Tanto si estás empezando como si ya tienes experiencia, es posible que si muestras tus fotos recibas críticas que no siempre son sinceras. De hecho, incluso pueden llegar a ser perjudiciales para quien no tenga experiencia y se las pueda tomar demasiado en serio. En Internet hay mucho troll malintencionado que sólo critica por envidia u odio sin tener criterio. Las ha contado el fotógrafo Miguel Quiles (de quien ya os hablamos a propósito de otro tema) en el siguiente vídeo:

Como habéis podido ver, el fotógrafo habla de cinco razones concretas por las que pueden criticar nuestras fotografías y que deberíamos directamente ignorar. Hablemos un poco de cada una de ellas porque son interesantes:

Imposible hacer una mala foto de alguien muy guapo

Miguel cuenta que es algo que ha escuchado muchas veces pero que le parece totalmente erróneo. Puede ocurrir muchas cosas para que esto pase, por ejemplo que el fotógrafo o el/la modelo tengan un mal día (o ambos a la vez). También puede ocurrir que el fotógrafo no tiene los conocimientos necesarios de su cámara o de iluminación y estropee una sesión por este motivo o que el modelo no tenga ni idea de lo que debe hacer. Hay muchas causas por las que puede suceder y decirle esto a un fotógrafo probablemente sea un intento de quitarle mérito.

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“Con esa cámara ya podrás”, “¿Me puedes sacar más delgado?” y otras de esas frases que nos dicen a los fotógrafos

El trabajo de "X" es mejor que el tuyo

Algo que se escucha mucho en redes sociales, sobre todo en grupos de Facebook según Quiles, donde hay gente que afirma que "no se quien lo hace mejor que tú" o "este trabajo habría sido mucho mejor si hubieras hecho X". Una manifestación de mala educación (y de un ego desmesurado) de quien lo dice que no tiene en cuenta que la fotografía como forma de arte es subjetiva. Por ello siempre habrá fotos que nos gusten y otras que podemos llegar a odiar por una razón u otra, sin que eso signifique que no tengan calidad.

Retocar las fotos es trampa

Es algo que se ha hecho desde los albores de la fotografía pero, por alguna razón, aún es criticado por muchas personas (sobre todo novatos dice Miguel) que piensan que el retoque fotográfico es algo "incorrecto". El autor recurre de nuevo al argumento de que la fotografía, como forma de arte, es subjetiva y todo el mundo tiene su propio estilo y derecho a expresarse como quiera en su trabajo (a menos que le pidan algo específico). Eso no debe significar que tenga más o menos éxito en lo que hace ni debe dar pie a que nadie le critique.

No se puede hacer una mala foto con una buena cámara

Un tema muy popular en la Red de Redes, la cuestión de si el equipo hace mejor al fotógrafo es ya muy antígua y para nosotros tiene una respuesta medianamente clara: no necesariamente. Como cuenta Quiles, a veces algo de equipo nuevo puede suponer un empujón para nuestra creatividad pero, en general, el nivel de habilidad de un fotógrafo no mejora por un equipo mejor. Se puede ser un mal fotógrafo con una buena cámara y uno bueno con un equipo malo o anticuado.

Si disparas con luz natural es porque no sabes usar el flash

Muchos fotógrafos que suelen utilizar luz artificial "atacan" a los que sólo usan luz natural acusándoles de hacerlo porque no saben cómo usar los flashes y sugiriendo que su trabajo es peor por ello. Según Quiles esto puede ser cierto en algunos casos pero también puede ser una elección de estilo o un requisito del cliente de turno, y desde luego no significa que no puedan crear excelentes fotografías.

En Xataka Foto

Guía para conseguir mejores fotos con el modo Retrato de tu smartphone

Estas son las cinco opiniones tóxicas que podemos recibir sobre nuestras fotos y que es mejor que ignoremos. Pero nos gustaría conocer vuestra opinión y abrir un debate al respecto ¿qué opináis? ¿os han criticado alguna vez con otro argumento que os parecía injusto? ¿habéis oído muchas veces estos argumentos tóxicos?

Miguel Quiles | Página web | Instagram | YouTube

Si alguna vez te ha parecido que las fotos que ves en Instagram son todas muy parecidas o, mejor dicho, que hay determinados tipos de imágenes que se repiten con demasiada frecuencia, seguramente estás en lo cierto. @insta_repeat es una cuenta de esta red social que se dedica a plasmar este hecho, denunciando la falta de originalidad a base de burlarse de ella.

Fotos en los mismos lugares o en las mismas posturas (aquí reproducimos sólo unas pocas pero en la cuenta tenéis un montón más) se repiten por doquier en una red social que poco a poco ha ido adquiriendo popularidad hasta estar realmente de moda, tanto entre los fotógrafos profesionales como los aficionados, sin olvidarnos de los “amantes del postureo”.

Todo ello queda de manifiesto perfectamente gracias al trabajo de una joven artista de 27 años que vive en Alaska (EE.UU). Eso es lo único que sabemos de ella porque prefiere mantenerse en el anonimato según han contado en el blog Photo Shelter, donde reproducen una entrevista realizada por email.

En ella cuenta que está harta de ver el mismo tipo de fotos de supuestos “aventureros” y “exploradores” que se retratan en Alaska con etiquetas como "liveauthentic" y "exploretocreate". “No sé cuántas veces se pueden publicar las cabañas rojas de Hatchers Pass (un camino de montaña) antes de que la gente se aburra […] “Sin embargo —continúa— la chispa específica de la idea para crear la cuenta provino de la abundancia de fotografías de la típica canoa. Cada vez que veía una de esas imágenes en canoa en Instagram pensaba en la idea de recopilarlas.”

Eso sí, la autora denuncia la gran reiteración de fotografías similares en todos los medios, no solo en Instagram, aunque “el propósito de Insta_Repeat es criticar la originalidad en la creación de imágenes de este tipo de cuentas de fotografía de Instagram.” Por cierto que todas las fotografías que recopila están referenciadas a sus autores, lo que como era de esperar le ha valido tanto reacciones negativas como positivas.

“Es increíble la cantidad de comentarios positivos que he recibido, incluso de las personas que incluyo. Es alentador cuando alguien se puede reír de sí mismo […] En cuanto a los comentarios negativos, cada vez que alguien se enzarza en una discusión o alguien que incluyo tiene un montón de comentarios de seguidores (aunque sean negativos), es curioso porque siempre recibo un impulso en forma de nuevos seguidores.”

Más información | Insta Repeat

Vía | DiYPhotography

En Xataka Foto | Este fotógrafo cerró todas sus redes sociales (con millón y medio de seguidores) para dedicarse sólo a hacer fotos y viajar

El neoyorkino James Nachtwey ha sido noticia en las últimas horas por haber sido el elegido para recibir el premio Princesa de Asturias 2016 de Comunicación y Humanidades, pero ¿está justificado?, ¿qué le ha llevado a conseguirlo?, a continuación hemos seleccionado una serie de fotografías, tanto publicadas como no publicadas que arrojan algo de luz al respecto.

Nachtwey es de esos fotógrafos que no dejan indiferente, con sus ángeles y sus deminios, con fotos magistrales y humanas, un fotógrafo que quiere contar la verdad y hacérsela saber al mundo. De el se ha escrito mucho, se han hecho películas, ha recibido multitud de premios y en los últimos tiempos no menos críticas.

Alguna de las críticas a su trabajo no son nuevas, son el habitual y cansino rumrúm que se suele hacer al trabajo de los fotógrafos de guerra porque "no respetan el drama", por "perseguir la muerte" y, mi favorita por "no haber hecho nada para evitar la situación que fotografían" como si los demás viendo las fotos en nuestro ordenador, con el café entre las manos estuviésemos cambiando el mundo. Pero la fotografía de Nachtwey suele ser unánimemente admirada y reconocida por el respeto hacia quien fotografía, por mostrar la realidad de lo que ocurre y por la poesía que emana en gran parte de su obra.

El neoyorkino ha afirmado en alguna ocasión que "si una fotografía no se publica no ha conseguido su propósito", la revista Time hizo un pequeño resumen de alguna de las imágenes que el neoyorkino tomó el día del ataque a Torres Gemelas y que no fueron publicadas en su momento.

Fotografía de Nachtwey el 11-S para Time. No publicada.

Los demonios de Nachtwey

Pero como decíamos antes; Nachtwey también tiene sus demonios. El trabajo más criticado por sus compañeros de profesión es el que hizo sobre la familia Al Assad como si de modelos se tratase. Una de ellas llegó a ser portada de un reportaje en el "Daily Vogue" y muestra a Asma Al Assad posando, como si de una modelo se tratase. Poco después Vogue retiró la publicación.

Las críticas las recibió principalmente por compañeros de profesión que entendieron que estas fotos tenían un corte ideológico y propagandístico claro y que son fruto de una abultada cantidad de dinero, 25.00 dólares por el reportaje.

Pese a la polémica y a las bastante argumentadas críticas hacia este reportaje, hay que reconocer que Nachtwey en lo que sabe hacer, fotografía de conflictos, es un maestro. Su compromiso por la fotografía y su pasión por su trabajo en los conflictos armados no está en cuestión. El siguiente es un pequeño extracto de lo que se ha venido a llamar el "Credo de Nachtwey" que dio en una conferencia en el TED

¿Por qué fotógrafo de guerra?

Siempre ha habido guerra. La guerra azota el mundo en este mismo momento. Y hay pocas razones para pensar que la guerra dejará de existir en el futuro. Mientras el hombre se ha hecho cada vez más civilizado, sus formas de destruir a sus congéneres se han hecho cada vez más eficientes, crueles y devastadoras.

¿Es posible poner fin a un comportamiento humano que se ha mantenido a lo largo de la historia por medio de la fotografía? Las proporciones de esa noción parecen ridículamente desequilibradas. Sin embargo, esa es precisamente la idea que me ha motivado.

Página oficial | James Nachtwey

Hay dichos que aunque pasen los años se mantienen en la sociedad. Momento tras momento, año tras año. Las personas que nos dedicamos a la fotografía, y al arte en cualquiera de sus vertientes, siempre han tenido que soportar, al menos alguna vez en su vida, frases como las que nos propone Elio González en este vídeo "Muertos de Hambre".

El vídeo en pocos días ha conseguido ser viral en muchas redes sociales, y no hay duda que es entendible el porqué. Estamos en una sociedad en el que hay cosas que no se valoran por parecer invisibles, por creer que se dan por sabidos o que sin ellas todo seguiría igual.

Los artistas (también reconozco que esta palabra con los años ha podido perder validez, pero igual que otras tantas profesiones), siempre han tenido que vivir con el lastre de que la sociedad crea que son prescindibles; que la cultura no es más que un hobbie, algo con lo que pasar el rato... y aunque así fuera, hay que pensar que todas las personas son lo que son y consiguen lo que consiguen gracias a su total.

Os dejo con el vídeo que, como digo, no es exclusivo de la fotografía, pero si nos mete dentro de ella. Muchos hemos vivido este capitulo o lo seguimos viviendo... y es que parece ser que nunca dejaremos de ser Muertos de Hambre; aunque esto pudiera cambiarse con sólo vivir con la mente más abierta al mundo.

YouTube | Elio González

Tony Northrup, autor de How to Create Stunning Digital Photography - uno de los libros más vendidos en cuanto a fotografía se refiere durante el curso 2012-2013, afirma que algunos fabricantes no son sinceros en las especificaciones. Aunque la crítica literal si os fijáis sería: "ISO, Apertura & Longitud Focal: Porqué apestan y qué hacer para vivir con ellos".

Aunque el vídeo es largo, unos 37 minutos, merece la pena ponerse los auriculares y asistir a la clase con tranquilidad pues en gran detalle acerca de cómo Northrup cree que los fabricantes de cámaras falseando algunos datos en las especificaciones.

Por ejemplo, afirma que los datos de ISO, distancia focal y apertura del diafragma son falsas tal como son presentados junto con otros datos como el tamaño del sensor. De todas formas algo que ya se sospechaba en algunos casos y que fácilmente deducimos cuando vemos la ISO 800 en una réflex y vemos la misma ISO en una compacta. Pero el vídeo, va mucho más allá de esas observaciones que todos podemos tener basados en nuestra experiencia.

Sin entrar en más detalles, ya que para ello está el vídeo, merece la pensa mencionar que las marcas señaladas por Tony Northrup son Panasonic, Sony, Olympus y Fuji principalmente y que aquellos que cumplen más son Canon, Nikon y Sigma. Seguro que cada uno tenéis vuestro opinión ¿verdad?

Vía | ISO1200

Cuando vamos de viaje tendemos a comprar souvenirs que muestren nuestra estancia en ese determinado lugar, terminando con la bolsa llena de recuerdos inservibles, incluso algunos tienden a lo grotesco, en definitiva recuerdos un tanto kitsch que parecen una absurda broma de mal gusto. También tenemos la costumbre de fotografiar todo lo que vemos, convirtiéndonos de esta manera en coleccionistas de recuerdos. Estas costumbres tan características de los turistas ha sido objeto de crítica por parte de Martin Parr, que expone su visión directa e irónica del turismo en el CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona) hasta el 21 de octubre.

A través de la muestra ‘Martin Parr, fotografía y coleccionismo’ el fotógrafo de la agencia Magnum nos da a conocer, mediante su propia experiencia turística, una colección de imágenes que reflejan el universo del turista y la particular visión que él tiene de esta interesante costumbre.

Cabe decir que en la exposición además de poder ver la obra de Martin Parr como coleccionista masivo de recuerdos también podremos deleitarnos con la gran colección de Juanjo Fuentes. Una peculiar muestra que refleja el acto sistemático de comprar, ya sean souvenirs o obras de arte. Así, en Martin Parr, fotografía y coleccionismo descubriremos tanto la obra fotográfica de Parr (autorretratos kitsch, fotografías de la casa de Fuentes o su trabajo fotográfico ex novo sobre Barcelona y el turismo) como la extraña colección de Juanjo Fuentes tal como la encontraríamos expuesta en su propia casa Malagueña (obras de Joan Brossa o Rogelio López Cuenca mezcladas con figuras de vírgenes inmaculadas y gatos dorados).

Una interesante exposición que os recomiendo si estáis por Barcelona, ya que nos hace recapacitar sobre el acto de fotografiar a diestro y siniestro sin mirar ni pensar en lo que fotografiamos, sólo por el placer de tener las imágenes, de capturar nuestras propias experiencias y poderlas observar al pasar de los días. Una suerte de coleccionismo que ha ido aumentando con el nacimiento de las cámaras digitales.

En Xataka Foto | Martin Parr y los clichés fotográficos | Martin Parr y el Photobook

Vía | CCCB
Vídeo | Martin Parr: Coleccionismo, turismo e identidad

Recientemente debatimos en Xataka Foto sobre la ética del uso de las fotografías en la actualidad, y ya apuntábamos algunos ejemplos de lo fácil que es demostrar que todos hacemos las mismas fotos. Siguiendo con esto, podríamos hacer otra reflexión sobre el medio fotográfico centrándonos en los temas.

¿Es indispensable ser “originales” para hacer una fotografía interesante y que aporte algo?

Yo creo que no, que simplemente debe ser útil en algún sentido, pero seguramente si le preguntásemos lo mismo a los que llevan toda la vida en esto nos darían una respuesta diferente. Puede que porque ellos entienden realmente de qué va esto del medio fotográfico, o puede que simplemente estén hastiados de ver fotografías y de que sus usos sean siempre los mismos.

Y si es que sí, ¿cómo se puede ser original hoy en día en fotografía?

A esto da o intenta dar respuesta la revista Source, a través de un artículo publicado en su último número de invierno, en el que retransmiten la pregunta a expertos del medio y obtienen tantas respuestas diferentes como encuestados.

Yo lo tengo claro, y es que todo aburre antes o después, en todas las disciplinas y a todos los niveles. Y si no que se lo digan a Martin Parr, quien al parecer ha hecho una interesante reflexión sobre esto al recibir la citada pregunta, apuntando todo lo que no hay que hacer y que, según él, deberemos evitar a toda costa si pretendemos tener una pizca de originalidad en nuestro proceso de creación fotográfica.

Estos son los quince clichés que el bueno de Martin asegura que están en el lado opuesto de la originalidad, y digo yo que algo de razón tendrá cuando lleva tantos años viendo fotografías:

1. La foto hecha desde arriba a una multitud.

2. La farola torcida.

3. El diario personal.

4. La mirada nostálgica de lugares/personas que van a desaparecer.

5. El escenario peculiar y de fuerte carga visual (circos, etc.).

6. La calle.

7. La foto en blanco y negro con mucho grano.

8. Los nuevos ricos.

9. Fotos “poéticas”.

10. La tipología moderna (catálogos de la vida urbana actual).

11. El melodrama escenificado.

12. El retrato formal.

13. El paisaje panorámico.

14. Las imágenes con fuerte manipulación digital.

15. Ruinas.

La verdad es que yo no sé si tiene razón o no, pero lo que sí sé es que hoy en día, con la cantidad de cámaras y gente con cámaras que está haciendo fotos, si queremos destacar la mejor forma es rompiendo moldes y pensando “out of the box”.

Esto no significa necesariamente hacer fotos a todos tus primos, amigos y conocidos con un besugo en la cabeza y/o un zapato en la boca (algo que en mi opinión también es cada vez más habitual, hacer cosas raras porque sí), que eso ya lo hizo Ouka Leele hace muchos años con sus pulpos de Peluquería. Pero sí que creo necesario que reflexionemos sobre el propio medio y la manera en que utilizamos la fotografía, qué fotos hacemos, por qué y para qué, pues de otro modo lo único que haremos será contribuir a engrosar ese “exceso de imágenes” que sufrimos en la actualidad.

Vía | Cuatrocientos
Fotos | Martin Parr

Llevamos más de un mes sin duelos y los xatakafoteros residentes ya empiezan a estar demasiado tranquilos. Incluso diría que confiados. Y la verdad es que no es plan de dormirse en los laureles.

Nos debemos a nuestro público. A vosotros, que estáis en las gradas sedientos, cuando menos, de un poco de acción.

Así que aquí va mi reto para el Sr Belchi. Se trata de una foto de un paisano mío, una instantánea tomada en la ferrolana Praia das Fontes en Cobas (Ferrol, A Coruña) por el fotoperiodista gallego Jorge Meis.

Crítica 1: David Cabezón Podríamos abordar esta imagen por muchos flancos, quizás por eso me llamó la atención. Vayamos por partes: * La composición es perfectamente académica, muy eficaz. El tercio superior para el cielo, los dos más bajos para el suelo. El horizonte perfectamente recto (muy importante cuando fotografiamos el mar). * El movimiento del agua captado mientras la ola se retiraba nos indica varias cosas, aunque no podamos afirmar casi ninguna con rotundidad: la foto se tomó sobre un trípode, puesto que se trata de una exposición larga. Es probable que, si era de día, se empleasen filtros de densidad neutra (ND) para no quemar la foto. Quizás había poca luz, con lo que se pudo conseguir la exposición larga sobre el trípode sin quemar nada. * La nitidez de todos los términos de la foto nos llevan a pensar de nuevo en una exposición larga, acompañada de una apertura muy pequeña del diafragma para maximizar la profundidad de campo. Una técnica muy empleada cuando se trata de paisajes, que aquí da fenomenales resultados al tener frente a la cámara un elemento como el mar, en constante movimiento. * El blanco y negro conseguido, con unos negros muy negros y unos blancos muy blancos, añade dramatismo a la escena. Además ayuda a enfatizar el volumen de las nubes, otro de los elementos que contribuyen a crear la atmósfera de esta foto. * Por último, el marco, discreto y elegante, ayuda a poner en valor una foto de por sí estupenda, lejos de molestar.

Crítica 2: Israel Belchi

Pues poca cosa podré añadir a los comentarios ya hechos a la fotografía, y es que hay que reconocer que el Sr Cabezón tiene un excelente paladar en lo que a fotografía (de paisaje) se refiere. No estaría mal que de vez en cuando eligiera alguna foto de menos calidad para que pudiera discrepar enérgicamente de sus apreciaciones. Pero algo sí que puedo señalar:

• La composición es un tanto clásica y perfectamente resuleta. Como comenta David, perfecta ubicación del horizonte. Pero lo que me llama la atención es que el autor no haya situado ninguna de las rocas en alguna intersección de las líneas que dividen las fotos en los famosos tercios. Académicamente debería ser así, pero a la roca (casi) central no le hace falta. Ya nos llama poderosamente la atención.
• La combinación de dos decisiones de Jorge Meis es lo que le da a la fotografía la magia. Me explico: por un lado el blanco y negro, muy contrastado y perfecto con esas nubes amenazadoras, le dan un dramatismo enorme a la fotografía. Por otra parte, el efecto de movimiento conseguido con el agua le da el toque de fantasía al paisaje. Esta es mi ecuación: dramatismo + fantasía = magia. Fácil, ¿no?
• La distribución de elementos claros y oscuros de la foto también juegan un papel importante en la composición. Fíjate en los tonos de gris de la foto. De abajo a arriba, casi sin mezclar como en un café irlandés, oscuro, claro, oscuro y claro (sin tener en cuenta las rocas). Me explico mejor con este pequeño esquema:

• Desde mi más absoluta humildad, ya que no consigo tomar fotos ni la mitad de bonitas que Jorge Meis, yo propondría un corte vertical de la fotografía con la misma ubicación del horizonte y con la roca central como única protagonista y situada en el centro respecto al eje horizontal.

David, no te escondas, ¡que la semana que viene te reto yo a ti!

Foto | Praia das Fontes Cortesía de su autor, Jorge Meis