Cuando la fotografía es nuestro principal medio de supervivencia, el trabajo puede convertirse en una carga que de alguna manera nos aleja de aquello que despertó la pasión por el arte en un principio. Sin embargo, la pasión por la fotografía es necesaria para seguir creciendo como creadores y manteniendo una mirada única en este arte. Aquí os dejamos algunos consejos que tal vez os puedan llevar a encontrar un balance entre trabajo y pasión duradero.

La pausa fotográfica

Al llevar varios años trabajando en la fotografía, muchas veces parece que el trabajo se encierra en una rutina y nuestra mirada se empieza a cegar. Por eso, es importante realizar pausas cada tanto a modo de descansar la mente y renovar la mirada.

En este descanso, podéis tomar un respiro y simplemente dedicar la mente a otras actividades. Algo de deporte, videojuegos o simplemente echarse en el suelo a ver el cielo o el techo de la casa. De esta manera, la dispersión de la mente aligera la carga que la rutina fotográfica genera sobre ella.

Quedarse quietos en la naturaleza

Esta oclusión ocurre porque nos quedamos rondando una sola mirada y caemos en una automatización de nuestro flujo. Para evitar estas recaídas es bueno darse días en la semana para pausas; diversificar acciones y experimentar nuevos elementos.

Tener dos miradas

¿Mi trabajo es hacer fotografías de producto todo el tiempo? ¿Solo me la paso en eventos y estoy cansado de la gente? Entonces, ¿por qué no tener una rama fotográfica como un hobby aparte?

Diversificar la mirada ayuda a despejar la rutina y los flujos. Es una buena forma de experimentar con estilos y de obtener nueva inspiración en la rutina del trabajo. Así mismo, nos ayuda a seguir desarrollando nuestra técnica mientras seguimos haciendo fotografías por pasión.

En especial, lo mejor de explorar múltiples caminos en la fotografía es que nos permite ver el mundo desde otras perspectivas. Esto usualmente trae ideas a la mesa de trabajo y permite una conceptualización más profunda al realizar trabajos de nuestra especialidad.

Que la pasión vuelva a germinar.

Tener un objetivo claro

Por el contrario, hay fotógrafos que apuntan a todo lado, lo que genera un ritmo inconsistente en el trabajo. Además de que esto suele dar pie para que nuestros clientes no nos paguen mucho, el cambio de requerimientos y energía que se debe poner en un evento no es el mismo que se debe poner en un producto o el mismo que se pone en la fotografía de arquitectura.

Cada estilo y cada trabajo merece una energía y una dedicación. Y es necesario especializarse en un nicho para poder desarrollarlo y ser esos fotógrafos que los clientes de ese campo quieren tener a su lado. desarrollando una técnica y una energía especial para ello.

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¿Vale la pena lo que hacemos como fotógrafos?: Retomando el camino cuando caemos en negación

A veces el hastío y el cansancio vienen de hacer muchas cosas a la vez. Y esto hace que la mente se nuble mucho más rápido.

Ahora, ¿qué hacéis vosotros cuando necesitáis darle un respiro a la fotografía?

¿Quieres mejorar tus fotografías? Ya sea por una causa u otra, y a pesar de que creas saber todo lo necesario para que tus fotos sean más que correctas, es posible que te encuentres algo desanimado al ver tus fotografías y no encuentres el porqué. Por eso, vamos a repasar una serie de cosas de las que no se suele hablar y que pueden ayudarte a llevar tu práctica fotográfica a un nivel superior.

Antes de empezar aclaremos que este artículo no está dirigido a fotógrafos novatos sino, como ya hemos sugerido en la introducción, a usuarios con cierta experiencia, que ya dominan los secretos de la técnica y composición fotográfica. Si no es el caso, te recomendamos este artículo sobre errores de principiante

1. La casualidad no es tan casual

Según la RAE, la "serendipia" es el "hallazgo valioso que se produce de manera accidental o casual". Pues bien, eso pocas veces ocurre en fotografía; de hecho, una de las habilidades más importantes, pero también difícil de asimilar, es saber quedarnos quietos y esperar a que llegue la foto.

Suele ser mucho mejor buscar una ubicación interesante y esperar a que llegue ese "momento perfecto" que estar deambulando en busca de la foto, lo que normalmente sólo hará que perdamos el tiempo sin resultado. Piensa que encontrarte en el lugar exacto y en el momento adecuado, mirando en la dirección correcta y con la cámara preparada y lista es algo poco probable.

Los fotógrafos de vida salvaje son unos maestros en esto; se esconden en un hide, cerca de una madriguera o un nido de pájaros, y esperan pacientemente a que aparezcan los animales. Deambular por el bosque sólo serviría para asustarles y hacer que se escondan. Aunque esto se puede aplicar a otros géneros fotográficos, por ejemplo la fotografía callejera. Para esta disciplina es un buen consejo buscar un sitio atractivo, mézclarse con el entorno y esperar a que suceda algo o que pase por allí algún sujeto interesante.

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2. La planificación es clave

Planificar bien una toma es una forma de aumentar las posibilidades de obtener la fotografía que buscamos. Un buen ejemplo son esas tomas de la luna o el sol saliendo o poniéndose por detrás de un lugar interesante que difícilmente son fruto de la casualidad y sí de un arduo trabajo de planificación.

Un buen ejemplo es la foto 'The Omega Sun' que os enseñamos el año pasado y que requirió una perfecta planificación por parte de Toni Sendra que incluía la sincronización con el capitán del barco que aparece en la foto.

'The Omega Sun' de Toni Sendra

Puede que ésto ya sea un nivel muy alto, pero (aunque parezca una tontería) para capturar una puesta o salida del sol hay que por dónde va a aparecer (u ocultarse) el Astro Rey; y para hacer cualquier tipo de fotografía al aire libre es importante tener en cuenta el tiempo que va a hacer en el sitio. Incluso para hacer un retrato al aire libre deberíamos tener en cuenta con antelación con qué fondo lo queremos y si en el momento que tenemos previsto realizarlo tenemos el sol a contraluz o a favor nuestro.

Por eso, quizá nuestras fotos no estén siendo lo esperado porque nos hemos olvidado de la importancia de planificar lo que queremos hacer y tener en cuenta cosas como de dónde va a provenir la luz, si va a haber viento, si en el escenario hay elementos que distraigan, etc.

3. Trata de anticiparte al momento

El gran Henri Cartier-Bresson lo denominó el “momento decisivo” y aunque seríamos muy presuntuosos si quisiéramos compararnos al maestro, hay que intentar anticiparnos al instante en que va a suceder algo que merece la pena inmortalizar.

Foto de Rachel Kramer

Esto se consigue se crea mediante una combinación de planificación y espontaneidad, además de tratar de conocer al sujeto en cuestión y su posible actitud. Por ejemplo, los fotógrafos de vida silvestre estudian el comportamiento de las criaturas que quieren fotografiar para saber qué pueden hacer en un momento dado. Con los humanos la cosa es más complicada pero, por ejemplo, sabemos que un niño puede tener una reacciones mucho más nerviosas que un anciano, y eso hay que tenerlo en cuenta.

4. Estudia y mejora tus habilidades

Una vez has realizado las tomas previstas, puede ser útil dejarlas "madurar" unos días antes de revisarlas. Eso nos permitirá una mayor objetividad sobre lo obtenido para realizar una mejor análisis. Será el momento de preguntarnos qué es lo que nos gusta de las fotos obtenidas y qué es lo que no. Qué es lo que no salió tan bien como esperábamos y si deberíamos haber elegido otros valores de exposición.

También es momento de cuestionarnos si la composición está a la altura, si elegimos el sitio y la luz correcta, si el tema era lo suficientemente convincente o si estábamos lo suficientemente cerca.

Se trata de intentar saber qué hicimos mal pero también qué hicimos bien. En base a esto podemos intentar repetir las tomas, mejorando lo que consideremos, y repitiendo lo que funcionó; y también podemos repetirlo con un sujeto y en una situación distinta. Así hasta que lo perfeccionemos.

5. Libérate de lo innecesario

A veces el proceso de tener que preparar todo el equipo para una salida es algo que puede desanimarnos a hacerla; en estos casos nada como preparar un equipo justo y salir simplemente a disfrutar. Basta con coger una cámara equipada con un objetivo sencillo, asegurarnos de que la batería está cargada y que hay sitio en las tarjetas de memoria. Con eso ya podemos salir y empezar a hacer fotos sin más.

Igualmente, en el momento de hacer las tomas podemos dejar la cámara en modo automático (total o parcialmente) para concentrarnos sólo en hacer la foto. Nada de estar pensando en distracciones o en tener que pensar demasiado la configuración que vamos a usar.

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6. Guarda la cámara

Sería lo anterior llevado al extremo: guardar la cámara y olvidarnos de pensar como fotógrafos. O, mejor dicho, mirar el mundo con todo el interés y asombro que pueden llegar a despertar sus maravillas para, más adelante, ser capaces de resgitrarlas con nuestra cámara. Y es que es evidente que a veces los fotógrafos nos obesionamos con capturarlo todo y nos olvidamos de ver las cosas con nuestros propios ojos.

Si esto se junta con algo de hastio en nuestra práctica fotográfica un buen consejo puede ser dejar de hacer fotos por una temporada. Dedicarnos a observar y disfrutar el mundo y no distraernos con la cámara. Eso no significa que si, tras una atenta observación, vemos algo que nos gustaría inmortalizar no podamos ir después a por la cámara y hacer la foto.

Igualmente, si hay alguna toma o técnica fotográfica que se nos resiste, puede ser una buena medida tomarnos un descanso y tratar de retomarlo al cabo de un tiempo. ¿No os parece?

En febrero de este año conocimos a los ganadores de los ‘National Awards’ en los Sony WPA. Esta selección es el trabajo destacado de los competidores de la categoría Open y se realiza de manera especial en 51 países. Hemos podido entrevistar a la ganadora del premio Nacional de Colombia, Andrea Ortiz Días, quien nos explica a través de su trabajo cómo podemos realizar una serie o imagen ganadora de premios.

Andrea Ortiz Díaz es una artista plástica especialista en fotografía con experiencia en gestión de proyectos y docencia universitaria. Su trabajo se centra en el autorretrato, los procesos híbridos de la fotografía analógica y digital y en el análisis de la relación de los elementos naturales y artificiales en el espacio. También ha sido ganadora de varios premios a nivel Colombia además de su reciente premiación de la categoría Nacional de los WPA.

Durante nuestra entrevista lo primero que Andrea nos cuenta es sobre el proceso de su fotografía ganadora.

'Noche en el desierto de la Tatacoa' por Andrea Ortiz Díaz | Fotografía Ganadora

‘Noche en el desierto de la Tatacoa’ es la fotografía ganadora. Fue capturada un 21 de diciembre de 2020 y fue una experiencia especial mientras realizaba una serie fotográfica sobre la relación del cuerpo con el paisaje natural. A través del autorretrato se busca analizar la relación de escala del cuerpo y el paisaje. Para ello era necesario encontrar elementos del paisaje que sean símiles al cuerpo y de esta manera generar en el espectador esa relación inconsciente del espacio que lo inviten a observar y leer el cuadro fotográfico.

Parte de la idea de capturar el desierto en la noche es que hay una preconcepción de que el desierto es un espacio árido y de mucho sol. Así que para romper ese esquema se aprovechó la noche, con condiciones de luz de luna, lo que permitió explorar el lugar desde la oscuridad. Esto también modificó la visión dándole importancia a la oscuridad para realizar las fotografías.

Foto por Andrea Ortiz Díaz

Acá se presenta el reto de encontrar las partes del cuerpo en el paisaje o también el cómo colocar el cuerpo dentro de ese paisaje. Había que elaborar un  proceso metodológico. Para ello, se capturó cada uno de esos espacios con larga exposición y destello de flash. Esto implicaba ver el espacio, pensar en un esquema de luz que mezclara la luz contínua del paisaje con el destello de flash que moldeara el volumen de ese espacio de bosque seco tropical.

Seguido a este contexto, Andrea nos aconseja desde su flujo de trabajo cómo como fotógrafos podemos planear y producir una serie fotográfica.

Foto por Andrea Ortiz Díaz

Las etapas desde la preproducción hasta la postproducción se expanden a una noción de vida. Las experiencias previas, tanto fotográficas como extra-fotográficas, ayudan a dar mayor profundidad a la investigación del producto en cuestión. En este sentido no solo son nuestras experiencias, sino la de los demás fotógrafos y personas que han transitado esos lugares donde creamos nuestras fotografías. Esto nos permite acercarnos a la investigación y diseño del proyecto con una mirada distinta a la de solo la función principal de ir a obturar y ya. Aplicamos un concepto y unas ideas detrás de las tomas.

También es importante contar con una planeación técnica para el momento de la toma. Además de lo técnico fotográfico, en la fotografía de paisaje es importante tener en cuenta elementos como el hospedaje. Ya que es conveniente tener un sitio que nos permita llegar rápido al lugar de la toma sin desgastarnos mucho para llegar a la toma. Esto es importante ya que algunas veces, quedarse muy lejos es perder oportunidades de poder caminar o poder explorar un lugar con mayor tranquilidad.

Foto por Andrea Ortiz Díaz

Así mismo, conocer nuestros equipos. Es importante saber manejar nuestro equipo sin ver los settings y ser capaz de navegar y mejorar la toma. Eso nos va a  ayudar a estar más pendiente de la escena y lo creativo sin preocuparnos por saber si estás quedando o no. Entre estos aspectos técnicos, trabajar con la mayor cantidad de información.

Finalmente, tras capturar la toma es importante visualizar el proyecto en la postproducción. Darle el contexto y articulación a la serie narrativa y las fotografías para contar nuestra historia. Saber dónde van a llegar y participar las tomas. Andrea Cree que en el caso de esta serie, no sería lo mismo enviarla a participar en la categoría de retrato que en la de paisaje, pues el contexto de donde se presenta cambia esa narración. Por eso es importante tenerlo en cuenta.

Foto por Andrea Ortiz Díaz

Luego, preguntamos Andrea sobre la importancia de concursar en concursos y algunos consejos sobre cómo depurar nuestro trabajo fotográfico para presentar lo mejor de nosotros.

Lo primero que la fotógrafa nos cuenta es que hay que aprovechar un concurso como los Sony WPA, que son gratuitos. También hay que creer en el trabajo de uno. Al poner a concursar nuestras fotografías  aprendemos y pensamos en profundidad cómo nuestra imagen se articula a un contexto social o un contexto político de un país. En este ejercicio de poner a concursar nuestras imágenes se aprende mucho de cómo leer y articular imágenes.

Foto por Andrea Ortiz Díaz

Por otro lado, Andrea nos dice que es importante leer mucha fotografía y otras artes . Aunque uno desarrolla una identidad visual propia, constantemente está permeado de otros trabajos potentes. Esa lectura de los demás trabajos también nos ayuda a identificar elementos en nuestras imágenes que nos hacen ver qué funciona o qué puede complementar nuestro trabajo para ser mejor. Por ejemplo: paletas de color, narrativa, composición.

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Un truco es tener una bitácora de trabajo. Aquí se plasman ideas y momentos. Cuando ya se está en el proceso de realización del trabajo, ahí es donde reposan las ideas y la forma del fotógrafo como un artista creativo. Las ideas evolucionan y tener escrito esto puede ayudarnos a organizar y mejorar más este proyecto.

Foto por Andrea Ortiz Díaz

Pero, sobre todo, humildad de aprender de las otras personas, de saber recibir los consejos y de adaptarse ante cambios que pueden ocurrir al hacer un proyecto. Uno puede ser muy orgulloso y no hacer caso, pero hay personas que ven el mundo desde otros aspectos que podemos estar ignorando. Así que estar abiertos a aprender de otras ideas y ver si complementan nuestro trabajo es también muy importante.

¿Qué otros elementos creéis necesarios en este desarrollo de series fotográficas?

Para conocer más del trabajo de Andrea no dudéis en visitar su página web o su Instagram.

Instagram es una de las mejores plataformas para compartir nuestras fotografías. Al principio estaba limitado al mundo de los móviles pero con el tiempo se comparten fotografías hechas con todo tipo de cámaras, afortunadamente. Dentro de esta aplicación las modas van y vienen y todos quieren sus 15 minutos de fama. No es fácil triunfar en Instagram como fotógrafo pero vamos a ver algunos consejos para facilitarlo.

Instagram no es una red social para fotógrafos pero a muchos nos encanta. Sirve para compartir más tus momentos de felicidad o melancolía que para mostrarte como fotógrafo. La prueba es que los más populares, los que tienen más seguidores, no se ganan la vida como fotógrafos. Ahí están Cristiano Ronaldo o Ariana Grande... el primer usuario que tiene que ver algo con la fotografía es National Geographic. Y parece una anécdota dentro de Instagram.

Pero muchos fotógrafos nos sentimos a gusto en Instagram. Personalmente utilizo esta plataforma como un libro de apuntes, como un cuaderno de notas. Otros cuelgan sus trabajos o un adelanto de lo que harán; y sí, muchos se limitan a seguir las modas y a publicar sus piernas en la playa o el imprescindible plato que se van a comer si no se ha enfriado antes...

Instagram en blanco

Hoy vamos a ver unos cuántos consejos para que nuestras fotografías, desde un punto de vista técnico, tengan más presencia en la red. Pero nada de lo que vamos a ver si nuestras fotografías no son buenas y no somos constantes, además de marcar un estilo claro. Me refiero a que las imágenes deben tener un mínimo de calidad y tener una línea común (una misma temática, en color, en blanco y negro o estar bendecido con un estilo propio reconocible).

Adelanto que personalmente no sigo algunos de los consejos que vamos a señalar aquí. Cada uno es libre de hacer lo que le plazca. Y tampoco aseguramos que seguirlos provoque una fuerte subida de seguidores. Pero seguro que no van a empeorar vuestros resultados.

Consejos técnicos para Instagram

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Como hemos dicho Instagram no es una plataforma para fotógrafos. Es una red social en la que nos comunicamos con fotografías. Y depende más de tu popularidad social que de tu destreza con la cámara. Ser un buen fotógrafo no es fundamental para crecer en Instagram.

Pero con estos consejos que vamos a ver nuestras imágenes tendrán mejor aspecto después de pasar por el laboratorio de Adobe Photoshop. Conviene tenerlos en cuenta para evitar algunos de los problemas que a lo mejor arrastramos.

El fondo de la interfaz de Adobe Photoshop

Tenemos que ser capaces de ver las fotografías en el mismo entorno en el que van a ser expuestas. Así que la mejor forma de ver las fotografías que vamos a colgar en Instagram es con el fondo negro -si tenemos ajustado el Modo oscuro en iOS o Android- o blanco.

Elegir el fondo de la interfaz

Por este motivo puede que no tenga mucho sentido revelar las fotos con el fondo gris que hemos recomendado en otras ocasiones. Así que podemos pinchar con el botón derecho del ratón en el fondo de la interfaz y elegir Negro o Seleccionar color a medida en función de cómo las vamos a ver en el móvil...

La gestión del color para Instagram

Instagram se consume siempre en dispositivos móviles. En alguna que otra ocasión lo podemos ver en el ordenador pero no es lo más habitual. En las pantallas de los smartphones la gestión del color es poco menos que una utopía.

Todas las fotografías que pongamos en la red social tienen que ir en sRGB. Si ponemos cualquier otro espacio de color será imposible verlas como las concebimos. Es importante, para evitar cualquier problema de dominantes, poner este espacio incluso para las imágenes en blanco y negro.

La gestión del color

Podemos ajustar el espacio sRGB en Archivo>Exportar>Guardar para web y marcar Convertir en sRGB.

Acertar con el tamaño de la imagen

Instagram cambia el tamaño de las imágenes con cierta frecuencia. Ahora mismo, en octubre de 2020 el tamaño máximo del ancho son 1080 px. El alto puede llegar a los 1350 px. Y la proporción puede variar entre 1.91:1 y 4:5. Es decir, puedes subir desde una panorámica hasta una fotografía con la proporción de una cámara de placas.

El tamaño final de la imagen

Hay artículos que dicen que lo ideal es trabajar con esta última proporción porque así se aprovecha todo el área. Es curioso encontrar un artículo escrito cinco meses después que dice exactamente lo mismo pero en inglés sin reconocer la fuente... En mi humilde opinión trabajaría siempre con la proporción que más nos guste.

Y por supuesto lo primero que haría sería recortar con esa proporción durante el revelado en Adobe Camera RAW. Y como Instagram va a comprimir cualquier archivo que subamos, lo ideal sería mandarlo sin comprimir nuestro jpeg. Y seguro que la calidad final es mucho mejor.

Ajustar la luminosidad de la fotografía

No es lo mismo preparar una fotografía para exponer en una sala que para verla en un pantalla sin calibrar de un pequeño dispositivo. Por este motivo siempre es necesario crear una capa de ajuste de Niveles o de Curvas para aclarar los blancos y oscurecer los tonos más oscuros.

El leve ajuste para mejorar los blancos y los negros

Siempre le puede venir bien ajustar, aunque sea mínimamente, los blancos y negros de la fotografía para que tengan un poco más de fuerza. Esa copia no servirá para imprimir pero tendrá más fuerza en la pantalla del teléfono.

El enfoque para Instagram

Siempre hemos dicho que solo hay que enfocar cuando cambiamos el tamaño del archivo. En este caso no queda más remedio que hacerlo.

En Xataka Foto hemos visto muchos métodos de enfoque. El más rápido para estos casos puede ser con el filtro de Paso alto:

El enfoque de Paso alto

1. Duplicamos la capa (ctrl+J)
2. Vamos a Filtro>Otro>Paso alto
3. Damos un Radio entre 0,1 y 1 (no podemos olvidar que estamos trabajando con una fotografía muy pequeña).
4. Cambiamos el modo de fusión a Superponer.
5. Capa>Acoplar imagen
6. Si queremos podemos añadir una máscara de capa para pintar con Pincel en negro las zonas en las que no queremos que haya detalle.

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Tamron 70-180mm F/2.8 Di III VXD, análisis del teleobjetivo zoom luminoso, ligero y más compacto para la montura E de Sony

Con estos cinco consejos podemos estar seguros de que vamos a mejorar el aspecto técnico de nuestras fotografías para que se vean bien en Instagram. Siempre podemos crearnos una rutina y asegurarnos de que los cumplimos siempre. Todo lo demás depende de nuestra popularidad y nuestro arte a la hora de disparar.

“Lo sé, estás cansado de leer cosas sobre el coronavirus COVID-19 y su colosal impacto tanto en las personas como en la industria. Pero bueno, este artículo no trata realmente sobre la pandemia, sino más bien sobre lo que ha venido a enseñarnos a los fotógrafos”. Con esas palabras comienza Robert K Baggs este artículo en FStoppeers que nos ha llamado la atención, y donde cuenta cuál es la lección más importante que él cree ha traído la situación actual para los fotógrafos profesionales.

Él es uno de ellos (se dedica al retrato y a la fotografía de producto), y como todos lleva desde hace aproximadamente dos meses sin poder ejercer: “El mundo se ha visto afectado por este virus como nada que la mayoría de nosotros haya visto en la vida, y casi nadie ha escapado de la pandemia sin verse afectado”.

Sin embargo, siendo autónomo (como la mayoría de fotógrafos del mundo) se está viendo especialmente afectado: “cuando decidí abrir la ventana y saltar a la oscuridad del trabajo por cuenta propia como fotógrafo, me empapé de libros, artículos, podcasts y conversaciones con personas que sabían más que yo sobre este tipo de vida”.

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¿Comienzas como fotógrafo profesional? claves para especializarte o diversificar

Robert cuenta cómo cosechó consejos de todo tipo, muchos de los cuales “se parecían entre sí, incluso si se expresaban de manera diferente: por ejemplo mantener una lista de tareas pendientes, levantarse temprano y dar el 100% en cada trabajo realizado”.

Estos fueron consejos positivos, pero también recibió otros menos optimistas, “por lo general, en forma de preparación para el desastre: ‘tienes que tener ahorros’, ‘debes tener un seguro por si acaso’ o ‘debes ser proactivo incluso cuando te vaya bien’. En general tenían mucho sentido. Por ejemplo un libro de un economista que decía que si puedes ahorrar el 20% de todo lo que ganas siempre serás rico”.

Pero el consejo que a la postre ha demostrado tener más valor en los últimos meses fue este: “Diversifica tus ingresos”. Es decir, “crea tantas fuentes de ingresos como puedas mantener, de modo que si uno cae, todavía tendrás otros para mantenerte a flote”. Esto, cuenta Robert, tiene mucho sentido tal cual, pero choca frontalmente con otro consejo que se le suele dar al profesional: “Busca un nicho en el que especializarte y trata de ser el mejor”.

“Me dijeron —continúa— que debía especializarme en un campo y ser conocido por ello, sin dispersarme en muchos géneros diferentes. La gente quiere contratar a fotógrafos expertos en lo que sea que los necesiten, no en todos los oficios. Y eso es cierto, ciertamente debes especializarte en un área y trabajar para ser conocido en ella, pero esa no es la historia completa; aún necesitas trabajar para tener más de un flujo de ingresos”.

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Nueve errores a evitar si quieres ganarte la vida como fotógrafo profesional

“Eso no quiere decir que si eres fotógrafo de bodas también necesitas empezar a cubrir deportes, sino que necesitas encontrar formas de ganar dinero que no sean hacer fotos de boda. Mi trabajo principal con una cámara es el retrato, y luego la foto de producto. Sin embargo, poco después de comenzar a trabajar por mi cuenta, llegué a la conclusión de que por cualquier causa imprevista podía provocar que un mes entero me quedara sin ingresos”

Por eso, el autor empezó a trabajar en múltiples fuentes. “Algunas pesquisas me hicieron llegar a la conclusión de que cinco fuentes de ingresos eran el número mágico, y apunté a ello”. Además de la fotografía, su principal fuente, empezó a escribir artículos, a vender fotos de archivo, a comercializar impresiones de sus fotos y realizar cursos (entre otros).

Con el tiempo algunas de esas fuentes quedaron por el camino y otras crecieron, pero siempre tenía la duda de si estaba haciendo un mal uso de su tiempo al esforzase en tantos campos. Una pregunta que el COVID-19 ha respondido por la fuerza.

“No podemos permitirnos el lujo de poner todos los huevos en una sola canasta, y esta pandemia ha demostrado porqué de manera despiadada. Muchos de mis amigos fotógrafos que estaban bien especializados y no tenían otras fuentes de ingresos están en una situación desesperada. No es su culpa. Son fantásticos en lo que hacen, han construido reputaciones brillantes y han trabajado increíblemente bien, pero no se podía predecir lo que ha pasado”.

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“Puedo decir sin vergüenza que si no tuviera múltiples flujos de ingresos, actualmente estaría en problemas. Tenía muchos trabajos de fotografía, talleres y viajes reservados para este año; de hecho, a principios de 2020 estaba emocionado por lo que deparaba el futuro. De esos trabajos, talleres y viajes, que habrían constituido una buena parte de mis ingresos totales, todos menos uno se cancelaron o se reprogramaron”.

“Me da ansiedad pensar en el estado en el que estaría si ese fuera mi único ingreso, como es el caso de muchas personas que trabajan por cuenta propia o autónomos, con una única fuente de ingresos en la que se han especializado. Muchas de esas personas han tenido que buscar otro trabajo, agotar sus ahorros o tomar otras medidas desesperadas, ninguna de los cuales es ideal”.

Por todo ello, Robert concluye recomendando encarecidamente que “presionar el botón en la parte superior de la cámara no sea la única forma de poner euros en nuestro bolsillo”. Un interesante consejo que quizá más de uno se aplique en el futuro ¿no os parece? ¿Qué opináis?

Desde el advenimiento de la tecnología digital los fotógrafos hemos ganado en muchas cosas (inmediatez, coste por copia, posibilidades de control…) pero también perdido otras. Ahora, las fotos se amontonan en nuestros discos duros y raramente las tenemos en un soporte físico, porque sólo imprimimos una pequeñísima parte de las que hacemos. Claro que imprimir nuestras fotos sigue siendo una buena idea por las razones que os vamos a contar.

Foto de Dan Gold

La copia en papel ya no es el medio de referencia para ver fotos, y aunque las modernas pantallas de ultra alta definición tienen un aspecto increíble, la impresión física sigue siendo una manera de disfrutarlas que poco o nada tiene que ver con su observación en pantallas de ordenador, tablet, móviles, etc.

Por eso no es la primera vez que os damos razones para animaros a obtener copias en papel de vuestras fotos, pero como nunca está de más recordarlo ahí vamos de nuevo con estos cinco puntos:

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La costumbre olvidada de imprimir los momentos fotográficos importantes

Imprimir es algo satisfactorio

Sí, es cierto que suena a algo un poco hueco pero no se nos ocurre otra forma de decirlo. La naturaleza tangible de una foto impresa (el tacto del papel, el acto de colocar la foto en un marco y colgarlo en una pared o de crear un álbum de fotos…) nos proporciona un placer agradable a nuestros sentidos que nos permite escapar, aunque sea por un momento, del universo basado en píxeles en el que pasamos la mayor parte del tiempo.

Foto de Kaboompics.com

Compartir fotos en las redes sociales o enviarlas por correo electrónico a tu familia y amigos está bien, pero es mucho más gratificante imprimir una de tus fotos para que algún conocido decore con ella la pared de su salón o revisar aquellas viejas fotos del pasado...

Las fotos no se pierden

¿Quién no ha perdido alguna vez una imagen o una colección de ellas por culpa de un error borrando archivos o de un disco duro estropeado? Son cosas que pasan y que afectan especialmente a los fotógrafos (que por ello debemos tener cuidado de hacer backup de nuestras fotos). Pero ¿quién tira las copias de papel sin darse cuenta? Sin duda, si tenemos nuestras fotos impresas es más difícil perderlas.

Foto de Soragrit Wongsa

Por otro lado, viendo lo que evoluciona la tecnología, ¿quién nos dice que dentro de 20 años podemos seguir abriendo las miles de fotos que tenemos en RAW y JPEG? Es un caso extremo, ciertamente, pero es algo que podría pasar y significaría que todas nuestras tomas almacenadas en el ordenador se han perdido.

Mayor grado de detalle

No nos referimos necesariamente a la nitidez convencional, ya que vía software se puede aumentar la nitidez de una imagen y, por otro lado, hay pantallas, como las de los smartphone, con una nitidez difícilmente igualable. Sin embargo, imprimir una foto nos permite una mirada más profunda a sus detalles, y apreciar mejor elementos como el contraste, las tonalidades o las texturas.

Foto de Kody Gautier

Incluso, dependiendo del medio que elijamos para sacar la foto (papel, lienzo, metal, acrílico, etc.) podemos aportar a dar a la foto un aspecto particular que no tiene equivalente en el medio digital.

Mayor vinculación con las fotos

Reconozcámoslo, si miramos una foto impresa es casi seguro que pasemos más tiempo con ella que si la estuviésemos viendo en una pantalla. Es una experiencia distinta que nos transmite mucho más, invita a reflexionar sobre el contenido y matices de la foto y, por qué no, sobre cómo fue realizada (tanto si la hicimos nosotros —e intentamos recordarlo— como si la ha hecho otra persona).

Foto de rawpixel.com

Evidentemente, una buena foto lo será independientemente del formato, pero los dispositivos móviles y las redes sociales están asociados a períodos cortos de atención y esto también se aplica a la visualización de fotografías (por muy buenas que sean). Sin embargo, la foto impresa es diferente y se asocia a una visualización más pausada.

El control creativo definitivo

Todos sabemos que una foto digital puede llegar a verse de forma muy distinta dependiendo del medio. Incluso aunque tengamos experiencia con la calibración de nuestro monitor y hayamos logrado que represente los colores de la forma más real, eso no significa que todos los demás lo estén.

Foto de Bank Phrom

Las pantallas en las que se podrían ver nuestras imágenes tienen cada una su propia configuración lo que hará que el aspecto de nuestra foto variará de una a otra. Sin embargo, esto no ocurrirá si mostramos nuestras fotos en papel, ya que al imprimir eliminamos todas esas variables y obtenemos una imagen final única y (teóricamente) perfecta que todos verán de la misma manera.

Foto de ian dooley

¿Necesitas más razones para imprimir tus fotos? Pues considera que las copias ya no son tan caras como antes, que las impresoras domésticas han mejorado mucho (y bajado de precio) y, finalmente, que plantearte tener copias en papel de tus mejores tomas puede ser una buena excusa para ponerte a editarlas ¿No te parece?

Cuando arrancamos en fotografía, muchos de nosotros nos preguntamos cómo desarrollar nuestro arte y nuestro estilo para poder llegar a vivir de ello. Hay muchos ideales y nociones generales sobre qué es vivir de fotografía. Pero las ideas no son nada si no nos enfocamos en realizar imágenes.

Pero, pero, pero

Actualmente, cuando dicto algún taller o comparto tiempo con colegas fotógrafos más jóvenes, se me hace muy extraño oirlos decir que no están haciendo sus proyectos por x o y motivo. Es una repetición constante de quiero hacer fotografía, pero no la hago porque alguna excusa tengo que dar. Es una línea de pensamiento común, al comienzo todos pensamos que hay una vía rápida que solo es detenida por falta de recursos.

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Rompiendo los límites culturales de la psicología del color para desarrollar nuestros estilos fotográficos

Nosotros somos responsables de nuestro avance. Por eso mismo, el mejor consejo que podemos aplicar en nuestra vida como fotógrafos es dejar de poner excusas y comenzar a hacer fotografías.

Es un camino largo, no lo niego. Pero no debemos obsesionarnos con nuestro equipo, con el dinero o con el fracaso. Todos estos elementos deben ser motivo de aprender, de superarlo con lo que podamos.

Con la tecnología actual, la mayoría de nuestro equipo es suficiente para crear proyectos interesantes, que nos ayuden a ir encontrando un camino estético. A nivel comercial, la mayoría de estos equipos son suficientes para cubrir ciertos eventos, para ganar dinero y conseguir acercarnos a nuestras necesidades. Si la sesión comercial tiene como propósito salida web, una cámara sobre los 12 megapíxeles es más que suficiente.

La luz natural es nuestra aliada y muchos modificadores de luz se pueden realizar en casa por un precio muy económico. Hay una gran variedad de software de revelado y edición gratuitos. Si la necesidad es de modelos, maquilladores o mano de trabajo hay muchos grupos de intercambios fotográficos en los que se puede conseguir las personas para ir trabajando.

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Estos son los mejores programas gratuitos para revelar nuestras fotografías

Así nuestros proyectos no resulten como esperamos en un principio, estos pueden ser prácticas que vamos puliendo con el tiempo. No está mal repetir una sesión para buscar mejorar los resultados, pero nunca habrá algo que mejorar si no hacemos algo que mejorar.

Fotografiar es nuestra profesión. Las excusas solo nos atrasan en este camino. Así que vamos a disparar.

A menudo, la fotografía es una afición (o una profesión) que practicamos en solitario. De hecho, para muchos salir a hacer fotos, sobre todo en el caso de la foto de viajes o de paisaje, es algo que sirve también para relajarse o, incluso, encontrarse a uno mismo. Sin embargo, tomar fotografías junto a más personas también tiene sus ventajas. Os vamos a contar algunos argumentos para tratar de convenceros de que salir con otros fotógrafos también es una muy buena idea.

Foto de Charles Clegg

Hacer nuevos amigos

Como amantes de la fotografía, seguro que conocer a otros fotógrafos es una buena manera de hacer nuevos amistades. Piensa que es más sencillo hablar con personas que tienen los mismos intereses que nosotros, y que la fotografía puede ser un gran tema de conversación común que haga que la amistad fluya más fácilmente.

Foto de Brevitē

Por otro lado, hacer amigos fotógrafos puede ser una buena manera de encontrar con quien salir (en principio para hacer fotos, luego quien sabe si algo más...). De hecho, nadie como otro fotógrafo para acompañarnos a hacer fotos sin que el hecho de pasar demasiado tiempo preparando una toma se convierta en un problema (lo que suele suceder cuando vamos a lugares con personas que no comparten nuestra inquietud).

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Como vivir con un fotógrafo/a... y que no acabe en divorcio

Abrirnos horizontes

Juntarse con otros fotógrafos significa, seguramente, hacerlo con personas que tienen intereses diferentes o que prefieren otro tipo de disciplinas que las que nosotros practicamos habitualmente. Así, esto puede convertirse en una nueva inspiración para nosotros; Por ejemplo si estamos acostumbrados a fotografiar en la naturaleza y nos hacemos amigos de alguien que prefiere la foto callejera.

Foto de Clem Onojeghuo

Esto sin duda puede abrirnos nuevas perspectivas, animándonos a hacer cosas distintas a lo habitual. Lo cual podemos tomarlo como un desafío, pero con la ayuda de un nuevo amigo ya iniciado seguro que será una estupenda manera de aprender y explorar diferentes temas, métodos y estilos de fotografía.

Aprender y/o enseñar

Al colaborar con otros fotógrafos también veremos que no todo el mundo tiene el mismo nivel de conocimientos. Esto, lejos de ser un problema, debería convertirse en una oportunidad para aprender… o enseñar, que nunca se sabe.

Foto de Greg Gelsinger

Empezando por ver (o mostrar) cómo utilizan y/o configuran la cámara otros fotógrafos (o lo hacemos nosotros) y acabando por esos trucos para la toma que no conocíamos. Juntarnos con otros fotógrafos puede servirnos como un gran aprendizaje. Lo mismo que charlar sobre fotografía con personas que, como nosotros, amen la fotografía y estén dispuestos a compartir sus experiencias.

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Esas "cosas raras" que sólo hacemos los fotógrafos...

Compartir vivencias

Al hilo de lo anterior, si tienes poca experiencia en fotografía una de las mejores maneras de aprender es hacerlo junto a otros fotógrafos más experimentados. Esto no quita que sea útil y necesario leer mucho sobre el tema y hacer cursos, pero fotografiar junto a otros y compartir experiencias puede ser realmente valioso y es una manera más efectiva de aprender.

Foto de Garry Knight

Por otro lado, también es interesante revisar nuestras fotografías con un amigo fotógrafo de confianza que nos alentará y ayudará a desarrollar nuestra creatividad. Recuerda que es importante considerar lo que otras personas opinen de nuestras fotos y que las críticas (incluso las negativas) deben servirnos para mejorar y avanzar. A veces, uno no se da cuenta de cosas que otra persona puede ver con facilidad.

Proyectos colaborativos

Una ventaja de ir con otros fotógrafos es la colaboración que podemos iniciar en torno a diversos proyectos. Dedicar tiempo a trabajar con otros en un mismo tema y con un propósito común (una exposición, un libro, una web, un colectivo fotográfico… ) puede no solo ser divertido sino muy inspirador. Cada fotógrafo ve las cosas de una forma diferente y los estilos complementarios y/o contrarios aportan mayor dinamismo y pueden ayudarnos a crecer creativamente.

Foto de Greta Lovisa Gustafsson

Hay muchas formas de conocer a otros fotógrafos y hacer amigos. Más en esta época de Internet y redes sociales, donde a los grupos locales y los clubs de fotógrafos se han sumado los foros y grupos en línea por Facebook, Flickr… Hay mil formas de conocer a otros fotógrafos interesados en compartir experiencias y enriquecerse mutuamente. ¿Te animas?

Foto de portada | Julie Johnson

En varias ocasiones hemos hablado del microstok, esa manera que tenemos los fotógrafos aficionados de conseguir algún rendimiento por nuestras fotografías. Pues bien, nos hemos topado en la web Digital Photography School con la historia de James Wheeler, un fotógrafo aficionado que dice ganar unos 500 dólares mensuales con sus fotografías gracias a este sistema de venta de imágenes. Así que no podíamos dejar pasar la ocasión de hablar de ello por si alguno de nosotros se anima a imitar el ejemplo.

James cuenta que simplemente es un fotógrafo aficionado y que la fotografía es sólo un pasatiempo para él, pero a veces un pasatiempo caro. Así, gracias a esos 500 dólares que saca al mes por sus fotos puede pagarse el software que usa para las fotos y renovar de cuando en cuando su ordenador o adquirir nuevos objetivos y accesorios para su equipo, de manera que su hobby no le cueste dinero.

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¿Cuál es el mejor método para estudiar fotografía?

Así empezó todo

Corría 2010 cuando James se decidió a mejorar su nivel fotográfico. Para ello se compró una réflex digital básica y empezó a estudiar cómo ser mejor fotógrafo, sobre todo con los recursos disponibles en Internet. Tras probar distintas técnicas y configuraciones de su cámara, publicó sus fotos en sitios como Flickr, Facebook y 500px. Al principio cuenta que no obtuvo muchas visitas ni likes, pero que disfrutaba viendo sus fotos publicadas y observando las de otros fotógrafos colgadas en esos sitios.

Foto de Angello Lopez

Antes de aquello, ni siquiera se la había pasado por la cabeza vender sus fotos de esa manera. Pero había llegado al punto en el que quería actualizar su cámara y comprarse nuevos objetivos. En concreto, quería pasarse al formato completo, lo que evidentemente era un importante gasto difícil de justificar para una afición. Sin embargo, pensó que si el dinero para ello provenía de la venta de sus fotos bien justificado estaba.

Dos años después, una empresa de diseño vio una foto suya en Flickr y preguntó si podían comprar una licencia comercial. Así, tras una búsqueda rápida sobre licencias y precios en Internet, vendió su primera foto por 75 dólares.

Iniciándose en el Microstock

Así que empezó a investigar sobre las licencias de fotos y sobre cómo funcionaban los sitios de microstock. Portales que, como ya contamos, no son más que intermediarios entre agencias y fotógrafos que compran licencias de uso de fotografías por cantidades relativamente bajas. Por ello, cuenta James, en Internet encontró una gran cantidad de información negativa sobre estos sitios.

A pesar de ello, él decidió intentar publicar sus fotos en Shutterstock, uno de los portales más antiguos y populares de microstock. En ese momento, cuenta, “solo había hecho una venta por lo que sentí que obtener un pequeño pago por cada foto era mejor que nada”. De hecho el primer mes ganó menos de diez dólares a pesar de que le aceptaron 55 fotos. Sin embargo, siguió subiendo sus fotos siempre que tenía tiempo y, un mes después, ya había colgado un centenar.

Foto de Pankaj Patel

El tercer mes, revisando sus estadísticas descubrió que había ganado 56 dólares por las licencias extendidas de dos fotos. Aunque reconoce que fue "suerte de principiante" porque después de eso no volvió a conseguir ganar más de 50 dólares en muchos meses. Sin embargo, siguió insistiendo y subiendo más fotos a Shutterstock y a otros sitios similares.

Simultáneamente, empezó a colgar sus mejores fotos en sitios de venta de copias artísticas bajo pedido como Fine Art America. Una web norteamericana que permite subir nuestras fotos, establecer un precio y crear un escaparate para que cualquiera pueda comprar copias de las imágenes. Cuando alguien lo hace, el propio site se encarga de todo y envía el porcentaje que le corresponde al autor.

Por último, continúa, actualizó su blog fotográfico de manera que pudiera vender sus imágenes directamente. “A pesar de que mis fotos están disponibles en los sitios más populares de microstock, los compradores de fotos de stock siguen viendo mis fotos en redes sociales y compran licencias directamente desde mi página web”.

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¿Cómo consigo vender mis fotografías y rentabilizar mi trabajo? Ocho formas de lograrlo

No esperes hacerte rico

Dos años después de la venta de su primera licencia, sus ingresos mensuales por las fotos llegaron a ser de aproximadamente 500 dólares al mes. Eso como promedio, porque cuenta que llegó a obtener algún mes hasta 1400 dólares (que, lógicamente se compensaban con otros meses mucho peores). Además, James afirma que ahora que sus fotos están publicadas puede continuar obteniendo dinero de forma indefinida sin apenas hacer nada.

Por ejemplo, cuenta que en 2016 no tuvo mucho tiempo para la fotografía y solo publicó ocho fotos en todo el año. Sin embargo, afirma que aún así obtuvo un promedio de 460 dólares mensuales por las fotos publicadas en años anteriores.

Foto de MIke Fox

James comenta que estos números se refieren a los ingresos de todas las fotos que ha publicado (dice que sólo publica las mejores), y que su cartera actual es de unas 700 imágenes en total. Lógicamente los sitios de microstock no aceptan todas sus imágenes, por lo que en algunos sitios solo hay 300 fotos suyas a la venta. El caso es que “haciendo cálculos, cada una de mis fotos gana menos de un dólar al mes de promedio. Y en realidad es aún menos, porque tengo una foto que ha ganado más de cuatro mil dólares a lo largo de los años, mientras que otras no han tenido ventas”.

Sin embargo dice entender que la cosa funciona así, y que hace las fotos que quiere y luego las publica a ver si se venden. “La fotografía sigue siendo un pasatiempo y el placer que me da es lo primero, ganar dinero es secundario”. Así, cuenta que muchas veces las fotos que más le gustan no son las que más se venden.

¿Qué sitios funcionan mejor?

James dice haber publicado sus fotos en más de 20 sitios online distintos a lo largo de los años, todos clasificados como páginas de microstock o de venta de arte bajo demanda. Pues bien, “el 75% de mis ingresos provino de sitios de microstock, mientras que solo el 8% fue de sitios de arte bajo pedido. El 17% restante fue a través de ventas directas desde mi sitio web de fotografía”.

En todo este tiempo dice haber probado a vender en distintos sitios de venta de arte bajo demanda pero ahora sólo lo hace en la mencionada Fine Art America “porque es el único sitio donde mis imágenes se venden constantemente”. También ha probado en muchos portales de microstock y siempre que conoce alguno nuevo suele subir cien de sus mejores fotos para empezar y ver cómo funciona: “Si comienzo a obtener ventas, cargo el resto de mi colección”.

Pero lo más interesante para nosotros es que, basándose en su experiencia, James cuenta cuáles son los cinco mejores sitios de microstock para obtener dinero (los que utiliza actualmente):

• Shutterstock
• 500px
• Fotolia / Adobe Stock
• 123RF
• Big stock Photo

Unos pocos consejos

Finalmente, James incluye una serie de consejos para fotógrafos aficionados que estén pensando en iniciarse en este mundo y obtener ingresos adicionales con sus fotos.

1. Publica tus fotos en redes sociales. “Mi favorito es 500px, pero también comencé a publicar en Instagram y sigo publicando en Flickr, que fue mi favorito hace un par de años”.
2. Crea tu propio blog de fotografía. “Mi blog no obtiene tantas visualizaciones como mis redes sociales, pero todas ellas enlazan con mi blog. Esto facilita el trabajo a los compradores potenciales que ven una imagen que les interesa en redes sociales. Utilicé Squarespace para mi blog porque fue fácil de configurar en un día”.
3. Sube fotos a Shutterstock. “Es la referencia en ventas de la mayoría de los fotógrafos que trabajan en microstock. Por lo tanto, es probable que si tus fotos se venden lo harán en Shutterstock más que en cualquier otro sitio, con lo que es un buen lugar para comenzar”.
4. Sube fotos a otros sitios de stock. “Una vez que tengas algo de éxito en Shutterstock, amplía tu campo de actuación y publica tus mejores fotos en otros sitios”.

Foto de Alexandre Croussette

¿Qué os parece la idea? La verdad es que viendo sus fotos en Flickr (por ejemplo el álbum con las ‘50 fotos más interesantes’) tenemos que decir, sin querer menospreciar su trabajo, que casi cualquiera puede conseguir lo mismo que James Wheeler (porque sus fotos tampoco son inalcanzables). Así que quizá alguno de vosotros se anime a tratar de conseguir dinero por sus fotos gracias al microstock siguiendo sus consejos ¿Te animas?

Foto de portada | Chris Lawton

El año pasado la famosa agencia Magnum cumplió 70 años. Parece que llegamos tarde para recordarlo, pero nuestra intención es recuperar uno de los documentos más interesantes que hemos encontrado en los últimos tiempos sobre el mundo del fotoperiodismo: la guía gratuita 'Wear Good Shoes. Consejos de los Fotógrafos de Magnum'. Desde la agencia lanzan una serie de consejos para todos los fotógrafos que quieren empezar o que no saben qué camino seguir.

Lo primero es poner el enlace para conseguir semejante manual. Es una colaboración entre Lens culture y Magnum para asesorar a todos los fotógrafos que lo necesiten. En principio parece orientado a los que están en las escuelas formándose, pero tenemos que asumir que los buenos fotógrafos siempre tienen que aprender. Es, en definitiva, para todos los que nos colgamos una cámara al hombro.

Es un conjunto de fotografías y citas de la mayoría de los miembros de la mítica agencia que crearon cuatro de los fotógrafos más importantes del siglo XX: Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y David “Chim” Seymour. La idea es ofrecer:

una amplia selección de consejos y trucos de los fotógrafos de Magnum, desde el aprendizaje de este arte hasta cómo encontrar tu propia visión, voz y pasión, arriesgando y siendo coherente con tu trabajo enfocado hacia tus objetivos.

'Wear good shoes'

Usa buenos zapatos. Para mi es uno de los mejores consejos que se pueden dar para ser un buen fotógrafo. Todavía me sorprendo cuando veo a muchos con sandalias por la calle y su boina ladeada. No creo que lleguen muy lejos... al menos hasta la siguiente manzana donde está la cafetería más cool de su barrio para que les vean con la máquina encima de la mesa.

Una de las páginas del documento

Un buen calzado, una buena bota de montaña, de suela gruesa consigue mejores fotografías que la cámara más cara del mercado. Con esta premisa fundamental se desarrollan a lo largo de 63 páginas los consejos y las fotografías de los casi 92 fotógrafos que han enseñado su forma de ver las cosas.

Y lo más enriquecedor es que cada uno piensa de una manera. Cada uno ha sido capaz de llegar lejos con sus propios pensamientos e ideas, por lo que a lo mejor es bueno hasta ir con sandalias por el mundo con la cámara al cuello.

Está dividido en 5 partes:

1. Aprendizaje
2. Visión y Voz
3. Pasión
4. Determinación
5. Arriesgarse

Se podrían escoger muchas citas pero, para animaros a leerlo, voy a poner una por capítulo. Pocas veces veremos una recopilación tan motivadora.

Invierte en ello todo tu tiempo durante al menos 5 años y luego decide si tienes lo que se necesita para conseguirlo. Muchos grandes talentos abandonan al principio; el gran agujero negro tras los cómodos años en la escuela o universidad es el asesino número uno del talento del futuro. Carl De Keyz

Siempre intenta ser honrado contigo mismo. Por ejemplo, ¿es la idea de ser fotógrafo más interesante para ti que la propia fotografía? Si es así, piensa en convertirte en actor. Si de verdad te importa la fotografía, no te rindas. Intenta entender y disfrutar del hecho de que la fotografía es un medio único. Respeta y trabaja con las limitaciones de la fotografía y llegarás mucho más lejos. Donovan Wylie

Profundiza, sigue tus instintos y confía en tu curiosidad. Susan Meiselas

Céntrate en un proyecto durante mucho tiempo. Sigue trabajando en él mientras aprendes, incluso si crees que ya está terminado. Es la única forma de aprender lo que pienso que son algunas lecciones vitales que deben aprenderse sobre la narrativa y cómo combinar imágenes. Mikhael Subotzky

Comete tus propios errores. Necesitas construir tu propia experiencia y nadie puede decirte realmente lo que debes hacer. Sohrab Hur

Creo que es una de las lecturas más recomendables para llevar siempre en el teléfono o en la tableta cuando te falta la inspiración o nada te motiva para levantarte con la cámara.

En Xataka Foto| 'Magnum, Hojas de contacto', la exposición que nos cuenta cómo hacer una fotografía