Podría estar bien traer aquí de vez en cuando alguna de mis fotos y explicar en qué consisten los pasos que he dado en su postprocesado. De antemano, he de decir que no soy ningún genio de esto, y que no tengo un flujo de trabajo ejemplar, sino más bien todo lo contrario. Aún así, si algo de esto es útil para alguien, fantástico.

He de decir también que no me gustan las recetas de photoshop, en plan “copia esto automáticamente”, y que lo que pretendo con este artículo no es dar lecciones de flujo de trabajo (no creo que el mío sea bueno) sino dar ideas sobre cómo se pueden usar ciertas herramientas, a aquellos con menos experiencia en el revelado digital.

En esta escena, que he titulado Jungla, me llamó la atención el paso de peatones, con un montón de gente que iba a cruzar de un lado a otro. En mi posición las líneas del paso de cebra quedaban en diagonal, así que quise aprovechar eso, y dejar espacio en la zona hacia donde se dirigían esos pasos.

EOS 30d en Av con Canon 70-300mm f4-5.6 IS USM, a 70mm, f4, ISO100 y 1/250. RAW.

Normalmente no dedico mucho tiempo a procesar mis fotos, pero en este caso, la verdad, creo que la foto se presta mucho a una edición llamativa. En cualquier caso, la foto no lleva ni filtros raros, ni tratamiento por zonas. En este ejemplo, todo el procesado lo he hecho en Adobe Lightroom 1.2 a partir del RAW original, y seguramente se puede hacer de manera similar con cualquier programa de revelado de RAWs.

Al ver la foto pensé que ganaría en expresividad con un contraste muy aumentado (pero respetando el detalle en zonas oscuras), y con unos tonos verdosos y poco saturados. De este modo, lo primero que hice fue disminuir la saturación (-84), aumentar la intensidad de las sombras (+39) y compensar esto último con un aumento de la luz de relleno (+24). De paso, y puestos a hacer un tratamiento “algo agresivo”, aumenté el contraste al máximo (+100).

Antes de seguir haciendo más cosas voy a aplicar algo de viñeteo para darle dramatismo a la escena. Voy a añadir una cantidad bastante grande (-51), y que se aproxime bastante al centro (+12).

Aunque pueda parecer que queda oscura, aún queda la parte de corregir los tonos bajos de la foto. Aunque a veces suelo usar la curva, en este caso he seguido con las regletas superiores. He aumentado la exposición poco más de medio punto (+0,71), y luego he recuperado algo de las luces altas (+38).

Para conseguir el tono que busco, voy a modificar el balance de blancos dándole algo de calidez (5736) y, a continuación, voy a añadirle un matiz verdoso (-44).

Es ahora el momento de volver a darle fuerza a los tonos más oscuros. Aunque previamente ya los había regulado, voy a modificarlos de nuevo, aumentando los tonos oscuros (+64) y compensando de nuevo con la luz de relleno (+62). Al hacer esto debo tener especial cuidado con dos cosas: Por un lado, evitar los bordes dobles en las zonas de alto contraste. Para asegurarme, ampliaré esas zonas al 100%. Por otro lado, evitar la formación de halos. Aunque puede parecer que hay un halo en una de las piernas de una mujer, formado por el pantalón más oscuro, lo cierto es que si miramos la foto original encontraremos que ese supuesto halo ya existía.

Falta tocar pequeños detalles que no se percibirán en las fotos de este artículo, por su tamaño. Por un lado, he aumentado la claridad (+39), lo que actúa a modo de máscara de enfoque de los tonos medios, sin apenas aumentar ruido. Por otro lado, también he aplicado un poco de máscara de enfoque (+51), para que el asfalto gane en textura, y los detalles del zapato central sean más claros.

Por último, aunque el encuadre original no me disgusta, lo cierto es que últimamente he estado haciendo pruebas con un formato más apaisado (doble de ancho que alto) que creo que aquí funcionaría bien. En este caso me permitiría evitar los zapatos que han quedado cortados en la parte superior, y me ayudaría a aprovechar la diagonal del paso de cebra, así que… ¡Allá voy!

Bueno, pues lo dicho. Con esto no pretendo nada más que dar ideas a los que le pueda venir bien. En mi opinión el revelado digital es muy importante para exprimir al máximo lo que queremos conseguir de una fotografía. Y, del mismo modo que pienso que el post-procesado nunca debe estar para solucionar los errores que cometimos al hacer la foto, sí debe ser usado para sacarle todo el partido a los aciertos que tuvimos al hacer click.

Como veis, he sido enormemente desordenado. Podría haber “reordenado” todo para este artículo, pero pensé que sería mejor seguir el ritmo “intuitivo” del que tiene algo en mente y trata de conseguirlo. Seguramente habrá otras formas de hacer esto mismo, pero mejor. Estaré deseando leerlas, que aquí aprendemos todos.

Fotografía | Jungle, mía.

Adorado por muchos, odiados por otros tantos, hoy vamos a hablar más detenidamente de su contenido y porqué es un excelente libro que probablemente no debería faltar en tu biblioteca. Antes que quede claro que mi opinión personal es que es casi imprescindible su lectura.

¿Porqué es un libro importante?

Básicamente porqué este libro es una perfecta guía sobre un flujo de trabajo cien por cien adaptado a las necesidades de la fotografía digital. Desde el momento en el que descargamos las fotografías a nuestro ordenador hasta su impresión, publicación en internet o archivado personal.

Difícilmente encontrarás un libro que comprenda este proceso de la manera en la que lo hace José María Mellado, con la exhaustividad con la que lo hace.

Y si por un lado tenemos el retrato del flujo de trabajo, por otro tenemos la cantidad de conceptos que son tratados en el libro y su más que adecuada, clara y sencilla explicación, una destacable habilidad del autor. Déjadme que haga una pequeña lista de algunos de los temas que encontrarás:

• Porqué es importante trabajar con imágenes de 16 bits.
• Gestión del color y la importancia de los perfiles de color.
• Calibración de los monitores.
• Tiff y jpg, ¿qué formato usar?
• Procesamiento exhaustivo en RAW.
• Ajustes básicos y avanzados con Photoshop CS2
• Uso del Adobe Bridge y Camera RAW
• ...

Pero lo importante, repito, es enmarcar todos los temas tratados dentro de un proceso de trabajo.

Donde pincha el libro

Principalmente en que empieza a estar algo desfasado. Ya ha pasado algo de tiempo desde su primera edición y esto se nota. Hoy podemos trabajar más cómodamente con los objetos inteligentes y este aspecto no está contemplado en el libro. Aún así, tiene mucho mérito ser un libro referencia en un mundo en constante evolución y a un ritmo vertiginoso.

El punto fuerte que resulta la propuesta de trabajo que hace Mellado puede ser a su vez una debilidad. ¿Tenemos más opciones de software para tratar los archivos RAW? ¿Y para visualizarlos y clasificarlos? ¿Existen otros modos de tratar las imágenes finales? ¿Qué pasa con mi adorado Lightroom?

Recomendaciones de uso

Es un libro altamente recomendado. Aunque no te guste el resultado que consigue el autor con sus fotografías (o las multitudes de fotografías nacidas gracias al melladismo).

Creo que la actitud más correcta que se debe tomar ante el libro es compararlo con tu método de trabajo. Incorpora aquello que le falte y consideres importante. Prueba los métodos que propone Mellado, adáptalos a los tuyos y luego descarta lo que no te interese. Vuelve al tuyo y compara los resultados. Aprende aquellos conceptos que no conocías y busca por internet otros métodos para aplicarlos.

Y vuelve al libro más adelante para volver a aplicar todo el proceso.

En general se trata de un libro que continuará siendo interesante aunque quede muy desfasado y en un futuro se utilicen herramientas muy distintas, porqué el método de trabajo, lo que creo que es lo realmente importante, al final es bastante independiente del software que utilices.

Conclusión

Es una compra muy recomendable, a pesar de que el autor esté preparando un nuevo libro. No te arrepentirás de tenerlo siempre a mano.

Enlaces | Web del libro | Review en Fotomaf

Ahí va un tutorial para convertir imágenes en Blanco y Negro mediante Photoshop. Hay decenas de metodos para hacer esta conversión, pero este es de los que más me gusta para mis fotografías, sobre todo porque consigue una textura especial que recuerda a las fotografías analógicas.

Este metodo nace de la inquietud de Greg Gorman, afamado fotógrafo de Hollywood, por conseguir fotografías digitales en blanco y negro que se asemejasen lo más posible a las que obtenía cuando trabajaba con fotografía analógica. Y fue Rob Carr, experto en retoque digital, quien dió con la solución. Ahora os voy a enseñar el metodo propio de Rob Carr, y en otro momento os hablaré del metodo modificado que usa Greg Gorman.

Recomiendo crear una acción para tenerlo siempre a mano.

1.-Abrimos la fotografía a retocar, y si tenemos un ordenador que lo aguante, la convertimos a 16Bits. Es mejor en 16Bits pero no necesario.
Imagen>Modo>16 Bits/Canal

2.-La convertimos a modo de color LAB.
Imagen>Modo>Color Lab

3.-Ahora vamos a la paleta de canales. Si no la tenéis abierta, recordad buscarla en el menú Ventana. Y en esa paleta seleccionamos el canal Luminosidad. Y convertimos la imagen al modo de color Escala de Grises. Si nos pregunta si queremos descartar los otros canales le decimos que sí.
Imagen>Modo>Escala de Grises

4.-En la paleta de canales ahora sólo tenemos el canal Gris, manteniendo pulsado el Ctrl (Command en Mac) hacemos click en la imagen en miniatura del canal, y veremos como se hace una selección en la imagen original. Ahora vamos al menú Seleccionar y le damos a Invertir.
Seleccionar>Invertir

5.-Con la selección activa, volvemos a cambiar el modo de color a Color RGB.
Imagen>Modo>Color RGB

6.-Seguimos manteniendo la selección y creamos una Nueva Capa de Relleno de Color Sólido. Buscamos un color preferiblemente oscuro. Un negro o un marron oscuro por ejemplo.
Capa>Nueva Capa de Relleno>Color Sólido

7.-En la paleta de capas tenemos la nueva capa creada. Ajustamos su opacidad a nuestro gusto, podemos comenzar con un 50%.

8.-Añadimos una Nueva Capa de Ajuste de Niveles o de Curvas. A gusto de cada uno, y vamos probando resultados para conseguir el contraste que queremos.
Capas>Nueva Capa de Ajuste> Niveles o Curvas

9.-Seleccionamos la primera capa que teniamos, la capa de fondo, y la duplicamos.
Capas>Duplicar Capa

10.-Y a la nueva capa le aplicamos un filtro de Paso Alto con una cantidad de radio de 10.
Filtros>Otros>Paso Alto

11.-A esta capa le cambiamos el modo de fusión a Luz Dura. Opción que tenemos en la paleta de Capas, arriba a la izquierda de la opacidad.

12.-Y por último le quitamos opacidad a esa última capa creada, comenzando por un 25% de opacidad, hasta dejarla a nuestro gusto.

Al final tenemos 4 capas, y 3 de ellas las podemos seguir modificando para conseguir diferentes resultados. Hay que poner especial atención en la capa de relleno, que será la encargada de dar el tono a nuestra foto, pudiendo ir desde tonos grises a tonos sepia. Y eso es todo, sólo nos queda guardar nuestra fotografía.

Si eres de los que estas en la fotografía digital desde hace poco y vienes de la fotografía analógica probablemente te interesará esta noticia.

Siempre que se cambia de formato, el pasar nuestra más valiosa información del viejo formato al nuevo supone quebraderos de cabeza. De Beta a VHS, de VHS a DVD, de cinta magnética o vinilo a CD, etc…
El mundo de la fotografía no se libra, y puede que nos encontremos con muchas fotografías que nos gustaría mantener pero de las que solo tenemos el negativo. Por eso esta bien que haya empresas que nos lo pongan fácil. Y eso es lo que hace scandigital.com

Simplemente hacemos un pedido vía web, imprimimos una etiqueta para UPS, empaquetamos nuestros negativos o fotos a escanear y los enviamos. ScanDigital nos envíara de vuelta nuestros negativos y un DVD con las fotos escaneadas. Además, crean una galería online con nuestras fotos para que podamos pedir copias impresas si nos interesa.

Más información | scandigital.com
Via | FDlog

Sigma acaba de anunciar dos nuevos objetivos ojo de pez diseñados de forma expecífica para cámaras digitales SLR con sensores tamaño APS-C.

El Sigma 4.5mm F2.8 EX DC Circular HSM tiene un angulo de visión de 180º en todas las direcciones, y cuando se usa con una cámara con formato APS-C produce una imagen circular. Gracias a su apertura f2.8 ofrece una gran luminosidad por lo que puede ser de gran utilidad en situaciones con escasa luz. Idoneo para astrofotografía o para fotografiar auroras.

Es un objetivo con aplicaciones un tanto específicas tanto para el mundo de la ciencia como para el arte.

El Sigma 10mm F2.8 EX DC HSM tiene un angulo de visión de 180º en las cámaras Nikon, 154º para las Sigma y 167º para Canon. Pero este no ofrece una imagen circular como el anterior, por lo que nos permitiría un uso más popular del objetivo. También se anuncia como un buen objetivo para fotografía macro ya que permite enfocar un objeto a 1.8 cm de la lente exterior.

Ambos objetivos tienen un motor ultrasónico de enfoque(HSM).

Más información | Sigma 4.5 Fisheye, Sigma 10 Fisheye
Vía | DSRL Magazine