativas.

Foto de portada | Rodion Kutsaev

Al contrario que un pintor, que puede tomar directamente de la paleta los colores que quiere aplicar en su lienzo, el fotógrafo tiene el desafío de localizar los distintos tonos dentro de una escena que, normalmente, ya estará dispuesta. Así, puede que distraídos pensando la velocidad de obturación, el diafragma, la profundidad de campo, la sensibilidad, la luz de la escena y todos los demás detalles técnicos, se nos olvide que también hay que tener cuidado con cómo usamos el color.

Circúlo cromático RGB. Imagen de Wikipedia

Y es que, con un buen uso de los distintas longitudes de onda de la luz, podemos conseguir que nuestras imágenes tengan un mayor nivel de sofisticación. Por eso, al componer debemos tenerlo en cuenta como un elemento más que puede aportar mucho. Sobre todo dirigiendo la mirada del espectador hacia lo que nos interesa, pero también aportando a la fotografía un determinado estado de ánimo. Vamos a ver algunos ejemplos de cómo utilizar el color para conseguir una composición llamativa.

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Color en su mínima expresión

Una de las posibilidades más básicas, muy útil para dirigir la vista hacia algún elemento, es buscar una escena en la que haya una monocromía general y algún elemento de color que sobresalga. Esto, evidentemente, hace que ese objeto o persona llame la atención especialmente y se destaque del resto.

Foto de Gaelle Marcel

Sería lo mismo que se persigue con esas típicas fotos donde, gracias al retoque, viramos la imagen a blanco y negro y dejamos un único elemento de color brillante (¿quién no ha hecho alguna foto así?), pero lo ideal es realizarlo de una forma natural. Para ello, será necesario buscar encuadres con escasez de color y “meter” algo que sobresalga por sus tonalidades, a ser posible procurando que sea de la forma más realista posible.

Añadiendo tridimensionalidad

Una posibilidad similar a la anterior, y que también es una de las técnicas más básicas para destacar un elemento, la tenemos en elegir un motivo con un color destacado y apoyar esta idea con un fondo apagado (tanto en color como en luminosidad). Esto no sólo ayuda a que destaque el sujeto principal sino que también ayuda a lograr una cierta profundidad en la imagen.

Foto de Rommanas Kongmeng

Para conseguir este efecto resulta bastante útil medir la luz en el elemento principal y subexponer un poco (por ejemplo medio paso) de manera que el fondo quede aún más oscuro y resalte más el contraste entre las dos zonas de la imagen.

Jugando con los tonos

Como sabéis (y si no para eso está nuestro Curso de Fotografía), los colores suelen representarse en gráficos o círculos donde se agrupan las distintas tonalidades y saturaciones por similitud. También que existen colores contrarios y otros que, no siendo de la misma “familia”, son complementarios.

Foto de kazuend

Pues bien, nosotros como fotógrafos podemos jugar con los distintos colores de formas muy variadas, por ejemplo integrando en nuestro encuadre dos tonos totalmente opuestos (por ejemplo uno frío y otro caliente como en la imagen superior). El resultado de esto, como es fácil suponer, es un elevado contraste en la imagen que, inevitablemente, llamará la atención del espectador y hará que ambas zonas de la imagen estén muy claramente diferenciadas.

Otra posibilidad, que también permite conseguir un buen contraste pero esta vez de una forma más “armoniosa” y no tan “cortante”, es utilizar dos colores complementarios. Por ejemplo el verde y el magenta o el azul y el amarillo, tonos que residen en los lados opuestos de la rueda de colores pero se pueden usar juntos con resultados sobresalientes.

Foto de Gabriele Diwald

En el ejemplo de arriba, gracias al azul es posible crear un ambiente tranquilo al tiempo que, con el amarillo, añadimos dinamismo. El resultado permite obtener un importante contraste en la imagen pero manteniendo un interesante equilibrio entre los elementos.

Foto de Jeremy Cai

Una tercera vía, contraria a las anteriores, es utilizar gamas de colores análogos o adyacentes. Colores que están cercanos en el círculo cromático y que utilizados conjuntamente permiten tener una imagen armoniosa. Por ejemplo rojos, naranjas y amarillos, o verdes, azules y morados. Esta uniformidad cromática ayuda a aportar tranquilidad a nuestras fotografías, ya que el contraste resulta mucho menor.

Jugando con los estados de ánimo

Al hilo de lo anterior, queda claro que jugar con los colores es una de las posibilidades que tenemos para aportar sensaciones en una imagen. Para ello podemos jugar con los tonos, como en el caso anterior, pero también con la saturación (lo que sería la intensidad del color) otro elemento importante en este ámbito.

Foto de Anthony Cantin

Así, eligiendo escenas con colores apagados, como la foto de arriba, daremos una sensación de tranquilidad, justo lo contrario que si elegimos colores muy brillantes que aportarán dinamismo a la escena. Hay millones de posibilidades que debemos manejar con pericia y cuidado.

La importancia de la luz

A estas alturas no habría que decir lo crucial que es la luz de la escena cuando queremos jugar con los colores en la composición. Al fin y al cabo el color no es más que una sensación que produce en nuestra retina la luz reflejada en los objetos. Por eso, a la hora de manejar el color en las fotos hay que tener mucho cuidado con la luz de la escena, su intensidad y, muy especialmente su orientación.

Foto de Markus Spiske

Por ejemplo, de todas las direcciones de las que puede provenir la luz, hay una muy interesante para enfatizar el color: Cuando los objetos son iluminados por detrás. Esto aporta una gran brillantez al elemento y un fuerte contraste, siempre que no incluyamos la fuente de luz en el encuadre (ya que eso seguramente tendría el efecto contrario).

El color y las siluetas

Como ya sabrás, hay unas horas “mágicas” en la que el cielo ofrece un espléndido despliegue de colores. Hablamos del amanecer y el atardecer, momentos en los que podemos aprovechar las tonalidades de color que puede tener el cielo para conseguir resultados muy llamativos e interesantes.

Foto de Stefan Kunze

En este artículo ya os hablamos de trucos y consejos para captarlos correctamente, pero os recordamos que lo fundamental es medir la luz en el cielo y exponer para esta zona. Por otro lado, si se da el caso de tener un sujeto principal en la foto, lo mejor será que aparezca como una silueta para conservar toda la gama tonal del cielo y evitar que éste se vuelva pálido o aparezca lavado.

Foto de Toa Heftiba

Y con esto hemos acabado esperando, como siempre, que el artículo os sea útil para conseguir que el color juegue un nuevo y destacado papel en vuestras fotografías.

Foto de portada | Robert Katzki

Hablamos de ella con bastante frecuencia, y del mismo modo que decimos que la Regla de los Tercios es un recurso muy útil para conseguir una mejor composición (sobre todo en el caso de los novatos), casi siempre añadimos también que no es para nada una norma que haya que seguir a rajatabla. Por eso, solemos recomendar romperla pero ¿cuándo es aceptable hacerlo?

Como sabréis, esta regla consiste en dividir la imagen en nueve zonas a través de cuatro líneas imaginarias que se cruzan en el mismo número de puntos. Lugares en los que se recomienda situar los elementos de interés de la foto, al mismo tiempo que las líneas se usan como referencia para las que puedan aparecer en el cuadro (por ejemplo el horizonte).

Todo esto se hace con el fin de obtener una composición más equilibrada y dirigir la mirada del espectador hacia los puntos clave. Además, uno de sus principios básicos es ayudar a los fotógrafos menos experimentados a evitar ciertos errores muy usuales. Por ejemplo el de situar siempre al protagonista de una foto justo en el centro. Otro el de situar la línea del horizonte justo en la parte central de la imagen.

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Aplicar la regla de los tercios es una manera sencilla y efectiva de evitar estos errores y obtener resultados mejores, pero ¿significa que siempre se debe evitar el centro como lugar para situar el punto de interés o como eje del horizonte en una toma para que ésta sea atractiva?

La respuesta a esta pregunta, como ya habréis adivinado, es que no, que no siempre se debe huir del centro ni para situar el elemento de mayor peso visual ni como referencia del horizonte… Entonces ¿cuándo se puede romper la regla de los tercios? Esta tiene una respuesta más complicada y, al tiempo, más sencilla: Siempre que se considere oportuno.

Pero ¿cómo saber que es oportuno? La respuesta la encontraremos fundamentalmente en la práctica y la experiencia, que son la mejor receta para avanzar. Es decir, con el tiempo y la constancia veremos como nuestras fotos mejoran, cómo asimilamos los conceptos compositivos y los volcamos en nuestras fotos y cómo, con ello, vamos arrinconando la regla de los tercios como una simple norma a la que recurrir en determinados casos.

Claro que una pequeña ayuda en forma de ejemplos siempre viene bien, y eso es justo lo que nos hemos propuesto hacer con este artículo en el que vamos a mostrar ejemplos de composiciones que rompen la regla de los tercios y, sin embargo, funcionan adecuadamente (ojo, tampoco es que sean “fotones”).

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Centrar la imagen a veces no es mala idea

La primera de las situaciones que hemos mencionado, elegir el centro como punto principal, es casi con toda seguridad, la más recurrente. Pero, como decíamos, esto no tiene que significar que no se pueda conseguir un resultado armonioso como nos proponemos demostrar.

Empezando por, sin duda, uno de los ejemplos más claros que encontramos en el campo del retrato fotográfico. Al fin y al cabo, si lo que queremos es atraer la atención del espectador sobre un elemento claramente protagonista, y evitar despistes a otros elementos, lo más rápido y efectivo es situarlo directamente en el centro como en el ejemplo de arriba (un retrato “clásico”).

Esto funciona también en escenarios con bastantes elementos que pueden distraer la mirada del espectador. En estas situaciones, elegir un elemento en concreto y darle importancia, haciendo que lleve el mayor peso visual, es una manera de lograr que el observador tenga un punto principal en el que fijar su mirada. En el ejemplo de abajo lo potencié además con un cierto desenfoque del fondo.

Por el contrario, si queremos hacer una toma en la que no haya elemento alguno que distraiga la atención, podemos recurrir a los planos detalle. En este tipo de tomas suele ser difícil aplicar la regla de los tercios, y generalmente funciona bien una composición central como la de abajo.

Hay muchísimas situaciones en las que situar el elemento principal en el centro de la imagen puede ser una buena idea. Así que os pongo algunos ejemplos más de fotos en las que seguramente haber aplicado la regla de los tercios creo que no las hubiera mejorado en absoluto:

¿Por qué no centrar el horizonte?

En ciertas disciplinas, como la fotografía de paisaje, se suele aplicar una máxima que dice que nunca hay que situar la línea del horizonte en el centro de la imagen. En su lugar, lo mejor es usar una de las horizontales que resultan de la regla de los tercios, decidiendo que suelo o bien cobren protagonismo sobre la otra parte.

Sin embargo, como ya hemos adelantado, esto es una norma que no debe tomarse de forma estricta y se puede romper siempre que lo consideremos oportuno. Por ejemplo como en el paisaje crepuscular de arriba, donde lo que trataba era de que la foto tuviera simetría entre ambas zonas, de manera que obtuviese una especie de efecto espejo.

Claro que también se puede hacer con dos partes claramente diferenciadas, como en la imagen de abajo donde consideré que la composición estaría más equilibrada si repartía ambas zonas de forma igualitaria para conseguir equilibrio de acuerdo a los elementos de la escena.

Buscando la simetría

Los ejemplos del apartado anterior ya utilizan de cierta manera este mismo principio, el de componer una imagen basándonos en la simetría. Esto no significa otra cosa que buscar el máximo equilibrio intentando que haya dos zonas en la imagen que sean prácticamente iguales y tengan un peso visual equivalente.

Es el caso de la foto de arriba, donde centré la composición en busca del mayor equilibrio, o de la de abajo, donde busqué el momento de captar los trenes de manera que ambos lados fueran simétricos y potencié el interés de la imagen con un sujeto situado en el centro. Este recurso, utilizar la simetría para dirigir la mirada a un elemento situado en el centro, suele funcionar muy bien.

Claro que lo contrario, buscar la asimetría, también puede dar buen resultado. Es el caso de la siguiente imagen, de estilo minimalista, en donde justo lo que pretendía era dar interés a la foto contraponiendo dos zonas del mismo tamaño pero con un contenido muy diferente.

Como en el epígrafe anterior, hay muchas posibilidades de sacar partido a la simetría y obviar el uso de la regla de los tercios así que os pongo algunas imágenes más a continuación. La primera un curioso ejemplo de simetría: En el neoyorkino barrio de Brooklyn hay un lugar desde donde se puede ver, a lo lejos pero justo debajo del puente de Manhattan, el famoso Empire State Building (si os suena es porque aparecía en el cartel del clásico cinematográfico Érase una vez en América).

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Otras situaciones

Como venimos diciendo, hay muchas escenas en las que se puede obviar la regla de los tercios, y una de ellas es claramente cuando lo que se busca es una imagen cuya composición llame la atención del espectador. Es el caso de la foto de abajo, donde busqué vaciar una parte de la imagen para potenciar la otra lo que, al mismo tiempo, me permitía situar al protagonista en el centro (y compensar así su reducido tamaño).

También podría ser el caso de composiciones minimalistas, donde la escasez de elementos puede hacer conveniente recurrir a situar lo más importante directamente en el centro como en la foto de abajo (aunque en otras situaciones la regla de los tercios puede ser muy útil, todo depende).

También en el caso de fotos más o menos improvisadas, como en la fotografía callejera donde muchas veces se toman imágenes sin encuadrar de forma premeditada, como en el ejemplo que sigue.

O de este otro, la foto de abajo, en donde, de forma inesperada, experimentando con la profundidad de campo y un encuadre bastante radical (a ras de suelo) obtuve una toma espontánea (que me gusta bastante) gracias al niño que corría arrastrando su camión por un parque.

Por último, no podemos dejar de mencionar la influencia de Instragram, una red social que, nos guste más o menos, se ha convertido en una referencia para los fotógrafos y su formato cuadrado en una tendencia. Y, como podéis comprender, en este formato aplicar la regla de los tercios resulta más complicado (y también absurdo), con lo que se tiende a las composiciones centradas.

Como habéis visto, la regla de los tercios es de fácil aplicación y muy útil en muchas situaciones, pero desde luego no es una regla perfecta ni aplicable en todas las tomas. Como norma general, podemos romperla siempre que pensemos que el resultado va a ser mejor, como en las situaciones que os hemos mostrado. Eso sí, gracias a las ventajas de la fotografía digital también podemos probar ambas opciones y luego comparar ¿No os parece?

Fotografías de Oscar Condés

Aprovechar la regla de los tercios, usar puntos de fuga o desenfocar el fondo son formas más o menos convencionales de dirigir la mirada del espectador de las que ya hemos hablado en otras ocasiones. Sin embargo, si lo que queremos es una forma de destacar a un sujeto en concreto y hacerlo de forma creativa hay que echar mano de otro tipo de recursos.

Se trata de aprender a enfatizar la presencia del sujeto principal al que queremos dar el mayor protagonismo y eliminar posibles distracciones. Y se trata de hacerlo de una forma diferente para que el resultado sea creativo y se aleje de las imágenes más convencionales, como puede ser sencillamente abrir diafragma para que el fondo de la imagen pierda nitidez. No es que esta opción sea mala, simplemente es buena idea conocer otras posibilidades como las que vamos a contar a continuación:

Foto de Ricardo Gómez Ángel

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Aprovechar el contraluz

Incluir el sol en nuestras fotografías es una que opción tiene sus inconvenientes pero también sus ventajas si se hace adecuadamente. Una de ellas es la posibilidad de aislar a un sujeto y llamar la atención sobre él.

Foto de Leah Kelley

Se trata de aprovechar el contraluz para que los rayos de sol hagan que todo (o buena parte de) lo que rodea al protagonista aparezca sobreexpuesto, lavado o con un contraste reducido. Por supuesto hay que tener cuidado que esto no afecte demasiado al sujeto principal, ya que si nos pasamos probablemente acabaremos con una foto fallida. El truco está en tener cuidado con la cantidad de luz que dejamos entrar en el cuadro.

Por eso que es importante que el sol no sobresalga demasiado por detrás de la figura, porque incluso una diferencia de un milímetro puede cambiar drásticamente el efecto, y probar haciendo varias tomas para poder escoger posteriormente.

También hay que tener en cuenta que el mejor momento para hacer este tipo de fotos es durante los atardeceres/amaneceres ya que, como es lógico, la potencia del sol es menor, y que es recomendable subexponer ligeramente para conservar detalles en las zonas más cercanas a los rayos del sol.

Foto de Julia Caesar

Utilizar rayos de luz

La segunda forma de aislar creativamente a un sujeto en una foto también está relacionada con la luz pero en este caso de forma más selectiva. Se trata de aprovechar rayos de luz más o menos aislados para centrar la atención en los sujetos y destacarlos sobre el resto de la composición.

Foto de Brooke Cagle

Este efecto podría ser similar al que conseguiríamos usando un flash, pero en este caso hablamos de aprovechar la luz que podamos encontrar de forma “natural”. Por eso, las ciudades son un buen escenario, tanto por las noches, donde podemos encontrar muchas fuentes de luz artificial distintas (incluyendo cosas como las luces de los escaparates o las pantallas de los móviles), como durante el día en que los rayos del sol pueden incidir entre los edificios.

Sea como fuere, situar al elemento a destacar en esas franjas de luz es una posibilidad muy efectiva, entre otras cosas porque la diferencia lumínica muy probablemente hará que todas las zonas fuera del área más iluminada queden muy atenuadas y el sujeto principal se enfatice claramente.

Foto de Darius Bashar

Usar el movimiento

La posibilidad de jugar con el movimiento que ofrece la fotografía es algo que tiene mucho de magia, y también ofrece la opción de aislar sujetos. De hecho, si hay algo que permanece inmóvil en una imagen mientras todo lo demás se mueve, el efecto puede ser inigualable.

Foto de Roman Koester

Lo cierto es que las posibilidades son casi infinitas, pero básicamente hablamos de utilizar una velocidad de obturación lenta para que en la imagen prevalezca el desenfoque de movimiento excepto en el sujeto principal. Esto se puede hacer básicamente de dos formas; la primera acompañando el movimiento del protagonista, es decir lo que normalmente se conoce como barrido (o paneo).

La otra posibilidad es dejar la cámara fija en un punto donde haya mucho movimiento, en cuyo caso lo destacado será lo que permanezca inmóvil. Algo difícil de conseguir en escenas callejeras salvo que contemos con un modelo que posea como en el caso de la foto de abajo.

Foto de Thomas Lefebvre

Rompiendo patrones

Recurrir a la repetición de objetos es una opción muy interesante en fotografía que ayuda a componer de forma efectiva y crear ritmo en las imágenes. Pero usarlos también puede ser una manera de llamar la atención sobre un objeto que introduzcamos en el encuadre rompiendo ese ritmo.

Foto de Karl Köhler

La idea es eminentemente sencilla de entender, no tanto de llevar a cabo si lo que queremos es lograr un gran resultado. Lo más importante es tener un buen ojo para encontrar la situación propicia y lograr que la contraposición entre los patrones de la foto y el elemento destacado tengan un significado tan potente como esta icónica foto de Marc Riboud.

Foto de Michal Pechardo

Limpiando el fondo

Otra opción que tenemos para llevar la mirada del espectador hacia un elemento principal es, literalmente, vaciar de contenido el resto de la imagen. De la importancia de cuidar los fondos de nuestras imágenes es algo de lo que hemos hablado a menudo, y sin duda puede ser clave para conseguir buenos resultados.

Foto de Leio McLaren

Pero ahora hablaríamos de un caso en el que lo de cuidar el fondo sería llevado prácticamente al límite, eliminando en lo posible cualquier elemento que distraiga. La forma más sencilla, evidentemente, es que lo hagamos en un estudio con un fondo elegido a propósito. Sin embargo, el resultado en este caso no sobresaldrá precisamente por su creatividad ni, sobre todo, por su naturalidad. Por eso, lo ideal es buscarlo en un entorno no controlado como en la foto de arriba.

Foto de Fernand De Canne

Utilizar marcos

Nuestra última propuesta es también un clásico que hemos tratado en artículos como éste, porque los marcos son una excelente manera de focalizar la atención del espectador hacia una parte de la imagen. Podríamos pensar que son una forma bastante convencional, pero sus infinitas posibilidades lo convierten en una técnica muy creativa.

Foto de öscar Condés

Pueden ser naturales o artificiales, regulares o irregulares y se presentan en forma de ventanas, ramas de árboles, elementos arquitectónicos… Hay mil y una posibilidades y para aprovecharlas, como en el caso de los patrones, lo más importante es tener el ojo bien entrenado y moverse en busca del mejor encuadre.

Foto de Björn Bechstein

Con esto hemos terminado pero, como estamos seguros de que hay más opciones, os animamos a compartir a través de los comentarios vuestras propias sugerencias de maneras para lograr que el protagonista de una foto destaque de forma creativa. Gracias de antemano.

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Foto de portada | Alex Ronsdorf