La fotografía es un arte que requiere mucha práctica en el proceso de crear un estilo personal. Sin embargo, la técnica y la teoría son herramientas que pueden ayudar a guiar ese camino de manera más clara y efectiva. Photoplus quiere ser un acompañante en ese camino y presentan Learning Lens,  un nuevo portal en el que los fotógrafos pueden tomar clases de fotografía de manera gratuita.

El portal de Learning Lens tiene la desventaja de que solo se encuentra en inglés, por lo que estará limitado a aquellos que hablan el idioma. Sin embargo, tan solo se requiere crear una cuenta que cuesta 0$. Es probable que la plataforma esté gratuitamente por una temporada, mientras aumenta su base de usuarios. Pero es una oportunidad para aprovechar, ya que muchos de los profesores de la plataforma son fotógrafos y retocadores de gran renombre como Jesús Ramirez, Paul Von Rieter y Jen Huang Bogan.

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Estas nueve razones pueden explicar que tus fotografías no sean tan buenas como esperabas

Así mismo, la lista de 162 cursos de la plataforma cubre una gran variedad de tipos de fotografía como bodas, paisaje, retratos y comida. También cuenta con temas que van desde el equipo fotográfico a estrategias de mercadeo y promoción de nuestro trabajo. Con tantas clases y el perfil de los profesores, es una oportunidad que no se debe desaprovechar.

Como reporta Peta Pixel, la plataforma también hará sesiones en vivo con grandes figuras de la industria. Estas sesiones son pensadas como pequeñas conferencias donde fotógrafos pueden explicar temas muy específicos e interactuar con la comunidad. Por ejemplo, Jesús Ramirez tiene una de estas clases en la cual explica muchos trucos y procesos de trabajar con Photoshop.

El MoMA de Nueva York, a través de una plataforma de cursos, ofrece uno de los cursos más interesantes que podemos encontrar sobre el mundo de la fotografía. No hablan de Photoshop, ni siquiera de Capture One. El curso está destinado a los que quieren investigar el papel de la fotografía en nuestra cultura cada vez más visual.

La fotografía no consiste solo en comprarse la mejor cámara que nos podemos permitir, aprender a manejarla, hacer fotos y revelarlas lo mejor posible. Esto es única y exclusivamente la parte técnica. Si realmente queremos aprender en qué consiste esto de hacer fotos necesitamos conocer la esencia y ser capaces de leer imágenes de las misma forma que intentamos comprender un texto.

Los objetivos del curso están claros:

• Desarrollar habilidades para examinar y comprender mejor las diferencias entre las fotografías y las imágenes fotográficas.
• Descubrir cómo el contexto influye en la producción, circulación y recepción de las imágenes fotográficas.
• Aprender sobre los diferentes modos de experimentación e innovación artística y tecnológica en la fotografía.
• Investigar el papel de la fotografía en nuestra cultura cada vez más visual.

Además de ser gratuito tenemos una buena noticia para muchos. El curso es en inglés, por supuesto, pero los vídeos cuentan con subtítulos en español. Así está al alcance de todo el mundo.

'Seeing Through Photographs', un curso online de 15 horas

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Nueve lugares (museos, iglesias…) y situaciones en las que tenemos que tener cuidado si queremos hacer fotos

Nos encontramos ante un curso diseñado para seis semanas, por una de las comisarias del museo Sarah Meister.Por supuesto podemos hacerlo al ritmo que podamos. Esas 15 horas se pueden hacer en un fin de semana de esos que tienen los que no son padres, por ejemplo. Aunque el ritmo marcado es muy aconsejable para poder asumir todo lo que vamos a ver y leer.

Uno de los vídeos del curso

Los capítulos son los siguientes: Introducción; Un tema, muchas perspectivas; Fotografía documental; Fotos de personas; Construyendo Narrativas e Historias Desafiantes y Océano de Imágenes: Fotografía y cultura contemporánea.

Aprenderemos a interpretar todo tipo de imágenes

En cada uno de los capítulos encontramos vídeos en los que hablan de diversos fotógrafos y textos que podemos descargar en pdf. En muchos casos la información viene de los catálogos de algunas de las exposiciones míticas que ofrecieron en el pasado en el museo, uno de los más importantes del mundo y con una de las colecciones de fotografía más legendarias.

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Los mejores consejos para trabajar sin problemas con Capture One (I)

Lo único malo es que si queremos llevarnos un certificado y conseguir absolutamente todo el material no nos queda más remedio que pagar 41€. Después de hacerlo, podemos asegurar que ese dinero seguro que está bien invertido pero si no necesitamos el título acreditativo es más que suficiente para aprender a mirar la fotografía.

Los cursos de fotografía suelen estar centrados en aspectos técnicos: aprender un programa, saber revelar una vía láctea sin que se parezca a la realidad, aprender los pasos básicos para hacer una fotografía... pero muchos se olvidan de lo importante que es pensar fotográficamente. Por este motivo no dudamos es destacar 'El auge de la fotografía', el próximo curso de Otoño de la Fundación de Amigos del Museo Reina Sofía.

No todo es disparar y dominar el ordenador. Es lo más rápido y satisfactorio. Si vas a un curso de fin de semana pocas cosas podrás aprender más allá de dar al disparador y listo. La fotografía en estos casos es muy gratificante y exige mucho trabajo posterior. Pero no te deja avanzar. La técnica es imprescindible pero no deja de ser una receta para hacer una buena imagen. No deberíamos quedarnos ahí.

Si quieres avanzar más en este mundo tienes que pensar, aprender a pensar en fotografía. Puede que no nos interese y que solo queramos lograr esa nocturna que no nos deja dormir. Pero muchos fotógrafos necesitan ir más allá de los pasos imprescindibles para lograr el mejor archivo. Quieren saber qué disparo necesitan hacer.

Para estos fotógrafos, para los que no quieren limitarse a la técnica, esta dirigido el curso de la Fundación de Amigos del Museo Reina Sofía, 'El auge de la fotografía' de Estrella de Diego, catedrática de Historia del Arte y Académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

'El auge de la fotografía'

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Tres formas de trabajar con Capture One y Adobe Photoshop a la vez

Estamos ante un curso con 10 miradas que empieza el próximo 8 de octubre y termina el 26 de noviembre de 2020. 8 conferencias en el propio museo y dos emitidas vía internet desde Nueva York. Por supuesto, y dado los tiempos que corren, se podrá seguir de forma presencial -con todas las medidas sanitarias- y virtualmente.

Los ponentes recorren todo el espectro cultural de la fotografía: desde los propios fotógrafos hasta historiadores, escritores, comisarios...

Joan Fontcuberta, Horacio Fernández, Alicia Fuentes, Manuel Gutiérrez Estévez, Jordana Mendelson, Antonio Muñoz Molina, Rosa Olivares, Edward Sullivan, Remedios Zafra y Estrella de Diego guiarán durante dos meses a través del extenso mundo de la fotografía desde su descubrimiento, su impacto en la política, en el arte, en la transformación de los museos hasta su desarrollo como relectura de la visualidad y como herramienta hegemónica en las redes sociales.

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Cómo hacer clonaciones en perspectiva con el filtro Punto de fuga de Adobe Photoshop

Para inscribirse hay que ir a la página de la Fundación Amigos del Museo Reina Sofía y reservar la plaza para el curso. Cuesta 95€ para los socios y para el resto del público 150€. Una buena oportunidad para intentar descubrir de una vez por toda en qué consiste realmente eso de hacer una foto.

Seguro que has oído nombrarla en muchas ocasiones pero quizá no tengas muy claro qué es a pesar de ser un concepto básico de técnica fotográfica, fundamental para hacer buenas fotos en modo manual. De hecho la Ley de Reciprocidad está directamente relacionada con el triángulo de exposición y de los pasos de luz, conceptos que tenemos que asimilar para entenderla.

Por eso os recomendamos encarecidamente repasar ambos artículos para entender la Ley de la Reciprocidad, aunque por supuesto vamos a repasarlos. La cuestión es que para hacer una foto es necesario exponer a la luz el sensor (o carrete) de nuestra cámara. Esta exposición tiene que realizarse de una forma determinada, dependiendo de la situación concreta, que se determina a través de tres parámetros básicos que determinan cómo de grande es la abertura por la que entra la luz, cuánto tiempo ocurre esto, y cómo de sensible a la luz es nuestro sensor (o película).

Hablamos, claro está, de la apertura de diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO. Parámetros que, en una toma determinada y de acuerdo a las circunstancias y la luz reinante, será necesario ajustar eligiendo una combinación de valores de los tres. Sin embargo, esta combinación es muy flexible así que tenemos la posibilidad de variarlos de una forma bastante libre gracias a una estrecha relación entre ellos.

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Los seis errores más comunes que pueden cometer los fotógrafos que empiezan a disparar en modo manual

Es por esa relación entre ellos a la hora de hacer una foto por la que suelen representarse como un triángulo. Esta figura geométrica hace referencia a que si cambiamos uno de los valores afectará al resto. Y ahí entra en juego la Ley de la Reciprocidad que dice que si modificamos un valor tenemos que compensarlo de forma proporcional variando uno, o los dos, parámetros restantes.

Normalmente estos cambios se realizan en pasos de luz (f-stops o paradas) que es una medida que se emplea en fotografía para establecer la relación entre los componentes del triángulo. Así, cada vez que hablamos de bajar (o subir) un paso de luz nos estamos refiriendo a permitir que llegue la mitad (o el doble de luz) al sensor. Esta “unidad de medida” se estableció para unificar los tres parámetros y permite no liarnos con los distintos valores numéricos que se usan para designar el diafragma, la velocidad y el ISO.

Gracias a ello, es fácil entender que al variar un parámetro, por ejemplo subiendo la velocidad un paso de luz, hay que compensar ese paso (siempre hablando de obtener la exposición correcta) bajándolo en otro parámetro. Esto se puede hacer en cualquiera de los otros dos, que en este ejemplo serían diafragma o ISO, o en ambos al tiempo. En ese caso se trataría de dividir la compensación en cada apartado con medios pasos o tercios de paso (porque los pasos se pueden dividir) hasta sumar uno.

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Cómo conseguir la máxima nitidez en fotografía de larga exposición

En la práctica

Sabemos que la teoría puede ser algo liosa para los menos duchos, pero a la hora de aplicarlo es bastante más sencillo de lo que puede parecer. Entre otras cosas porque contamos con el exposímetro de la cámara que nos irá guiando en el proceso y nos lo mostrará de forma muy gráfica.

Como sabréis, este gráfico muestra los valores de exposición desde valores negativos (subexposición) hasta positivos (sobreexposición), con un cero en el centro que representa la exposición correcta. Cada uno de las rayitas más gruesas, que van acompañadas de un número, representa un paso de luz y las intermedias sus fracciones porque, como ya hemos dicho, los pasos no tienen porqué ser completos.

De hecho, a la hora de exponer hay que tener en cuenta esto y también que muchas cámaras pueden variar la exposición por pasos completos, por medios o incluso por tercios. Es decir, que cada vez que accionemos la rueda (o botón) correspondiente para modificar uno de los tres parámetros básicos, el cambio hará que estemos subiendo o bajando un paso de luz o bien una fracción. En principio os recomendaríamos ajustarla, si es posible, para trabajar con pasos completos a fin de evitar equivocaciones, pero lo más importante es saber cómo estamos variando los pasos.

El caso es que, cuando modifiquemos un valor de diafragma, velocidad o ISO, esta rayita se moverá hacia derecha o izquierda para indicarnos el aumento o disminución de la luz. Así, será momento de variar alguno de los otros parámetros para que el indicador vuelva al centro. Hablamos, eso sí, de exponer en manual, porque si estamos en modo automático o semiautomático la propia cámara se encargará de que la indicación esté en el punto medio (salvo que lo modifiquemos con la compensación de exposición).

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Modos de medición de la luz: Qué son y cómo utilizarlos adecuadamente

Un ejemplo gráfico

De todos modos, hemos pensado también mostrarlo a través de un ejemplo para que lo veáis aún más claro. La foto que habéis visto en portada se hizo con una exposición de 1/320 segundos a ƒ4 y 1.600 ISO. Pues bien, de acuerdo a lo que vinimos diciendo, eso no significa que esos sean los únicos valores que podemos usar.

Así por ejemplo, podríamos haber empleado una exposición de 1/640 seg, ƒ2.8 y 1.600 ISO o una de 1/160 segundos a ƒ4 y 800 ISO (siempre que cámara y lentes lo permitan) y el resultado hubiese sido el mismo en términos de luminosidad. Hay que recalcar esto porque, como muchos ya sabréis, esta variación de los parámetros sí tiene otras consecuencias en la foto. Básicamente, usar una velocidad diferente afecta a cómo reproducimos el movimiento, abrir más o menos el diafragma determina la profundidad de campo, y elegir un ISO u otro implica que pueda haber ruido en la imagen final.

En este caso no notaríamos muchos cambios en este sentido ya que la variación de un único paso es poca, pero si fuese mayor o en otras circunstancias (escenas con movimiento, distintos planos de imagen…) sí que se notaría bastante. En cualquier caso, nos tiene que quedar claro que podemos conseguir una misma exposición utilizado valores distintos. Y eso se logra aplicando la Ley de Reciprocidad, de manera que compensamos la variación en uno de los parámetros de manera proporcional con alguno de los otros.

Claro que también podríamos haber variado uno de los parámetros sin tocar el resto, el resultado hubiera sido una imagen subexpuesta o sobreexpuesta en el número de pasos que hayamos modificado el valor, quedando la cosa como en la imagen que tenéis arriba suponiendo que nos hubiésemos movido en el entorno de dos pasos arriba/abajo.

Como siempre esperamos que haya quedado suficientemente claro qué es la Ley de la Reciprocidad y cómo se aplica en las fotografías, pero si no es así, no dudéis en hacérnosolo saber a través de los comentarios.

Llega septiembre y por lo tanto los colegios, universidades y escuelas empiezan a abrir sus puertas para repartir conocimientos. Y en lo que respecta a la fotografía no debemos olvidar nunca una cosa. Todos, absolutamente todos los fotógrafos, somos y seremos alumnos. Nunca dejaremos de aprender. Por lo tanto vamos a buscar cómo debería ser el alumno perfecto de fotografía.

Llevo más de 20 años detrás de una cámara. Siempre la he utilizado como escudo protector. Es mi armadura contra la timidez y la mejor forma que he encontrado para expresarme en el mundo. He aprendido desde que era niño. Mi gran escuela fue la adolescencia con Vicente López Tofiño. En la edad adulta tuve otro periodo importante de aprendizaje por motivos que no vienen al caso. Hoy en día sigo asistiendo a talleres y demás para no dejar nunca de evolucionar.

Y tengo que reconocer que no he sido siempre un buen alumno. De hecho algunos de mis maestros, que ahora son amigos, me han confesado que era de todo menos bueno. Con el paso de los años he cambiado y creo saber qué es lo que busca un profesor de fotografía cuando quiere enseñar su experiencia. El alumno tiene que querer aprender (parece obvio pero mucha gente lo duda).

El buen alumno de fotografía

Ahora que también soy profesor he conocido alumnos de toda clase y condición. Y tengo algo muy claro: la edad da absolutamente igual. He enseñado a jóvenes con sangre de horchata y gente de 80 años capaces de aguantarme cuatro horas cada semana. La edad no es importante en absoluto.

Una buena alumna

Tenemos que ser conscientes como alumnos de nuestros conocimientos. Muchas veces los alumnos se apuntan a talleres con un nivel excesivo para ellos. Y en vez de reconocer su error, se enfadan con el profesor y ponen caras largas durante las clases. Esto es poco menos que una pesadilla para el docente. Sería perfecto conocer el temario antes de apuntarse y ver si realmente lo dominamos o no. Más duro es para el alumno cuando el curso está por debajo de sus conocimientos. Por eso hay que informarse bien antes de apuntarse.

El buen alumno es una esponja. Hay que pegarse literalmente al profesor para sacarle hasta la última gota que quiera ofrecer. Es algo que agradecen. Ver a alguien con entusiasmo, con ganas de preguntar y experimentar y olvidándose durante una hora o dos, o tres, del teléfono móvil. Si el fotógrafo que está enseñando ve interés por parte del que está aprendiendo todo será más fluido.

No existen en fotografía los caminos rectos

El buen alumno nunca debe ser un vago redomado. Alguien al que nunca se le olvide hacer los ejercicios que le ha pedido el profesor. En fotografía es fundamental la práctica. He conocido gente que no trabaja, que va a una escuela privada porque se la han pagado sus padres para que haga algo y nunca han entregado un ejercicio. Eso sí, son modernos y presumen de saberlo todo.

Esa actitud no sirve. Si te mandan un trabajo de práctica y realmente quieres aprender, lo suyo es hacer dos. Y decírselo al profesor por si tiene tiempo de mirarlo. Eso sí, tampoco hay que pasarse llevando una manzana todos los días a su mesa. En ningún momento estoy hablando de ser un pelota, como se decía antes.

No sabes a dónde te va a llevar

El buen alumno de fotografía no se contentará solo con lo que aprende en clase. Nunca entenderé a los que solo leen lo que les mandan en el colegio o en la universidad. De todo podemos sacar provecho. Si nos recomiendan un libro o un autor nosotros lo entenderemos como una obligación. Es así de sencillo. Nunca será un camino fácil.

Cuando eres alumno de fotografía vives, a mitad del curso, una crisis. De repente te das cuenta de que no sabes nada. Y tienes miedo a coger la cámara. Es por toda la información que estás recibiendo. Es una sensación normal pero no debemos dejar que nos domine. La mejor receta es el trabajo incansable.

Porque ser fotógrafo cuesta. Y hay que luchar día tras día, disparo tras disparo. Solo así sacaremos provecho al curso al que nos hemos apuntado. Y sobre todo muchos se darán cuenta de que la fotografía no es conseguir likes. Es una forma de vida. Y si no es nuestra fuente de ingresos, una de las aficiones más exigentes que se conocen. Nunca será solo darle a un botón.

En Xataka Foto| ¿Cuál es el mejor método para estudiar fotografía?

Con este artículo ya llevamos cinco dedicados a este curso de introducción. Hoy llegamos a la esencia del Capture One, que no es otra que revelar nuestros archivos RAW para sacarles todo su potencial. Lo que vamos a ver hoy es lo que ha hecho que este programa se convierta en una de las alternativas más serias de Adobe. Su calidad de revelado tiene cada vez más seguidores. Solo hay que saber cómo trabajar con todas sus herramientas.

Si entramos en el mundo de Capture One no tenemos por qué abandonar el universo Adobe. Siempre he creído que son totalmente complementarios. Y que si enviamos a Photoshop el mejor archivo posible todo nos irá mucho mejor. En el artículo anterior vimos cómo podemos organizar una sesión de trabajo, mucho más interesante que hacer un catálogo propio. Así que solo nos queda elegir una fotografía y empezar a revelar.

Para que todo vaya sobre ruedas voy a explicar el revelado siguiendo mi flujo de trabajo de diez pasos. Así conseguiremos ajustar el rango dinámico de nuestras fotografías basándose en las máximas de Ansel Adams que decía que una buena copia es aquella que tiene un blanco y un negro entre una gama amplia de luminosidades.

La fotografía original

Lo primero es ver la fotografía. el paso más importante de todos y que continuamente se olvida cuando explican flujos de trabajo. Es algo que siempre hay que hacer. No tiene sentido hacer nada si no tienes claro lo que quieres conseguir. Es independiente del programa que estemos usando, así que en este caso solo recomiendo ver la fotografía completa en la interfaz de Capture One para poder decidir.

Entender el histograma

Como ahora queremos revelar una fotografía siempre me gusta dejar la menor información posible a la vista. Así que con Ver>Ocultar explorador (Ctrl+B) oculto las demás imágenes y me quedo con la que estoy trabajando y las paletas y herramientas de revelado. Así puedo juzgar y estudiar con más detenimiento el histograma de la fotografía en cuestión.

No es exactamente igual que el que podemos ver en Adobe Camera RAW, pero es muy parecido. Son dos formas distintas de leer un mismo documento. Además varía la gestión del color en uno y otro programa. En este caso, como ya vimos en la tercera parte de la serie, tenemos que ir a la pestaña Color y elegir en Perfil ICC el de nuestra cámara. En Adobe trabajamos siempre en principio con uno más genérico como Adobe RGB (1998).

En este caso vemos que el histograma llega hasta el extremo derecho, luego tendremos el menor ruido posible. Todo el histograma está completo y hay un predominio de los tonos más oscuros. Tampoco se observan dominantes fuertes de color. Y eso sí, si queremos un control absoluto interesa poner en Curva>respuesta lineal. La fotografía estará plana, pero podremos hacer más cosas con ella.

Corregir los problemas ópticos del objetivo

Vamos a la pestaña Lentes y en Perfil buscamos el del objetivo utilizado. Y lo que pasa siempre, si no está, no podemos hacer nada, nada más que elegir Generic o Generic pincushion distortion, según sea la distorsión de barril o cojín, respectivamente. Marcaremos Aberración cromática y Corrección de difracción para mejorar el archivo.

Existe la opción de crear nuestro propio perfil de lente con LCC, pero si no tenemos una carta correcta de calibración no recomiendo utilizarlo. Es mejor trastear con los ajustes manuales de Distorsión, Disminución de nitidez y Disminución de luz.

El panel Lente

Dentro de este apartado podemos eliminar las manchas de polvo del sensor con la herramienta Borrar mota, pero no tenemos ese ajuste de nivel de umbral tan cómodo que tenemos en otros programas para saber dónde se esconden.

Reencuadrar la fotografía

En este caso tenemos la herramienta Recorte o dentro de la pestaña Corrección de lente la opción Recorte donde podemos elegir la proporción en Relación o el Tamaño final.

En la fotografía de ejemplo no quiero recortar así que dejaré todo tal cual. No hace falta utilizar la herramienta manual Enderezar ni Perspectiva lineal. Estamos ante un paisaje tomado con trípode. Lo que sí he notado es que no hay muchos ajustes automáticos que facilitan el revelado en estos menesteres.

Neutralizar las dominantes de color

Es el momento de elegir la temperatura de color, de ver cuál queda mejor o cuál se acerca más a la realidad. En Capture One se sienten más cómodos si trabajamos con una carta de color, pero siempre podemos jugar con los ajustes automáticos.

En la pestaña Color, en Balance de blanco pinchamos en Gris y en Modo elegimos el más cercano a nuestras necesidades. Podría utilizar Modo>Sombra pero me decido por la herramienta Seleccionar Balance de blanco y pinchar en las nubes. Así consigo reforzar aquel atardecer que vi.

Ajustar la luminosidad de la fotografía

En la pestaña Exposición tenemos distintas opciones para modificar la luminosidad de la fotografía. El parámetro de Exposición es algo que personalmente no toco si toda la imagen no está muy subexpuesta o sobreexpuesta. Solo lo toco si a la hora de disparar he manipulado la compensación de exposición. En este caso, como puedo ver en la pestaña Metadatos veo que puse un valor de -0,3.

Así que voy a Exposición>Exposición y pongo 0,33. He compensado la compensación, como suelo decir en mis talleres. Así se consigue restablecer la luz que había en el momento del disparo.

Contraste

Personalmente me gusta subir el contraste para aumentar la fuerza de la fotografía y conseguir una mejor representación de los colores. De nuevo en la pestaña Exposición podemos controlarlo con el parámetro Contraste o acudir a Curva y pinchar en el icono Ajustes para buscar una curva de contraste medio. En este caso podemos utilizar Contrast RGB. O incluso atrevernos a hacer una propia.

Pienso que es más sutil utilizar esta última opción pero cada uno tiene que elegir qué es lo que más le interesa... incluso hay gente que no quiere oír hablar del contraste en este momento... sus motivos tendrán.

Ajustar el lado derecho del histograma

En el lado derecho tenemos las luces de la fotografía. Para trabajar con ellas, sin afectar a las sombras de la fotografía tengo dos opciones. En primer lugar en el panel Exposición>Alto rango dinámico>Altas luces. Aquí tengo la posibilidad de sacar más información de las luces para, en este ejemplo, dar textura a las nubes y profundizar en esos colores del atardecer.

La fotografía casi terminada

Otra opción es trabajar con Curva, pero en este caso con la famosa Luma, que no es otra cosa que una curva que permite hacer los ajustes que necesitemos sin preocuparnos por el exceso de saturación que provocan las curvas normales. No es tan fácil como un deslizador pero no podemos olvidar que estamos con un programa eminentemente profesional.

Arreglar la zona izquierda del histograma

Ahora es el momento de las sombras, del lado oscuro. No cambiamos de pestaña. Seguimos en Exposición. Y solo tenemos que cambiar de posición. En esta ocasión podemos ir a Alto Rango dinámico y tocar Sombra para subir los valores. Con mucho cuidado para evitar un efecto HDR.

Y también podemos acudir a la curva Luma (curva de luminosidad) y ajustarla según las necesidades de la fotografía. No es fácil si nunca hemos manejado las curvas, pero con un poco de calma se consiguen grandes resultados.

Aumento de la acutancia

Este es el último de los diez pasos de mi flujo de trabajo. En Capture One también se puede aplicar, como estáis viendo. Y sin salir casi de la pestaña Exposición.

En este caso tenemos que ir a Claridad. Podemos elegir el método: Natural, Intensidad, Neutro o Modo clásico. Y jugar con Claridad o Estructura. El primero sirve para eliminar esa sensación de neblina. Y el segundo tiene el mismo efecto que Claridad en los programas de Adobe. Y desde luego el método Natural queda estupendo en imágenes de paisaje.

La imagen final

La fotografía estaría ya terminada de revelar. Por supuesto podemos hacer más cosas, que veremos en el siguiente artículo. Estos son los pasos básicos para interpretar correctamente una fotografía. Y Capture One no dejará de sorprendernos.

En Xataka Foto| Primeros pasos con Capture One, un editor de fotografía profesional (IV)

Habitualmente decimos y escuchamos que el arte y la fotografía nos permiten expresarnos, pero a veces, de tanto repetirlo o escucharlo se pierde el verdadero significado. Hablamos de ello con una psicóloga que utiliza la fotografía como medio de crecimiento personal.

Carolina García es una psicóloga experta en la aplicación de programas grupales de afrontamiento de estrés laboral, habilidades sociales, manejo de emociones y que investiga sobre el desarrollo del crecimiento personal a través de la fotografía.

¿En qué consiste el crecimiento personal?

Las personas tenemos un potencial muy amplio de desarrollo. No somos conscientes de hasta donde somos capaces de desarrollar nuestras habilidades.

El crecimiento personal es el resultado de un proceso que se mantiene en el tiempo y que permite a la persona conocer más sus habilidades.

¿Cómo puede la fotografía ayudar a ello?

Generalmente el vehículo que usamos para comunicarnos y relacionarnos con los demás es, por excelencia, la palabra. Desde mi punto de vista esto a menudo es insuficiente para mirarnos en nuestro interior.

La fotografía, entendida como un modo de expresión artística, nos va a permitir, casi sin darnos cuenta, sacar ese mundo interior, nuestros intereses, valores, necesidades o creencias sobre uno mismo y el mundo.

Es el vehículo que usaremos para descubrirnos, ten en cuenta que te obliga a expresarte de otro modo: sin palabras, sin gestos.

Chema Sanmoran y Carolina García. Foto: Daniel Rodrigo

¿Va dirigido sólo a fotógrafos?

En absoluto, la fotografía es solo el vehículo para expresarnos.

Va dirigido a aquellas personas que deciden hacer algo de forma activa para conocerse mejor. No es necesario tener muchos conocimiento formales de fotografía.

Pero ¿se enseña técnica fotográfica que ayude en el proceso?

Sí, de manera complementaria un fotógrafo asesora y da indicaciones que permitan ese medio de expresión.

¿Estaríamos hablando de terapia?

No. Cuando hay un sufrimiento la persona acude a psicoterapia para averiguar cual es el obstáculo que no le permite tener un nivel de funcionamiento adecuado en una o varias áreas de su vida.

Lo que sí es probable es que se de el proceso inverso y que, a través del crecimiento personal, la persona descubra aspectos de si mismo que valora como una dificultad.

¿Es un trabajo individual o en grupo?

Es un trabajo personal e individual. Todos somos únicos e irrepetibles. Pero la metodología que utilizamos es grupal.

Por mi formación y experiencia en psicodrama valoro que la experiencia en grupo devuelve a la persona una visión más completa de si misma, simplemente por la interacción con los otros.

Se trata de experimentar los estilos de comunicación que reproducimos en nuestro día a día, con familia, pareja o amigos, en nuestro grupo de crecimiento personal.

¿Qué tipo de actividades se proponen?

Se trata de un acercamiento, de una toma de contacto. Trabajamos en formato de curso intensivo en el que incluimos formación básica de fotografía y se llevan a cabo dinámicas grupales dirigidas a que la persona tome conciencia de si quiere iniciar el proceso de crecimiento persona.

Carolina García. Foto: Daniel Rodrigo

¿Cómo se evalúan los resultados?

Es un proceso íntimo y personal que va más allá del test o de medidas de evaluación.

Como hemos dicho antes, se trata de un proceso integral, progresivo y continuo y, por lo tanto, el resultado es subjetivo.

El nivel de satisfacción con el resultado va a depender de las expectativas y las exigencias de cada uno.

Por lo tanto ¿el resultado final no es importante?

El resultado final es muy importante pero no puede evaluarse en término de "aprobado o suspenso", es la persona la que evalúa lo que le aporta no solo el curso, sino su aplicación diaria.

¿Qué lo diferencia del Coaching?

El Coaching tiene una metodología individual y la persona acude a un Coach para conseguir llegar a un fin determinado.

Son procesos con técnicas, metodología y objetivos diferentes.

Más info | Carolina García

Foto de inicio Chema Sanmoran

Marc Levoy es, probablemente, uno de los profesionales de la imagen más punteros del mundo. Trabaja como profesor en la Universidad de Stanford y, entre otros logros, es conocido participar en el desarrollo de las cámaras plenópticas como las Lytro. Ahora, es posible acceder a sus apuntes a través de 'Lectures on Digital Photography', un curso fotográfico completo del más alto nivel por uno de los mayores expertos en fotografía de los últimos años.

Levoy es profesor en la Universidad de Stanford formando parte de los departamentos de todo lo que tiene que ver con la creación de imágenes empleando un medio digital como una cámara fotográfica o un software de modelado 3D.

Con 'Lectures on Digital Photography', Levoy se aproxima a la fotografía con una perspectiva científica explicando asuntos importantísimos como la óptica, la corrección gamma o como funciona la detección de fase. El curso se encuentra seccionado en 'lecturas' que Levoy realizó en Google y que consta de un total de 18 vídeos de entre una hora y una hora y media cada uno. El programa se completa con ejercicios y problemas que debemos responder correctamente para cerciorarnos de que hemos comprendido los conceptos explicados.

Marc Levoy fue uno de los impulsores del concepto de 'cámara opensource' como una cámara modular que se amolde a las necesidad del fotógrafo ya lo hablamos en un artículo de 2009 fue planteado por el grupo de Ciencias de la computación e ingeniería eléctrica de la Universidad de Stanford.

Ahora no tenemos excusas para ampliar nuestros horizontes y conocer cómo funciona nuestra cámara con una perspectiva científica.

Los que tenemos cierta edad, no voy a decir que peinamos canas pero poco falta, recordamos con añoranza esa parte de nuestra infancia que dedicamos a descubrir los videojuegos. Los 8 bits, aunque alejados de la potencia gráfica de las consolas de hoy, eran más que suficientes aquellos años y aun hoy parecen ser válidos para según qué cosas, aprender fotografía por ejemplo.

Matthew Gore es el creador de este bonito y práctico vídeo con la entrañable estética 8 bits en el que se explican los conceptos más básicos e imprescindibles de la fotografía: la apertura, la velocidad de exposición y el valor ISO. A lo largo de los 10 minutos podremos ver no solo cómo funcionan técnicamente, sobre la cámara, sino cómo afectan los distintos valores a ejemplos reales, de manera muy ilustrativa, haciendo que el idioma no nos suponga un obstáculo insalvable. Absolutamente genial.

Vía | ISO 1200 Vídeo | Matthew Gore | Vimeo

La fotografía comprende un gran número de campos y cada uno de ellos ofrece, igualmente, un sinfín de posibilidades a la hora de abordarlos. No configuraremos la cámara de igual modo para fotografiar una puesta de sol que para fotografiar un partido de fútbol, hasta es posible que debamos usar un equipo radicalmente distinto. Tal es la diversidad que a veces es necesaria la superespecialización. En la fotografía también.

Ya sea porque te sientes especialmente cómodo con una determinada rama de la fotografía, porque controlas la mayoría de ellas y quieres mejorar una en concreto o porque, tras repasar nuestro curso de fotografía o los fabulosos especiales sobre Camera Raw y Flujo de Trabajo, quieres profundizar más en la materia, la pregunta de la semana es:

bq. ¿Sobre qué disciplina fotográfica te interesaría más recibir formación?

Mientras os pensáis la respuesta, la cual debéis dejar tras la pregunta, en la sección habitual, y nos contáis el por qué de la misma, echamos un vistazo a la pregunta de la semana pasada (¿Cuál es la mayor dificultad o problema que te has encontrado a la hora de realizar una fotografía?) para descubrir la mejor de las respuestas. El honor es para Martillodetor y su respuesta:

bq. Pues mis dificultades son varias: Ese bonito rincón, en un pueblo, una calle preciosa, una casa típica, un portal lleno de flores, pero… ¡un puñetero vehículo en medio de la escena! Es casi imposible haber dejado el vehículo allí, pero allí esta para arruinar esa bonita fotografía...

Recordad que tenéis a vuestra disposición la sección Xataka Foto Respuestas donde podéis dejar vuestras inquietudes fotográficas para que la comunidad responda.

En Xataka Foto Respuestas | ¿Sobre qué disciplina fotográfica te interesaría más recibir formación?