La previsualización consiste en ese talento que tienen los algunos fotógrafos de anticiparse mentalmente a la fotografía a partir de la escena que tienen delante. De ello habló en su momento Ansel Adams, definiendo esta habilidad como una de las principales fortalezas que distinguían a los grandes fotógrafos. De ahí, el título de este artículo.

Soy de la opinión de que la previsualización, al igual que la creatividad, no son habilidades que se adquieren a través de los genes, sino que se educan con esfuerzo y constancia. Por ello, os propongo algunos consejos para desarrollar el llamado “ojo fotográfico”. No lo consideremos la panacea: no hay demasiado tiempo para previsualizar cuando tomamos fotografías espontáneas y a veces éstas aparecen por sorpresa o fruto de la buena suerte. Sin embargo, en otros tipos de fotografía como el paisaje, la previsualización adquiere una importancia vital.

Estudiar composición

Sergio Perea

Esto es tan cierto, que probablemente a algunas personas les parezca una obviedad. Pero la composición es en realidad el lenguaje con el que vamos a comunicar nuestra obra. Para imaginarnos una foto, debemos entender este lenguaje. ¿Cuantas veces has estado frente a un lugar increible, y al fotografiar has visto que la imagen no funcionaba?

Sin una buena composición que permita dar soporte a la previsualización, la fotografía será conceptualmente poco clara. Y seguramente parezca más fruto de la aletoriedad que de la premeditación.

Para los que no están muy acostumbrados a componer, puede ser un buen ejercicio llevarse un lápiz y un papel para dibujar la escena. No hay que hacerlo con grandes pretensiones artísticas. Sólo unas pocas líneas que nos ayuden a identificar y aislar determinados elementos. Es a lo mejor algo aparatoso dibujar antes de hacer cada foto, pero hacer este ejercicio de vez en cuando nos ayudará a mejorar. Poco a poco, iremos aprendiendo a ver de una sentada todas esas líneas y formas que permanecen ocultas al ojo del neófito.

Conocer tu equipo al detalle

Mike Baird

No basta con que lo que ves en la pantalla te convenza. En primer lugar, lo que te muestra la pantalla no es más que una previsualización del RAW creada a partir de una interpretación de éste por parte de la cámara. Su función es la de ayudarnos a comprobar que la fotografía está bien expuesta y revisar la composición. Pero eso que ves en la pantalla, no es la fotografía. Recordemos que los fotógrafos de película previsualizaban antiguamente la fotografía sin necesidad de pantallas ni histogramas.

Además, debes tener en cuenta que la fotografía final podría tener bien poco que ver con lo que se ve en la pantalla. Por ejemplo, si la fotografía final va a procesarse en blanco y negro, ésta hay que “pensarla” de manera diferente: visualizar las diferentes zonas, identificar aquellas zonas que serán blancas y negras, tener claro si la fotografía va a ser más oscura…en definitiva: es recomendable tener claro incluso qué tipo de procesado va a tener la fotografía.

Identificar qué es lo que nos permite anticiparnos

Sergio Perea

Cada tipo de fotografía requiere métodos distintos de anticipación. Por ejemplo: para fotografiar un paisaje, la anticipación vendrá dada a partir de nuestro conocimiento de la luz. Ese momento mágico sucederá cuando la luz sea adecuada.

Si por el contrario, estamos fotografiando un evento deportivo, la previsualización vendrá muy condicionada por nuestra capacidad para anticiparnos a la acción. Y por ello, conocer bien el deporte que estamos fotografiando, será lo más importante.

Y así, cada tipo de fotografía exigirá por nuestra parte un esfuerzo diferente. Y por ello, deberemos crearnos nuestros propios pasos, que en general irán dirigidos a cubrir el siguiente hito: ¿qué historia quiero contar? Este hito, es el fin común de cualquier fotografía, del tipo que sea. Nosotros sólo tenemos que construir esos pasos y llevar a buen puerto nuestra historia.

Foto de portada | Jane Ng

Me pregunto si para ser escrtor de fantasía con éxito hacen falta dos ‘R’ en el nombre, en fin. Bromas aparte, desde el blog de 500px nos ofrecen un completo tutorial que recoge, al menos, los pasos principales que han seguido la fotógrafa Alex Huff para realizar esta sesión al más puro estilo de Juego de Tronos.


Si la imagen de portada es la original, el resultado propuesto y logrado en este tutorial por Alex Huff se le acerca bastante y puede ser un buen punto de partida para realizar tu propia sesión al estilo de Juego de Tronos.

Eso sí, para hacer esta sesión son necesarios algunos elementos, que si bien no tienen que ser exactos sí, al menos, parecidos para lograr un resultado similar. Para ello, además de nuestra cámara hemos de contar con los siguientes elementos:

• Un octagón de grandes dimensiones o bien un beauty dish. En ambos casos con un grid para lograr mayor contraste.
• El pie correspondiente, trípode, un flash potente y un teleobjetivo, en este caso un 85mm f/1.8 es el usado por Alex Huff pero con cualquier teleobjetivo nos valdría.
  
  El esquema de iluminación es muy simple: Basta con utilizar nuestra fuente de luz de arriba a abajo sobre el sujeto y un poco lateral para crear este ambiente. El resto lo harán el maquillaje, el vestuario y la interpretación en la mirada de los personajes.
  
  En cuanto al procesado con Lightroom 4 es bastante sencillo en realidad. La propia Alex Huff se pone delante y nos va mostrando las modificaciones sobre su rostro. Básicamente el ajuste principal es aumentar la claridad para obetener un poquito más de contraste. A continuación (esto lo puedes realizar con Photoshop), utiliza el plugin Glamour Efect de la colección de plugins Nik Color Efex. Con un toque suave pero contrastado de nuevo.
  
  El último toque, además de retocar ojos y otros detalles, es cambiar el tono de uno de los lados de la cara. Para ello, no puede ser más sencilla la cosa. Realizamos un ajuste local variando la temperatura de color.
  
  Como ves resulta sencillo y fácil recrear el estilo de Juego de Tronos con un poquito de paciencia, esfuerzo e iluminación.

En Vaya Tele | Juego de Tronos

Más información | Alex Huff en 500px | Tutorial de Alex Huff en 500px

Desde siempre, uno de los mayores retos a los que se enfrenta un fotógrafo es el de conseguir plasmar adecuadamente los colores. Pero si algún aspecto del color merece una mención aparte, es el que se refiere al color de la piel humana.

La llegada de la fotografía digital no ha facilitado las cosas, pues ahora los programas de revelado y procesado digital permiten manipular los colores hasta extremos no vistos en el los laboratorios. Una ventaja, pero también un trabajo añadido para el fotógrafo. De hecho, con la fotografía sobre diapositivas, el laboratorio era quien asumía todo el trabajo en base a las especificaciones de la película. Con la fotografía digital, aunque esto siguiera siendo así, el fotógrafo no puede desentenderse de este proceso al 100%. Y esto sin contar aspectos más creativos, como veremos más adelante.

Conseguir el color exacto de la piel

Actualmente, para conseguir colores fieles a través de fotografía digital, lo más rápido es utilizar una adecuada gestión de color. Esto es, en términos generales, intentar recrear la máxima fidelidad de color a través del uso de tarjetas de color, software especializado y dispositivos perfectamente calibrados.

Andreas Pleines

Sin embargo, el proceso no suele terminar ahí. Y es que los colores reales, para muchos fotógrafos, suelen resultar “aburridos”. De modo que este no ha sido más que un primer escalón para dar paso a una fase más creativa en la que el fotógrafo trata de obtener la fotografía tal como él la interpreta en su cabeza.

¿Por qué nos cuesta tanto tratar el color?

Cuando Ansel Adams creó el sistema de zonas, en realidad no enunciaba más que un método para simplificar todos esos pesados cálculos y tablas logarítmicas que convertirían la fotografía en una disciplina sólo asequible para ingenieros. Convertir la imagen en una escala de unos pocos niveles de luminosidad, que son representados por números, nos da una idea de lo necesario que es para nosotros utilizar herramientas cuantificadoras del color más allá de la percepción que nos da nuestro propio ojo.

No vamos a profundizar aquí en el sistema de zonas, tranquilos. Sólo era un ejemplo para ilustrar como para trabajar el color de la piel vamos a necesitar algo más que nuestro instinto y nuestro ojo clínico (también muy importante, pero no suficiente).

El sistema ocular de los seres humanos tiene una característica especial que no tienen las cámaras de fotos. Es capaz de ajustarse de forma dinámica a la temperatura de color de una fuente de luz determinada. Si os dais cuenta, sois perfectamente capaces de evaluar un color independientemente de si la luz de vuestro entorno es cálida o fria. Esta habilidad se llama constancia de color. Y nos permite reconocer perfectamente un blanco aunque la luz sea verde o amarilla.

Sanchez Photo

Esto está muy bien para nuestra vida diaria pero también nos genera un problema cuando trabajamos con fotografías en color: cuando empezamos a mirar un objeto, nuestro cerebro se adapta para que captemos el color de la manera más neutra posible. Tal vez seamos capaces de detectar que hay alteraciones en el color de la luz, pero la constancia de color nos impide ver fácilmente qué dominante produce esa alteración. Por eso necesitamos convertir los colores en números. No nos podemos fiar al 100% de lo que nos dicen nuestros ojos.

Las curvas Lab y RGB

Tanto si trabajamos con imágenes en blanco y negro como en color, hay un paso necesario que es el de crear un contraste y un tono adecuados en la imagen. La forma más habitual de conseguirlo sería utilizando las curvas. De nada nos sirve intentar conseguir un buen tono de piel si no aprovechamos al máximo el rango dinámico de la fotografía, o la piel no está correctamente expuesta.

Sin embargo, hay que advertir que cuando se modifica el contraste de la imagen utilizando curvas RGB, también alteramos la saturación del color. Observad la siguiente imagen. En ella tengo abierto un díptico en Photoshop en el que la imagen de abajo es una capa a la que he aplicado un aumento de contraste a través de las curvas RGB. ¿Observáis como los colores también sufren una sobresaturación?

Fotografía de Sergio Perea

Si queremos modificar el contraste de una imagen sin alterar su color podemos hacerlo de dos formas: convertir la imagen a modo Lab para trabajar sobre la curva de luminosidad, o quedarnos en modo RGB pero crear una nueva capa con el modo de fusión “Luminosidad” y aplicar sobre ella las curvas. Veamos lo que ocurre al aplicar la misma variación de contraste a través del canal luminosidad en la foto de abajo del díptico:

fotografía de Sergio Perea

El modo CMYK

Muchos fotógrafos utilizan el modo CMYK porque consideran que facilita la consecución del color de la piel modificando los valores de Cian, Magenta y Amarillo. Hay tablas y valores predeterminados que los fotógrafos utilizan como referencia. Por ejemplo: la piel caucásica podría ser perfectamente un color en el que hubiera el mismo nivel de Magenta que de Amarillo, un tercio o un cuarto de valor de Cian. Por supuesto existen muchos más tonos de piel (sin ir más lejos los que corresponden a diferentes grupos étnicos), este es sólo un ejemplo.

¿Y cómo evaluamos esto? Pues con la herramienta estrella para estos casos: el cuentagotas. Poniéndola sobre un punto o varios cualesquiera de la piel, nos proporcionará los valores RGB y CMYK de esos pixels.

Fotografía de Sergio Perea

¿Y cómo podemos modificar los colores para ajustarnos al patrón buscado? Pues en este caso no tenemos más remedio que tocar las curvas RGB, canal por canal. Pero claro, estamos trabajando en CMYK. Así que debes pensar que el sistema RGB funciona por oposición a los valores CMYK: incrementando el rojo, reducirás el el cian; incrementando el verde, reducirás el magenta; e incrementando el azul, reducirás el amarillo. Con estas tres referencias, ya tienes todas las herramientas necesarias para trabajar el color en modo CMYK a través de las curvas RGB. Ahora simplemente, hay que practicar.

Influencias psicológicas

Además de las consideraciones relativas a conseguir un tono bonito de piel (para lo cual, como hemos visto, deberéis basaros en vuestra experiencia e incluso idearos unas tablas de valores CMYK genéricos para cada tipo de piel), hay consideraciones de tipo cultural o psicológico que tendréis que tener en cuenta si necesitáis mantener una cierta armonía en la fotografía.

Fotografía de Sergio Perea

Por ejemplo: la piel de los niños debe ser un poco más rosada que la de los adultos. Las pieles oscuras de etnias africanas suelen tener más Magenta y Cian que otras pieles más caucásicas. En cuanto a la piel asiática, es evidente que tiene más amarillo. Y así, podríamos ir recorriendo uno a uno cada una de las tonalidades de color diferentes que hay en este planeta.

Conclusiones

Me hubiera encantado poderos dar una tabla de valores apropiada para cada etnia o tonalidad de piel, pero la conclusión de este artículo es que no existe el tono de piel ideal. Podría decir que ni siquiera se valoran igual estas tonalidades de piel cuando cambiamos a otra zona culturalmente diferente. Lo que para nosotros puede ser un color atractivo de piel, para un japonés o un indio puede ser una aberración. En ciertas culturas, el ideal de belleza apunta a tonos de piel claros mientras que el ideal de belleza occidental apuesta por pieles más bronceadas. Existen motivaciones culturales, psicológicas, estéticas y creativas que influyen en la elección del tono apropiado.

Foto de portada | Cedida por Vitaly Druchinin

Para qué sirve un filtro degradado de densidad neutra

Los filtros degradados de densidad neutra son piezas de cristal o de resina que se han tintado de forma degradada para disminuir el paso de la luz y así poder compensar la exposición. Encontramos dos tipos de filtros degradados: los circulares que se enroscan en el objetivo y los rectangulares pensados para ir sujetos con un porta filtros.

La cantidad de luz que el filtro no deja pasar tiene una numeración que empieza en 0,3 seguido de las letras ND (Neutral Density), cada número corresponde a un numero de pasos o diafragmas que compensa. El filtro 0,3 ND compensa un diafragma y la escala continua exponencialmente linealmente. Los más habituales son el 0,3 ND, el 0,6 ND y el 0,9 ND que compensan uno, dos y tres pasos o diafragmas respectivamente.

La otra característica que necesitamos elegir a la hora de usar un filtro degradado de densidad neutra es el tipo de transición que tenemos entre la parte tintada que compensa la luz y la parte transparente. Podemos encontrar los filtros con la transición dura, en los que el cambio de tintado a transparente se hace rápido, con una línea marcada y los filtros con una transición suave, en los que tenemos el máximo de tinte en la parte superior y se va aclarando hacia la mitad del filtro, sin casi poder apreciar cuando pasamos de tintado a transparente. La elección de uno u otro dependerá del tipo de horizonte que tengamos en nuestra fotografía. Si tenemos un horizonte limpio, podemos usar el degradado fuerte, si tenemos objetos que salen por encima del horizonte, el filtro degradado suave ayudará a disimular la transición.

Medición de la luz cuando usamos un filtro de densidad neutra

Veamos como se hace al encontrarnos con una fotografía como la del ejemplo. Primero ponemos la medición puntual en la cámara, se mide la luz en el cielo y luego se mide la luz en las rocas, la diferencia entre una medición y otra serán los pasos que tenemos que compensar. En esta ocasión, un poco más de tres pasos, elegimos el filtro 0,9 ND degradado suave para no notar la transición y lo ajustamos al horizonte. El resultado es una fotografía con las luces compensadas.

Si no disponéis de medición puntual en la cámara, podéis usar la medición ponderada al centro, subir la cámara para medir sólo el cielo y bajar la cámara para medir sólo las rocas.

Filtros de densidad neutra, opciones de compra

Si tenéis muy claro que queréis usar filtros de este tipo habitualmente, os recomiendo comprar el kit con los tres degradados más comunes, el 0,3 ND, el 0,6 ND y el 0,9 ND. De esta manera, se ahorra un poco de dinero.

Una vez entramos en el uso de filtros rectangulares, necesitaremos el porta filtros para sujetarlos, aunque no tenéis porque comprarlo lo primero. Muchos fotógrafos se compran un filtro y lo aguantan con la mano, esto tiene el riesgo de rayar el filtro ya que conviene tenerlo plano y pegado al objetivo, y también tener buen pulso en las tomas largas para mantener el horizonte en el mismo lugar.

La ventaja de tener el porta filtros es la comodidad y la posibilidad de poner más de un filtro a la vez. Aunque no os olvidéis que necesitaréis una rosca para cada diámetro de objetivo que uséis, más una rosca “slim” para los objetivos ultra angulares.

A la hora de comprar filtros podéis encontrar desde los famosos Cokin que por su precio han dado vueltas por las mochilas de casi todos los que empiezan a interesarse por los filtros, hasta los caros (unos 100 euros el filtro) y a veces casi imposibles de encontrar, fabricados por los ingleses de LEE. Una opción intermedia son los Formatt HiTech muy similares a los Lee.

Como conclusión, deciros que muchos piensan que el uso de estos filtros se puede sustituir por la edición con software de retoque fotográfico, algo que es cierto en parte, pero también yo pienso que el reto de hacer la fotografía con la cámara es más divertido que hacerla en el ordenador.

En XatakaFoto | Haz tu propio filtro de densidad neutra variable de manera sencilla y económica
Fotografías |José Juan Gonzálvez

El fotógrafo Kerry Skarbakka se lanza al vacío, salta por una ventana, se lanza por las escaleras… y se fotografía en ese momento. Un deporte de riesgo. Pero es que Skarbakka se ha obsesionado por el mundo incierto y la lucha por la estabilidad. ¿Y cómo plasmarlo en fotografía? pues arriesgando su físico y capturando el momento.

Puede calificarse de temerario, pero lo que consigue Kerry Skarbakka con su serie titulada “Struggle”, es un buen ejemplo de originalidad. Aunque para ello se vea obligado a buscar situaciones extremas en las que además de una buena planificación, necesita contar con un poco de suerte (y valor) para lograr estas fotografías. Con alguna ha sufrido las consecuencias de jugar con fuego. Literalmente. Porque se ha roto alguna costilla en uno de sus saltos y también perdió las pestañas en los ensayos de una fotografía mientras cruzaba una gran hoguera.

Kerry Skarbakka vive en Arizona y es profesor de medios digitales. Su trabajo no deja indiferente y ha sido expuesto en varias galerías y museos de Estados Unidos. ¿Qué te parece? ¿te atreverías a algo así?

Más info | Bussiness Insider
Fotos | Skarbakka.com

Tomas en exteriores y fuegos artificiales

Depediendo de donde vivas, tal vez encuentres que hay posibilidad de concentraciones típicas en tu ciudad para celebrar el fin de año y el año nuevo. En alguno sitios es típico que tras las campanadas exista algún tipo de demostración pirotécnica (más allá de los petardos que el vecino de tus padres suele tirar cada año).

Así, como con un ángulo suficiente, trípode, f/8 (está bien), ISO 400-800, medio segundito para empezar (aunque esto deberás calcularlo sobre la marcha y las exposiciones suelen llegar a varios segundos) y sin usar el flash. También podremos realizar algo más de zoom y centrarnos única y exclusivamente en los fuegos artificiales. Recordad que tampoco hace falta que los enfoquéis si no que desenfocando completamente los fuegos artificiales también podemos conseguir formas curiosas.

También resulta divertido alargar la exposición, exponiendo para el fondo de la escena y tener en el primer plano todas esas personas con desenfoque de movimiento aportando algo de dinamismo. Prueba.

Experimenta con ángulos y encuadres y el bokeh ‘navideño’

Si algo tienen estas celebraciones es que tienen que ser divertidas. Prueba planos inclinados, desde abajo, desde arriba, escondido tras una silla, en definitiva, arriesga más que antes. Total es para pasar un rato divertido.

Para esos retratos de año nuevo, puedes probar a cerrar el encuadre más de lo habitual tratando que los invitados, poniendo caras extrañas o divertidas, parezcan mucho más cercanos e inviten a celebrar esa alegría con los demás. Utiliza aperturas amplias y tiempos de exposición rápidos. Si hace falta, sube un poquito la ISO.

Glenn in Japan

No te olvides del macro

Si tienes a mano la posibilidad de usar macro, no lo desaproveches. Las luces de navidad son una buena iluminación para multitud de detalles que aparecen en todas las casas. Papelitos de colores, un reloj, caramelos, un tenedor, platos, vasos o copas así como cualquier otro objeto pueden constituir un buen detalle para una fotografía en ese día.

Pixel Addict

Iluminación

En este tipo de celebraciones gran parte del tiempo la iluminación es muy variable, sobre todo en exteriores. Un consejo bastante recomendable antes de disparar es observar cuál es el patrón de iluminación porque en muchas ocasiones se repite. Esto podrá darnos alguna pista de que zonas quedan más iluminadas y cuáles más oscuras en la sala o zona en la que estemos. Esto nos dará la oportunidad de poder anticiparnos a las luces.

Atento a los detalles

En las celebraciones sobre todo familiares se suelen dar momentos especiales, ten la cámara preparada y dispuesta en todo momento. Los niños, por ejemplo, suelen protagonizar bastantes de esas ocasiones que seguro a los abuelos y padres les gustará recordar.

are you my rik?

El flash

En este tipo de ocasiones puede ser recomendable el utilizar aquella opción que ya tenías olvidada de alta velocidad de sincronización para, junto con la iluminación vobrante y de colores, poder crear un cierto efecto psicodélico. Para ello prueba a disparar a ISO 100-200, durante un segundo de exposición y poniendo que el flash sincronice a la segunda cortinilla (Rear Curtain Sync mode), lo que resultará efectivo capturando el movimiento de los sujetos durante la larga exposición. Empieza probando con ISO 200, f/7.1 o f/8 y 1” de exposición.

Modern Creature

Conclusiones

Se trata, sobre todo, de pasarlo bien. Así que prueba todas aquellas cosas que, habitualmente, no probarías. Experimenta, disfruta y dispara muchas fotos divertidas. ¡¡¡Feliz Año!!!

Fotografía de Portada | Ant Jackson

La luz en la fotografía de naturaleza

La razón por la que estas horas son las mejores tiene su explicación en lo rasante que llega la luz al estar el sol muy bajo. Esto, junto al tono cálido y la suavidad de la luz, hace que los objetos que son iluminados por este tipo de luz tengan un brillo atractivo, sean ricos en detalles y tengan una sombra suave. Como en la fotografía que tenéis a continuación. Durante una salida en la que la situación meteorológica era la protagonista con nubes muy llamativas, hubo un minuto de luz solar directa sobre la orilla, proporcionado el brillo suficiente para destacar sobre el fondo grisáceo.

Disponer de una ventana de tiempo tan pequeña implica hacer sacrificios, como levantarse tan pronto que parece imposible que sea para ir a hacer una fotografía, y muchas desilusiones, como llegar al sitio y que las nubes tapen la salida del sol o lo peor de todo, caminar dos horas para una puesta de sol y que en el mejor momento, aparezcan las nubes. Pero el día que todo te sonríe o en ese momento en que parece que tiene que empezar a llover y aparece la luz, no puedes dudar, tienes que hacer la fotografía, la luz puede durar sólo unos segundos.

Para poder aprovechar lo mejor posible el tiempo, yo os recomiendo dos cosas: en primer lugar, reconocer la zona que vamos a fotografiar durante el día para saber cómo es el sitio y decidir cuál puede ser el punto más interesante, ya que en el momento del amanecer o atardecer todo cambiará muy rápido, y en segundo lugar, anticiparse a los movimientos del sol usando un software como el TPE para conocer los horarios y la dirección de la luz.

La fotografía que he elegido como ejemplo resume muy bien todo lo que os he dicho. El lugar, Ses Salines en Campos – Mallorca. Lo había visitado en diferentes horarios para conocer bien por dónde pasar, coloqué la cámara unos segundos después de que el sol desapareciera por el horizonte, empecé a fotografiar probando la medición y el encuadre hasta que el degradado de luz me pareció el ideal. Seguí haciendo fotos pero la intensidad de luz desapareció.

El contraste

En la fotografía del helecho a ras de suelo que encontré cuando caminaba por un sendero, aprecié un cierto cambio de coloración en algunas de las hojas. Lo que me llamó suficientemente la atención como para hacer una rápida y sencilla fotografía cenital que una vez visionada en el ordenador tampoco me gustó tanto como lo que mis ojos veían al natural.

El contraste entre los dos colores había disminuido en la toma y decidí pasar a blanco y negro la fotografía. Aclaré el amarillo y oscurecí el verde para obtener más contraste entre una rama y otra. El resultado visual es que la rama más amarilla queda mejor recortada sobre el fondo verde, llamando más la atención al espectador.

Finalmente apliqué el recorte cuadrado para centrar más la atención y eliminar parte del fondo que no me gustaba.

En Xatakafoto | Cómo fotografiar amaneceres y puestas de sol
Fotografías | José Juan Gonzálvez

Cuando hablamos de retoque fotográfico o bien pensamos en las aberraciones que se cometen constantemente, o bien en algún maestro del fotomontaje (digital o analógico, eso es lo de menos).

A mí en concreto se me vienen a la mente un par de nombres: Misha Gordin y Gilbert Garcin, que es el fotógrafo que os quiero presentar hoy, un auténtico fuera de serie en esta materia.

Este francés nació en la ciudad de los ilustres hermanos Lumière, La Ciotat, en 1929. Se pasó la mayor parte de su vida vendiendo lámparas en Marsella, como si el “vender luz” fuese una premonición de lo que vendría, ya que tras jubilarse decidió dedicar todo su tiempo a ese asombroso arte que consigue escribir con la luz.

Ganador del concurso del club de fotografía de Aubagne, cuando tenía 65 años, el azar quiso que tuviera la posibilidad de seguir un curso en Arles con Pascal Dolesmieux, maestro que le enseñó todos los trucos del oficio.

Gilbert empieza entonces a dar rienda suelta a su creatividad, es capaz de imaginar mundos imposibles y fascinantes, mundos que además consigue plasmar en sus fotografías de manera brillante.

Según cuenta el propio Garcin, se pasó una grandísima parte de su vida acumulando imágenes interesantes en su mente y era el momento de dejarlas salir a la luz, nunca mejor dicho.

Con tal cantidad de “material” en su cabeza, se sumerge plenamente en el proceso creativo cargado de ideas y recursos. Como además ya está jubilado, no lo hace por dinero ni como medio de vida sino por puro placer y pasión, hecho que le permite ser totalmente libre.

Para crear estas imaginativas composiciones, Gilbert construye meticulosamente sus micromundos como maquetas y se fotografía a sí mismo de modo que posteriormente se pueda integrar en ellos. Añade a la escena su foto recortada, siempre ataviado con su traje y su sombrero. Algunos retoques y detalles, y ya tiene su foto final construida.

En total, unas treinta horas de trabajo es lo que requiere de media una de sus imágenes finalizadas, tiempo que nos hace conscientes de la dedicación que requiere esta disciplina, aunque bajo mi punto de vista y a juzgar por los resultados tampoco me parece una cifra excesiva.

Todo un ejemplo de creatividad y buen hacer que, incluso con medios mucho más limitados que los actuales, nos hace soñar y viajar por mundos fantásticos.

Copyright fotografías | Gilbert Garcin

Comentamos mucho sobre cómo tomar fotografías, sobre el proceso, la creatividad, cómo editarlas, cómo compartirlas, pero… ¿cuidamos bien los títulos de nuestras fotos? no es difícil que este apartado lo dejemos en un segundo plano. O último. Y que solo agreguemos un título en el momento que la mostramos, publicamos o compartimos.

Para los que nos gusta subir nuestras fotos a Flickr, 500px, fotoblog,… incluso Instagram, EyeEm o las presentamos a un concurso, es en ese momento cuando nos preocupamos. A veces lo podemos tener muy claro desde que tomamos la imagen (o la serie de fotos), pero otras veces simplemente le dedicamos unas décimas de segundo, sin tomarlo muy en serio.

Un detalle que solemos descuidar

Con la cabeza alta, por Anuska c

Es importante cuidar también este aspecto. No en vano es el título que tendrá una de nuestras fotos, que hemos tomado con esmero, con dedicación, que hemos procesado con inspiración… ¿por qué no esforzarnos en poner el mejor título posible?

Recordamos muchas fotos, algunas icónicas, otras simplemente porque nos impactaron. Muy probablemente nos preocupamos de conocer algo más de ellas, su autor, dónde se tomaron… pero también de su título. Un buen título puede hacer que esa foto permanezca aún más en el recuerdo.

Busca un título atractivo, fuerte, sencillo y que se recuerde

Tiempo para pensar, por Govall

El título de una fotografía debe ser un complemento, un extracto de lo que muestra, de lo que inspira, o simplemente una breve y directa explicación de la captura.

Elegir un buen título es más esencial si cabe en esas fotografías que no siempre se entienden sin su contexto. El título ayudará a que el espectador conozca más sobre la fotografía, que amplíe su comprensión, que añada información esencial.

A la hora de elegir un buen título, no hace falta ser un experto en letras. Basta saber elegir un título atractivo, con fuerza, sencillo y breve. Eso hará que se recuerde, que le añada un elemento más para cautivar nuestra atención.

Títulos descriptivos

Quemando pólvora, por boira49

Como digo, no hace falta que intentemos ser muy rebuscados, ni la quintaesencia de la creatividad. Si preferimos elegir títulos descriptivos, sencillos, que transmiten directamente lo que se aprecia en el motivo o en la escena, podemos optar por un título corto, directo, pero intentando evitar lo obvio.

Un título descriptivo, al menos, debe añadir un poco más de lo que queremos mostrar. Títulos como “Árbol” no aporta mucho, mejor algo como “El ciprés solitario”, por ejemplo. A no ser que seamos un Andreas Gursky con títulos más pictóricos. Valoremos la utilidad de esa información adicional, de subrayar el motivo. Otro buen ejemplo es la famosa foto de McCurry “Niña afgana” (“Afghan girl”), breve, directo y descriptivo. También valoremos si resulta interesante resaltar el lugar y momento de la captura (habitual por ejemplo en fotografía de calle, como suele hacer Bruce Gilden)

Metáforas y comparaciones

Diálogos, por pedromf

Otro buen recurso a la hora de titular las fotos es buscar una metáfora que describa bien a la escena. A veces nos brota enseguida que vemos la captura, pero en otras ocasiones podemos intentar buscar esa idea que teníamos en la cabeza y que queríamos mostrar, es una forma de poner énfasis en el esencia de la imagen.

Una buena metáfora o comparación es muy útil. Por ejemplo una foto de un escena lluviosa se puede titular “Un mar de lágrimas”, si la escena evoca melancolía, si los reflejos del agua aparecen como un mar salpicado por las gota de agua… es solo un ejemplo. También podemos optar por un tono irónico o incluso sarcástico, siempre dependiendo de cada imagen y de nuestro estilo.

Títulos con estados de ánimo

Espacios vacíos, por Ahio

Un buen recurso para titular es intentar describir en pocas palabras el sentimiento que provoca nuestra foto. Ese estado de ánimo que se puede apreciar en la escena, por el color, el motivo, el momento,… un título que subraye el estado de ánimo de forma directa, es una buena forma de reafirmar lo que transmite la imagen. O de otro modo, la reacción que queremos crear en el espectador.

Optemos por buscar ese punto que transmite o queremos transmitir sin necesidad de caer en lo excesivamente descriptivo, que es algo que se puede dejar para las etiquetas que añadimos en los metadatos o en el sitio donde lo compartimos: Flickr, 500px, Google+, fotoblog….

Una mirada que refleja una vida, por chalo84

Como vemos, hay muchas formas de afrontar la manera de titular nuestras fotos. Es necesario esfuerzo, poner empeño, no conformarnos con un título cualquiera, buscar un título que aporte, que se complemente bien, que refuerce la idea visual…

Podemos buscar creatividad a la hora de titular sin necesidad de caer en lo excesivo y rebuscado, es una buena forma de ayudar a que nuestras fotografías destaquen y se recuerden. Pero sobre todo no caigamos en el “Sin título”, más que nada, porque es el más utilizado y desaprovechamos un excelente oportunidad de reforzar la mirada a nuestra fotografía.

Foto | Rosaline from Kenyan orphanage, por Javier Cobo

El obturador, qué es y cómo influye en nuestras fotografías

La velocidad de obturación determina la nitidez de nuestras fotografías, dando por hecho que la imagen está enfocada. A velocidades más lentas, más borrosa está la imagen, ya que no congelamos el movimiento. A velocidades más altas, la imagen es más nítida.

Las velocidades de obturación rápidas obligan a tener más luz en el ambiente o usar un ISO más alto, así como diafragmas más abiertos; las velocidades lentas permiten un ISO más bajo, trabajar con menos luz y diafragmas más cerrados. Generalmente, esto implica el uso del trípode o un punto de apoyo.

Velocidades bajas y el movimiento

• La velocidad a la que se mueve el sujeto, cuanto más rápido se mueva, más borroso. Aunque parece obvio pensarlo desde el punto de vista de usar la misma velocidad de obturación para fotografiar objetos que se mueven a distintas velocidades.

• El movimiento de la cámara. Si trasmitimos vibraciones a la cámara, aunque el sujeto de la imagen no se mueva, el sujeto aparecerá borroso. Si el sujeto se mueve y sumamos un movimiento de la cámara, la imagen será más borrosa.

• La dirección del sujeto al moverse. Los movimientos paralelos al plano focal serán mas evidentes que los movimientos perpendiculares a la cámara.

• La distancia focal también se hace notar en el movimiento. Cuanto más tele usamos, más movimientos tenemos, ya que el factor de ampliación hace que el sujeto se desplace en una distancia menor.

Ejercicios para controlar velocidades lentas

Os propongo realizar unos ejercicios o juegos con el objetivo de aprender a controlar qué tiempo tenemos que usar para que el movimiento quede fluido y también para coger soltura con los controles de la cámara.

Dependiendo de si hacemos los ejercicios de día o de noche, podremos configurar la cámara de distintas maneras. Si trabajamos de día, podemos realizar una medición y luego aplicar el movimiento, si trabajamos de noche y con luces, la cosa se complica. Yo os recomiendo seleccionar una velocidad, máxima apertura y jugar con el ISO. Una opción, en algunas situaciones, es trabajar con prioridad a la velocidad, modo S o TV de la cámara.

En el primer ejercicio, intentaremos hallar una velocidad para trasmitir la idea de movimiento. Fotografiaremos elementos en movimiento y mantendremos la cámara fija. Empezaremos usando una velocidad de 1/60, con la que muy probablemente congelaremos el movimiento, e iremos bajando la velocidad hasta tener una fotografía dónde se trasmita la idea de movimiento. Si la velocidad de obturación llega a ser mucho más lenta que el movimiento, los objetos que se mueven, llegan a desaparecer. Para este ejercicio podéis elegir elementos repetitivos como la fotografía de las manos tecleando este post o la típica fotografía de las luces de los coches en una carretera.

El segundo ejercicio es para la dirección del movimiento. Se trata de hacer dos fotografías, una con el movimiento perpendicular al plano focal y otra fotografía con el movimiento paralelo al plano focal. Como he dicho antes, en los movimiento paralelos notaremos más la estela que se crea. En este ejercicio, si queréis usar una distancia focal larga, notareis todavía más el efecto. Para determinar qué tiempo usar en la exposición, lo mejor es observar el movimiento y ver qué distancia recorre en una fracción de tiempo. Por ejemplo, en mi fotografía del péndulo, he contado cuantos balanceos hacía en un segundo y luego, he hecho la foto a 1,3 segundos para tener un movimiento muy marcado.

En el tercer ejercicio, vamos a mover la cámara y los elementos estarán fijos. Podemos mover la cámara de tres maneras, agitándola con nuestras manos en cualquier dirección (foto 1), desplazándonos en un vehículo y creando un efecto de fuga (foto 2) o haciendo un zooming, que es mantener quieta la cámara pero, mientras se realiza la exposición, movemos la rosca del zoom, el resultado es que el centro de la imagen se mantiene fijo y los extremos hacen un movimiento de fuga. Es interesante probar de hacer zoom in y zoom out. (foto 3).

El cuarto y último ejercicio es la experimentación. Poned la cámara en prioridad a la velocidad y fotografiad movimientos, moveros vosotros y moved la cara. Lo que puede salir es imprevisible y muchas veces, pueden ser abstracciones que nos sorprendan.

Como recomendación para los que hacéis los ejercicios de día, usad un filtro ND que, sumado a un ISO bajo, os dará más posibilidades de usar velocidades lentas. Para todos, no olvidéis ajustar los niveles de la fotografía, ya que sobrexponer o subexponer es bastante fácil.

Si le cogéis el truco a las velocidades lentas y os gusta, el siguiente paso es hacer un buen barrido como os explicamos en este post.

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Fotografías | José Juan Gonzálvez