Desde que SmugMug compró Flickr, se han establecido nuevos cambios en favor de que los fotógrafos vuelvan a esta red social. Uno de estos nuevos cambios tiene que ver con la forma de presentar las imágenes en las cuentas Pro. Flickr ahora permite ver imágenes a 6K de resolución.

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Flickr pone en marcha un nuevo servicio de impresión para nuestras fotos

La implementación de esta medida se hace efectiva desde ahora. En el pasado, el tamaño máximo de muestra de una fotografía en la plataforma era de 2048 px en el lado más largo. Ahora, quienes quieran permitir un detalle amplio de la imagen, podrán subir imágenes y mostrarlas a un máximo de 6144 px en su lado más amplio. Un cambio que algunos amantes de la textura y el detalle, fotógrafos de naturaleza, macro o aereos podrán aprovechar para sacar una mejor cara de su trabajo.

El cambio no se aplicará solo a las nuevas imágenes subidas, sino que también afectará a imágenes cargadas previamente a cuentas pro. Aquellas que puedan ser mostradas a 6K, se activarán automáticamente. Sin embargo, los usuarios que no deseen mostrar mayor resolución tienen una opción que permite limitar el lado más largo de muestra de imagen.

Como reporta DPReview, quienes deseen ver muestras de cómo se muestran ahora las imágenes, pueden ir a la entrada de blog del anuncio y ver una de las imágenes seleccionadas por el equipo de Flickr. este cambio es uno de los más llamativos desde la decisión de limitar el espacio de las cuentas gratuitas, que en cierta medida ha ayudado a una curaduría de la plataforma. A los cambios se suman el regreso de ‘Carrete Fotográfico’ (que fue deshabilitado durante varios meses), el servicio de impresión de imágenes y actualizaciones de la app e interfaz para ser más amable con el usuario.

Llegaron nuevas mirrorless al mercado. Era de esperarse que, entre el anuncio de las Nikon Z7 y Z6, un apartado indicara las capacidades de grabación de ambas cámaras, un pequeño guiño para aquellos que se mueven entre el vídeo y la fotografía. Sin embargo, en la presentación pudimos ver que el enfoque de la japonesa está en la fotografía, no pretenden competir contra Sony en el mundo en movimiento. Con esto en mente, vuelve una pregunta para los fotógrafos de esta generación: ¿Es necesario que aprendamos a grabar vídeos?

¡No! Pero el hacerlo puede beneficiar drásticamente vuestro aprendizaje y vuestro estilo.

Capturando el movimiento

No hay que negar que el mercado cada vez busca personas más híbridas en sus labores. Muchos clientes también piden que los fotógrafos se encarguen del video, en especial en el mundo social y de bodas. Lo que concluye en ser un problema más que el fotógrafo tiene que acomodar. En los mundos de agencia incluso quieren que seas experto en programas de diseño, sepas hacer motion graphics y que prepares una lasaña de restaurante 5 estrellas.

Por un lado, la era digital le ha quitado valor a nuestro trabajo. Es cada vez más difícil ser un fotógrafo especializado en ‘__’ debido a la exigencia de los clientes por verlo a uno en todo. Es difícil a la vez ser parte de un equipo de grabación para una función específica, pues no faltan los clientes que quieren que uno sea productor, director, DP, sonidista y experto en VFX.

Creo que en nuestra profesión deberíamos enfocarnos en aquello que nos llama más la atención y seguir desarrollando ese amor al máximo. El fotógrafo debería ser fotógrafo especializado y el videógrafo debería ser videógrafo; e incluso mejor, debería especializarse en un campo de la producción profesional de vídeo. Sin embargo, con los nuevos avances de las cámaras, sí que nos es posible explorar a fondo ambos mundos. Y creo que hay algo de valor en forzarse a aprender y explorar el mundo en movimiento.

El detalle

Los elementos que más considero importantes en la exploración de vídeo son: La luz contínua y la atención al detalle.

En el vídeo se debe ser muy cauteloso a la hora de grabar, pues eliminar objetos, corregir elementos y las cosas que hacemos nosotros en Photoshop implican muchísimo tiempo, máquinas más poderosas y procesos que requieren mucho dinero. Por este motivo, lo primero que hacen los profesionales es entrenar el ojo para analizar cada fino detalle: desde cómo se ve una textura, cómo está el material, si brilla o no, si hay una luz parásita, si el vestido está en orden o si la mirada está correcta (y por favor que no aparezca el micrófono en toma).

Lo primero que enseña el mundo vídeo es a fijarse en estos elementos. Es un entrenamiento que como fotógrafos deberíamos tener (y que teníamos en la época del analógico), pero que con la facilidad del digital y el “lo arreglo en Photoshop” se ha perdido. Grabad vídeos y veréis que os comenzarán a molestar los elementos que ensucian la composición; veréis que a la hora de hacer un retrato o capturar un paisaje, no estaréis cómodos de disparar hasta que la mayor cantidad de problemas de toma estén fuera de cuadro.

Es una práctica de observar que se ha perdido. Pero que, creo, se puede recuperar y ejercitar a través del vídeo. Ahí es donde está la atención al detalle.

El trabajar con luz contínua mola mucho. Esta es una práctica que sirve más para aquellos que viven encerrados en el estudio con sus flashes. No hablo de aquellos que están acostumbrados a utilizar un fotómetro, medir y planear la luz, sino de aquellos que disparan, ven el monitor de la cámara o del ordenador y se quedan solo con esa impresión inmediata. Por la misma digitalización, las nuevas generaciones se han olvidado de observar la luz, de detenerse antes de capturar el paisaje a recibirlo primero por los ojos y meditar si es la hora correcta, de mirar si para ese retrato el brillo y las sombras están balanceados y en la dirección que es.

Me sorprende sobre todo para los fotógrafos de producto. Ahora vemos tutoriales por YouTube donde en una solo foto está compuesta de 20 o 30 tomas. Entiendo que el producto debe quedar limpio e impecable para nuestros clientes, pero seguro que si os detenéis a pensar más la foto, sacaréis el producto fácilmente en 3-4 tomas: Etiqueta, bordes y brillos, transparencias y fondo.

Este tipo de trabajo de la luz también es una herramienta que se puede practicar de forma constante al grabar vídeos. Los software de corrección de color como el DaVinci Resolve son muy potentes, pero la postproducción en video es algo tedioso (para muchos de nosotros, hay gente que le encanta). Así que nos enfocamos en conseguir la luz desde antes, de observarla y ver si lo que vemos nos convence o cómo trabajarla para pulirla.

No creo que debáis forzaros a ser híbridos si tenéis claro que lo que amáis es hacer solo fotografía. Por el contrario os aliento a especializaros en las ramas que más os guste y que exploréis a través de capturar el instante. Sin embargo, aprovechad que ahora todas las cámaras vienen con funciones de vídeo para entrenar vuestra visión, entrenar la atención al detalle y a entender la luz de las escenas.

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Seguramente tendréis amigos que siempre os hablan de lo bien que se ve una imagen nítida; con esa textura que sientes así la toques sobre un papel o una pantalla, con esa claridad que puedes notar cada poro de la piel o incluso ver las montañas en el iris de los ojos. Esa "nitidez" de la imagen es una constante búsqueda de los fotógrafos. Y de ahí su búsqueda para que los equipos que compramos ayuden a obtener una imagen más nítida.

Sin embargo, la nitidez es un concepto subjetivo, ya que en su definición más cercana a nuestro mundo sería la capacidad de ver algo que se distingue bien, no confuso. En fotografía debemos acercarnos más a dos conceptos: Resolución y acutancia. Pues entre estos dos se encuentra la clave de cómo entender nuestro sistema fotográfico para obtener el mayor detalle posible o para saber manipularlo según las necesidades que tengamos. Así que arranquemos a definirlos.

Resolución en cubitos

Tal vez, lo que más asociamos como resolución es el tamaño de la imagen. Esto se debe a que nos venden la idea de que más megapíxeles permiten sacar fotos más grandes. Si bien una densidad de píxeles más amplia permite irse a formatos más grandes de visualización, el concepto de tamaño y resolución son independientes.

Más densidad de píxeles en un área permite notar mejor el detalle

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‘Infrascapes’, un timelapse en resolución 8K que nos enseña lo bella que puede ser la naturaleza en fotografía infrarroja

La resolución es la capacidad de un sistema de registro para distinguir entre dos puntos con cercanía próxima. En el cuerpo, la resolución depende principalmente del sensor de la cámara. Teniendo un tamaño fijo de sensor (Full Frame, APS-C, Micro 4/3), entre mayor sea el número de píxeles en este espacio más resolución tendremos en la imagen. Y lo notaremos entre tomas similares tomadas con cámaras de distintos formatos.

Es cierto que la cámara no hace al fotógrafo. Pero es cierto también que si el fotógrafo quiere un nivel de detalle más limpio y definido deberá pensar en invertir en cámaras de mayor resolución de captura.

Observando la acutancia

Sin embargo, la cámara es solo una parte de la ecuación, la verdadera ‘nitidez’ viene de la óptica que elijamos. Si el objetivo es ‘suave’ dará una imagen suave de foco independientemente si la capturamos en una cámara de 400 megapíxeles como la Hasselblad H6D-400c o con una de 10 megapíxeles.

En la imagen de arriba podréis notar la diferencia entre distintas ópticas. La cámara con la que se tomó las fotografías es una Canon 7D. La prueba está hecha buscando cubrir la misma área en el sensor con la cabeza lego. La imagen a la izquierda es la de un lente 18-55mm EFS Canon (de 2008) de los baratos que venían con la cámara en su época. En el medio se encuentra un lente 28-75mm asférico Tamron. Y en la derecha se encuentra un objetivo 90mm macro asférico Tamron. Las fotos fueron tomadas a F8,0 para trabajar con el área de mejor rendimiento óptico. Pueden notar en el detalle la diferencia que hace un lente de mayor calidad e incluso la diferencia entre un objetivo fijo y un zoom.

La calidad de las ópticas define la acutancia en la imagen. Esta se refiere al grado de contraste que hay entre detalles que se diferencian en luminosidad o detalle. Un contraste más alto se interpreta de manera perceptible como ‘mayor nitidez’. Por ello, para encontrar el poder de resolución y contraste de la óptica, es importante leer los diagramas MTF que se encuentran en las páginas al comprar las ópticas. No os asustéis con tantas líneas, lo importante es saber leer el mapa en términos generales.

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Sigma 40mm f/1.4 DG HSM Art, análisis: un contundente objetivo fijo para sacar todo el rendimiento al sensor de tu cámara

Lo primero es entender que el eje vertical determina el nivel de contraste y el eje horizontal una distancia que parte desde el centro del objetivo. Esta segunda es importante, porque como sabéis, los lentes tienen mejor desempeño en el centro del cristal (donde la luz llega de manera más directa al sensor). En nivel de contraste, se dice que sobre .8 en el eje vertical es un lente de buen desempeño, entre .8 y .6 es un rendimiento normal, y menos a eso son los lentes que solemos ver con imágenes lavadas y que parece que nunca pueden enfocar.

Las pruebas se hacen con unas cartillas que tienen una diagonal de líneas en paralelo que van de una diagonal a otra diagonal de un rectángulo en proporciones de un sensor. Las líneas en esta diagonal tienen dos densidades estándar 10 LP/mm y 30 LP/mm.

Las pruebas realizadas a 30 LP/mm, entre más altas estén, se interpreta que el poder de resolución de la óptica es alto y, por ende, la nitidez perceptual es mucho más alta. Las pruebas realizadas a 10 LP/mm, entre más altas estén, se interpreta que el poder de reproducción de contraste es mejor en el lente.

Aveces las compañías muestran el rendimiento utilizando diafragmas totalmente abiertos junto a un diafragma cerrado como F8,0. Como mencioné arriba, al cerrar el diafragma estamos trabajando con el centro del objetivo y deberíamos siempre ver mejor desempeño de la óptica. Algunas compañías solo ponen la MTF con los diafragmas abiertos y separarán las pruebas con color para diferenciar las LP/mm que utilizaron.

Todo comienza por donde llega la luz.

Así que ya sabéis, arrancar con una buena óptica puede ser más fructífero en la búsqueda de imágenes con una percepción de nitidez mucho más alta. Si el nivel de resolución del sensor con el que lo acompañéis es alto, ayudará a obtener imágenes con asombroso nivel de detalle y textura.

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Cómo acabar de una vez por todas con el mito de los 72 dpi

Si leer las tablas se te dificulta, también existen páginas como DXoMark donde podéis ver pruebas de acutancia, contraste y color de muchos lentes. Comparar cómo se comportan lentes similares. También podrán comparar cámaras y planear cuál es ese equipo para adquirir en el próximo cumpleaños o navidad.

Imágenes| Sergio Fabara, Nikon USA

El mundo del enfoque se ha convertido en un pozo sin fondo para muchos fotógrafos. Si no enfocan en el ordenador se sienten desnudos. Y se ha convertido en algo obligatorio porque todo el mundo lo hace desde que la fotografía es digital. La verdad es que todo ha cambiado, como veremos. Sin embargo, desde Adobe Lightroom podemos enfocar sin problemas desde el panel Detalle.

Cuando comenzó la fotografía digital los sensores ( y no nos olvidemos de los procesadores) no eran tan buenos como ahora. Y la mayoría de los sensores incorporaban el famoso filtro anti-aliasing que servía para evitar los patrones de interferencia conocidos como moiré:

El aliasing en las imágenes consiste en que la imagen resultante del muestreo presenta patrones de interferencia: en lugar de mostrar por ejemplo líneas paralelas aparecen ondas, efectos visuales o artefactos de color que no existen en la imagen real. Esos elementos son ‘alias’ o fantasmas que forman parte de la información (incompleta) de alta frecuencia de la imagen original.

Es un filtro físico, rugoso, que evita que las zonas con patrones uniformes o repetitivos, como el azul del cielo, una pared de ladrillo o una camisa de color uniforme (por poner algunos ejemplos). Quitaban un problema en estas situaciones, pero provocaban otro mucho más grave, que es la falta de nitidez general. Para solucionar un problema puntual, crearon uno crónico que obligaba a enfocar siempre posteriormente en el ordenador.

Por este pequeño filtro rugoso todos nos veíamos obligados a buscar mil técnicas distintas para que nuestras fotografías tuvieran nitidez. Pero en los últimos tiempos las cosas han cambiado. Ya hay muchas cámaras sin este filtro de paso bajo. Y los sensores y procesadores han mejorado muchísimo. Cada vez consiguen más disparos nítidos. Y os prometo que casi no es necesario enfocar nuestras fotografías, siempre y cuando respetemos el tamaño original.

Hoy en día (mayo de 2017) solo hay que enfocar cuando cambiamos el tamaño de las fotografías. Si reducimos para publicar en las redes o ampliamos para colgar en las paredes es necesario por culpa de la interpolación y la pérdida de información original. Nunca recomendaré aplicar una máscara de enfoque a una imagen si respetamos su tamaño original. Tenemos otras ayudas, como el ajuste de Claridad o, aunque parezca que no tiene nada que ver, marcar la casilla Quitar la aberración cromática de la pestaña Correcciones de lente. No os podéis imaginar la de nitidez que se gana con esta alineación de los tres canales....

Panel Detalle para enfocar

Además el enfoque por software siempre ha tenido muy mala prensa por lo destructivo que es. ¿A qué se refieren con este término tan apocalíptico? Simplemente que actúa sobre todos los píxeles y pierde la información original. Por eso hay que buscar procesos que solo actúen en aquellas zonas que nos interesen o el gran invento de este siglo, que no es otra cosa que aplicar filtros siempre con objetos inteligentes.

A la hora de enfocar siempre se tienen que contemplar los siguientes puntos:

1. Nunca enfocar el archivo original.
2. Solo enfocar cuando la fotografía tiene el tamaño final.
3. Evitar enfoques muy altos. En pantalla siempre resultará menos evidente que en papel.
4. Cada fotografía tiene su propia e intransferible máscara de enfoque.

Enfocar en Adobe Lightroom

Hay muchas técnicas de enfoque, muchas costumbres y no os podéis imaginar la cantidad de manías que tenemos algunos respecto a este tema. Yo nunca enfoco en Adobe Lightroom. Y es una mala costumbre, lo reconozco. Si tengo que enfocar siempre lo hago en Adobe Photoshop y al final de todos los pasos con la técnica de la separación de frecuencias.

Pero si no tienes Adobe Photoshop, o no sabes manejarlo, o tienes prisa, o no te da la gana salir de Lightroom, siempre puedes utilizar el panel Detalle del programa y conseguir un enfoque que marcará un antes y un después en tus fotografías. Por este motivo vamos a ver cómo se hace a pesar de todo...

Panel Detalle

La pestaña Detalle tiene dos apartados: Enfoque y Reducción de ruido. De este último nos vamos a olvidar en este artículo. Y nos vamos a centrar en los cuatro parámetros que tiene Enfoque. Los dos primeros son reguladores de enfoque puros. Los dos últimos moderan o modifican el efecto de los primeros (Cantidad y Radio). Como es costumbre diré para qué sirve cada uno y luego cuáles son los pasos que tenemos que dar para sacarle todo el jugo. Este panel ha mejorado mucho con el motor 2012 interno.

1. Cantidad: marca el nivel de enfoque que queremos dar al archivo. Como dice M. Evening es igual a un control de volumen. Si damos a la tecla Alt mientras lo manipulamos veremos la imagen en blanco y negro. Esto nos certifica que Adobe Lightroom enfoca solo el canal Luminosidad, como se hace en Adobe Photoshop para evitar problemas de color.
2. Radio: trabaja con el detalle fino de la fotografía. Con la tecla Alt veremos una máscara que nos permitirá descubrir si estamos exagerando el efecto. Un Radio pequeño es mejor para imágenes con mucho detalle.
3. Detalle: encargado de controlar los halos de una forma inteligentes. Permite un toque más fuerte de Cantidad y Radio en caso necesario. De nuevo Alt nos permite ver cuando estamos dando demasiado Detalle. El valor más bajo anula la posibilidad de que aparezcan halos.
4. Máscara: El parámetro más importante de los cuatro, pues permite delimitar las zonas que quieres enfocar de la imagen creando una máscara en blanco y negro (cómo no) que señala las zonas que se enfocarán y las que no. Alt nos permite ver las zonas en blanco que van a sufrir el efecto de los otros tres parámetros.

Dando Máscara...

Eso sí, si no quieres complicaciones siempre puedes ir a la pestaña Ajustes preestablecidos del módulo Revelar y buscar en Ajustes preestablecidos generales de Lightroom el ajuste Enfoque-Caras para retratos y Enfoque-Panorámico para paisajes... Son ajustes estándar pero...

La técnica para conseguir los mejores resultados es muy sencilla:

1. Ampliamos la fotografía al 100% con la herramienta Zoom. En principio nos situaremos en la zona que más nos interese enfocar, pero luego tendremos que revisar todas.
2. Subimos Máscara con la tecla Alt pulsada para delimitar las zonas que queremos enfocar de la fotografía. Normalmente buscaremos zonas con detalle y evitaremos zonas amplias como los cielos, que deberían quedar en negro.
3. Detalle lo dejamos en el valor más bajo posible para poder dar valores más altos (en principio más nitidez) en Cantidad y Radio.
4. Con Cantidad marcamos cuánto enfoque queremos dar. Depende de los millones de píxeles, de la nitidez natural de la imagen, de la trepidación... Por defecto está a 25, pero un ajuste de 50 es un buen punto de partida si no quieres pasar el archivo a Photoshop.
5. Radio depende del tipo de detalle que tenga la fotografía que estemos enfocando. Si tiene mucho detalle no pasaremos de 1, pero en un retrato un ajuste de 1,4 se considera óptimo.

Resultado final

Y hasta aquí el artículo dedicado al enfoque con Adobe Lightroom. Es una forma rápida de conseguir un buen resultado de una forma rápida y eficaz. En especial si utilizamos el último motor de revelado del programa. Pero tendremos más posibilidades si nos olvidamos de aplicarlo aquí y nos vamos al refugio seguro de Adobe Photoshop.

En Xataka Foto| Cómo conseguir el enfoque correcto en Photoshop y Lightroom

En enero os hablábamos de la fotografía de miles de megapíxeles de Gigapan durante el acto inaugural de Donald Trump y de el uso informativo de este tipo de imágenes. Pues bien, por segundo año la marca de coches Bentley ha utilizado esta misma tecnología de 360 grados como reclamo publicitario.

Pese a que el resultado no es tan espectacular como el de la foto que publicó la CNN durante la ceremonia del actual presidente de Estados Unidos, no deja de sorprendernos, sobre todo si nos fijamos en los datos que hay detrás de la imagen.

Y cuando decimos que el resultado no es tan espectacular es porque, a diferencia de la realizada durante el acto de investidura de Trump, en esta imagen no podemos investigar libremente los alrededores, solo podemos hacer zoom que nos irá acercando desde un plano general dede el Cayan Tower hasta un plano detalle del logotipo de la marca en el capó del espectacular Flying Spur W12S de la marca.

Lo realmente sorprendente son los datos que hay detrás de la imagen: Las condiciones climatológicas hicieron que el equipo tuviera que aguantar las temperaturas desérticas de un clima seco a 40º, con vientos de 25 km/h que ponían en peligro la estabilidad de la toma con la cámara suspendida a 264 metros de altura. La resolución de la imagen es de 57,7 mil millones de píxeles y tardaron 48 horas en hacer las más de 1800 fotografías necesarias.

Además de la gigantesca foto, parece que el equipo de marketing no ha querido desaprovechar las posibilidades que ofrece la tecnología 360º y ha decidido utilizarla para dar a conocer el modelo.

Y para que no haga falta ni desplazarse al concesionario no solo han hecho uso de la fotografía 360º para mostrar cada detalle, sino que también han utilizado el vídeo, para que, si no estábamos aún decididos, nos terminásemos de convencer para rascarnos el bolsillo y comprar "el juguetito".

Más info | Bentley

En Xataka Foto | Los mejores programas y aplicaciones para realizar y editar fotos en 360º

La herramienta de enfoque, también llamada 'Máscara de enfoque' en Photoshop es una de las herramientas más fundamentales para llevar más allá la definición de nuestras imágenes. Probablemente usemos estas herramientas en la gran mayoría de nuestras imágenes, pero ¿conoces cómo funcionan y qué modifican los diferentes sliders? ¿qué función tiene detalle, radio o máscara?

Enfocando en Lightroom y Photoshop

En primer lugar empezaremos ubicándonos en la interfaz. En el caso de Lightroom, debemos importar las fotografías que nos interese procesar, y pasando al módulo de revelado, nos dirigmos a la sección 'Detalle' que nos muestra las cuatro opciones con las que vamos a trabajar hoy: Cantidad, Radio, Detalle y Máscara.

En mi caso, trabajaré con esta imagen de un erizo vía Lightroom, una imagen muy interesante porque las púas son un elemento que agradecerán mucho el enfoque. En este caso, el círculo de confusión más pequeño de la imagen corresponde a la frente del animal, entre las dos orejas, que será la zona en la que nos fijaremos para ajustar los parámetros. En Photoshop las explicaciones se mantienen, pero debéis aplicar una Máscara de Enfoque a través de Filtro>Enfocar>Máscara de Enfoque.

Cantidad

La cantidad de enfoque correspondería a los cálculos realizados por le ordenador para separar mediante microcontrastes las diferentes zonas de una fotografía. Usar este parámetro a 0 no afectará en nada a la fotografía y subirlo hasta el tope supondrá una mejora en la nitidez pero también generará numerosos artefactos.

La clave se encuentra en emplear una cantidad intermedia adecuada para nuestra fotografía. Si clicamos en el parámetro apretando la tecla ALT de nuestro teclado la imagen pasará a escala de grises temporalmente, debido a que sin la información del color es más fácil establecer en qué punto la imagen empieza a generar más artefactos de los necesarios. En este ejemplo, una cantidad de 75 fue suficiente para mejorar la imagen sin la aparición de artefactos.

Radio

El radio se refiere a cuán lejos del centro de los píxeles afectados llega el enfoque. A 0, el radio de enfoque se aplicará a los bordes más finos, mientras que si subimos el valor al máximo, se verán afectadas las zonas cercanas a dichos bordes, aumentando el contraste general y perdiendo algunos detalles más finos a causa de los halos negros.

Una cantidad adecuada variaría según la calidad del enfoque de la imagen base. Para imágenes bien enfocadas, no necesitaremos más de un píxel, mientras que si hemos fallado ligeramente el enfoque podríamos llegar a los 2 píxeles. Valores de 2 o más píxeles son raramente usados ya que su eficacia es pobre. Podemos ver de forma detallada la zona de acción manteniendo la tecla ALT apretada mientras movemos el slider, proporcionándonos una máscara de aspecto similar al Filtro de Paso Alto de Photoshop. En mi caso, le he dado un valor 2 porque he fallado ligeramente el enfoque en los ojos del animal y así puedo rescatar algo de detalle en esa zona.

Detalle

Mediante la opción Detalle podemos recuperar la información más pequeña resaltando las altas frecuencias de la fotografía, que corresponden a las texturas más finas. Por poneros un ejemplo, mientras que Cantidad ayudaría a mejorar el enfoque en los detalles más grandes de una cara como los ojos, la nariz o los labios, Detalle se emplearía para enfatizar los poros y la textura de la piel o los párpados.

Con esto, podemos deducir que Detalle trabaja de forma muy fina pero debido a que son más cálculos por tratarse de zonas mucho más pequeñas, genera muchos más artefactos que el parámetro Cantidad si subimos hasta valores altos.

De nuevo, si apretamos ALT mientras arrastramos el slider, la imagen se convierte en una máscara similar a un Filtro de Paso Alto en el que podemos observar el momento justo en el que la imagen empieza a generar demasiados artefactos. En mi caso, un valor de 28 es suficiente para mejorar los detalles más finos en las púas y los pelitos sin artefactos destacables.

Máscara

La Máscara o Umbral es una de las opciones más importantes y menos empleadas, sin embargo es primordial saber cómo funciona en fotografías donde la profundidad de campo se compromete cuando intentamos potenciar la nitidez de nuestra imagen.

La máscara establece cómo de definidos deben ser los bordes para que se apliquen los ajustes de enfoque. Esto quiere decir, que si aplicamos 100 de Cantidad en una fotografía, nuestros bokehs van a verse afectados con artefactos indeseados. Subiendo el nivel de nuestra máscara, ajustamos el umbral de nitidez que la figura en la fotografía debe sobrepasar para que se le apliquen los ajustes que hemos dispuesto. Si presionamos ALT mientras deslizamos el slider, aparecerá en blanco las zonas en las que se aplican los ajustes de enfoque, mientras que las zonas en negro quedarán sin procesar.

No es una opción que se use en paisajes, donde normalmente se dispara en hiperfocal y todo se encuentra enfocado, sino que es en retratos, macro o fotografías con elementos desenfocados, las situaciones en las que deberíamos usar la Máscara.

El resultado final

El resultado final es el que veis como fotografía de portada. Una imagen con un enfoque ligeramente mejor que la original pero sin alterar el contraste ni generando artefactos. Tras ajustar otros parámetros como el contraste y subiendo ligeramente la intensidad y la saturación de los colores conseguimos una imagen de aspecto natural.

Las Máscaras de Enfoque pueden emplearse como método creativo consiguiendo efectos chulísimos como los de Adrian Sommeling en los que las imágenes extradefinidas pueden llegar a convertirse en un estilo propio, por lo que no tengas miedo a sobrepasar las 'reglas' y juega con los parámetros para conseguir del enfoque un recurso creativo.

Ya lo dijo nuestro admiradísimo Robert Capa:

Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente

Y como veréis no es una cita en vano, pues lo vamos a utilizar para ejercitar nuestra práctica fotográfica. Hoy nos acercamos mucho a aquello que fotografiamos. Y no hablamos de fotografía macro...

Buscar detalles

Como los de la fotografía que encabeza este post, titulada She Has Gotten Me A Gift de Daniel Lobo. Lo interesante y básico del ejercicio es intentar reparar en elementos que acostumbren a pasarnos inadvertidos, aquellos a los que nuestro sistema perceptivo visual no suele prestar atención. El hecho de hacer fotografías de este tipo le da un plus a nuestra toma, ya que podemos lograr sorpresa a los ojos de la persona que mira nuestra foto. Y si como en este mismo ejemplo, la fotografía es sugerente, desde luego que vamos para nota... Otro ejemplo sería el siguiente:

Atención a como cada color, cada arruga y la postura de las manos toman el protagonismo de la fotografía. Las manos como motivo fotográfico dan muchísimo juego, especialmente las de personas mayores, las de niños y bebés y las de éstos junto a las de adultos. Aprovéchalo. La foto es de algo y se titula Holding on.

Ojos

Quizás este ejemplo te resulte más familiar, pues existen multitud de fotografías de ojos, ya sean de personas o animales, y es muy probable que incluso tú lo hayas probado ya. Pero no por ser un motivo recurrente es menos interesante, pero ten en cuenta que para que tu foto destaque sobre las demás deberá ser original. Pero eso lo dejamos en tus manos.La fotografía sobre estas líneas es de Lá caitlin y se titula the kid of all kid's.

Buscar formas

Si te acercas lo suficiente a lo que te rodea, seguro que descubres formas y composiciones que te llamen la atención. Por ser regulares, por ser extrañas, por ser originales, por parecerse a otras cosas... Uno de los mejores sitios para buscar formas es el mobiliario urbano, repletito de pequeñas obras de arte camufladas, como podemos ver en este ejemplo, una fotografía de eduardsb llamada blue 6.

Quizás otro ejemplo te sirva para ver el potencial de las formas y patrones. Esta fotografía se llama Cuerdas vocales de un piano y es de Carlos Madrigal.

Buscar texturas

En lo que respecta a las texturas, para ordenarme la cabecita y no inducir a errores, esta es la definición vía wikipedia:

La textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos, así como las sensaciones que causan, que son captadas por el sentido del tacto. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles.

¿Sí? Pues las fotografías con texturas llamativas, y especialmente si tienen algún elemento añadido que las rompa, son de lo más interesante. Fíjate en la sensación que te produce la siguiente fotografía. de Lili Vieira de Carvalho, titulada Buzios Textures and Chains.

Otra fotografía de Lili como ejemplo sería la siguiente:

Consideraciones finales

Destacaremos dos cosas. Al igual que hicimos cuando te propusimos cambiar la perspectiva para hacer fotografías, este ejercicio requiere un importante esfuerzo de concentración. Exige que estés en modo búsqueda de fotos. Si quieres automatizar tu ojo cazador de detalles, formas y texturas deberás practicar y dedicarle su tiempo. Almenos en un principio. Y luego te resultará más sencillo hacerlo de manera automática y natural.

Y finalmente debes saber que por mucho que te acerques a detalles que normalmente pasan inadvertidos, por mucho que encuentres formas curiosas o texturas apasionantes, hay algo que debes cuidar para que tu fotografía sea interesante. Que no se te olvide nunca cuidar la composición, o estarás tirando por la borda el trabajo de haberte percatado de donde había una fotografía por hacer. Y sería una lástima, porqué dar con la foto es la parte más complicada...

Y si no sabes demasiado acerca de la composición no te preocupes. Justamente la siguiente entrega de nuestro curso tratará sobre ella.

Como hoy estoy generoso (...) os dejo con el grupo Get closer (acércate) de flickr... ¡Buen provecho!