Si tienes un dron ya sabrás que la ley tiene bastantes limitaciones sobre dónde y cómo se pueden utilizar. Por eso, es posible que te hayas encontrado con que no puedes utilizarlo en una determinada zona donde te gustaría grabar secuencias para un vídeo con tu dispositivo aéreo. Pero tranquilo porque todo tiene solución. Aquí te mostramos un interesante vídeo con otras ideas que permiten conseguir prácticamente lo mismo. Sólo hace falta algunos accesorios y mucha creatividad:

Como habéis visto las posibilidades son muchas y de lo más imaginativas, y vienen de la mano de una cineasta llamada Karen X que, desde luego, tiene mucha imaginación. Desde una pértiga a una cometa, pasando por una especie de tirolina improvisada y una simple caña de pescar. Estos simples elementos y una cámara 360 de pequeñas dimensiones como la Insta360 ONE X2 le sirven para conseguir unas tomas espectaculares en un entorno, el Golden Gate de San Francisco, donde hay bastantes limitaciones.

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Es cierto que la calidad no es la mejor (encima en formato vertical), pero como sugerencia de lo que se puede hacer echándole imaginación a la cosa el vídeo no tiene precio. Lo cierto es que Karen está especializada en la realización de películas de bajo presupuesto como demuestra en su perfil de Instagram donde hay una montón de buenas ideas para quien quiera hacer películas y tenga poco presupuesto, o bien quiera apostar ante todo por la creatividad.

Vía | Fstoppers

Desafíar las expectativas del espectador y sorprenderle con un enfoque innovador son las premisas sobre las que se sustenta el Siena Creative Photo Awards, un concurso de fotografía creativa donde lo que se pide es dejar volar la imaginación, experimentar y buscar la originalidad. Justo lo que demuestran las espectaculares imágenes que se han premiado en la edición de este año.

El año pasado ya os enseñamos los ganadores de este certamen que es un apéndice de los Siena Photo Awards pero dedicado a el uso creativo del medio fotográfico en todas sus formas, premiando a fotógrafos que experimenten con distintas técnicas y apuesten por hacer volar su creatividad.

'Fem una Cerveza?' de Céline Pannetier, finalista en categoría Food&Beverage de los Siena Creative Photo Awards 2021

Este año la ganadora absoluta del certamen es la imagen que habéis visto en portada. Se titula ‘The Lake’, es obra del iraní Masoud Mirzaei y fue tomada en el lago Urmia, el más grande de Medio Oriente y el sexto lago de agua salada más grande del planeta Tierra.

Claro que esta es sólo es una de las muchas imaginativas imágenes premiadas que fueron escogidas entre "decenas de miles de imágenes" presentadas a concurso por fotógrafos de 137 países diferentes, y que se presentaron a concurso en 17 categorías (una más que el año pasado).

'Curves' de Julián Negredo Sánchez, finalista en la categoría 'Arquitecture' de los Siena Creative Photo Awards 2021

En cuanto a la participación española, destacar el segundo puesto en categoría Open Theme para el gallego Miguel Gómez Muñiz con una foto que pertenece al proyecto Imaxe Covid, a través del cual seis fotoperiodistas gallegos retrataron el aislamiento provocado en un primer momento por la pandemia del coronavirus.

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Cómo presentarse a un concurso de fotografía

Pero tampoco podemos olvidarnos citar a varios fotógrafos españoles que han sido finalistas en alguna categoría, como Carmen Pascual (con doble mención en 'Animals & Pets' y 'Fashion'), Julián Negredo Sánchez, Danny Gibert, Helena Aguilar Mayans, David Nomdedeu, la pareja artística formada por Anna Devís y Daniel Rueda y también mencionar a Céline Pannetier, fotógrafa francesa afincada en Barcelona.

'Storm Is Coming' de David Nomdedeu, finalista en la categoría 'Nature & Landscape' de los Siena Creative Photo Awards 2021

Todas sus fotos, junto con las que han sido premiadas o han resultados finalistas, podrán verse dentro de la exposición "I Wonder If You Can" que se celebrará durante el Siena Awards Festival el próximo mes de octubre en esta ciudad italiana, y donde también se expondrán los ganadores de otros concursos como los Siena International Photo Awards y los Drone Photo Awards.

Como casi siempre, os dejamos con las fotos premiadas (las ganadoras y subcampeonas de cada una de las categorías) y os recomendamos una visita a la web para ver más llamativas fotografías.

Ganadores de los Siena Creative Photo Awards 2021

Photo of the year: ‘The Lake’ de Masoud Mirzaei

Categoría Conceptual:

Ganador: Jairo Álvarez por ‘Innocence’:

Subcampeón: Debratna Ghosh por ‘Taste of Freedom’:

Categoría Abstract:

Ganador: Filippo Drudi por ‘The Fork #28’:

Subcampeón: Ibrahim Nabeel Salah por ‘Bozell II’:

Categoría Nature & Landscape:

Ganador: Hans Wichmann por ‘Palm Grove’:

Subcampeón: Jun Epifanio Pagalilauan por ‘Gunung Bromo’:

Categoría Nudes:

Ganador: George Mayer por ‘Anima #6’:

Subcampeón: Nikolai Endegor por ‘Statuette’:

Categoría Wedding:

Ganador: Soven Amatya por ‘The Flying Bride’:

Subcampeón: Fabio Mirulla por ‘Light and Shadow’:

Categoría Architecture:

Ganador: Ingun Alette Maehlum por ‘Eternit’:

Subcampeón: Claudio Sericano por ‘Insomnia’:

Categoría Animals/Pets:

Ganador: Pedro Jarque Krebs por ‘Priceless’:

Subcampeón: Jo Sax por ‘Chameleon in the Bedroom’:

Categoría Portraiture:

Ganador: Steve Wise por ‘Robbie’:

Subcampeón: Reiny Bourgonje por ‘African Flower’:

Categoría Still life:

Ganador: Olga Rudenok por ‘Rembrandt Still Life’:

Subcampeón: Iwona Czubek por ‘Still Life With Dandelions’:

Categoría Experimental:

Ganador: Giulio Fabbri por ‘Hotel Paradise’:

Subcampeón: Matthias Jung por ‘When Claudine Drinks Coffee...’:

Categoría Open theme:

Ganador: Eddy Verloes por ‘Losing Our Minds’:

Subcampeón: Miguel Muñiz por ‘Together in the Face of Uncertainty’:

Categoría Beauty:

Ganador: Robert Piccoli por ‘Composed’:

Subcampeón: Kristian Piccoli por ‘My Love Has the Prettiest Rose Petals’:

Categoría Fashion:

Ganador: Zejian Li por ‘The Colorful Fragile Bubbles’:

Subcampeón: Arun Mohanraj por ‘Free Fall’:

Categoría Product:

Ganador: Andre Boto por ‘Car’:

Subcampeón: Carlo Marchi por ‘The Waves’:

Categoría Food&Beverage:

Ganador: Claudio Dell'osa por ‘Fish’:

Subcampeón: Ana Straze por ‘Forbidden Food’:

Categoría Music:

Ganador: Eric Politzer por ‘The Sound of Solitude’:

Subcampeón: Amber Griffin por ‘Visual Symphonic’:

Más información y fotos | Siena Creative Photo Awards

Foto de portada | ‘The Lake’ de Masoud Mirzaei. Photo of The Year en los Siena Creative Photo Awards 2021 (recortada para adaptarla al formato horizontal de portada)

La mayoría de los fotógrafos somos personas muy activas y trabajadoras, pero a veces esto no siempre es lo mejor. En ocasiones "ser vago" es algo beneficioso, de hecho algo que incluso podría ayudarnos a mejorar nuestras fotografías y en el siguiente vídeo explican por qué (está en inglés pero se pueden activar los subtítulos en español y se entiende bastante bien).

Como habéis visto, este vídeo del fotógrafo canadiense Maarten Heilbron analiza los beneficios de ser un "fotógrafo vago" que, por si estáis escandalizados, no consiste más que en configurar la cámara totalmente en automático y disparar sin más; es decir, sin estar pensando en la velocidad, el diafgrama, el ISO, la medición, el balance de blancos y demás detalles técnicos. La idea no es otra que eliminar ocasionalmente el esfuerzo cognitivo que implica tener que estar monitorizando y ajustando constantemente la configuración de la cámara.

Esto, según el autor, permite concentrarse más en la composición y encontrar escenas interesantes y formas de reproducirlas con mayor frescura y espontaneidad. Por supuesto nos basamos en la confianza de que las cámaras modernas son muy capaces de resolver de forma automática la mayoría de situaciones a las que nos enfrentemos y, por tanto, podemos dejar la parte técnica a su cargo y concentrarnos en la parte creativa.

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Es decir, la idea es, de vez en cuando (ojo, que no siempre) hacer fotos para nuestro propio disfrute, alejarnos del papel de "fotógrafo", olvidar el lado profesional de las cosas y volver a, simplemente, disfrutar mirando a través del visor de la cámara. Una práctica que puede aportarnos frescura y ayudarnos a redescubrir el disfrute de la fotografía si últimamente estamos estresados ¿no os parece?

Vía | FStoppers

Está claro que la fotografía es algo serio, pero al mismo tiempo debe ser también divertida. Porque divertirse haciendo fotos es fundamental para mantener la pasión por este arte, y “jugar a hacer fotos” puede ser una excelente manera de recuperar nuestra creatividad. Por eso vamos a ver una serie de actividades entretenidas que ayudan a practicar y al mismo tiempo a desarrollar nuestro talento fotográfico.

Foto de Artem Maltsev

Hace ya algún tiempo os mostramos una especie de gymkana para practicar fotografía, y también una prueba que consistía en hacer diez fotos distintas en un mismo lugar además de unos ejercicios veraniegos para mejorar, pero esta vez os vamos a mostrar las recomendaciones que el fotógrafo Jason D. Little da en Light Stalking y que nos han parecido muy interesantes para compartir con vosotros.

Se trata, como ya adelantaba el título, de nueve juegos pensados para añadir algo de diversión a nuestra práctica fotográfica. Porque, tal y como cuenta Jason, puede que con el tiempo la fotografía se haya convertido para nosotros sólo en un negocio o en algo para expresar cosas más serias (como el caso de los fotoperiodistas o de la fotografía de denuncia), por lo que se trata de recuperar lo que originalmente hizo que nos enamoráramos de ella: “te divertiste haciéndola […] porque te encantaba presionar el botón del obturador.”

“Acceso restringido”

Foto de Katherine Hood

Por extraño que pueda parecer, ponerse limitaciones es algo que puede proporcionar un buen impulso a nuestra creatividad porque nos obliga a pensar y a actuar de forma distinta a lo habitual. Por eso, podemos “jugar” a limitar nuestra práctica fotográfica durante un período de tiempo determinado (que, por ejemplo, puede ser un día si queremos que sea algo breve, o una semana si queremos alargarlo).

Las limitaciones que propone el autor son las siguientes: primero que sólo utilicemos el modo manual; a continuación que sólo usemos un objetivo fijo; después que no incluyamos personas en nuestras fotos; más tarde que sólo hagamos fotos en un único lugar; y finalmente que sólo haya una persona en el encuadre de la foto. Estas son las limitaciones que nos propone Jason, aunque también comenta que podemos añadir cualquier otra que se nos ocurra.

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Ejercicios prácticos para empezar a entender el histograma (de una vez por todas)

"La docena del panadero"

Foto de Khuroshvili Ilya

El segundo juego que nos propone el fotógrafo se titula ‘Baker’s Dozen’, porque se refiere a una expresión que en la cultura anglosajona significa trece unidades de algo. En este caso, se trata de realizar una serie de dicho número de fotografías distintas entre sí. La limitación está en que se trata de hacerlas deteniéndose en un lugar cualquiera y sin dar ni un solo paso en ninguna dirección.

Diez extraños

Imagen capturada del vídeo Foto de Taking 30 Street Portraits in 2 Hours

El siguiente ejercicio se parece a éste que os mostramos hace tiempo, ya que se trata de pedir a desconocidos que nos dejen hacerles un retrato. Eso sí, si aquel reto consistía en hacer 30 retratos en dos horas, lo que nos propone Jason es más sencillo: caminar por un lugar conocido y hacer retratos de personas que no conozcamos hasta tener al menos diez.

Diez por una

Foto de Alexandre Chambon

Esta actividad no puede ser más fácil de plantear pero complicada de llevar a cabo. Se trata de tomar diez fotografías distintas de una misma cosa o persona. La forma de hacerlo dependerá de si el sujeto es capaz de moverse por sí mismo o no, pero independientemente de esto, nosotros como fotógrafos tenemos que ser capaces de componer diez fotos originales, lo que sin duda va a exigirnos una gran creatividad.

Imitando que es gerundio

Una versión libre de la famosa fotografía de Cartier Bresson. Foto de Hernán Piñera

Lo siguiente consiste en pensar en una foto de esas mundialmente conocidas (por ejemplo en alguna de éstas o de éstas otras), elgir una que sea de nuestras favoritas de todos los tiempos o, en su defecto, buscar alguna foto profesional que consideremos muy buena. A continuación, nuestro trabajo será tratar de recrearla de la forma más fiel que nos sea posible.

Autoinclúyete

Foto de delfi de la Rua

El siguiente ejercicio consiste en incluirnos dentro de cualquier escena que queremos fotografiar. Se trata, claro está, de hacer algo más que un selfie e incluirnos en la imagen de una forma creativa, de tal modo que no parezcamos fuera de lugar. Para hacerlo, lógicamente, necesitaremos algo de equipo y seguir algunos consejos como los que dábamos aquí.

Sopa de letras

Foto de Alex Read

Otro ejercicio que a lo mejor ya conocías consiste en elaborar un abecedario completo con imágenes. Se trata de que cada foto corresponda a una única letra que encontremos por ahí, un ejercicio que, tal y como cuenta el fotógrafo, no es tan fácil como parece y probablemente nos lleve más tiempo de lo que pensamos.

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El triángulo de exposición explicado gráficamente

Haz un “fotopopurrí”

Si te toca “reflejos” ésta podría ser una alternativa. Foto de Mario Mancuso

El siguiente juego que se nos propone es muy curioso. Se trata de escribir palabras sueltas o frases cortas en varios trozos de papel. Lo que escribamos tiene que tener relación con la técnica fotográfica o bien ser posibles temas; cosas como “árbol”, “desenfoque de movimiento”, “obra de arte”, “acción”, “profundidad de campo”, “sombra”, “medio de transporte”, “reflejo”.

A continuación, hay que meter los trozos de papel en un sombrero, una bolsa o cualquier otro tipo de recipiente, moverlo y coger uno de ellos. Sea lo que sea que nos salga, ahora sólo faltará coger la cámara y reproducirlo.

Película virtual

Foto de Michael Gaida

El último juego consiste en una imposición que nos retrotrae a los tiempos de la fotografía química. Se trata de realizar una sesión de fotos con la limitación de hacer solo 24 o 36 imágenes, como en los carretes de fotos más populares. Por supuesto, se trata de ser selectivo con lo que se dispara y, cuando se llega al límite, dejar de hacer fotos porque el desafío ya estará completo.

Foto de Michael Theis

Hasta aquí lo que propone Jason D. Little, unos ejercicios para desarrollar nuestras habilidades y creatividad disfrazados de divertidos juegos. La idea es que la próxima vez que necesitemos desahogarnos o practicar nuevas habilidades, pero no queramos sentir que estamos “practicando”, probemos con alguno (o todos) de ellos...

Foto de portada | Clem Onojeghuo

Por su propio significado, podemos pensar que el espacio negativo, o espacio en blanco, es algo vacío de contenido y, por tanto, prescindible. Sin embargo, su uso está muy extendido en muchas artes (por supuesto la fotografía) porque bien utilizado ayuda a enfatizar el tema de una imagen y puede darle una potencia visual difícil de conseguir de otro modo.

Por este motivo, el espacio negativo es una de las claves fundamentales en fotografía minimalista, y es muy útil en disciplinas como la fotografía de producto, la foto arquitectónica o la street photography; de hecho, podemos decir sin miedo a equivocarnos que es algo de lo que se puede sacar provecho prácticamente en cualquier ámbito fotográfico.

Foto de averie woodard

Hace bastantes años ya os dimos algunas directrices y dejamos claro que “ausencia de contenido no tiene porqué significar ausencia de interés”. Y ahora vamos a retomar este interesante tema empezando por repasar el concepto y siguiendo por ofrecer algunos consejos prácticos para aprovecharlo.

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¿Qué es espacio negativo y qué positivo?

Según la RAE, una de las acepciones de ‘negativo’ es “que implica la ausencia o inexistencia de algo” y uno de los usos de ‘blanco’ significa “que no lleva nada escrito o impreso”. Así, podemos decir que el espacio negativo o en blanco de una foto es todo aquel que no incluye información relevante, el que queda entre los diferentes elementos de una composición.

Por contraposición, el espacio positivo es el área de la foto que contiene información importante de la composición. Así, esta zona (o zonas) es la que atrae primero la atención del espectador en una foto, al ofrecerle elementos con algún contenido.

Por eso, aunque podemos asimilarlo con el fondo (un elemento que tiene su importancia en fotografía), en este caso hablaríamos de uno sin apenas información, o con un contenido neutro o redundante.

Y es que hay que dejar claro que el espacio negativo no significa que esté completamente vacío, sino que es un área que se ha dejado sin apenas información con unos fines concretos, para evitar atraer la atención sobre él y, por contra, definir, delimitar y/o potenciar el espacio positivo.

Foto de Joanna Kosinska

Por tanto, es muy efectivo para hacer que la mirada del espectador se dirija rápidamente hacia el elemento principal de una composición. Pero además, su eficacia está muy relacionada con el hecho de que podemos obtener una fuerte asociación entre el espacio negativo y las emociones. Así, un espacio en blanco puede evocar una sensación de calma, misterio, melancolía y/o asombro.

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¿Cómo sacarle provecho?

Lo primero es tener claro lo que ya hemos dicho, que no es para nada un espacio en blanco y, por tanto, tiene su importancia en la composición. Eso sí, aunque es útil echar mano de las normas básicas de composición y conocer sus principios, aquí las reglas tienen un papel secundario y lo que prima es la imaginación del autor.

Foto de Pierre Châtel-Innocenti

Sin embargo, hay algunas cosas que debemos considerar a la hora de utilizar el espacio negativo en fotografía de la forma más aprovechable que sea posible:

Menos es más

Es una de las máximas de la fotografía minimalista, donde prima eliminar todo lo superfluo y usar los elementos básicos de diseño (línea, forma, color, textura…) en su forma más simple. Con ello se consigue que los elementos principales de la imagen (lo que sería el espacio positivo) cobren una gran potencia visual por contraposición al “vacío” que ofrece el espacio negativo.

Por eso, para ponerlo en práctica debemos buscas composiciones con elementos mínimos, donde el espacio en blanco ocupe una parte importante del encuadre. Por ejemplo, podemos utilizar una “regla” que dice que es útil incluir el doble de espacio negativo que espacio positivo en una composición, aunque esto sólo sería un principio que dependerá mucho de la toma en concreto.

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Técnicas avanzadas de composición que a lo mejor no conocías

Ojo a la posición

Un aspecto clave al utilizar espacio negativo es dónde situarlo concretamente, porque esto determina el impacto visual que finalmente tendrá la foto. Por ejemplo, si pensamos en una imagen con un único elemento protagonista podríamos optar por situarlo justo en el centro y rodearlo de espacio vacío.

Foto de Josh Calabrese

El resultado, evidentemente, es que potenciaremos el objeto, incluso puede que le demos un aire abstracto a la imagen, pero no necesariamente estaremos añadiendo atractivo; al menos no más allá del interés que pueda tener el elemento en sí para el espectador. Por eso, es bastante más recomendable situar ese elemento principal a la derecha, izquierda, arriba o abajo (dependiendo del tamaño), con lo cual al mismo tiempo estaremos creando un área continua de espacio negativo de cierta importancia.

Si el objeto es pequeño es bastante interesante echar mano de la siempre útil regla de los tercios para situar el elemento en alguno de los puntos que forman sus líneas imaginarias. Esto significará utilizar las esquinas de la composición, lo que con frecuencia nos proporcionará un buen resultado.

Foto de Laura Connesson

De cualquier manera, vamos a ver qué conseguiremos (en general) dependiendo de dónde situemos el espacio negativo. Si éste se sitúa mayoritariamente en la parte baja de la foto, normalmente estaremos aportando una sensación de ligereza, sugiriendo que el elemento principal de la foto flota en ella.

Si, por el contrario, lo situamos arriba, aportaremos una sensación de pesadez al objeto; aunque todo depende de éste, ya que también podemos sugerir que algo sucede hacia arriba, y que nuestro protagonista principal quiere (o puede) escapar del cuadro.

Foto de Osman Rana

Esa misma sensación podemos conseguir si el espacio en blanco se sitúa delante del sujeto principal, es decir en la dirección hacia la que éste mira o se mueve. Esto, como ya habréis adivinado, está íntimamente relacionado con las reglas de dirección y movimiento y la ley de la mirada, que dicen que siempre debemos dejar más espacio en la dirección hacia la que el sujeto mira o se dirige.

Si decidimos cumplirla, normalmente conseguiremos dar la impresión de que la escena se desarrolla de forma natural y progresiva y que el sujeto “respira”. Pero si preferimos no hacerlo, y situar el espacio negativo por detrás del sujeto, crearemos una composición mucho más chocante y llamativa.

Así, podremos dar sensación de agobio, de que el elemento principal choca con el marco de la foto y se encuentra atrapado. Esto se debe a que, de forma natural, nuestro ojo tiene a mirar hacia donde va el sujeto, con lo que en este caso estaremos poniendo cortapisas a la mirada del espectador y “atrapándole”.

Y si hablamos de un objeto inanimado, situar el espacio negativo a la derecha o izquierda también tiene su influencia, aunque sea algo menor. En estos casos, lo más importante es recordar que miramos de izquierda a derecha, con lo cual lo situado a la derecha tiende a tener mayor peso visual. ¿Significa esto que siempre debemos colocar el espacio negativo a la izquierda? En absoluto, todo dependerá de nuestra intención.

Si queremos crear una imagen “natural”, y dar el mayor protagonismo al elemento principal de la foto, sí sería una buena estrategia. Si queremos conseguir una foto que llame la atención, es posible que sea más efectivo disponerlo justo al revés. Como decíamos, la creatividad juega un papel clave, así que todo es cuestión de probar.

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Texturas y colores

Estamos diciendo que el espacio negativo no está completamente vacío pero, entonces, ¿con qué lo llenamos? Recordemos que lo ideal en una composición de este tipo es utilizar la menor cantidad de objetos para la composición, por lo que el espacio en blanco debe estar acorde a esta idea.

Sin embargo, cuando decimos vacío nos referimos básicamente a vacío de elementos, pero sí que podemos rellenarlo con distintos elementos como texturas y color. Este en concreto es muy efectivo para utilizar en el espacio negativo que, ahora sí, queda claro que no tiene que ser blanco.

De hecho un color intenso es una muy buena idea para obtener una imagen llamativa. Eso sí, es preferible que sea un color sólido y que su tonalidad esté en consonancia con la parte “positiva” de la foto. En este sentido, lo ideal es utilizar un color que sea complementario al predominante en el elemento principal, o al menos que contraste porque, como es fácil de entender, no conseguiremos el mismo efecto si usamos un tono u otro, o un color muy oscuro que uno claro.

Foto de Boris Thaser

En cuanto a las texturas, podemos emplear casi cualquier cosa, pero siempre pensando en que su apariencia sea suave, sin restar demasiado protagonismo al elemento principal de la foto. También es útil utilizar patrones, pero también procurando que no sean muy llamativos (cuanto más repetitivos mejor).

Profundidad de campo y clave alta/baja

Cuando no podemos tener un fondo prácticamente plano, es decir vacío de elementos y sólo relleno por algún color o textura, tenemos que recurrir a otras estrategias como puede ser desenfocar el fondo o utilizar la técnica de clave alta o baja. Lo primero podríamos hacerlo con Adobe PhotoShop en la edición, pero lo ideal es hacerlo in situ recurriendo a limitar la profundidad de campo.

Foto de Anatoly S

De esto ya os hemos hablado en muchas ocasiones pero recordamos que se consigue siguiendo estos pasos: colocar al sujeto principal lo más alejado posible del fondo, acercar la cámara a él lo máximo posible con la mayor distancia focal que podemos y abrir el diafragma al máximo (lo ideal es contar con un objetivo luminoso que ofrezca un buen bokeh). Si lo hacemos bien y logramos un fondo suave tendremos un atractivo espacio negativo incluso aunque detrás haya un área llena de elementos.

En cuanto a la clave baja y clave alta, se trata de dos técnicas que también pueden resultar muy efectivas y en las que el espacio negativo suele cobrar mucha importancia. También se pueden lograr en la edición posterior, aunque es más efectivo realizarlas en estudio utilizando iluminación artificial, motivo por el que es una técnica más complicada de llevar a cabo.

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Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Y con esto hemos acabado de contar cómo sacar partido del espacio negativo en fotografía, así que ahora sólo queda animaros a salir y explorar sus posibilidades. Podéis empezar probando a crear composiciones realizadas en casa con un objeto que nos guste sobre una superficie plana, y quizá más tarde buscar inspiración en la calle y/o la naturaleza.

Foto de Óscar Condés

No es una disciplina fácil, y puede que al principio no obtengamos resultados inmediatos, pero si somos capaces de mirar de manera diferente, y saltarnos las reglas, podemos lograr tomas únicas y muy llamativas.

Foto de portada | Rodion Kutsaev

La historia de Gilbert Garcin es casi tan curiosa como sus fotografías. Hace unos años ya os contamos como empezó su carrera con 65 años, tras jubilarse, y cómo ha llegado a convertirse en un referente del retoque fotográfico en su sentido más clásico con un mundo propio y original lleno de humor y creatividad. Ahora, con motivo de su reciente fallecimiento, el Canal Arte emite el documental ‘Nada es imposible’ y nos da la oportunidad de conocerle un poco mejor.

Gilbert Garcin en el taller donde realiza sus creaciones mostrando "sus secretos".

El documental, disponible en este enlace en abierto hasta finales de enero de 2021, recuerda la inspiradora historia de este ex vendedor de lámparas marsellés que descubrió tardíamente su pasión en la fotografía pero deslumbró al mundo con su personal manera de entenderla. Un estilo que recuerda al surrealista Magritte y que está lleno de creatividad, ironía, humor y ternura.

Además, permite conocer cómo elaboraba sus fotografías, a través de un proceso artesanal que muy poco tiene que ver con lo que solemos imaginar al pensar en un fotomontaje. En vez de Photoshop, utilizaba maquetas de cartón, tijeras, pegamento y fondos proyectados en una pared para crear unas imágenes insólitas, aparentemente ligeras por su sencillez pero con un evidente mensaje en el fondo.

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Fotos míticas de la historia: ‘La ejecución de Saigón’ de Eddie Adams, o cómo “la fotografía es el arma más poderosa del mundo”

En estas fotografías destaca la inclusión de un personaje recurrente, un alter ego del propio Gilbert previamente autorretratado (y sin intención narcisista, usaba su propia figura porque era lo que más a mano tenía) para contar historias con una sencillez y sensibilidad pocas veces vistas y que merece la pena conocer.

Gilbert Garcin | ‘Nada es imposible’ | Página web

Fotografías de Gilbert Garcin capturadas del vídeo ‘Nada es imposible’ en ArteTV

La conferencia anual de Adobe 99U junta a la industria creativa en una serie de talleres, seminarios y conferencias lideradas por grandes figuras de la industria creativa. Este año, debido a los efectos de la pandemia, la plataforma se llevará a cabo de manera digital y totalmente gratis.

Adobe sigue mostrando su apoyo a la industria creativa con esta decisión. En ediciones anteriores, el solo ingreso costaría 1.000 dólares. Si se tiene en cuenta los gastos de viaje, hoteles y demás viáticos, esta es una gran noticia para quienes vivimos fuera de Nueva York y siempre quisimos asistir a una.

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Dale un efecto más dramático a tus imágenes con una iluminación de contorno creada en Photoshop

El evento se realizará a través de Behance. Tan solo hay que entrar a la página de registro, completar nuestros datos y esperar en las próximas semanas a conocer más información de la agenda. Este año el tema central será ‘El ser creativo’. A través de las exposiciones y talleres se buscará ayudar a encontrar nuestras identidades creativas, establecer propósitos y objetivos concretos, desarrollar nuestros talentos y definir el éxito que nos lleva a mejorar.

Como reporta PetaPixel, la edición 12 del Adobe 99U se llevará a cabo en junio 17 de este año. La agenda del evento y los detalles de cómo atender a las distintas conferencias llegarán al correo en las próximas semanas.Podéis ver algunos adelantos y algunos de los conferencistas confirmados en su página oficial.

Se llama ‘Downside Up’ (“Al revés”) y desde luego recuerda a la famosa serie de Netflix pero realmente esta foto de Tim Gamble no tiene nada que ver con Stranger Things (de hecho se realizó antes de que apareciera la serie). Pero lo que realmente nos llama la atención en términos fotográficos es que se hizo en una única toma y en la propia cámara (es decir, sin apenas retoque posterior).

No es algo raro si conocemos un poco a su autor, fotógrafo y embajador en el Reino Unido de Light Painting Brushes (dedicada al universo del light painting), ya que es todo un experto en crear unas imágenes realmente llamativas. Esta en concreto fue realizada hace cuatro años en una salida por las montañas del Peak District donde se encontró con uno de sus elementos favoritos: La niebla.

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Tal y como cuentan en DIYPhotography, al autor le encanta aprovechar este elemento que aumenta el drama y la atmósfera de una foto. Como en esta ocasión en la que “cuanto más subía, más densa se volvía la niebla y más entusiasmado estaba.” El lugar concreto en que se hizo la imagen es una zona de robles muy particulares “cuyas extremidades retorcidas y las rocas debajo vestidas con sus maravillosas galas de musgo siempre me recuerdan a la Tierra Media. Es un lugar mágico para estar después del anochecer”.

Un accesorio clave

En este escenario montó Tim su cámara en un trípode con una cabeza de rotación, un accesorio especial que usa este fotógrafo y que permite girar la cámara completamente, sobre el eje óptico, para lograr el efecto de “arriba y abajo” que veis en la foto. El aparato es similar el que veis en la imagen de abajo, y es una herramienta que suele utilizar a menudo el autor para "retorcer la realidad" sin tener que recurrir a Photoshop.

Foto de Light Painting Photography

La imagen, por cierto, la hemos sacado de esta página en la que colabora Tim y donde se habla de Chris Thompson, otro fotógrafo (también muy creativo) que participó en la toma. Y es que aquella salida fue conjunta y precisamente Chris es la figura que aparece (por partida doble) en la foto.

Así que, con un modelo en el escenario adecuado y la ayuda de la niebla, lo siguiente era iluminar. Y lo hizo con esta potente linterna especial para lightpainting en la que montó una gelatina azul y sitúo detrás del personaje de tal manera “que la iluminación de la escena comenzara en la parte superior izquierda del marco y se desplazara en diagonal hacia la parte inferior derecha, dejando la mitad opuesta del marco casi en la oscuridad”.

Una vez satisfecho con la luz, comenzó la toma en sí (suponemos que usando el modo Bulb) que empezó con una exposición de diez segundos para la primera parte de la imagen. Tras esto, Tim puso la tapa del objetivo y giró la cámara 180 grados; a continuación, caminó hacia la antorcha y cambió la gelatina azul por una rojo-anaranjada, volvió a la cámara, destapó el objetivo y dejó que la cámara expusiera durante otros 15 segundos (para compensar el hecho de que esta gelatina dejaba pasar algo menos de luz) y acabó la toma.

Y nada más. Bueno sí, confiesa que hizo algunos ajustes menores en Lightroom, pero el efecto que se ve se realizó completamente en la cámara. Un excelente trabajo en estos tiempos en las aplicaciones que permiten retocar las fotos se han popularizado tanto que, a veces, parece habernos hecho perder la curiosidad por explorar y experimentar con la fotografía.

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Sin embargo Tim es algo que practica a menudo, utilizando herramientas como la mencionada cabeza de rotación y la pintura de luz, lo que le permite “alterar la realidad usando la imaginación y las herramientas que tenemos en nuestra mano en lugar de depender tanto de la magia de la computadora.” Sin duda un gran trabajo.

Tim Gamble/ Fade to Black Light Art | Instagram | Facebook | Flickr

Fotografía de Tim Gamble reproducida con permiso del autor para este artículo

Así lo cree al menos Craig Skinner, un británico especialista en bodas, paisaje y astrofotografía que ha realizado un vídeo explicando como para él la fotografía puede funcionar como antidepresivo: “Para mí, la fotografía es una vía de escape. Ofrece una salida creativa que normalmente es difícil de encontrar en la vida cotidiana. Este tipo de liberaciones creativas a menudo pueden ser mucho más satisfactorias que disfrutar de unas cervezas o de un atracón de series en Netflix”.

El vídeo forma parte de una serie de cortometrajes que pretende realizar bajo el lema “La fotografía es…” y donde quiere explorar qué significa este arte para la gente y cuáles son sus beneficios e inconvenientes. Y el primero es este en el que explica una parte de los efectos beneficiosos de esta afición en su blog, siempre desde su punto de vista personal.

“Incluso si es solo durante un minuto o dos al día, hacer fotos es una oportunidad para concentrarse en algo creativo. Enfocarse en hacer algo hermoso, y no porque tengamos que hacerlo, sino porque queremos hacerlo”, cuenta el fotógrafo. Para él, saber cuál podría ser el resultado final de la toma, incluso sin haber sacado aún la cámara, puede hacer que su cara esboce una sonrisa.

Foto de Meghan Holmes

La clave para él es que todos los aspectos de la fotografía le permiten olvidarse de todo lo demás y aliviar las tensiones y el estrés del día a día. Comenzando por el momento de explorar algún lugar en busca de una buena ubicación para la foto, siguiendo por el momento de concentrarse en la configuración adecuada para una toma y los rituales habituales que se realizan antes de hacer una foto.

Incluso sacar la cámara de la bolsa, decidir la óptica correcta para el momento (sopesando los pros y contras de cada una de ellas), ajustar el enfoque, el ISO, la velocidad de obturación y decidir la composición correcta son todo ello pasos que ayudan a olvidarse del estrés.

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“Siempre he encontrado que salir al aire libre ― continúa Craig― disfrutar de la situación que estoy captando, y luego centrarme en los aspectos técnicos de la toma y realizar el disparo realmente puede ayudar a amortiguar los pensamientos negativos y la depresión y actuar casi como un reinicio mental”.

El fotógrafo confiesa que la fotografía a veces puede ser una experiencia solitaria pero que le gusta disfrutar de la sensación de tener el control sobre lo que está haciendo sin dejarse influir por las distracciones externas: “Sentarme en una ladera en medio de la noche, mirando las estrellas, anticipando qué es lo que podría capturar con mi cámara es un sentimiento muy relajante. Simplemente me permite estar en el momento y realmente apreciar lo que estoy haciendo”.

Esto se complementa cuando vuelve uno vuelve a casa, cuenta dónde ha estado y enseña las fotos: “Creo que no estar deprimido no significa que estés feliz y bailando con una sonrisa en la cara, sino que simplemente estés satisfecho con lo que tienes en ese momento”.

Foto de Kal Loftus

Desde luego la idea tiene bastante que ver con cierto tipo de fotografía, porque entendemos que hacer un reportaje de boda debe ser mucho más estresante que una sesión de astrofotografía, pero el vídeo merece la pena y su teoría sin duda es interesante ¿No creéis? ¿Qué os parece? ¿Estáis de acuerdo con que la fotografía puede ser antidepresiva?

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Esas "cosas raras" que sólo hacemos los fotógrafos...

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Foto de portada | Alif Ngoylung

Está claro que el crowdfunfing se ha convertido en una vía eficaz para que surjan productos novedosos en el campo de la fotografía. Es el caso de Chroma Chrono, un flash fotográfico muy particular pensado para lanzar destellos de color RGB de alta intensidad en largas exposiciones de forma programada.

El dispositivo se puede conectar a la cámara a través de una zapata de tipo estándar y utiliza luces LED (que se ejecutan a alto voltaje para conseguir potencia y son reemplazables por el usuario) para lograr el cometido de iluminar con distintos colores del espectro RGB durante una exposición larga según la programación establecida por el usuario. Para ello, el flash cuenta con un microcontrolador WiFi que permite conectar el dispositivo y, través de una interfaz web, decidir qué colores se van a utilizar y la duración del destello de cada uno.

Gracias a ello es posible conseguir resultados creativos como los que podéis ver en la imagen de abajo. Como decíamos, Chroma Chrono está en proceso de búsqueda de financiación por Kickstarter para convertirse en un "producto real". De momento, a falta de diez días, la cosa está complicada así que si quieres colaborar puedes hacerlo desde unos 11 euros (sin recompensa) o bien aportar unos 135 euros para conseguir una unidad del producto que se estima será enviado el mes de febrero del año próximo.

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En Xataka Foto | Profoto B10, toda la información y análisis del pequeño flash de estudio que se comporta igual que los grandes