Oh, cómo de condicionados que están los resultados de nuestras fotografías. Esta reflexión me ha venido por inspiración de un post de JJ Merelo, que a su vez venía de rebote de otro que escribió David Cabezón por aquí, “Flickr ¿sí o no?”.

Me parece a mí que la fotografía está supeditada a una cantidad de infinitos factores, en su mayoría incontrolables. Es más, sospecho que la fotografía que tome un día que me duela el estómago será totalmente distinta a la que pudiera hacer con alivio estomacal. Estas cosas, que son del día, como la leche, perfilan aunque no lo queramos creer, pequeños detalles a la hora de fotografiar o procesar nuestras fotografías, que al final son definitorios en la formación de la imagen; desde los tonos, cantidad de sombras y contraste hasta la saturación que aplicas por ejemplo.

Con los días, meses y años los gustos varían. Una foto que procesé por la noche, a la mañana me parece lo peor que haya hecho nunca. Constantemente estamos yendo y viniendo también en el encuadre, en qué objetivos utilizar así como con cualquier otro de los muchos parámetros técnicos.

El lugar donde vivimos, la gente, el equipo que podemos comprar etcétera etcétera, son variables independientes de las que la fortuna es dueña señora.

Flickr, como no, es un factor y del que pienso que puede tener una incidencia trascendental en el trabajo del fotógrafo. Recordemos que son millones de personas las que cada día aportan algo a esta enorme red social. Si dividimos a la fotografía en dos elementos: estética y temática, yo diría que con la que más se trafica en Flickr, es con la fachada, con la estética.

Intentaré hacer brevemente una genealogía de lo que ha sido la estética en Flickr.

En una época primigenia, hace ahora casi 4 años, en Flickr, imperaban la fotografía llana y lisa que salía de las cámaras compactas del momento (prácticamente ningún usuario tenía una reflex) y pocos eran los que las procesaban, y no con mucho arte. Pero pronto llegaron las reflex, muy popularmente la 300D y después la 350D con algunas Nikon D50 y D70. El efecto lomo se puso muy de moda. Todo el mundo quería hacer lomos con PS, sin matar al cerdo.

Flickr, ya en este momento estaba empezando a ser popular, incluso había algunos españoles; a pesar de tener un nombre que no se estaba seguro de cómo debía ser pronunciado y estar todo en inglés. Por suerte o por desgracia, de repente, empieza a verse por algunos grupos de Flickr un tipo de fotografía efectista que parece hiperrealista, HDR lo llamaban. Y además contabas con un programa que cómodamente te lo hacía. Flickr, se inunda de HDR’s

Pasa el tiempo y Flickr crece exponencialmente, mejora muchos de sus servicios, modifica algunas cosas de la interface, cambia Flash por Ajax y Yahoo se lo compra.

Flickr, es hoy, en mi opinión, un lugar heterogéneo, muy rico en cuanto a estéticas y temáticas; puedes encontrar todas las que la fotografía tiene hoy día y tuvo en el pasado. Nunca he visto nada fuera de Flickr del que no tenga una referencia similar allí dentro.

El arte es sorprender, enseñar algo distinto, que emocione al espectador. En este sentido, estas estéticas que he citado anteriormente y muchas otras, atrapan rápidamente a los recién llegados a Flickr (que son la mayor parte de usuarios) Necesitan y desean una estética para sus fotografías planas, llanas y sencillas que les devuelve la cámara.

Con el tiempo y aprendizaje de las herramientas digitales, van consiguiendo saber expresarse mejor y de manera más original. A fuerza de imitar, adquieren habilidades y un conocimiento más profundo de esa gran cantidad de parámetros, de los que hablaba al principio, que un fotógrafo debe saber armonizar. El saber adaptar las estéticas a los aspectos pragmáticos de la comunicación que la imagen tiene implícita es la clave del éxito.

En definitiva, diría que la autonomía no existe, o sí, pero no es lo que la gente se piensa. Diría que Flickr está posibilitando un aumento de creatividad artística enorme y sin precedentes históricos.

La creatividad es un spider, es una capacidad de síntesis, de unir, de linkar ideas con múltiples estéticas para así dar a luz algo nuevo, original que funcione ante los ojos del espectador.

La fotografía es cultura y Flickr es cultura. Alejarse de Flickr, sería alejarse de la fotografía.
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Foto | Como no se me ocurría con qué ilustrar este post tan abstracto, he hecho uso de una foto que me tomé en el EBE 07 con una serie de gente que saben bastante de la influencia en internet, no sólo en fotografía. En la imagen aparecen Ricardo Galli (fundador de Menéame), Antonio Delgado , Jonan de Pixel y Dixel , Hernán Casciari y yo mismo.

Los fotógrafos creativos me encantan. Si Chema Madoz es uno de mis preferidos, el fotógrafo que os presento hoy no se queda atrás.

Se llama Horacio Salinas y es colaborador habitual del New York Time Magazine. De padres Argentinos y residente en Nueva York, Horacio nos regala una fotografía sencilla, simple y a la vez llena de contenido. Con elementos cotidianos y el bodegón como recurso principal, consigue transmitir ideas y sensaciones como solo los buenos saben.

Si cuando os hablamos de Chema Madoz os recomendamos encarecidamente echarle un ojo a su galería, en esta ocasión volvemos a hacerlo. Seguro que muchos no lo conocéis pero os aseguramos que no os va a defraudar.

Vía | Pixelicia
Web oficial | Horacio Salinas

Personalmente, no me gustan los “fulanitizados”, esas acciones de draganizado, efecto Orton, efecto 300 o efecto Lomo que muchos hemos usado alguna vez. No termino de ver eso de que Fulanito edite sus fotos de tal o cual manera particular y todos le copien, haciendo y compartiendo incluso acciones de Photoshop para (intentar) alcanzar automáticamente ese resultado, como por arte de magia.

En realidad, Fulanito probablemente había estado trabajando un estilo durante bastante tiempo, desarrollándolo de una manera muy personal, y logrando un resultado que seguramente no sólo dependía de un post-procesado, sino de una idea previa de esa fotografía, una luz especial, una composición interesante, y un motivo que para él significase algo.

Tratar de copiarlo y calcarlo usando una acción o un conjunto de capas preelaboradas, probablemente sólo nos lleve a un resultado desastroso. Diferente y curioso para los que no lo han visto nunca, posiblemente. Pero desastroso.

Opino que esta manera de trabajar es una forma de ponerse limitaciones a la creatividad. No estoy diciendo que esté mal intentar imitar. Creo que, sin ser un fin en sí mismo, tratar de imitar a los fotógrafos que admiras puede ser una forma magnífica de aprender, pero sólo si te lo planteas como “quiero averiguar qué herramientas puedo usar y quiero tratar de usarlas para desarrollar mi estilo”, y no como “quiero que mi estilo sea el de Fulanito, y pienso usar sus propias herramientas para ello”.

Viendo los errores que a menudo cometemos al tratar de aplicar un filtro o acción de este tipo, yo sugeriría lo siguiente:

• Si encuentras u oyes hablar de una acción, plugin o filtro de este tipo, busca información sobre él antes de descargarlo. ¿Qué resultado consigue con el filtro?


• Si esa acción que tanto te gusta hace referencia a un fotógrafo, un autor, busca información sobre él. ¿Quién es? ¿Cómo son sus fotografías?


• Haz un esfuerzo por tratar de imaginarte cómo el autor original hizo esas fotografías. ¿Qué buscaba conseguir? ¿Qué iluminación tiene? ¿Qué la hace especial? ¿Es sólo el procesado?


• Trata de concretar esos aspectos aún más, intentando pensar qué cosas tiene esa foto que tanto te gusta que tú no podrás lograr con un simple postprocesado. ¿Cómo las podrías lograr?


• Cuando vayas a usar esa acción o conjunto de capas, desmenúzala. Fíjate bien en qué herramientas aplica y de qué modo. ¿Conocías esas herramientas? ¿Las habías usado antes? ¿Se te habría ocurrido combinarlas así?


• Trata de usar esas herramientas por cuenta propia y de diferentes maneras, sin acciones automáticas, hasta que creas dominarlas. Trata de procesar una foto así, usando herramientas de manera personalizada. ¿Consigues un resultado que te gusta? ¿Cómo puedes mejorarlo?


• Al final conseguirás aprender a manejar nuevas herramientas de photoshop, a saber combinarlas con otras cosas que ya conocías, habrás mejorado tu técnica y, lo más importante, tal vez esto te sirva de punto de partida para usar esas herramientas con un fin: tu propio estilo.

¿Quién sabe si dentro de un tiempo no habrá circulando por internet, sin que te enteres, una nueva “acción de fulanitizado” que lleve tu nombre…?

Fotografías | La primera, de Jelleprins. La segunda de Andrzej Dragan.

En ocasiones, romper la reglas, probar nuevas composiciones, encuadres y velocidades de obturación, pueden conjugar resultados sorprendentes. Pero no basta con abandonarse al albedrío y esperar que el resultado, por fortuna, depare un resultado interesante. Hay que tener claro qué queremos transmitir, cualquier motivo vale, pero es importante que sea una forma de expresión, de comunicación con el espectador.


Podemos jugar con la luz, los colores, las formas, la composición, más aproximada a la realidad o más alejada, lo importante es que la imagen nos diga algo. La máquina suele ser importante, pero para transmitir un mensaje dentro de la abstracción no es necesario tener un completo equipo fotográfico. Desde la cámara de un teléfono móvil podemos lograrlo. Además, siempre tenemos la edición digital, para mejorar, potenciar efectos y lograr adecuarnos a nuestro objetivo.

Si nos convertimos en observadores pausados podemos encontrar a nuestro alrededor múltiples motivos que nos pueden ofrecer formas abstractas. No es necesario buscar en lugares indómitos o alejados, ni emplear horas en un procesado. La sencillez es siempre lo más efectivo. Por ello, mira a tu alrededor, observa detenidamente e intenta encontrar posibles imágenes abstractas en objetos reales y con formas conocidas.

Sin embargo lo abstracto a veces está en lo verídico. Un objeto común visto con otra perspectiva, iluminación o encuadre poco habitual puede darnos un resultado sorprendente y visualmente efectivo. Siguiendo ejemplos de grandes fotógrafos de la historia (Man Ray, Moholy-Nagy), podemos ver como daban total libertad a la subjetividad para transmitir un mensaje a través de una imagen, que no siempre tenía que ser un fiel reflejo de la realidad.

Observa, dispara, experimenta. Busca intencionalidad o no, pero intenta renunciar de la realidad cotidiana. Aléjate del objeto reconocible, de las perspectivas tradicionales, del detalle nítido o incluso de los colores fieles.

Como no estamos tratando de algo concreto o definible, sino más bien a un concepto no podemos establecer algunos consejos sencillos para lograrlo, se trata más bien de experimentar con una idea, dando igual el método y la forma de lograrlo.

Espero que esta divagación y aproximación a la abstracción sirva, al menos, para encontrar nuevas formas de trabajar con la fotografía digital, alejándonos de los convencionalismos. Un método útil para reflexionar sobre la imagen y poder encontrar un estilo propio. O no. Pero al menos jugar con nuestra cámara de formas distintas puede resultar extremadamente divertido.

Fotos | Mark Valentine y César Augusto

Al tratar de definir aquello que es un retrato tenemos bastante con decir que es la fotografía donde el motivo principal es una o varias personas. Fotografía de gente. Así de simple y así de poco conciso. Y aquí está la clave de la riqueza de esta modalidad adorada por muchos fotógrafos aficionados y profesionales.

A veces, la idea que se puede tener sobre el retrato, se circunscribe a una foto con un primer plano o plano medio (aquí el primer y segundo capítulo de nuestro curso sobre los distintos planos) de la persona fotografiada generalmente con un posado. A continuación vamos a ver que no es así con multitud de ejemplos que os servirán de inspiración para aumentar vuestro abanico de posibilidades a la hora de hacer retratos. Recordad que hace pocos días ya hablamos de los objetivos recomendados para este tipo de fotografías.

El retrato… ¿es cosa de una persona?

Aren’t we fancy? de Ingorrr

La respuesta es más que evidente: no. Lo usual es que el motivo sea una sola persona, pero no tiene porqué ser así. Creo que existen varios motivos para que este sea el prejucio básico sobre los retratos. Por un lado la facilidad práctica, ya que (generalmente) es mucho más sencillo fotografiar a una persona que a más de una. También tenemos la facilidad técnica y es que si tomamos como norma general para retratar utilizar aperturas grandes del diafragma y enfocamos a los ojos de una persona, nos arriesgamos a dejar a otra fuera de foco. Y si utilizamos aperturas pequeñas, incluiremos dentro de foco el fondo de la fotografía, con el riesgo de que elementos distractores nos arruinen la toma.

No matter it is Valentine or not ! de HAMED MASOUMI

Este último punto deberás salvarlo estudiando la fotografía y tomando una decisión. Pero lo importante de este punto es que no limites los retratos a una sola persona. Parejas, tríos y grupos pueden ser motivos muy, muy interesantes.

Punto de mira hacia la expresión facial

Gleason Eye de Steven Fernandez

El rostro, los ojos, los labios, el cabello, la nariz… Todos ellos elementos de una cara, los componentes que muestran como es una persona, los que perseguiremos con nuestra cámara. De entre todos ellos, los ojos son lo más importante, no en vano, la regla de oro de la fotografía de retratos es enfocar a éstos. Cualquier otra parte desenfocada puede que no de al traste con la foto.

Pero toda esta parrafada incluye dos trampas: la primera es que en el retrato deben aparecer todos los elementos del rostro (sobretodo si la toma es frontal). La segunda es que siempre deben aparecer… los ojos. Corta, limita, mueve tu composición, céntrate en lo distinto, en lo original o menos usual. Así también se hacen retratos.

tasty shot de Pσrcelαΐηgΐrl°

¿Alguien dijo fotografía de una cara?

Creativity de Proverbs 31:10

Si estabas pensando que para que una foto sea un retrato es necesario que aparezca la cara de una persona… siento decirte que no es así. Fotografiar la espalda o cualquier parte del cuerpo puede ser una excelente opción, con muchísmo magnetismo y mucha fuerza. Lo que debes intentar es que la foto capte algo de la personalidad de la persona retratada o un momento especial…

Vibrantly Rabari de Meanest Indian

¿Posados sí o posados no?

portrait。嘟嘟老師 de Solar ikon

A menudo se confunden los posados con tener que mirar a la cámara y sonreir. Nada más lejos de la realidad. Consigue que la persona que quieres retratar haga algo. Charla con ella, da un paseo, deja que haga el payaso… Busca la naturalidad y lograrás grandísimos retratos. Aunque si no te sale, no te desanimes. Personalmente considero que es lo más complicado de la fotografía de retratos.

growlin’ brace face de lanuiop

Soluciones creativas

If I rest, if I think inward, I go mad de MegElizabeth_

Si eres algo mañoso o mañosa con los programas de edición, tienes ante ti un amplísimo abanico de posibilidades creativas. Muchas de ellas bastante extendidas como los famosos clones, por ejemplo. Busca inspiración por internet con las fotografías de otro, imita lo que veas o crea algo original…

Comentario final

Me gustaría destacar que tu creatividad no debe tener límites. Puedes hacer fotos más corrientes o quizás menos convencionales, pero no evites probar cosas distintas. Pequeñas variaciones producen grandes resultados. Y no olvides romper las reglas de vez en cuando, como en la fotografía que encabeza esta entrada.

Fotografía de cebecera | Flickr de dusdin

El primer interrogante que nos surge es si son realmente necesarios. Y es que atendiendo a la mejora sustancial de lo programas de procesado y retoque resulta una buena opción desentenderse de los filtros. Prácticamente se pueden conseguir los mismos efectos, así que ¿para qué gastar dinero en caros filtros?

Aún así, y aunque poseamos gran destreza con el Photoshop o similar, no está demás conocer qué filtros existen por si queremos ahorrarnos algo de trabajo o queremos potenciar la creatividad desde la misma toma.

De la inmensa variedad existente, los filtros más utilizados (como bien señalan en Digital Shot) a día de hoy son básicamente tres.

• Los filtros UV (ultravioleta) son los más comunes puesto que su principal función es la proteger la lente. Con un filtro enroscado en el objetivo logramos evitar golpes accidentales, así como lo resguardamos de salpicaduras y polvo que afecten directamente al cristal del objetivo. Es más fácil y menos arriesgado limpiar un filtro. Su utilización no debe afectar a la imagen que captemos, aunque los de menor calidad suelen restar algo de nitidez y luz, si bien es verdad que suele ser de forma casi o levemente imperceptible en la mayoría de las ocasiones.

• Los filtros polarizadores sirven para evitar los reflejos desagradables, en el agua, cristales y produce colores muy reales y saturados, debido a que polarizan la luz que entra en la lente. Para fotografiar cielos también es muy útil. Existen dos tipos, los lineales y los circulares, que son los más adecuados para la fotografía digital y los objetivos con enfoque automático. Aunque su uso es muy específico y nos servirá para situaciones muy concretas (no las más frecuentes), además de que son más caros.

• Por último los filtros de densidad neutra (ND) logran disminuir la luz que llega a través del objetivo al sensor de la cámara debido a su tonalidad grisácea. Según el grado de reducción de luz poseen unos valores. Unidos a una velocidad de obturación lenta y una apertura mayor se logra el efecto del agua en movimiento. Suelen reducir la profundidad de campo y su uso es aún más específico si cabe, aunque los resultados son sorprendentes.

Conociendo estas cuestiones, ahora queda en nuestra iniciativa lanzarnos a acumular filtros o bien prescindir de su uso. Aunque lo mejor, y más sensato es colocar un filtro UV a nuestros objetivos más preciados y valorar si necesitamos adquirir otros según el tipo de fotografía que hacemos y si nos gusta experimentar.

Más información (en inglés) | Photonotes.org
Más información (en español) | Quesabesde
Guía de filtros y precios | Camera Filters
Foto | tico_bassie

Si estás leyendo en este blog es porqué muy probablemente te divierte la fotografía. Te lo pasas bien yendo de aquí para allá, disparando un poco aquí, un mucho allí, pensando en esquemas de iluminación… Muchas veces con el objetivo (o con el resultado) de que la gente se maravilla de la belleza de nuestras fotos.

Pero, ¿has pensado en provocar risas con tus fotografías? Quizás este sea el resultado más llamativo (aunque no el único) que se puede conseguir fotografiando con una lente fisheye o ojo de pez, un tipo de objetivo que abarcan un ángulo de visión de 180º (o más) con una distancia focal entre 6 y 16mm normalmente.

Toda esta parrafada la justifico porqué hoy toca ver una serie de ejemplos de los usos creativos de este tipo de lentes.

Retratos (I): Personas

Poco hay que decir. La deformación provocada por la lente, sobretodo si la persona retratada está bien cerca de la cámara, provoca formas exageradas y grotescas. El efecto provocado es divertido.

mouth de Sonny

Im Proud of Me!!!!!! de Lampeduza

Retratos (y II): Animales

Lo mismo que para las personas. Increíblemente abundantes estas fotos, ¡oigan!

achilles the pug de stanrandom

Kitty de drew wilson photography

Close up Cow de mad paul

Paisajes

Aquí los efectos del ojo de pez no son tan evidentes o exagerados como con las temáticas anteriores. Esta lente servirá para incluir en la fotografía un ámplio campo de visión. Ojo al utilizar elementos más cercanos a la cámara, que es donde dejaremos patente la lente que utilizamos. Claro está, en función de si queremos que el efecto sea evidente…

Winter Constellations and Zodiacal light de Computer Science Geek

Longboat Key de drew wilson photography

¡Mira hacia arriba!

Disparar con un ojo de pez mirando hacia arriba produce la sensación de que los edificios o árboles nos acechan, que nos miran y estan a punto de dejarse caer encima nuestro. Puede ser muy interesante en el caso de edificios con formas poco convencionales.

Through the Trees de ArtBrom

Acid Trip? de Flipped Out

Simetrías e interiores

Los efectos de las fotos con estos objetivos en interiores son interesantísimos. Por un lado, la cantidad y proximidad de los elementos garantizan el efecto ojo de pez. Un uso bastante creativo sería buscar la simetría como en los siguientes ejemplos.

Foto de Johnny Garlic

eight mm are great! de frischmilch

Resumiendo, un efecto interesante y divertido al servicio de nuestra creatividad. No tengáis miedo de hacer fotos distintas, quizás es lo que separe vuestras fotos de las del montón. ¿Alguien tiene fotos hechas con un ojo de pez para mostrarnos?

Fotografía | Fishy Smiles de jurvetson

Lemoigne aporta ese punto sarcástico para retratar situaciones absurdas de la cotidianeidad, nada convencionales y muy llamativas, por ello es bastante popular y ha logrado un buen número de premios muy prestigiosos en festivales publicitarios (Cannes, Clio, Nueva York,...).

Durante algunos años desempeño la labor de director de arte, para ahora centrarse en su trabajo fotográfico, que le está reportando bastante satisfacciones. El momento recogido, el color, el tratamiento y esa pizca de buen humor son los ingredientes que se podrían definir de sus fotografías. Os dejo una galería con una selección para pasar un buen rato.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | numero f
Sitio oficial | Jean-Yves Lemoigne

Los ganadores de cada una de las diez categorías son premiados como reconocimiento a su trayectoria y su contribución al arte fotográfico. Y se les valora además, su capacidad, creatividad, composición, fuerza conceptual y técnica. Los privilegiados ganadores recibirán un diploma acreditativo y licencia de libre uso para la Hasselblad H3D II durante cuatro meses. Podrán utilizarla a su gusto, pero tendrán que realizar fotografías que se incluirán de un libro referente al concurso que se lanzará en septiembre.

Más detalles sobre lo que ha dado de sí este concurso y la convocatoria de su próxima edición estarán disponibles el próximo mes de febrero en la web de Hasselblad. Por cierto, en vista del éxito participativo, doblarán los miembros del jurado.

A continuación detallo los ganadores por categorías y sus webs. Merece la pena una visita a todos ellos, pero destacaría las increíbles imágenes de motos del americano Gregor Halenda, una de cuyas imágenes encabeza este post y también me ha llamado profundamente la atención el trabajo de August Bradley.

• Arquitectura. Ganador: Benjamin Antony Monn, Alemania. (www.benjaminmonn.de).
• Editorial. Ganador: Louie Palu, Estados Unidos (www.louiepalu.com).
• Moda/Belleza. Ganador: Andrej Kopac, Canada (www.andrejkopac.com).
• Arte. Ganador: Julia Fullerton-Batten, Inglaterra (www.juliafullerton-batten.com).
• General. Ganador: Bronek Kozka, Australia (www.kozka.com).
• Paisaje/Naturaleza. Ganador: Hans Strand, Suecia (www.hansstrand.com).
• Futuro. Ganador: August Bradley, Estados Unidos (www.AugustBradley.com).
• Retrato. Ganador: Morfi Jiménez Mercado, Perú (www.morfijimenez.com, www.incaprincess.org/sesions/MunayWarmikuna/index.htm).
• Productos. Ganador: Gregor Halenda, Estados Unidos (www.gregorhalenda.com).
• Bodas/Social. Ganador: Kevin Then, Malasia (www.kevinhan.net).

Vía | Photographyblog
Web oficial | Hasselblad.com

Leo con atención una entrada en el nuevo blog Foto36 (al que saludamos efusivamente desde XatakaFoto) en la que se plantea un interesante debate sobre lo que conlleva la tecnología digital al mundo de la fotografía. Aprovechando que a un servidor le gusta el debate, me permito el lujo de mostrar mi opinión al respecto, recalcando que es totalmente personal, y que no hablo por ningún otro de los editores de este blog. De modo que las piedras, a mi persona.

Si no he entendido mal, la postura básica de la opinión de Sergio Jaén (autor del post) es que hoy en día gracias a los avances en el software de edición, fotografía y realidad ya no van de la mano. Podemos cambiar colores, quitar personas, o múltiples procesos a posteriori, lo que resulta en imágenes que pierden… su esencia.

Veamos por qué yo no estoy de acuerdo con esta postura. Citaré algunas palabras del artículo original (que a su vez puede que sean en ellas mismas otras citas). Y antes de continuar aviso de que lo que viene a continuación es un buen tocho de post.

“Debe existir una relación entre lo que existe delante del objetivo y la imagen conseguida. En el medio argéntico la imagen es “tallada” en la película, en el medio digital no existe relación”
Poco tengo que decir a tal sentencia pues es cierta. El sensor interpreta.

Sin ánimo de resultar pedante y ni mucho menos demasiado metafísico, me pregunto ¿qué es la realidad? A veces pienso que los sensores (ver capítulo del curso sobre partes de la cámara) son copias baratas de algo que ya existe en la naturaleza desde hace mucho tiempo: nuestro cerebro. Y es que lo que vemos no es más que el resultado de una serie de procesos que realiza el cerebro sobre la luz reflejada que entra por nuestros ojos. Y lo que tú ves, ¿es más real que lo que ve alguien con daltonismo? ¿O más real que lo que ve un murciélago? Y es que puestos a interpretar, las fotos que encuentres por internet, tu navegador las interpreta y… ¡sorpresa! Dependiendo de qué software utilices verás unos colores de un modo u otro en tu monitor. Quizás deberíamos abstenernos de admirar fotografías por internet y dejarlo solo para las que esten en papel…

Muchos pensaréis, “vale, pero el argumento es una falacia ya que con el famoso Photoshop añadimos o quitamos según nuestra voluntad elementos a la fotografía”. Y es completamente cierto, pero para mi la fotografía es una manera de expresarme. Seguramente no hago buenas fotos (seguro, vamos) pero son un reflejo de como me siento, como pienso, cuáles son mis gustos, de mi (nula) creatividad… Y a veces son intentos de crear una respuesta en la persona que las observa. Me permitiré el lujo de compararlo con la pintura, que a estas alturas de la historia todo el mundo la considera un arte. Hay quien plasma una escena de la realidad en su cuadro y hay quien la inventa. Incluso hay quien transforma la escena real según su criterio. Pues con la fotografía sucede lo mismo. En esta línea aparece en el artículo original la siguiente reflexión:

Fotografía y verdad se han separado. De hecho hoy en día una imagen de un paisaje, captada con medios digitales, y que nos parezca increiblemente bella, aunque no haya sido retocada, siempre suscitará una duda.

Bueno…¿y dónde está el mal? Me remito a mis anteriores palabras, no creo que el procesado sea en sí mismo algo negativo para la fotografía, por muy intenso o exagerado que sea (a menos que se trate de fotos de playas paradisíacas que realmente no existan).

Si has llegado hasta aquí, ánimo, viene la última cita que hago antes de la reflexión final:

“No es lo mismo el conseguir efectos en la imagen final durante la captura, que durante el tratamiento posterior”.
Recuerdo que al comprar un objetivo de fuelle para lograr efectos de distorsión, alguien proclamó: ¡Pero si eso lo puedes hacer con photoshop! Encontré la respuesta días después en las palabras de un usuario de flickr: “Yo soy fotógrafo, no soy fotoshopgrafo”.

Completamente de acuerdo, pero no por ello el procesado le resta mérito a la fotografía. A lo mejor es más fácil (a lo mejor), o se requieren menos conocimientos sobre la cámara y su funcionamiento. Pero ¿realmente importa cómo llegamos a una foto? A mi me parece que este argumento es como si yo dijera que tiene menos mérito hacer una tortilla en una cocina de gas encendiendo el fuego con un mechero, que si lo hubiera encendido en unas ramas secas con la ayuda de dos piedras (si tú que estás leyendo esto haces así las tortillas, te admiro).

No creo que con el retoque digital la fotografía pierda su esencia por:

• La realidad la construimos nosotros, a través de nuestro cerebro y el de la cámara. Y no nos olvidemos del cerebro del que mira a la fotografía. No creo que sea demasiado útil basarnos en esta característica para discernir qué es fotografía y qué no.
• El uso del procesado digital es simplemente una herramienta que ayuda al artista a plasmar mejor aquello que intenta expresar con la fotografía. Gracias a éste muchos artistas pueden lograr lo que nunca conseguirían sin la existencia de este software.
• Existen diferentes tipos de fotografía en función de las herramientas que se utilicen, por supuesto. La hecha con una cámara que aproxime el resultado a lo que pueden ver nuestros ojos, la requetertocada con Photoshop, la hecha con una cámara lomo… Son expresiones artísticas bajo el paraguas de la fotografía, aunque luego tengan diferencias más que evidentes y que den lugar a resultados diamentralmente opuestos. Igual que existen diferentes tipos de pinturas, la hecha con óleo, acuarela, etc. Pero continuan siendo pintura.
• Si en el cine existe el género de la ciencia ficción lleno de efectos especiales, ¿no puede existir el género fotografía de ficción?

Y por favor, que nadie entienda esta divagación como una crítica a la opinión del autor referenciado, faltaría más. Estamos más de acuerdo de lo que pueda parecer a simple vista. Aunque de vez en cuando me da por encender fuegos a ver si se caldea el ambiente…

¿No os parece bellísima la fotografía que encabeza esta entrada a pesar de tener añadida una textura mediante un programa de retoque fotográfico?

Vía | Foto36
Fotografía | Flickr de Marta Potoczek

Hace casi un mes, os presentábamos a uno de los fotógrafos más creativos del panorama nacional.

Seguro que a muchos os interesó su fotografía y por eso hoy os traigo una entrevista que le realizamos en Usuarios Réflex Olympus hace un tiempo, pero que muchos no conoceréis.

Con ella inauguramos una nueva serie de entrevistas con las que intentaremos acercaros a los fotógrafos más conocidos y también dar a conocer a futuras promesas de la fotografía. Por otro lado tampoco dejaremos escapar a aquellos que puedan contarnos novedades o innovaciones en la fotografía.

Esperamos que os guste. Si os gusto su fotografía seguro que os gustará la entrevista. Merece mucho la pena la lectura.

“José María Rodríguez Madoz nace en Madrid, en 1958.

Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.

La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985.

En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos.

Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.

En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición.Ese mismo año recibe el Premio Kodak.

En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.

La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro "Chema Madoz (1985 – 1995)".

Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula "Mixtos – Chema Madoz".

En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual "Objetos 1990 – 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.

En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia).”

Exposiciones

1 – Tus obras requieren una preparación casi escultórica de algún objeto ¿por qué plasmarlos en fotografías, en vez de presentarlos físicamente? ¿Qué le aporta la fotografía?

Distancia, devuelve al objeto a un territorio tan intangible cómo el lugar del que procede, la imaginación

2 – ¿Qué ocurre con los elementos fotografiados después de la toma? ¿Los has expuesto alguna vez?

Los objetos una vez utilizados, se amontonan en el estudio, cómo material de trabajo, que puede ser re-utilizado en otras composiciones.
Únicamente, se ha expuesto algún objeto, cuándo no existía una foto de él y tan sólo en un par de ocasiones.

3 – Cuando, como en tu caso, la fotografía no es un simple click y está tan cerca del arte, ¿cómo se afronta el temido "papel en blanco"? ¿Cómo surgen tus fotos?

Desde la misma perspectiva, que cualquier otro creador, con el vértigo que dá el vacío.
Las imágenes no tienen un proceso claro por el que llegar a ellas. Algunas parten de meras intuiciones que intentas materializar o poner de relieve a través de los objetos, también hay ocasiones en las que lo que hay es un concepto previo y lo que necesitas encontrar son los objetos que en cierta medida lleven en su seno una parte implícita de la idea a la que quieres hacer referencia. Y en ocasiones la imagen puede partir de la contemplación del objeto mismo.

4 – ¿Por qué en blanco y negro? La fotografía artística o creativa, en color, ¿se valora menos?

A estas alturas es absurdo hacer prevalecer una técnica sobre otra. Cualquiera es perfectamente válida siempre que se adapte al discurso del trabajo.
Yo utilizo el ByN, por varios motivos, Primero es un ejercicio de reducción, ya que limitas el color a dos opciones que se enfrentan, algo que también sucede con los objetos ( en general son dos objetos contrapuestos) por otro lado permite, jugar más fácilmente con las texturas a la hora de establecer vínculos o nexos.

5 -¿La creatividad se aprende o es algo innato?

Creo que hay una cierta predisposición, pero se puede aprender. Sólo hay que tomar conciencia, de cómo en las mayoría de las ocasiones nuestras actitudes responden a esquemas pre-establecidos.

6 – Tus metáforas visuales pueden recordar a parte de la obra de Man Ray ¿Te sientes influido o inspirado de alguna manera por él? ¿A quién admiras en fotografía?

No especialmente, pero hay algunos trabajos suyos que admiro sinceramente.
Otros fotógrafos que me interesan pueden ser Duane Michals, el primer Ralph Gibson , Abelardo Morell o Andy Goldsworthy.

7 – Sueles causar impresión y sorpresa con tus fotografías ¿Qué hace falta para impresionarte o sorprenderte?

Lo que a cualquier otra persona, descubrirme algo inédito en lo cotidiano.

8 – ¿Prefieres una buena crítica, un buen comentario de otro artista, la admiración de un aficionado o que alguien compre tu obra?

Puestos a elegir me quedo con todo

9 – ¿Que opinión tienes sobre la proliferación de la fotografía digital? ¿Es buena para la fotografía?

Claro que es buena, está proporcionando unas herramientas de las que hasta ahora no disponíamos. Esto, a pesar de que pueda generar una cierta confusión, es muy interesante, por que genera nuevas posibilidades, nuevos discursos.

10 – Con esta proliferación, ¿Es cada vez más difícil destacar en este arte?

Ahora es cierto que hay más gente que utiliza la fotografía pero, por ejemplo todo el mundo tiene lápiz y papel y no por ello se complica la situación de los escritores

11 – ¿Que equipo utilizas? ¿Crees que tener un buen equipo influye en la buena fotografía?

Trabajo con una Hasselblad desde hace unos veinte años. Mi primera cámara fue una Olympus OM-1

Gracias por tu tiempo

Vía | Usuarios Reflex Olympus

Si hace poco os hablaba de uno de los fotógrafos más creativos del panorama nacional, Chema Madoz, hoy os dejo con otro fotógrafo que me ha sorprendido, gratamente.

Se llama Matt Stuart y podríamos definirlo como “creativo | buscador de momentos”.

Aunque algunas de las fotos dan sensación de estar preparadas, es admirable la originalidad y frescura de las imágenes que nos presenta. Además como veis no hace falta ninguna gran cámara para realizar buenas fotografías. Se demuestra una vez más que el “ojo fotográfico” está por encima de la tecnología.

Sin duda un fotógrafo a seguir muy de cerca. Os dejo con una impresionante galería de mas de 50 fotos que sin duda no os dejará indiferente.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Gracias a Javier por el enlace

Más Información | Matt Stuart

Para los que nos gusta la fotografía creativa, descubrir a Chema Madoz es como un miniorgasmo para la vista. A mi me paso hace casi un par de años, cuando empecé con las reflex digitales

Y lo conocí gracias a un comentario que me hicieron en una de mis fotos de flickr, donde alguien insinuaba que era del estilo de Chema. A partir de ahí, y tras ver su galería me convertí en fan incondicional suyo.

“Aún sigo vivo”, en flickr

Seguro que muchos no lo conoceis y seguro que a todos os encantará.

Os dejo con una impresionante galería de mas de 50 imágenes de este genial fotógrafo:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Web oficial | Chema Madoz