Nueva iniciativa la que nos llega de la mano de Olympus. En su interés por fomentar la relación marca-usuario, Olympus va a empezar a ofrecer a sus usuarios y a usuarios de otras marcas, cursos de formación de 4 horas donde poder practicar con objetivos y cuerpos del catálogo de Olympus.

Estos cursos, serán gratuitos para los clientes de Olympus que han comprado una cámara Réflex digital (E-420, E-520, E-410 y E-510) a partir del 15/05/2008, y de pago (60 euros por persona) para el resto de usuarios.

Según la propia Olympus, los cursos están principalmente destinados a:

• Principiantes que se inician en la Fotografía Réflex
• Expertos en analógica que han dado el salto al mundo digital
• Fotógrafos Creativos que quieren probar nuevas modalidades de Fotografía y distintos tipos de ópticas

Una interesante propuesta, sobre todo para los que se les ofrece gratis, ya que además, incluye un acompañante, también gratis.

Más Información | Olympus academy

Venga. Sé sincero o sincera. ¿Cuántas clases has hecho de fotografía? Me atrevo a apostar que ninguna (acertaré para la mayor parte de lectores y lectoras).

¿Eso ha sido un empedimento para que hagas muy buenas fotografías? ¿O lo será si todavía no las haces? Lo más fácil es que si eres habitual por aquí, este punto te lo hayas planteado en algún momento de tu “carrera”. Lo que vas a poder leer en esta entrada es una opinión personal sobre este tema, con una pequeña reflexión sobre algunos aspectos que me parecen de interés. Como siempre, es bienvenida vuestra participación sobre aquellos puntos que me deje en el tintero o discutir los mencionados.

Aspectos positivos del aprendizaje con internet y las “masas”

Hoy en día, especialmente gracias a internet, es muy fácil acceder a información sobre el mundo de la fotografía, lo cual incluye el fácil acceso a métodos, tutoriales, clases, ejemplos y un largo etcétera. Por eso es muy “sencillo” aprender fotografía de manera autodidacta.

Tanto es así que, sin salir de flickr, tenemos varios ejemplos bastante famosos (Rebekka o Miss Aniela). En tus manos pues, está el iniciarte en esta actividad gastando únicamente en el material de trabajo.

Algunos sitios para ello son nuestro curso (¡claro!) o foros como ojodigital, caborian o canonistas.

Pero más allá de la facilidad de acceso a la información, disponemos de la posibilidad de obtener retroalimentación masiva e inmediata de todos los rincones del planeta. El uso de los foros o servicios de publicación de fotografías nos proporciona la posibilidad de que todo el mundo pueda opinar sobre nuestras fotos, con consejos sobre como mejorarlas, puntos de vista alternativos, nuevas ideas, etcétera. Y es aquí donde se establece la ventaja decisiva en lo que se refiere a la capacidad de internet de brindarnos la posibilidad de aprender y mejorar. Si no pudiéramos recibir esta retroalimentación, estaríamos en una situación idéntica a la de disponer de una biblioteca sobre fotografía a nuestra disposición. Y nada más.

Retengamos en nuestra memoria el acceso fácil y rápido a la información por un lado y la posibilidad de recibir feedback por otro.

Aspectos negativos

Pero no todo es de color de rosa, no te quiero engañar. La facilidad de acceso a la informació y el feedback no son la panacea. ¿Porqué? Veamos:

Si podemos acceder a la información por nuestra cuenta, corremos varios riesgos. No seleccionar las fuentes más adecuadas, aprender desorganizadamente, no adaptar nuestro aprendizaje a nuestra capacidad, aprender sin sistematicidad alguna y obviar ciertas áreas de la fotografía que podrían como mínimo ser de interés para nosotros. ¿Cómo se te ha quedado el cuerpo?

Pero espera, que lo mejor está por venir. Respecto al feedback o retroalimentación podemos ser muy críticos. Seguro que esto no gusta a más de uno y de una. Sus principales inconvenientes:

• Sin utilidad. El ejemplo más claro es flickr. Miles de comentarios tipo “mola!”, “bonita foto”, “buena composición y colores!”, o mis favoritos del tipo “esta foto ha sido premiada con…”. ¡Por favor! ¡Cuanto gasto de tiempo y de bits!
• Conservadurismo. Aún si lo comentarios son realmente constructivos (gracias), el efecto de las “masas” tiende a ser conservador en lo que se refiere a la fotografía. El grueso de comentarios te empujarán a hacer fotos similares a todas las que ya existen, fotos de libro, sin riesgo. Y a pesar de que no es algo malo en sí mismo, no debes quedarte aquí si realmente quieres hacer un salto hacia delante que te distinga de los demás.

A modo de resumen, lo que quiero que se desprenda de este post, es que gracias a las herramientas de las que disponemos hoy en día tenemos más a mano que nunca el aprender por nosotros y nosotras mismos fotografía. Tanto por el acceso a la información necesaria, como la posibilidad de recibir feedback. Pero cuidado. Este feedback debe ser trabajado, seleccionado y cuidado para que sea de calidad. Si no, nos podemos quedar estancados en lo que diferencia a un (buen) fotógrafo del montón de un gran fotógrafo.

Y no quiero finalizar sin sugerencias concretas:

• Aprender por internet. Es fácil y barato.
• No olvidar los cursos. Siempre pueden aportarnos mucho más de lo que tenemos.
• No olvidar las reuniones físicas con otros aficionados. Acostumbran a proporcionan feedback mucho más rico, profundo… mejor.
• Arriesga. No tengas miedo de no hacer ningún caso a todo lo que se te ha enseñado o has aprendido.

Fotografía | flickr time de Ordinary Guy

‘El aula será el mundo y las clases se impartirán en la calle, en habitaciones de hoteles y en aviones’

¿Lo recordáis? Pues bien, Steven Frischling vuelve a hacerlo, pero esta vez en Europa. El curso durará seis días y se desarrollará pisando cinco ciudades “históricas y variadas”, en palabras del propio Frischling: Lóndres, Estocolmo, Zurich, Frankfurt y Paris.

Si quieres aprender a trabajar ‘en la carretera’, o más bien ‘al vuelo’, viendo de primera mano cómo elegir el equipo que neceistas (no el que te gustaría llevar), cómo llevarlo con tu equipaje ajustándote a todas las limitaciones de las aerolíneas y cómo sacar rendimiento del tiempo ante el ordenador estés donde estés, no deberías perdértelo.

El curso comienza en el Aeropuerto Internacional de Washington Dulles el próximo 30 de noviembre y ronda los 4.000 euros. Se celebrará si hay un mínimo de cuatro participantes y hay, en total, seis vacantes.

Por cierto, que se va a repetir el curso alrededor del mundo.

Vía | Fly With Fish

El encuadre no es otra cosa que definir qué elementos aparecerán en la imagen y cuáles vamos a descartar. El encuadre sirve para concentrar la atención del espectador en la imagen, por lo que la correcta selección del motivo es un primer y fundamental paso en el proceso fotográfico. Tenemos que pensar en el motivo a mostrar en base a las proporciones del marco de nuestro visor o nuestra pantalla LCD.


El encuadre de la imagen puede ser de las siguientes formas:

1. Horizontal. También denominado apaisado por ser el formato más habitual para capturar paisajes. Es el formato más común y se suele decir que produce sentimiento de serenidad y espacio, estabilidad y dirección. Aunque en al fotografía digital varía ligeramente la proporción con respecto a la clásica película de 35 mm, sigue siendo la forma más tentadora para componer, además de que fácil dejarse llevar por él, ya que es el formato que nos dispone la cámara en su posición horizontal. Por ello, es recomendable no abusar del mismo y probar otros encuadres hasta dar con el más idóneo al motivo.

2. Vertical. Más conocido como formato retrato, por tratarse del más adecuado para los retratos de medio cuerpo. Produce sentimiento de fuerza y enfatiza las líneas y planos verticales. También este formato confiere más poder visual a las diagonales. Es ideal para el retrato de cuerpo entero y primer plano, además de ser el más utilizado comercialmente para publicidad, revistas, portadas de libros, etc.

3. Cuadrado. Es un formato más estático y mucho más limitado. No es propio de la fotografía digital, sino que viene de las películas instantáneas Polaroid y de las películas de 6x6 para cámaras analógicas de formato medio. En digital podemos lograrlo en la edición posterior, recortando de los otros formatos, aunque el resultado final pueda ser satisfactorio tiene la desventaja de que no ha sido compuesto con el mismo rigor y parámetros. Los márgenes cuadrados son simétricos y transmiten solidez y estabilidad. En algunos campos es muy gratificante su utilización (vegetación, plantas, flores…), aunque es un formato en desuso, también debido a la dificultad que conlleva la composición.

4. Panorámico. Es un formato impactante en paisajes tanto naturales como urbanos y, a pesar de su historia y tradición, sigue resultando original. Requiere una cuidadosa selección del lugar o motivo y plantea dificultades de composición para no dejar zonas superfluas. Se trata de un formato muy de moda en la era digital, porque con los avances tecnológicos es muy sencillo crear una panorámica. Casi todas las cámaras incorporan esta función y con los programas de edición, el montaje de distintas tomas es muy sencillo.

Algunos aspectos que hay que tener en cuenta a la hora del encuadre son:

• La ubicación. La tendencia natural cuando comenzamos en la fotografía es ubicar el motivo en el centro del encuadre, que se suele denominar síndrome de “ojo de buey”. Esta composición deja dos zonas superfluas a cada lado del motivo y, aunque es atrayente, hay que intentar descentrar el motivo para liberar la composición. Es necesario separar el motivo y el fondo para lograr realzar los detalles.

• Tamaño del encuadre. Del mismo modo, hay una tendencia natural a no acercarse al motivo, a no recortarlo. Es habitual encontrar fotografías en los que todo queda tan general que no sabemos dónde mirar y es debido a que no hemos realizado una correcta composición, por lo que hay que intentar aproximarnos al motivo y llenar el encuadre para que el espectador capte rápidamente lo que queremos mostrar. En los retratos se enfatiza mucho si llenamos el encuadre y es un recurso que nos puede ayudar mucho a mejorarlos. Sólo hay que fijarse en las fotografías en prensa, donde es habitual encontrar primeros planos donde el rostro suele tener la frente cortada o no es mostrado completamente.

Conclusiones: todas estas indicaciones nos pueden ayudar a mejorar, pero como siempre hay que tener en cuenta que las reglas no son inflexibles y que lograr una fotografía bien encuadrada que funcione depende mucho de nuestra creatividad. De todas formas, experimentado y, sobre todo, disparando mucho en diferentes encuadres aprenderemos nosotros mismos a mejorar los encuadres.

Foto | Sthépane Rey-Gorrez

• Fieles a nuestro compromiso, avanzamos con el curso de fotografía, tocando lo concerniente a la sensibilidad ISO.

• Por el enorme interés y debate que han generado, los artículos de opinión están logrando gran acogida. Esta semana Israel ha abordado el tema de la lomografía, con multitud de opiniones, y nuestro Victoriano ha profundizado en la consideración de la fotografía digital como más artística que la analógica. Además, de opinar sobre una de sus temáticas favoritas “la fotografía callejera”.

• Conocer a otros fotógrafos también resulta estimulante y esta semana David no ha ofrecido una entrevista a “Yosigo”, de muy recomendable lectura.

• Como esta semana se estado desarrollando CES 2008 en Las Vegas, las novedades tecnológicas han tenido destacada atención. Así, os hemos comentado las novedades de Casio, de Kodak, la novedosa réflex de Sony (la Alpha A200), así como Samsung ha presentado nuevas compactas y una réflex. Por su parte, BenQ ha dado a conocer la cámara más delgada del mundo. Entre los accesorios, destacamos un monitor espectacular y el último modelo de 24 pulgadas de LaCie.

• En Estamos.es os podéis informar de la actualidad a través de imágenes, en un nuevo servicio online muy interesante. Y con Photophlow disponemos de otro servicio más social si cabe que el popular Flickr.

• Para terminar, Israel nos ha propuesto 20 motivos fotográficos para el 2008 que son para anotar en la agenda y llevarlos a cabo. ¿Te apuntas?

Desde luego no se podrá decir que no ofrecemos cantidad y variedad. Seguimos trabajando en la misma línea. Buen domingo fotográfico a todos.

Las cámaras de hoy en días nos permiten cambiar la sensibilidad por medio de sus menús. ¿Pero a qué nos referimos cuando decimos “sensibilidad”? No, no podrás lograr que la cámara se emocione con tus fotos. Pero sí le podrás ajustar su forma de actuar con la luz, en cierta manera regular las “ganas” con las que absorbe la luz existente.

En analógico, cada película tiene sus propias características químicas que le confieren una determinada sensibilidad. Como es lógico, durante el uso de una misma película se trabaja con la limitación de una única sensibilidad. No como en digital que, para cada foto, podemos asignar una, la más adecuada a las circunstancias.

Pensemos en el sensor. Sin lugar a dudas es una de las piezas más delicadas y complejas de nuestra cámara. El de una cámara réflex habitual mide alrededor de 23.6 x 15.8 mm, los de las cámaras compactas son mucho más pequeños. En tan poquita superficie contienen millones de microscópicas células sensibles a la luz, los píxeles.

Imaginemos que cada uno de ellos funciona como un cubo que se puede llenar de luz. Eso ocurre cada vez que pulsamos el disparador; cada uno de esos cubos se llena de luz, pues cuando disparamos se abre el obturador y la luz circula a través de la lente directamente hacia el sensor durante el tiempo que el obturador deja el paso abierto.

En el sensor, los cubos “se llenan” de luz. La imagen se procesa y se graba en la tarjeta de memoria. Todo en décimas de segundo.

Si analizamos la cantidad de luz en los “cubos” del sensor, veremos que cada uno de ellos contiene una cantidad determinada. Unos han quedado llenos, otros medio llenos y otros vacíos. Esto significa que algunas partes de la imagen están sobreexpuestas, otras bien expuestas y otras subexpuestas.

Intentemos ahora sacar otra foto, pero con poca luz y volvamos a analizar los cubos. Veremos que ninguno de ellos se ha llenado en la pequeña fracción de tiempo que hemos empleado en la exposición. Casi todos han quedado a medio llenar (o a medio vaciar, si eres pesimista).

Utilizamos el ISO para decirle a la cámara que los cubos se deben esforzar para absorber el doble, el triple o más luz durante las exposiciones. Independientemente de cuánto dure la exposición. Es por ello que, sobre todo en fotografía analógica, uno se puede referir a la sensibilidad de la película como “velocidad”. Por ejemplo, una película de 400ISO es más rápida que una 50ISO, porque en el mismo tiempo capta mucha más luz. Como es lógico, en función del tipo de fotografía y las circunstancias de luz se escogerá una “velocidad” u otra.

Por tanto, cambiar el ISO implica cambiar la sensibilidad de la cámara ante la luz. Con el ISO alto la cámara será muy sensible a la luz y para una exposición correcta necesitará menos tiempo, aun cuando las condiciones de luz sean difíciles. Con el ISO bajo necesitaremos más tiempo para lograr una exposición correcta.

Generalmente, aunque varía según los modelos, las cámaras suelen moverse en un rango que va de ISO 100 a los 1600 en cualquier réflex normal. El único problema que entraña el uso de ISO’s altos es que añaden ruido a nuestra foto…

CONCEPTO DE RUIDO
A medida que subes el ISO crecerá el ruido que recoja tu fotografía. Es fácil entender el concepto de ruido si pensamos en términos de sonido. Imagina que tienes un equipo de música al que no le está entrando señal de algún tipo. Aunque no se reproduce absolutamente nada en él, subimos el volumen del amplificador. Percibimos un ruido molesto, ¿verdad? Lo mismo ocurre cuando amplificamos la entrada de luz en nuestra cámara subiendo el ISO.

RELACIÓN ENTRE ISO Y RUIDO
El ISO tiene relación directa con el ruido de una imagen. Si subes el ISO a niveles altos se notarán granos gordos en tu imagen. Que a un determinado nivel de ISO se note más o menos el ruido depende de la calidad del sensor. Normalmente, en las cámaras de alta gama y profesionales, a niveles de ISO altos, pese a ser perceptibles, se notan menos que en las cámaras para aficionados.

En cualquier caso, cuando queramos lograr la mayor nitidez en nuestras fotografías es recomendable usar la sensibilidad más baja disponible, aunque haya que emplear un trípode o una bean bag para que la exposición sea la correcta. Esto es, el valor de ISO más bajo.

A TENER EN CUENTA…
En ocasiones puede que te encuentres con que los bordes de los objetos que aparecen en las zonas de alto contraste de la imagen tienen color. No tiene porque ser un problema de las lentes, aunque se lo solemos achacar a las aberraciones cromáticas que puedan producir. No es así, para solucionarlo prueba a subir un paso de ISO, verás que desaparecen.

Como punto de partida pensemos que si necesitamos más luz para lograr una buena exposición podemos lograrla o bien abriendo el diafragma o haciendo exposiciones más largas, esto es, haciendo que las velocidades de obturación sean más lentas.

La elección entre usar el diafragma o el obturador para exponer bien una foto, depende, ante todo, de qué queramos lograr y de cómo queramos interpretar el movimiento que se produce delante de la cámara. Veamos algunos casos concretos.

USANDO EL DIAFRAGMA
Para lograr más luz usando el diafragma la única limitación que tenemos es la luminosidad de la lente, esto es, cuánto se pueda abrir el diafragma. Algunas lentes no son muy luminosas, es decir, su diafragma no se abre demasiado. Podemos decir que todo lo que abrá más allá de f3.5 es bastante luminoso.

1. Maximizando la profundidad de campo
Si lo que necesitamos en nuestra foto es una gran profundidad de campo, habitual en fotos de paisajes, cerraremos lo máximo posible el diafragma. Es probable que al cerrarlo al máximo entre tan poca luz que se haga necesario usar una exposición larga y, por tanto, trípode.

2. Enfoque selectivo
El enfoque selectivo significa dar nitidez solamente a lo que interesa, lo que permite un mayor control sobre el contenido y la interpretación final de la fotografía. Se trata de dejar nítida una sola parte de la imagen, mientras el resto está totalmente desenfocado, una buena manera de destacar el centro de interés.

Este efecto se logra con diafragmas muy abiertos, que reducen muchísimo la profundidad de campo. En el caso de la foto del ejemplo, se trata de un f1.4 con el foco sobre el elemento metálico de la mano de la chica, dejando fuera de foco el primer término de la imagen y el fondo.

Por cierto, fijaos en esas formas como manchas suaves de color que toman los objetos desenfocados por delante y por detrás de la zona que está enfocada. Esa “atmósfera” que crean las lentes con diafragmas muy abiertos recibe el nombre de bokeh.

Abrir el diafragma al máximo no siempre es suficiente para lograr una exposición adcuada. En esos casos tenemos que pasar a jugar con las velocidades de obturación para ganar luz.

USANDO EL OBTURADOR
El uso del obturador para regular la luz en las exposiciones nos permitirá tomar fotos en situaciones difíciles de luz, así como obtener interpretaciones creativas del movimiento en función de nuestras intenciones.
1.Velocidades altas de obturación
Disparar por encima de 125 hará que congelemos los movimientos.


2.Velocidades lentas de obturación
Cuanto más lenta sea la obturación nos permitirá captar luz durante más tiempo, consiguiendo una buena exposición, además de registrar todo el movimiento que se efectúe delante de la cámara e incluso el propio movimiento que haga la cámara.

3.Paneos
Otra opción, más fácil de explicar que de conseguir, son los paneos. Se trata de usar una velocidad de obturación lenta y, al disparar, seguir a un sujeto en movimiento, manteniéndolo durante toda la exposición en el mismo lugar del cuadro. El resultado es que el fondo aparece borroso y el sujeto congelado. O algo parecido, pues no es fácil.

Recuerda que ninguna combinación de diafragma y velocidad de obturación es la perfecta, será buena siempre que el exposímetro nos diga que así es, incluso aunque no nos lo diga, dependiendo de qué queramos lograr, séra buena también.

A practicar!

Cuando miramos un objetivo, normalmente nos encontramos con dos tipos de números. El primero, como ya vimos en el artículo sobre objetivos, nos indica la distancia focal del mismo, diferenciando los objetivos en angulares, teles, etc…

El segundo número es el que veremos hoy, el llamado numero f, que nos indica la luminosidad del objetivo, o sea, la capacidad del mismo de meter luz a la cámara, a traves del diafragma

El numero f puede venir expresado de dos formas:

1. Ofreciéndonos los valores máximos de apertura del diafragma para 2 focales, por ejemplo: 1:3,6-5,6. Normalmente se da en objetivos con zoom. Siendo el primer numero la mayor apertura correspondiente a la focal más angular y el segundo la máxima apertura para la focal más larga (tele)

2. Ofreciéndonos un valor único de apertura, por ejemplo 1:2, que se da en objetivos fijos, aunque también podemos encontrar algún objetivo zoom de valor de apertura fijo. Los objetivos fijos suelen ser más luminosos que los objetivos zoom y por tanto de mejor calidad.

Como veis el numero f siempre viene representado de esta forma 1:xx, siendo 1 la mayor capacidad de meter luz que puede tener un objetivo y siendo el siguiente número la capacidad máxima del objetivo que tenemos.

Cuanto menor es ese número, es decir, cuanto más se acerca al 1, más luminoso es un objetivo. Aunque hay muchos factores de los que depende la calidad de un objetivo, normalmente, este se considera mejor cuanto más luminoso sea. Es evidente que cuanto más luminoso sea mayores posibilidades de juego para el fotógrafo a la hora de ajustar la exposición en condiciones deficientes de luz.

Para regular la entrada de luz a la cámara podemos modificar o bien la velocidad de obturación o bien la apertura del diafragma. Para modificar la apertura, lo haremos con la cámara en modo manual o bien en modo prioridad a la apertura (A o Av). Según el numero que coloquemos pasará más o menos luz a la cámara.

Las distintas combinaciones entre velocidad de obturación y apertura nos darán las claves para el correcto manejo de una cámara en manual, que veremos en el siguiente capítulo del curso.

Por ultimo decir que la apertura tiene consecuencias directas en la nitidez de la imagen final y sobre todo en la profundidad de campo de la misma. Pero esto lo veremos en el siguiente articulo junto a los ejemplos prácticos.

Como sabéis, en Xataka Foto estamos llevando a cabo un curso de fotografía. Si bien hemos empezado por lo más básico, intentaremos llegar a niveles avanzados.

Por si alguien no lo conocía os dejamos con un Índice de lo que hemos visto hasta el día de hoy. Para que tengáis el curso siempre a mano iremos actualizando esta entrada a la que podéis acceder desde el banner del panel lateral.

Esto son los temas que hemos visto hasta el momento:

1. La luz y la formación de imágenes
2. Partes importantes de la cámara
3. Como vemos y como fotografiamos
4. Tipos de cámara. Clasificación
5. Tipos de cámaras. Ventajas e inconvenientes
6. Tipos de cámaras. ¿Qué cámara necesito?
7. Tipos de objetivos
8. Tipos de Plano (I)
9. Tipos de Plano (II)
10. Tarjetas de memoria y soportes de almacenamiento
11. Tarjetas de memoria y dispositivos de almacenamiento
12. Velocidad de obturación (I)
13. Velocidad de obturación (II)
14. La apertura: Teoría
15. La apertura : Ejemplos prácticos
16. Fotografía en manual: Introducción
17. Fotografía en manual: Ejemplos prácticos
18. ISO: la sensibilidad de tu cámara
19. El autofocus: Introducción
20. El autofocus: Modos de autofocus
21. El autofocus: Consideraciones sobre el autofocus
22. El encuadre
23. La medición: Introducción
24. La medición: Casos especiales
25. La composición
26. La composición: Aplicaciones
27. El Color. Introducción al color
28. El Color. Cómo hacer uso del color
29. El balance de blancos – Introducción
30. El balance de blancos – Uso creativo
31. El flash: Conceptos
32. El flash: Tipos de flash

Esperemos que os guste y que sigáis leyéndonos.