Desafíar las expectativas del espectador y sorprenderle con un enfoque innovador son las premisas sobre las que se sustenta el Siena Creative Photo Awards, un concurso de fotografía creativa donde lo que se pide es dejar volar la imaginación, experimentar y buscar la originalidad. Justo lo que demuestran las espectaculares imágenes que se han premiado en la edición de este año.

El año pasado ya os enseñamos los ganadores de este certamen que es un apéndice de los Siena Photo Awards pero dedicado a el uso creativo del medio fotográfico en todas sus formas, premiando a fotógrafos que experimenten con distintas técnicas y apuesten por hacer volar su creatividad.

'Fem una Cerveza?' de Céline Pannetier, finalista en categoría Food&Beverage de los Siena Creative Photo Awards 2021

Este año la ganadora absoluta del certamen es la imagen que habéis visto en portada. Se titula ‘The Lake’, es obra del iraní Masoud Mirzaei y fue tomada en el lago Urmia, el más grande de Medio Oriente y el sexto lago de agua salada más grande del planeta Tierra.

Claro que esta es sólo es una de las muchas imaginativas imágenes premiadas que fueron escogidas entre "decenas de miles de imágenes" presentadas a concurso por fotógrafos de 137 países diferentes, y que se presentaron a concurso en 17 categorías (una más que el año pasado).

'Curves' de Julián Negredo Sánchez, finalista en la categoría 'Arquitecture' de los Siena Creative Photo Awards 2021

En cuanto a la participación española, destacar el segundo puesto en categoría Open Theme para el gallego Miguel Gómez Muñiz con una foto que pertenece al proyecto Imaxe Covid, a través del cual seis fotoperiodistas gallegos retrataron el aislamiento provocado en un primer momento por la pandemia del coronavirus.

En Xataka Foto

Cómo presentarse a un concurso de fotografía

Pero tampoco podemos olvidarnos citar a varios fotógrafos españoles que han sido finalistas en alguna categoría, como Carmen Pascual (con doble mención en 'Animals & Pets' y 'Fashion'), Julián Negredo Sánchez, Danny Gibert, Helena Aguilar Mayans, David Nomdedeu, la pareja artística formada por Anna Devís y Daniel Rueda y también mencionar a Céline Pannetier, fotógrafa francesa afincada en Barcelona.

'Storm Is Coming' de David Nomdedeu, finalista en la categoría 'Nature & Landscape' de los Siena Creative Photo Awards 2021

Todas sus fotos, junto con las que han sido premiadas o han resultados finalistas, podrán verse dentro de la exposición "I Wonder If You Can" que se celebrará durante el Siena Awards Festival el próximo mes de octubre en esta ciudad italiana, y donde también se expondrán los ganadores de otros concursos como los Siena International Photo Awards y los Drone Photo Awards.

Como casi siempre, os dejamos con las fotos premiadas (las ganadoras y subcampeonas de cada una de las categorías) y os recomendamos una visita a la web para ver más llamativas fotografías.

Ganadores de los Siena Creative Photo Awards 2021

Photo of the year: ‘The Lake’ de Masoud Mirzaei

Categoría Conceptual:

Ganador: Jairo Álvarez por ‘Innocence’:

Subcampeón: Debratna Ghosh por ‘Taste of Freedom’:

Categoría Abstract:

Ganador: Filippo Drudi por ‘The Fork #28’:

Subcampeón: Ibrahim Nabeel Salah por ‘Bozell II’:

Categoría Nature & Landscape:

Ganador: Hans Wichmann por ‘Palm Grove’:

Subcampeón: Jun Epifanio Pagalilauan por ‘Gunung Bromo’:

Categoría Nudes:

Ganador: George Mayer por ‘Anima #6’:

Subcampeón: Nikolai Endegor por ‘Statuette’:

Categoría Wedding:

Ganador: Soven Amatya por ‘The Flying Bride’:

Subcampeón: Fabio Mirulla por ‘Light and Shadow’:

Categoría Architecture:

Ganador: Ingun Alette Maehlum por ‘Eternit’:

Subcampeón: Claudio Sericano por ‘Insomnia’:

Categoría Animals/Pets:

Ganador: Pedro Jarque Krebs por ‘Priceless’:

Subcampeón: Jo Sax por ‘Chameleon in the Bedroom’:

Categoría Portraiture:

Ganador: Steve Wise por ‘Robbie’:

Subcampeón: Reiny Bourgonje por ‘African Flower’:

Categoría Still life:

Ganador: Olga Rudenok por ‘Rembrandt Still Life’:

Subcampeón: Iwona Czubek por ‘Still Life With Dandelions’:

Categoría Experimental:

Ganador: Giulio Fabbri por ‘Hotel Paradise’:

Subcampeón: Matthias Jung por ‘When Claudine Drinks Coffee...’:

Categoría Open theme:

Ganador: Eddy Verloes por ‘Losing Our Minds’:

Subcampeón: Miguel Muñiz por ‘Together in the Face of Uncertainty’:

Categoría Beauty:

Ganador: Robert Piccoli por ‘Composed’:

Subcampeón: Kristian Piccoli por ‘My Love Has the Prettiest Rose Petals’:

Categoría Fashion:

Ganador: Zejian Li por ‘The Colorful Fragile Bubbles’:

Subcampeón: Arun Mohanraj por ‘Free Fall’:

Categoría Product:

Ganador: Andre Boto por ‘Car’:

Subcampeón: Carlo Marchi por ‘The Waves’:

Categoría Food&Beverage:

Ganador: Claudio Dell'osa por ‘Fish’:

Subcampeón: Ana Straze por ‘Forbidden Food’:

Categoría Music:

Ganador: Eric Politzer por ‘The Sound of Solitude’:

Subcampeón: Amber Griffin por ‘Visual Symphonic’:

Más información y fotos | Siena Creative Photo Awards

Foto de portada | ‘The Lake’ de Masoud Mirzaei. Photo of The Year en los Siena Creative Photo Awards 2021 (recortada para adaptarla al formato horizontal de portada)

De vez en cuando os mostramos vídeos con trucos para hacer fotos originales, pero normalmente vienen de algún lugar fuera de nuestras fronteras, normalmente Europa o Norteamérica. Pues bien, hoy estamos de enhorabuena porque el que os vamos a enseñar viene de dentro de nuestras fronteras y nos muestra cómo crear imágenes impactantes con unos efectos que parecen hechos en postproducción.

Como habéis visto la base de los efectos que aparecen en las fotografías se realiza de modo totalmente manual (imaginamos que algo de retoque posterior debe haber, pero sólo en cuanto a niveles y cosas básicas) sólo con algunos accesorios y algo de ayuda humana. Además, en el vídeo ofrecen los datos de la toma para ayudar a quien se anime a recrearlos (o hacer algo similar).

En Xataka Foto

Ideas creativas para aprovechar las sombras en fotografía con apenas unos pocos recursos

Los responsables del vídeo son Jordi y Arnau Puig, una pareja de hermanos catalanes que forman un proyecto de fotografía creativa denominado Jordi.Koalitic y donde se dedican a hacer y divulgar un estilo propio de fotografía con toques, como habéis visto, eminentemente creativos. Y el resultado, por lo menos en este caso, es bastante espectacular ¿no os parece?

Jordi Koalitic | Página web | Instagram | YouTube

Está claro que la fotografía es algo serio, pero al mismo tiempo debe ser también divertida. Porque divertirse haciendo fotos es fundamental para mantener la pasión por este arte, y “jugar a hacer fotos” puede ser una excelente manera de recuperar nuestra creatividad. Por eso vamos a ver una serie de actividades entretenidas que ayudan a practicar y al mismo tiempo a desarrollar nuestro talento fotográfico.

Foto de Artem Maltsev

Hace ya algún tiempo os mostramos una especie de gymkana para practicar fotografía, y también una prueba que consistía en hacer diez fotos distintas en un mismo lugar además de unos ejercicios veraniegos para mejorar, pero esta vez os vamos a mostrar las recomendaciones que el fotógrafo Jason D. Little da en Light Stalking y que nos han parecido muy interesantes para compartir con vosotros.

Se trata, como ya adelantaba el título, de nueve juegos pensados para añadir algo de diversión a nuestra práctica fotográfica. Porque, tal y como cuenta Jason, puede que con el tiempo la fotografía se haya convertido para nosotros sólo en un negocio o en algo para expresar cosas más serias (como el caso de los fotoperiodistas o de la fotografía de denuncia), por lo que se trata de recuperar lo que originalmente hizo que nos enamoráramos de ella: “te divertiste haciéndola […] porque te encantaba presionar el botón del obturador.”

“Acceso restringido”

Foto de Katherine Hood

Por extraño que pueda parecer, ponerse limitaciones es algo que puede proporcionar un buen impulso a nuestra creatividad porque nos obliga a pensar y a actuar de forma distinta a lo habitual. Por eso, podemos “jugar” a limitar nuestra práctica fotográfica durante un período de tiempo determinado (que, por ejemplo, puede ser un día si queremos que sea algo breve, o una semana si queremos alargarlo).

Las limitaciones que propone el autor son las siguientes: primero que sólo utilicemos el modo manual; a continuación que sólo usemos un objetivo fijo; después que no incluyamos personas en nuestras fotos; más tarde que sólo hagamos fotos en un único lugar; y finalmente que sólo haya una persona en el encuadre de la foto. Estas son las limitaciones que nos propone Jason, aunque también comenta que podemos añadir cualquier otra que se nos ocurra.

En Xataka Foto

Ejercicios prácticos para empezar a entender el histograma (de una vez por todas)

"La docena del panadero"

Foto de Khuroshvili Ilya

El segundo juego que nos propone el fotógrafo se titula ‘Baker’s Dozen’, porque se refiere a una expresión que en la cultura anglosajona significa trece unidades de algo. En este caso, se trata de realizar una serie de dicho número de fotografías distintas entre sí. La limitación está en que se trata de hacerlas deteniéndose en un lugar cualquiera y sin dar ni un solo paso en ninguna dirección.

Diez extraños

Imagen capturada del vídeo Foto de Taking 30 Street Portraits in 2 Hours

El siguiente ejercicio se parece a éste que os mostramos hace tiempo, ya que se trata de pedir a desconocidos que nos dejen hacerles un retrato. Eso sí, si aquel reto consistía en hacer 30 retratos en dos horas, lo que nos propone Jason es más sencillo: caminar por un lugar conocido y hacer retratos de personas que no conozcamos hasta tener al menos diez.

Diez por una

Foto de Alexandre Chambon

Esta actividad no puede ser más fácil de plantear pero complicada de llevar a cabo. Se trata de tomar diez fotografías distintas de una misma cosa o persona. La forma de hacerlo dependerá de si el sujeto es capaz de moverse por sí mismo o no, pero independientemente de esto, nosotros como fotógrafos tenemos que ser capaces de componer diez fotos originales, lo que sin duda va a exigirnos una gran creatividad.

Imitando que es gerundio

Una versión libre de la famosa fotografía de Cartier Bresson. Foto de Hernán Piñera

Lo siguiente consiste en pensar en una foto de esas mundialmente conocidas (por ejemplo en alguna de éstas o de éstas otras), elgir una que sea de nuestras favoritas de todos los tiempos o, en su defecto, buscar alguna foto profesional que consideremos muy buena. A continuación, nuestro trabajo será tratar de recrearla de la forma más fiel que nos sea posible.

Autoinclúyete

Foto de delfi de la Rua

El siguiente ejercicio consiste en incluirnos dentro de cualquier escena que queremos fotografiar. Se trata, claro está, de hacer algo más que un selfie e incluirnos en la imagen de una forma creativa, de tal modo que no parezcamos fuera de lugar. Para hacerlo, lógicamente, necesitaremos algo de equipo y seguir algunos consejos como los que dábamos aquí.

Sopa de letras

Foto de Alex Read

Otro ejercicio que a lo mejor ya conocías consiste en elaborar un abecedario completo con imágenes. Se trata de que cada foto corresponda a una única letra que encontremos por ahí, un ejercicio que, tal y como cuenta el fotógrafo, no es tan fácil como parece y probablemente nos lleve más tiempo de lo que pensamos.

En Xataka Foto

El triángulo de exposición explicado gráficamente

Haz un “fotopopurrí”

Si te toca “reflejos” ésta podría ser una alternativa. Foto de Mario Mancuso

El siguiente juego que se nos propone es muy curioso. Se trata de escribir palabras sueltas o frases cortas en varios trozos de papel. Lo que escribamos tiene que tener relación con la técnica fotográfica o bien ser posibles temas; cosas como “árbol”, “desenfoque de movimiento”, “obra de arte”, “acción”, “profundidad de campo”, “sombra”, “medio de transporte”, “reflejo”.

A continuación, hay que meter los trozos de papel en un sombrero, una bolsa o cualquier otro tipo de recipiente, moverlo y coger uno de ellos. Sea lo que sea que nos salga, ahora sólo faltará coger la cámara y reproducirlo.

Película virtual

Foto de Michael Gaida

El último juego consiste en una imposición que nos retrotrae a los tiempos de la fotografía química. Se trata de realizar una sesión de fotos con la limitación de hacer solo 24 o 36 imágenes, como en los carretes de fotos más populares. Por supuesto, se trata de ser selectivo con lo que se dispara y, cuando se llega al límite, dejar de hacer fotos porque el desafío ya estará completo.

Foto de Michael Theis

Hasta aquí lo que propone Jason D. Little, unos ejercicios para desarrollar nuestras habilidades y creatividad disfrazados de divertidos juegos. La idea es que la próxima vez que necesitemos desahogarnos o practicar nuevas habilidades, pero no queramos sentir que estamos “practicando”, probemos con alguno (o todos) de ellos...

Foto de portada | Clem Onojeghuo

Por su propio significado, podemos pensar que el espacio negativo, o espacio en blanco, es algo vacío de contenido y, por tanto, prescindible. Sin embargo, su uso está muy extendido en muchas artes (por supuesto la fotografía) porque bien utilizado ayuda a enfatizar el tema de una imagen y puede darle una potencia visual difícil de conseguir de otro modo.

Por este motivo, el espacio negativo es una de las claves fundamentales en fotografía minimalista, y es muy útil en disciplinas como la fotografía de producto, la foto arquitectónica o la street photography; de hecho, podemos decir sin miedo a equivocarnos que es algo de lo que se puede sacar provecho prácticamente en cualquier ámbito fotográfico.

Foto de averie woodard

Hace bastantes años ya os dimos algunas directrices y dejamos claro que “ausencia de contenido no tiene porqué significar ausencia de interés”. Y ahora vamos a retomar este interesante tema empezando por repasar el concepto y siguiendo por ofrecer algunos consejos prácticos para aprovecharlo.

En Xataka Foto

Lista completa (para principiantes) de las cosas que no debemos olvidarnos de ajustar al hacer una foto

¿Qué es espacio negativo y qué positivo?

Según la RAE, una de las acepciones de ‘negativo’ es “que implica la ausencia o inexistencia de algo” y uno de los usos de ‘blanco’ significa “que no lleva nada escrito o impreso”. Así, podemos decir que el espacio negativo o en blanco de una foto es todo aquel que no incluye información relevante, el que queda entre los diferentes elementos de una composición.

Por contraposición, el espacio positivo es el área de la foto que contiene información importante de la composición. Así, esta zona (o zonas) es la que atrae primero la atención del espectador en una foto, al ofrecerle elementos con algún contenido.

Por eso, aunque podemos asimilarlo con el fondo (un elemento que tiene su importancia en fotografía), en este caso hablaríamos de uno sin apenas información, o con un contenido neutro o redundante.

Y es que hay que dejar claro que el espacio negativo no significa que esté completamente vacío, sino que es un área que se ha dejado sin apenas información con unos fines concretos, para evitar atraer la atención sobre él y, por contra, definir, delimitar y/o potenciar el espacio positivo.

Foto de Joanna Kosinska

Por tanto, es muy efectivo para hacer que la mirada del espectador se dirija rápidamente hacia el elemento principal de una composición. Pero además, su eficacia está muy relacionada con el hecho de que podemos obtener una fuerte asociación entre el espacio negativo y las emociones. Así, un espacio en blanco puede evocar una sensación de calma, misterio, melancolía y/o asombro.

En Xataka Foto

El Knolling, qué es y cómo iniciarse en la fotografía de objetos meticulosamente ordenados

¿Cómo sacarle provecho?

Lo primero es tener claro lo que ya hemos dicho, que no es para nada un espacio en blanco y, por tanto, tiene su importancia en la composición. Eso sí, aunque es útil echar mano de las normas básicas de composición y conocer sus principios, aquí las reglas tienen un papel secundario y lo que prima es la imaginación del autor.

Foto de Pierre Châtel-Innocenti

Sin embargo, hay algunas cosas que debemos considerar a la hora de utilizar el espacio negativo en fotografía de la forma más aprovechable que sea posible:

Menos es más

Es una de las máximas de la fotografía minimalista, donde prima eliminar todo lo superfluo y usar los elementos básicos de diseño (línea, forma, color, textura…) en su forma más simple. Con ello se consigue que los elementos principales de la imagen (lo que sería el espacio positivo) cobren una gran potencia visual por contraposición al “vacío” que ofrece el espacio negativo.

Por eso, para ponerlo en práctica debemos buscas composiciones con elementos mínimos, donde el espacio en blanco ocupe una parte importante del encuadre. Por ejemplo, podemos utilizar una “regla” que dice que es útil incluir el doble de espacio negativo que espacio positivo en una composición, aunque esto sólo sería un principio que dependerá mucho de la toma en concreto.

En Xataka Foto

Técnicas avanzadas de composición que a lo mejor no conocías

Ojo a la posición

Un aspecto clave al utilizar espacio negativo es dónde situarlo concretamente, porque esto determina el impacto visual que finalmente tendrá la foto. Por ejemplo, si pensamos en una imagen con un único elemento protagonista podríamos optar por situarlo justo en el centro y rodearlo de espacio vacío.

Foto de Josh Calabrese

El resultado, evidentemente, es que potenciaremos el objeto, incluso puede que le demos un aire abstracto a la imagen, pero no necesariamente estaremos añadiendo atractivo; al menos no más allá del interés que pueda tener el elemento en sí para el espectador. Por eso, es bastante más recomendable situar ese elemento principal a la derecha, izquierda, arriba o abajo (dependiendo del tamaño), con lo cual al mismo tiempo estaremos creando un área continua de espacio negativo de cierta importancia.

Si el objeto es pequeño es bastante interesante echar mano de la siempre útil regla de los tercios para situar el elemento en alguno de los puntos que forman sus líneas imaginarias. Esto significará utilizar las esquinas de la composición, lo que con frecuencia nos proporcionará un buen resultado.

Foto de Laura Connesson

De cualquier manera, vamos a ver qué conseguiremos (en general) dependiendo de dónde situemos el espacio negativo. Si éste se sitúa mayoritariamente en la parte baja de la foto, normalmente estaremos aportando una sensación de ligereza, sugiriendo que el elemento principal de la foto flota en ella.

Si, por el contrario, lo situamos arriba, aportaremos una sensación de pesadez al objeto; aunque todo depende de éste, ya que también podemos sugerir que algo sucede hacia arriba, y que nuestro protagonista principal quiere (o puede) escapar del cuadro.

Foto de Osman Rana

Esa misma sensación podemos conseguir si el espacio en blanco se sitúa delante del sujeto principal, es decir en la dirección hacia la que éste mira o se mueve. Esto, como ya habréis adivinado, está íntimamente relacionado con las reglas de dirección y movimiento y la ley de la mirada, que dicen que siempre debemos dejar más espacio en la dirección hacia la que el sujeto mira o se dirige.

Si decidimos cumplirla, normalmente conseguiremos dar la impresión de que la escena se desarrolla de forma natural y progresiva y que el sujeto “respira”. Pero si preferimos no hacerlo, y situar el espacio negativo por detrás del sujeto, crearemos una composición mucho más chocante y llamativa.

Así, podremos dar sensación de agobio, de que el elemento principal choca con el marco de la foto y se encuentra atrapado. Esto se debe a que, de forma natural, nuestro ojo tiene a mirar hacia donde va el sujeto, con lo que en este caso estaremos poniendo cortapisas a la mirada del espectador y “atrapándole”.

Y si hablamos de un objeto inanimado, situar el espacio negativo a la derecha o izquierda también tiene su influencia, aunque sea algo menor. En estos casos, lo más importante es recordar que miramos de izquierda a derecha, con lo cual lo situado a la derecha tiende a tener mayor peso visual. ¿Significa esto que siempre debemos colocar el espacio negativo a la izquierda? En absoluto, todo dependerá de nuestra intención.

Si queremos crear una imagen “natural”, y dar el mayor protagonismo al elemento principal de la foto, sí sería una buena estrategia. Si queremos conseguir una foto que llame la atención, es posible que sea más efectivo disponerlo justo al revés. Como decíamos, la creatividad juega un papel clave, así que todo es cuestión de probar.

En Xataka Foto

Los patrones en fotografía: cómo localizarlos y aprovecharlos para lograr buenas imágenes

Texturas y colores

Estamos diciendo que el espacio negativo no está completamente vacío pero, entonces, ¿con qué lo llenamos? Recordemos que lo ideal en una composición de este tipo es utilizar la menor cantidad de objetos para la composición, por lo que el espacio en blanco debe estar acorde a esta idea.

Sin embargo, cuando decimos vacío nos referimos básicamente a vacío de elementos, pero sí que podemos rellenarlo con distintos elementos como texturas y color. Este en concreto es muy efectivo para utilizar en el espacio negativo que, ahora sí, queda claro que no tiene que ser blanco.

De hecho un color intenso es una muy buena idea para obtener una imagen llamativa. Eso sí, es preferible que sea un color sólido y que su tonalidad esté en consonancia con la parte “positiva” de la foto. En este sentido, lo ideal es utilizar un color que sea complementario al predominante en el elemento principal, o al menos que contraste porque, como es fácil de entender, no conseguiremos el mismo efecto si usamos un tono u otro, o un color muy oscuro que uno claro.

Foto de Boris Thaser

En cuanto a las texturas, podemos emplear casi cualquier cosa, pero siempre pensando en que su apariencia sea suave, sin restar demasiado protagonismo al elemento principal de la foto. También es útil utilizar patrones, pero también procurando que no sean muy llamativos (cuanto más repetitivos mejor).

Profundidad de campo y clave alta/baja

Cuando no podemos tener un fondo prácticamente plano, es decir vacío de elementos y sólo relleno por algún color o textura, tenemos que recurrir a otras estrategias como puede ser desenfocar el fondo o utilizar la técnica de clave alta o baja. Lo primero podríamos hacerlo con Adobe PhotoShop en la edición, pero lo ideal es hacerlo in situ recurriendo a limitar la profundidad de campo.

Foto de Anatoly S

De esto ya os hemos hablado en muchas ocasiones pero recordamos que se consigue siguiendo estos pasos: colocar al sujeto principal lo más alejado posible del fondo, acercar la cámara a él lo máximo posible con la mayor distancia focal que podemos y abrir el diafragma al máximo (lo ideal es contar con un objetivo luminoso que ofrezca un buen bokeh). Si lo hacemos bien y logramos un fondo suave tendremos un atractivo espacio negativo incluso aunque detrás haya un área llena de elementos.

En cuanto a la clave baja y clave alta, se trata de dos técnicas que también pueden resultar muy efectivas y en las que el espacio negativo suele cobrar mucha importancia. También se pueden lograr en la edición posterior, aunque es más efectivo realizarlas en estudio utilizando iluminación artificial, motivo por el que es una técnica más complicada de llevar a cabo.

En Xataka Foto

Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Y con esto hemos acabado de contar cómo sacar partido del espacio negativo en fotografía, así que ahora sólo queda animaros a salir y explorar sus posibilidades. Podéis empezar probando a crear composiciones realizadas en casa con un objeto que nos guste sobre una superficie plana, y quizá más tarde buscar inspiración en la calle y/o la naturaleza.

Foto de Óscar Condés

No es una disciplina fácil, y puede que al principio no obtengamos resultados inmediatos, pero si somos capaces de mirar de manera diferente, y saltarnos las reglas, podemos lograr tomas únicas y muy llamativas.

Foto de portada | Rodion Kutsaev

En varias ocasiones (hace muy poco por ejemplo) hemos visto fotógrafos que utilizan alguna clase de juguetes para expresar su creatividad fotográfica. Una práctica no exenta de humor pero que no deja de ser una forma de manifestar sentimientos de todo tipo. Es el caso de la serie ‘78M2’ donde el fotógrafo José Mercado ha elegido como protagonista un soldado imperial de la saga de La Guerra de las Galaxias.

‘¿Bailamos?’

La idea nos la cuenta él mismo mejor que nadie: “Con motivo del confinamiento que estoy sufriendo desde el día 13 de marzo, tuve la idea de proponer a mis amistades hacer un reto. Este reto consistía en hacer una foto cada día. Esto podía ser un entretenimiento y una vía de escape a los días de encierro que nos quedaban por pasar”.

‘Soñando con mañana’

“La idea que yo adopté —continúa— fue la de representar mis estados de ánimo y las situaciones que estaba viviendo en mi casa junto a mi mujer y tres hijos”. Su problema era la escasez de equipo fotográfico y de iluminación que tenía en su casa, “ya que la mayoría lo tengo en el estudio. Pensé en las situaciones y sentimientos que estaba sintiendo y empecé a realizar las primeras fotografías con muñecos que tengo por casa de mis tres hijos”.

‘Estoy cansado de tanto pilates’

En Xataka Foto

‘Remotraits’, retratos a distancia que son la mejor demostración de que la cuarentena agudiza la creatividad, por Nick Fancher

“Para las primeras fotos elegí un soldado del Imperio de la saga de Star Wars […] porque era muy articulado y me permitía ponerlo en muchas posiciones. A los días me di cuenta que estaba creando una serie muy interesante con este muñeco, que representaba perfectamente cómo me estaba sintiendo en cada momento”.

‘¿Pero qué miras?’

Lo que nos cuenta sobre la escasez de equipo tiene mucho sentido porque José es un fotógrafo barcelonés especializado (según cuenta en su web) en foto de estudio y exteriores para deportistas, músicos, actores, etc y con una filosofía muy interesante: “el estudio de la luz, observar y analizar todo lo que pasa a mi alrededor y, en especial, las sombras”.

‘Felices sueños’

“Muchos fotógrafos hablan de la luz; yo hablo de las sombras, porque observando una sombra puedes llegar a saber qué tipo de luz la ha generado, de dónde viene y dónde muere. Esto sin duda se refleja en las fotos que os mostramos, cuya composición e iluminación está muy cuidada a pesar de tratarse de un “tema menor”, tratado con gran sentido del humor”.

‘Tiempo para la lectura’

Por cierto que os interesará saber que han sido realizadas con una Sony A7R III, con las ópticas Sony FE 85 mm F1,4 GM, FE 16-35mm F2.8 GM y un FE 24-105mm F4 G OSS (José es fotógrafo embajador de esta firma), y para iluminar la luz natural, más focos Godox R1 y un flash de zapata Godox V1. ¿Qué os parece el resultado?

‘Selfie Ego’

‘Todos los días son domingo’

‘¿Y hoy qué hago de comer?’

‘Hora de broncearse’

‘Jaque Mate’

‘Momento para la música’

‘No Molestar’

‘¿Nos disfrazamos?’

‘¿Quién no ha mirado estos días la luna?’

‘¡Gracias!’

José Mercado | Página web | Instagram | Twitter

Foto de portada | '¿Me dirá algo la policía?' Todas las fotografías de José Mercado reproducidas con permiso del autor para este artículo

Está claro que las actuales circunstancias están dando pie a todo tipo de iniciativas y haciendo que los fotógrafos saquen lo mejor de sí mismos. Es el caso de Nick Fancher y lo que ha denominado ‘Remotraits’ que no son sino retratos realizados a distancia (para cumplir el confinamiento) pero echando mano de recursos creativos para lograr resultados originales (y que bien podrían pasar por retratos hechos en estudio).

“He visto fotógrafos fotografiando retratos de personas desde la acera o a través de las ventanas —cuenta Nick— También he visto a fotógrafos haciendo sesiones a través de aplicaciones de conferencia. Yo también quise hacer mis propias sesiones de retratos remotos, que he decidido llamar Remotraits.” Pero la diferencia es que sus retratos son poco convencionales, ya que les aplica una técnica especial.

Se trata de un proceso que este fotógrafo norteamericano (especializado en iluminación dramática y en el uso de un equipo mínimo y de quien os hablamos hace años) fue descubriendo a través de su serie ‘Strata’, en la realizó retratos disparando a través de diferentes materiales y elementos. Esto hacía que las imágenes tuvieran un resultado final bastante peculiar, y esa misma idea la ha aplicado a sus Remotraits.

En Xataka Foto

Cómo retocar un retrato en Adobe Photoshop (I)

Para llevarlos a cabo, Nick establece contacto a través de aplicaciones de videollamada como FaceTime o Zoom con las modelos (las fotos que veis son de dos sesiones distintas) y proyecta su imagen en una pantalla gracias a un proyector conectado a su portátil. Lo siguiente es disparar “a través de una variedad de diferentes materiales y sustancias, desenfocando ligeramente al sujeto, lo que desvía la atención de la mala calidad de vídeo y la pone en la textura, ayudando a vender la ilusión de que el sujeto estaba realmente en mi estudio”.

En el vídeo de arriba os podéis hacer una idea un poco mejor de cómo lo hace, aunque se aprecia un poco mal la pieza de plexiglas que interpone entre la cámara y la imagen de la modelo para colocar los materiales que crean el efecto final. Sea como fuere la idea es muy ingeniosa y ofrece múltiples posibilidades ¿no os parece?

Nick Fancher | Página web | Instagram

Fotografías de Nick Fancher reproducidas con permiso del autor para este artículo

Se llama ‘Downside Up’ (“Al revés”) y desde luego recuerda a la famosa serie de Netflix pero realmente esta foto de Tim Gamble no tiene nada que ver con Stranger Things (de hecho se realizó antes de que apareciera la serie). Pero lo que realmente nos llama la atención en términos fotográficos es que se hizo en una única toma y en la propia cámara (es decir, sin apenas retoque posterior).

No es algo raro si conocemos un poco a su autor, fotógrafo y embajador en el Reino Unido de Light Painting Brushes (dedicada al universo del light painting), ya que es todo un experto en crear unas imágenes realmente llamativas. Esta en concreto fue realizada hace cuatro años en una salida por las montañas del Peak District donde se encontró con uno de sus elementos favoritos: La niebla.

En Xataka Foto

‘Masha Ivashintsova — Chiaroscuro’, se exponen por primera vez parte de las fotos perdidas de la Vivian Maier rusa

Tal y como cuentan en DIYPhotography, al autor le encanta aprovechar este elemento que aumenta el drama y la atmósfera de una foto. Como en esta ocasión en la que “cuanto más subía, más densa se volvía la niebla y más entusiasmado estaba.” El lugar concreto en que se hizo la imagen es una zona de robles muy particulares “cuyas extremidades retorcidas y las rocas debajo vestidas con sus maravillosas galas de musgo siempre me recuerdan a la Tierra Media. Es un lugar mágico para estar después del anochecer”.

Un accesorio clave

En este escenario montó Tim su cámara en un trípode con una cabeza de rotación, un accesorio especial que usa este fotógrafo y que permite girar la cámara completamente, sobre el eje óptico, para lograr el efecto de “arriba y abajo” que veis en la foto. El aparato es similar el que veis en la imagen de abajo, y es una herramienta que suele utilizar a menudo el autor para "retorcer la realidad" sin tener que recurrir a Photoshop.

Foto de Light Painting Photography

La imagen, por cierto, la hemos sacado de esta página en la que colabora Tim y donde se habla de Chris Thompson, otro fotógrafo (también muy creativo) que participó en la toma. Y es que aquella salida fue conjunta y precisamente Chris es la figura que aparece (por partida doble) en la foto.

Así que, con un modelo en el escenario adecuado y la ayuda de la niebla, lo siguiente era iluminar. Y lo hizo con esta potente linterna especial para lightpainting en la que montó una gelatina azul y sitúo detrás del personaje de tal manera “que la iluminación de la escena comenzara en la parte superior izquierda del marco y se desplazara en diagonal hacia la parte inferior derecha, dejando la mitad opuesta del marco casi en la oscuridad”.

Una vez satisfecho con la luz, comenzó la toma en sí (suponemos que usando el modo Bulb) que empezó con una exposición de diez segundos para la primera parte de la imagen. Tras esto, Tim puso la tapa del objetivo y giró la cámara 180 grados; a continuación, caminó hacia la antorcha y cambió la gelatina azul por una rojo-anaranjada, volvió a la cámara, destapó el objetivo y dejó que la cámara expusiera durante otros 15 segundos (para compensar el hecho de que esta gelatina dejaba pasar algo menos de luz) y acabó la toma.

Y nada más. Bueno sí, confiesa que hizo algunos ajustes menores en Lightroom, pero el efecto que se ve se realizó completamente en la cámara. Un excelente trabajo en estos tiempos en las aplicaciones que permiten retocar las fotos se han popularizado tanto que, a veces, parece habernos hecho perder la curiosidad por explorar y experimentar con la fotografía.

En Xataka Foto

‘Climbing Inspire’, Luke Rasmussen combina la fotografía de larga exposición con la escalada para crear unas llamativas imágenes

Sin embargo Tim es algo que practica a menudo, utilizando herramientas como la mencionada cabeza de rotación y la pintura de luz, lo que le permite “alterar la realidad usando la imaginación y las herramientas que tenemos en nuestra mano en lugar de depender tanto de la magia de la computadora.” Sin duda un gran trabajo.

Tim Gamble/ Fade to Black Light Art | Instagram | Facebook | Flickr

Fotografía de Tim Gamble reproducida con permiso del autor para este artículo

Sin duda, las sombras son un elemento que puede tener un papel fundamental en una fotografía (y si no que se lo digan a algunos street photographers). Sin embargo, solemos buscarlas en las distintas localizaciones que visitamos cuando podríamos provocarlas para conseguir originales efectos como los que nos muestran en este vídeo:

Se trata de un nuevo vídeo divulgativo de los chicos de COOPH, una “cooperativa de fotógrafos” de quien ya os hemos mostrado otros trabajos similares (y que además de hacer vídeos como éstos venden ropa y accesorios diseñados para fotógrafos). Y aunque está en inglés ya habréis visto que no necesita traducción, y esperamos que os haya gustado y que sirva de inspiración a más de uno de vosotros para vuestras próximas fotos.

Más información | COOPH

A veces los fotógrafos necesitamos inspiración para salir de lo habitual. Y para ello ni hace falta gastarse mucho dinero en equipo ni viajar a lugares exóticos. Hay muchos trucos fotográficos que se pueden realizar con elementos que todos tenemos por casa y que, bien utilizados, pueden resultados la mar de creativos. Eso es justo lo que proponen estos vídeos que nos enseñan distintos trucos caseros tipo DIY para hacer fotos originales sin salir de casa:

Como habéis podido ver (en inglés, aunque sobran las palabras), basta con elementos que todos tenemos por casa y un poco de imaginación para conseguir fotos sorprendentes. Los vídeos están realizados por la gente de COOPH, autodenominados como "cooperativa de fotógrafos" que, además de hacer vídeos como éstos, tienen un portal de artículos como ropa y accesorios diseñados específicamente para fotógrafos.

Más información | COOPH

Hablamos de ella con bastante frecuencia, y del mismo modo que decimos que la Regla de los Tercios es un recurso muy útil para conseguir una mejor composición (sobre todo en el caso de los novatos), casi siempre añadimos también que no es para nada una norma que haya que seguir a rajatabla. Por eso, solemos recomendar romperla pero ¿cuándo es aceptable hacerlo?

Como sabréis, esta regla consiste en dividir la imagen en nueve zonas a través de cuatro líneas imaginarias que se cruzan en el mismo número de puntos. Lugares en los que se recomienda situar los elementos de interés de la foto, al mismo tiempo que las líneas se usan como referencia para las que puedan aparecer en el cuadro (por ejemplo el horizonte).

Todo esto se hace con el fin de obtener una composición más equilibrada y dirigir la mirada del espectador hacia los puntos clave. Además, uno de sus principios básicos es ayudar a los fotógrafos menos experimentados a evitar ciertos errores muy usuales. Por ejemplo el de situar siempre al protagonista de una foto justo en el centro. Otro el de situar la línea del horizonte justo en la parte central de la imagen.

En Xataka Foto

Ocho consejos de composición para fotografiar paisajes casi como un profesional

Aplicar la regla de los tercios es una manera sencilla y efectiva de evitar estos errores y obtener resultados mejores, pero ¿significa que siempre se debe evitar el centro como lugar para situar el punto de interés o como eje del horizonte en una toma para que ésta sea atractiva?

La respuesta a esta pregunta, como ya habréis adivinado, es que no, que no siempre se debe huir del centro ni para situar el elemento de mayor peso visual ni como referencia del horizonte… Entonces ¿cuándo se puede romper la regla de los tercios? Esta tiene una respuesta más complicada y, al tiempo, más sencilla: Siempre que se considere oportuno.

Pero ¿cómo saber que es oportuno? La respuesta la encontraremos fundamentalmente en la práctica y la experiencia, que son la mejor receta para avanzar. Es decir, con el tiempo y la constancia veremos como nuestras fotos mejoran, cómo asimilamos los conceptos compositivos y los volcamos en nuestras fotos y cómo, con ello, vamos arrinconando la regla de los tercios como una simple norma a la que recurrir en determinados casos.

Claro que una pequeña ayuda en forma de ejemplos siempre viene bien, y eso es justo lo que nos hemos propuesto hacer con este artículo en el que vamos a mostrar ejemplos de composiciones que rompen la regla de los tercios y, sin embargo, funcionan adecuadamente (ojo, tampoco es que sean “fotones”).

En Xataka Foto

Claves para iniciarse y sacar partido de la fotografía abstracta

Centrar la imagen a veces no es mala idea

La primera de las situaciones que hemos mencionado, elegir el centro como punto principal, es casi con toda seguridad, la más recurrente. Pero, como decíamos, esto no tiene que significar que no se pueda conseguir un resultado armonioso como nos proponemos demostrar.

Empezando por, sin duda, uno de los ejemplos más claros que encontramos en el campo del retrato fotográfico. Al fin y al cabo, si lo que queremos es atraer la atención del espectador sobre un elemento claramente protagonista, y evitar despistes a otros elementos, lo más rápido y efectivo es situarlo directamente en el centro como en el ejemplo de arriba (un retrato “clásico”).

Esto funciona también en escenarios con bastantes elementos que pueden distraer la mirada del espectador. En estas situaciones, elegir un elemento en concreto y darle importancia, haciendo que lleve el mayor peso visual, es una manera de lograr que el observador tenga un punto principal en el que fijar su mirada. En el ejemplo de abajo lo potencié además con un cierto desenfoque del fondo.

Por el contrario, si queremos hacer una toma en la que no haya elemento alguno que distraiga la atención, podemos recurrir a los planos detalle. En este tipo de tomas suele ser difícil aplicar la regla de los tercios, y generalmente funciona bien una composición central como la de abajo.

Hay muchísimas situaciones en las que situar el elemento principal en el centro de la imagen puede ser una buena idea. Así que os pongo algunos ejemplos más de fotos en las que seguramente haber aplicado la regla de los tercios creo que no las hubiera mejorado en absoluto:

¿Por qué no centrar el horizonte?

En ciertas disciplinas, como la fotografía de paisaje, se suele aplicar una máxima que dice que nunca hay que situar la línea del horizonte en el centro de la imagen. En su lugar, lo mejor es usar una de las horizontales que resultan de la regla de los tercios, decidiendo que suelo o bien cobren protagonismo sobre la otra parte.

Sin embargo, como ya hemos adelantado, esto es una norma que no debe tomarse de forma estricta y se puede romper siempre que lo consideremos oportuno. Por ejemplo como en el paisaje crepuscular de arriba, donde lo que trataba era de que la foto tuviera simetría entre ambas zonas, de manera que obtuviese una especie de efecto espejo.

Claro que también se puede hacer con dos partes claramente diferenciadas, como en la imagen de abajo donde consideré que la composición estaría más equilibrada si repartía ambas zonas de forma igualitaria para conseguir equilibrio de acuerdo a los elementos de la escena.

Buscando la simetría

Los ejemplos del apartado anterior ya utilizan de cierta manera este mismo principio, el de componer una imagen basándonos en la simetría. Esto no significa otra cosa que buscar el máximo equilibrio intentando que haya dos zonas en la imagen que sean prácticamente iguales y tengan un peso visual equivalente.

Es el caso de la foto de arriba, donde centré la composición en busca del mayor equilibrio, o de la de abajo, donde busqué el momento de captar los trenes de manera que ambos lados fueran simétricos y potencié el interés de la imagen con un sujeto situado en el centro. Este recurso, utilizar la simetría para dirigir la mirada a un elemento situado en el centro, suele funcionar muy bien.

Claro que lo contrario, buscar la asimetría, también puede dar buen resultado. Es el caso de la siguiente imagen, de estilo minimalista, en donde justo lo que pretendía era dar interés a la foto contraponiendo dos zonas del mismo tamaño pero con un contenido muy diferente.

Como en el epígrafe anterior, hay muchas posibilidades de sacar partido a la simetría y obviar el uso de la regla de los tercios así que os pongo algunas imágenes más a continuación. La primera un curioso ejemplo de simetría: En el neoyorkino barrio de Brooklyn hay un lugar desde donde se puede ver, a lo lejos pero justo debajo del puente de Manhattan, el famoso Empire State Building (si os suena es porque aparecía en el cartel del clásico cinematográfico Érase una vez en América).

En Xataka Foto

Los patrones en fotografía: Cómo localizarlos y aprovecharlos para lograr buenas imágenes

Otras situaciones

Como venimos diciendo, hay muchas escenas en las que se puede obviar la regla de los tercios, y una de ellas es claramente cuando lo que se busca es una imagen cuya composición llame la atención del espectador. Es el caso de la foto de abajo, donde busqué vaciar una parte de la imagen para potenciar la otra lo que, al mismo tiempo, me permitía situar al protagonista en el centro (y compensar así su reducido tamaño).

También podría ser el caso de composiciones minimalistas, donde la escasez de elementos puede hacer conveniente recurrir a situar lo más importante directamente en el centro como en la foto de abajo (aunque en otras situaciones la regla de los tercios puede ser muy útil, todo depende).

También en el caso de fotos más o menos improvisadas, como en la fotografía callejera donde muchas veces se toman imágenes sin encuadrar de forma premeditada, como en el ejemplo que sigue.

O de este otro, la foto de abajo, en donde, de forma inesperada, experimentando con la profundidad de campo y un encuadre bastante radical (a ras de suelo) obtuve una toma espontánea (que me gusta bastante) gracias al niño que corría arrastrando su camión por un parque.

Por último, no podemos dejar de mencionar la influencia de Instragram, una red social que, nos guste más o menos, se ha convertido en una referencia para los fotógrafos y su formato cuadrado en una tendencia. Y, como podéis comprender, en este formato aplicar la regla de los tercios resulta más complicado (y también absurdo), con lo que se tiende a las composiciones centradas.

Como habéis visto, la regla de los tercios es de fácil aplicación y muy útil en muchas situaciones, pero desde luego no es una regla perfecta ni aplicable en todas las tomas. Como norma general, podemos romperla siempre que pensemos que el resultado va a ser mejor, como en las situaciones que os hemos mostrado. Eso sí, gracias a las ventajas de la fotografía digital también podemos probar ambas opciones y luego comparar ¿No os parece?

Fotografías de Oscar Condés