Algunas veces la luz que tenemos en el momento del disparo no nos gusta. Igual es muy plana y nos da poco contraste y estamos buscando un poco más de vida en nuestra fotografía. Lo que nos parece más lógico es subir el contraste durante el revelado y listo, pero en muchos archivos esto genera un aspecto muy artificial. Hoy vamos a ver un sencillo truco para subir el contraste de una forma controlada sin afectar a las luces altas y acercar la fotografía al tenebrismo de los cuadros.

Lo que vamos a explicar hoy se puede hacer también con Adobe Photoshop y la ayuda inestimable de las máscaras de luminosidad (y cualquier otro programa que permita jugar con la luminosidad), pero hemos decidido hacerlo con Capture One, un programa que cada día gana más adeptos.

Los pasos que vamos a dar pueden funcionar con cualquier fotografía, pero el efecto será más llamativo en aquellas fotografías planas con un luz insulsa en las que apenas se distinguen las luces de las sombras.

Fotografía original

En esta ocasión vamos a utilizar una de los disparos que pudimos hacer en Sicilia durante la presentación de un nuevo objetivo de Sony. Vamos a descubrir los pasos a seguir.

Aumentar el contraste con Capture One de forma natural

Normalmente subimos el parámetro de contraste y afectamos por igual a las luces y a las sombras. Si lo hacemos con la ayuda de las curvas igual podemos ser más sutiles. Pero el trabajo que vamos a descubrir ahora permite un control mayor y un aspecto más natural. Cada uno tiene que elegir el efecto que más le guste:

En Xataka Foto

Revelando con máscaras de luminosidad: Un flujo de trabajo perfecto (I)

• Abrimos la fotografía y la revelamos a fondo con cualquier flujo de trabajo, incluso los 10 pasos que llevo tiempo proponiendo.
• Creamos una nueva capa en el menú Capa>Añadir capa de ajustes llena.
• La clave para que todo funcione es elegir una zona representativa de las sombras sin llevar a negro absoluto las zonas más luminosas de la fotografía... tiene que quedar todo con una tonalidad grisácea.

La escala de grises que tenemos que buscar

• Para conseguirlo, antes de abrir el intervalo de luma hay que ir a Capa>Visibilidad de máscara>Mostrar máscara grises. No te asustes si el archivo se queda blanco.
• Vamos a Capa>Intervalo de luma.

La curva extrema

• Llevamos a 0 Rango y Disminución en los Negros y ajustar en los Blancos ambos parámetros para conseguir esa tonalidad grisácea de la que hemos hablado antes. Cuánto más separados estén ambos parámetros en la zona de blancos mejor.

La misma curva sin el intervalo de luma

• Cuando terminemos subimos Radio al máximo (300) para que sea más suave la transición y damos a Aplicar.

La fotografía final

• Ahora solo nos queda jugar con las curvas hasta conseguir el efecto deseado.

En Xataka Foto

Fotografiar con poca luz: Claves a tener en cuenta

Esta forma de trabajar es más compleja que hacer una curva directamente. Bloquea las zonas luminosas y nos deja ser más agresivos en la zonas oscuras para acercarnos al tenebrismo en las imágenes que se presten a ello. Os animamos a probarlo y ver si realmente funciona con vuestras fotografías. Ya nos diréis.

De nuevo nos ponemos a buscar filtros desconocidos en Adobe Photoshop. En esta ocasión hemos encontrado Desplazar, escondido en la dirección Filtro>Distorsionar>Desplazar. Sirve para juntar dos imágenes respetando el relieve de la imagen principal.

Estamos ante otro filtro del que se habla poco o nada. Apenas tenemos referencias a su uso en la red. Lo más interesante es la aportación que hizo Photoshopeando hace años y la de Fotógrafo digital. El filtro Desplazar sirve para integrar una fotografía con el relieve de otra. No es algo que se haga mucho en el mundo de la fotografía clásica pero puede venir bien para el mundo del diseño.

La fotografía original

Ayuda a hacer tatuajes, colocar dibujos en fachadas, crear diseños para las camisetas, simular efectos extraños en las pieles de los modelos, etc... En esta ocasión vamos a hacer un homenaje a los años 80, que acabo de cumplir años y estoy nostálgico.

No hay que confundirlo con el Filtro>Otro>Desplazamiento. Algo que me ha pasado en alguna ocasión y por lo que he creído ver un fallo tipo Matrix en el programa.

Cómo usar el filtro Desplazar

En Xataka Foto

Frans Lanting, el fotógrafo naturalista que se adelantó en la necesidad de reivindicar la conservación de nuestro planeta

Necesitamos dos fotografías. En esta ocasión vamos a aprovechar una vieja puerta del norte de España y vamos a poner el logo de Naranjito, uno de los dibujos de la infancia de muchos de los que empezamos a peinar canas o sentimos su ausencia.

Tenemos que dar unos cuantos pasos y aprender a aprovechar los objetos inteligentes para ser mucho más productivos. En este caso, como siempre digo, los OI son el comodín perfecto de la jugada.

• Revelamos la fotografía principal siguiendo nuestro flujo de trabajo habitual.
• Cuando lo hayamos terminado hacemos un duplicado del documento en Imagen>Duplicar.
• A este duplicado lo tenemos que convertir en lo que se conoce como un mapa de desplazamiento, una plantilla que va a utilizar el filtro para adaptar sin problemas el relieve de una fotografía en otra. Y todo gracias a la perfecta integración con las zonas de luz y sombra de la imagen receptora.
• Para conseguirlo tenemos que pasar la fotografía a blanco y negro y forzar al máximo su contraste. En esta ocasión selecciono el canal Azul en la ventana Canales y voy a Imagen>Modo>Escala de grises.

El mapa de desplazamiento que hemos creado

• Para conseguir más contraste lo más sencillo es crear una capa de ajuste de niveles y elegir dentro de los ajustes preestablecidos Contraste fuerte. Y si necesitas más contraste siempre puedes buscar otros métodos... en esta ocasión simplemente he duplicado la capa de ajuste (Ctrl+J).
• Guardamos el mapa de desplazamiento en formato PSD 8 bits con todas las capas acopladas (Capa>Acoplar imagen).
• Guardamos esta fotografía en el escritorio de nuestro ordenador.

En este momento justo tenemos que abrir la foto de Naranjito, la mascota del Mundial 82. Y pinchándola con la herramienta Mover llevarla al documento original.

La mascota del Mundial 82

• Esta nueva capa la transformamos en objeto inteligente en Capa>Objetos inteligentes>Convertir en objeto inteligente.
• Es el momento de ir a Filtro>Distorsionar>Desplazar. En la ventana que se abre seleccionamos los parámetros en función del tamaño de la imagen y del grado de integración que queramos conseguir.
• Solo tenemos que tocar la Escala horizontal y la Escala vertical para lograr una buena integración. Mapa de desplazamiento y Áreas no definidas los dejamos por defecto. Solo habría que tocarlos si el mapa de desplazamiento tiene un tamaño distinto o si queremos rellenar zonas, respectivamente.
• Como estamos trabajando en un objeto inteligente podemos ir variando los dos valores que hemos dicho hasta encontrar el punto exacto.

La fotografía final

• Para mejorar la imagen y la integración podemos trabajar con los modos de fusión, bajar la Opacidad de la Capa, jugar con los Estilos de capa... En mi caso he elegido el modo de fusión Luz suave y he bajado la Opacidad.

En Xataka Foto

Sony FE 135 mm F1.8 GM, análisis: una nitidez superior y un bokeh adictivo para este teleobjetivo ideal para retratos

Puede que algunos piensen que no hace falta hacer todo este proceso pues con los modos de fusión puede bastar para crear esta sensación de realidad. Para evitar confusiones podéis ver al 100% la diferencia entre ambos métodos.

A la izquierda el mapa de desplazamiento y a la derecha solo el modo de fusión

Espero que os guste el resultado y que lo aprovechéis para hacer las mil cosas que se nos pueden ocurrir para lograr una buena imagen. Ya nos contaréis.

La herramienta Claridad de Capture One, presente en todas las versiones, tanto la gratuita como la Pro, es una de las grandes ventajas de este programa frente a sus competidores. Con ella podemos ganar acutancia, sensación de nitidez, en nuestras fotografías. Como tiene muchas opciones vamos a explicar paso por paso todo lo que podemos hacer con ella.

Lo primero que debemos explicar es qué hace la herramienta Claridad para mejorar nuestras fotografías. Su función es dar contraste a los tonos medios para aumentar la acutancia de la fotografía. Al aumentar el contraste se consigue una aparente mejora de la nitidez.

La herramienta Claridad

Esto se podría hacer directamente con una sencilla curva en ese que solo afectara a los tonos medios. Pero desde luego es más cómodo hacerlo con un deslizador. En Capture One tenemos cuatro métodos distintos con dos deslizadores. Y esta aparente complicación es lo que la convierte en una de las herramientas más desconocidas del programa.

Para saber cómo se comporta solo tenemos que hacer pruebas pero para que todo sea más sencillo y os animéis a dar el salto vamos a explicar con distintos ejemplos cómo podemos aprovechar todo el potencial de Claridad.

Las ventajas de la herramienta Claridad

En Xataka Foto

Tres formas de trabajar con Capture One y Adobe Photoshop a la vez

Es una herramienta única por la cantidad de posibilidades que ofrece. La podemos colocar en cualquier Pestaña de herramienta, por supuesto, pero por defecto la encontramos en Exposición. En mi caso también la he incluido en mi pestaña de Diez pasos.

Claridad tiene cuatro métodos distintos:

1. Natural: aplica un contraste local muy suave y evita la aparición de colores falsos.
2. Intensidad: da un contraste más fuerte y además aumenta la saturación de la fotografía de una forma muy suave.
3. Neutro: exactamente igual que Intensidad pero evita la subida de la saturación.
4. Modo clásico: el primer método de Claridad que consigue, a pesar de sus años, un contraste suave y un aumento leve de la saturación.

La saturación del método Intensidad

Cada uno de ellos tiene estos dos parámetros:

• Claridad funciona mejor en aquellas fotografías en las que el detalle fino no es importante.
• Estructura demuestra su fuerza en las imágenes con muchos pequeños detalles.

Como ocurre con todos los parámetros de Capture One, a la hora de modificarlos hay que procurar no ser extremo. Porque uno de las ventajas que tiene esta herramienta es que también funciona con valores negativos. En algunos retratos es útil bajar el parámetro de Claridad para suavizar la piel de una forma realmente efectiva.

El resultado final

Y cuando el efecto de esta herramienta empieza a ser realmente notable es cuando trabajamos con capas. Si queremos que un elemento de la imagen destaque, solo tenemos que hacer una buena selección y ajustar los parámetros necesarios.

En Xataka Foto

Leica CL, análisis: sobria y brillante mirrorless de sensor APS-C concebida para fotografiar la calle (y con AF)

Incluso podemos crear varios ajustes para distintos tipos de fotografía y guardarlos como Ajuste preestablecido en Ajustes>Guardar ajustes del usuario. Como siempre el límite está en nuestras necesidades. En algunas fotografías puede que llegue a interesar trabajar con Claridad y Estructura pero personalmente utilizo uno u otro en función de la imagen. Al final cada uno tiene que elegir qué necesita.

Con la llegada del verano, muchos fotógrafos prefieren esconderse del sol y esperar a al caída de la noche para trabajar en sus tomas. Durante estas horas encontramos una mezcla de fuentes de luz, retos de exposición, colores y sensaciones inherentes a la noche. Para aprovecharlas, el día de hoy os traemos un flujo para la creación de un estilo nocturno en Photoshop.

En Xataka Foto

Trucos y consejos para enfocar correctamente de noche o cuando apenas hay luz

En el laboratorio

Este tipo de estilo cuenta con dos secciones. La primera es buscar neutralizar lo que más se pueda las dominantes sobre la imagen. La segunda modificar el color a nuestro gusto.

Para ejemplificar el flujo de trabajo, usaremos la imagen de abajo como ejemplo.

El primer paso busca conseguir detalle en la información y aplanar el color mediante la disminución del contraste. Para ello crearemos una capa de ajuste de ‘Curvas’ y comprimimos la curva desde sus extremos.

Como hemos perdido mucho color, el siguiente paso se enfoca en reforzar los tonos de los elementos en la imagen. Para ello crearemos una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. Para ayudar al color de estos elementos podemos ir canal por canal de la capa de ajuste, agregando más del mismo color, jugando con su nivel de negro y viendo en qué punto resalta más el color en la escena. Esto también nos permitirá quitar dominantes de los colores que deseemos.

Pasado este punto, para recuperar un poco del contraste general de la toma, podemos duplicar la capa original y ponerla sobre toda la imagen. Esta capa duplicada la ajustaremos aplicando el modo de fusión ‘Mezcla Definida’ y buscando un porcentaje de ‘Relleno de capa’ que consiga el contraste deseado por nosotros.

Una vez completamos nuestras correcciones primarias, es hora de ajustar el color.

En Xataka Foto

Cómo conseguir un estilo de película forzada a dos tiras en Photoshop

Lo primero que haremos es ajustar las dominantes de nuestra imagen con una capa de ajuste de ‘Balance de Color’. Con esta herramienta, modificaremos sombras, altas luces y tonos medios para conseguir los tonos que nos gusten más. En este caso, en las luces estamos buscando una dominante cálida, de color amarillo pero que contenga mucho verde. En las sombras buscamos un tono más cyan, pero con un poco más de componente azul.

Finalmente ajustaremos el contraste general de la imagen con una última capa de ajuste de curvas. En este paso podemos aprovechar para levantar las sombras, ajustar tonos medios y enfocarse en los sujetos de la imagen. En este caso iremos por un contraste más alto, explotando más los brillos y llevando las sombras al límite donde haya información, pero sean profundas.

Abajo podemos ver el resultado del proceso:

Como siempre, lo importante de estas muestras de estilos es entender el propósito de los pasos y las herramientas utilizadas. Abajo podemos ver cómo cambia el look si aplicamos los mismos ajustes a una imagen similar, pero con fuentes de luz algo distintas.

Y, si vamos a otro extremo, al utilizar fuentes de disparo o continuas fotografía conseguiríamos resultados poco agradables aplicando estos pasos como si fuera un preset. Pero, modificando solo un ajuste en el paso de ‘Corrección Selectiva’, podemos ver que el mismo flujo nos puede dar resultados llamativos incluso en una escena pensada para retrato.

Ahora es el momento de experimentar con nuestras imágenes. ¿Qué tanto se puede sacar en estas cinco capas de trabajo?

Usualmente los looks y presets que aplicamos sobre nuestras imágenes vienen de controles y ajustes globales. En el pasado os hemos mostrado cómo crear ciertos estilos utilizando este principio. En esta ocasión entraremos a jugar con ajustes locales y cómo crear un estilo de imagen de contraste de color.

Máscaras y colores

En Xataka Foto

Cómo crear un estilo de control de contraste en nuestras imágenes utilizando Photoshop

Para ejemplificar el proceso utilizaremos la imagen de abajo como ejemplo.

Lo primero que haremos es acentuar el contraste general de la escena. Oscurecer esa área de la estación que está oscura y sacar mucho más brillo del área iluminada. Para ello utilizaremos la herramienta de ajuste de ‘Curvas’. Crearemos una capa, disminuimos el brillo bajando el punto de blanco y, para crear un contraste más natural en esa transición, le pondremos barriga a esa curva.

Veréis que la imagen se oscurece del todo, pero como solo queremos afectar el lado izquierdo de la imagen, crearemos una gradiente de izquierda a derecha sobre la máscara de ‘Curvas’. Como podéis ver arriba.

De manera similar, para aumentar los brillos, con una segunda capa de ajuste de ‘Curvas’ podemos mover el punto blanco dentro de la información de la imagen. Aplicamos una gradiente sobre la máscara de ‘Curvas 2’, esta vez de derecha a izquierda.

Si los brillos quedan muy clipeados, podemos controlar el recuperar información en las propiedades de capa de esta curva (click derecho opciones de fusión). En la parte inferior (‘Fusionar si es’, barra de ‘Capa Subyacente’), movemos el controlador y buscamos un punto donde consigamos la información deseada. Luego separamos el controlador (Alt + Click sobre la palanca) para darle suavidad a la transición.

Estos dos ajustes nos han creado el contraste general de la imagen, además de las máscaras sobre las cuales aplicaremos el color. Para colorear utilizaremos la herramienta de ajuste de 'Corrección Selectiva'.

Lo primero que haremos es copiar la selección de la máscara de los brillos (Ctrl + Click sobre el cuadro de máscara). Teniendo esa selección activa, crearemos una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. En el canal de blancos agregaremos un poco de amarillo y el en canal de neutros ajustaremos el tono cálido de la área luminosa. Acá ya podemos ver cómo adquiere algo más de fuerza la imagen.

De la mísma manera crearemos una segunda capa de ‘Corrección Selectiva’ utilizando la máscara de gradiente de negro. En este ajuste solo trabajaremos sobre los negros, agregando un poco de cyan y azul a la escena.

Con estas dos capas de color ya tenemos listo nuestra base de color en la escena. Para finalizar la imagen aplicaremos un ajuste global que termine de fusionar estos cambios locales que hemos realizado. Esto lo lograremos utilizando una capa de ajuste de ‘Curvas’.

Dependiendo de cómo ajustemos la curva se conseguirán distintos resultados. Una Curva en S de alto contraste generará sombras muy oscuras y brillos muy altos, dando una sensación como de película forzada.Una S invertida lavará la imagen, pero dará un estilo de película de bajo contraste.

A mi me gusta lo mejor de ambos mundos, por lo cual he realizado una curva en S de bajo contraste. Subiendo el punto de negro, bajando el punto de blanco y consiguiendo recuperar contraste perdido en esta acción modificando la curva.

Finalmente, como gusto personal, siento que el hombre al lado del carril está un poco apagado, por lo cual adicioné un último ajuste de curvas para iluminar un poco el sujeto. Pintando una pequeña máscara sobre él.

Abajo podéis ver el resultado final de la imagen.

El explorar ajustes locales mediante máscaras nos ayudará a un nivel de personalización del estilo más allá de lo que logran los presets y las LUT. Los cambios realizados pueden ajustarse a distintos tipos de imágenes tan solo ajustando las máscaras a la nueva composición.

Pero, sobre todo, lo más importante es la práctica. Así que a jugar con vuestras imágenes. ¡Hasta la próxima!

Volvemos con una nueva guía para trabajar el color de nuestras fotografías. En esta ocasión, el estilo fotográfico está pensado para imágenes de naturaleza. Así podemos conseguir un estilo de control de contraste de escena en Photoshop.

Este estilo está pensado para conseguir un contraste natural y controlable. Además está pensado para trabajar a partir del tono que queremos darle a la flora en nuestra imagen. Así que vamos con ello.

En Xataka Foto

Qué son y cómo sacar provecho de las herramientas de corrección en Photoshop

En el laboratorio

Vamos a utilizar la imagen de abajo como ejemplo de este proceso.

Lo primero que realizaremos es una copia de la capa original. Sobre la nueva capa iremos a Filtros > 3D > Generar mapa normal. Esto nos abrirá el cuadro de abajo:

En este cuadro trataremos de encontrar la mayor cantidad de textura posible aumentando la escala de detalle y bajando la difusión. Si queremos un resultado más natural, trabajamos entre 80% y 90% de escala de detalle, si queremos un resultado de contraste más agresivo iremos sobre estos valores. El resultado será algo como la imagen de abajo.

A esta imagen resultante aplicamos dos efectos. El primero será desaturar color (Ctrl + Shift + U) y luego invertir color (Ctrl + I). Resultará en una imagen como la de arriba.

Esta capa la pondremos en modo de fusión de ‘Luz Suave’ y ajustamos la opacidad de capa hasta donde sintamos que nos guste el contraste de los elementos de la imagen. Esta capa funcionará como nuestro primer controlador de contraste de la imagen, trabajando sobre un general de escena.

El siguiente paso será crear una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. En esta capa haremos un primer ajuste a los tonos de flora que queremos resaltar y contrastar en color. En este caso, he ajustado los valores sobre el canal verde para potenciar este tono en las hojas, mientras que en el canal amarillo he agregado rojo y eliminado verde para separar ciertos elementos y el suelo del tono de las hojas que rodea la imagen.

Tras ajustar nuestros tonos, crearemos una capa de ajuste de ‘Blanco y negro’. Esta capa de ajuste será nuestro segundo controlador de contraste en la imagen. Como os mencioné, en la capa anterior creamos una separación de tonos. Así que al modificar la luminancia de los tonos verdes o rojos en mi capa de ajuste de ‘Blanco y negro’ voy a poder ajustar el contraste de estos tonos en la imagen. Abajo podéis ver qué pasa si le doy prioridad de luminancia al verde o al rojo. La visión cambia en hacer resaltar más el camino, o en hacer resaltar la fauna que lo rodea.

Para este ejemplo he seleccionado irme por resaltar más el camino. Para ello, ponemos un valor más alto de rojo y disminuimos el del verde. La capa de ajuste de ‘Blanco y negro’ la pondremos en modo fusión de ‘Luminosidad’. Una vez aplicada es importante ver que la transición de contraste sea fluida para evitar artefactos. Así que hay que realizar pequeños ajustes sobre el amarillo (que funciona como tono de transición entre rojo y verde).

Finalmente, podemos agregar una capa de ajustes de ‘Curvas’ para darle una última pasada de color general. En este caso me he ido por generar un tinte algo cyan sobre las sombras, tratar de mantener ‘neutros’ los tonos medios y agregar algo de magenta en las altas luces. Esto es un simple gusto personal que podemos ajustar como queramos.

El resultado, como podéis ver en la imagen de abajo, es pasar de una imagen plana (en tonos) a una imagen con mejor contraste y un punto de enfoque seleccionado por nosotros. El tono de ambiente general podemos controlarlo a través de la capa de ‘Curvas’, mientras que tenemos cómo controlar el contraste de la escena general con nuestra capa de mapa, o ajustar un contraste selectivo con la capa de ‘Blanco y negro’.

Este estilo nos permite reajustar la imagen de manera sencilla para llegar fácilmente a un resultado que nos guste. Espero sea de utilidad para vosotros. ¡Hasta la próxima!

El contraste depende totalmente del gusto del fotógrafo. A muchos les gusta suave y unos pocos lo preferimos más fuerte, exagerado. La luz del momento fotografiado tiene mucho que ver. Pero si lo queremos controlar tenemos muchas herramientas para conseguirlo. Hoy vamos a ver un método que viene de los tiempos pasados para ajustar el contraste a nuestro gusto en Adobe Photoshop.

Esta técnica es la que se utilizaba en los laboratorios químicos iluminados por la luz roja para dominar el contraste de los negativos. Era una especie de veladura del papel o, en los casos más extremos, de la propia película para evitar unos negros y blancos demasiado marcados.

Creía que era una técnica olvidada, pero rebuscando por internet encontré, de nuevo, el trabajo de Michael Reichmann en una de las páginas más longevas del panorama digital, The luminous landscape. También he visto la traducción en Imagen digital, una interesante página con completa información.

Puede que este método resulte obsoleto a muchos fotógrafos, pero a los más veteranos del lugar nos lleva a una época en la que las cosas podían funcionar o no después de echarle horas en el laboratorio. Y cuando lo conseguías levitabas... Por este motivo, y porque todavía puede aportarnos grandes éxitos en nuestras fotografías, os cuento cómo hacerlo con toque personal para que se amolde más a los nuevos tiempos que corren.

Cómo crear una máscara de contraste

Primero hay que encontrar una fotografía con un contraste extremo que queramos mitigar. Igual podemos salvar la papeleta en Adobe Camera RAW, o los nuevos motores de revelado acaban con el problema con un solo deslizador. Pero hay imágenes que son muy difíciles de salvar. Y por este motivo esta técnica nos puede venir de maravilla.

La fotografía original

• Revelamos la fotografía en Adobe Camera RAW. Podemos intentar superar el contraste con la ayuda de un perfil de cámara, con el contraste negativo. Pero ahora no es el momento. Por supuesto abrimos el archivo como objeto inteligente.
• Ya en Adobe Photoshop, duplicamos el OI en Capa>Objetos inteligentes>Nuevo objeto inteligente mediante copia.

En el artículo de Michael Reichmann recomiendan pasar el archivo a blanco y negro con un desaturado. Yo he probado hacerlo directamente con una capa de ajuste. Pero no es necesario. El resultado final es idéntico con la solución que propongo.

El filtro de desenfoque gaussiano actuando

• Con el nuevo objeto inteligente seleccionado, vamos a Imagen>Ajustes>Invertir. Lo que estamos viendo ahora es un negativo en color de la fotografía original. ¿Y qué tiene de especial? Pues que las zonas en sombra son ahora las más luminosas, solo por poner un ejemplo.
• La imagen que tenemos ahora no vale en absoluto. Pero no podemos olvidar que podemos hacer uso de los modos de fusión de las capas. En este caso, como queremos controlar el contraste, vamos a los Modos de fusión de la capa en la misma ventana o en el menú Capa>Estilo de capa>Opciones de fusión. Y aquí escogemos Superponer, aunque también podríamos probar con Luz suave,menos sutil en la mayoría de los casos.
• Solo nos queda un paso para terminar y conseguir un mayor control. Es el momento de desenfocar el objeto inteligente en el que estamos trabajando y acudir a Filtro>Desenfocar>Desenfoque gaussiano. De esta forma, y con un Radio que depende de cada fotografía, encontrar el punto exacto en el que queremos dejar las zonas más luminosas de la fotografía. En la fotografía de ejemplo quiero recuperar las nubes, así que subo el Radio hasta los 150 píxeles.
• Por consejo de un buen alumno, una cosa que podemos hacer para afinar el resultado, y en el caso de que solo queramos subir los valores de las luces, podemos hacer Ctrl+clic en la capa RGB para generar la máscara de luminosidad de luces y bloquear las luces después de invertirla y convertirla en una máscara de capa.

Muchas gracias Juan por el consejo

Cada imagen, como bien sabéis, es un mundo. Y poder solucionar de una forma rápida y eficaz un disparo complicado por la luz es poco menos que una bendición de los dioses. Espero que os haya gustado esta técnica y que en algún momento, en vez de acudir a Sombras/Iluminaciones u otra parecida os acordéis de los pioneros del laboratorio y veáis lo eficaz que eran su métodos.

En Xataka Foto| Cómo revelar con Adobe Photoshop y las máscaras de luminosidad una imagen contrastada