Entrar en la fotografía móvil después de muchos años disparando con sistemas más ‘tradicionales’ es un reto para muchos fotógrafos. Debido a eso, la opción fácil es rechazar los smartphones como un nuevo sistema fotográfico que siempre está con uno. Sin embargo, al experimentar cada vez más con este tipo de sistemas, se aprenden muchas cosas y se disfruta de nuevas perspectivas en la fotografía.

Con la pandemia, mi exploración móvil aumentó. Gracias a ella he podido explorar otras visiones y nuevas herramientas. Por eso el gusto por ella va en aumento. Así que, acá os comparto mis tres cosas favoritas de usar estos sistemas.

Sin mucho peso, sin llamar la atención

La inseguridad en Latinoamérica es común para muchos de los fotógrafos de este lado del océano. Debido a eso, salir a hacer fotografías es más complicado que hacerlo en España u otros países de Europa. Se está más limitado a planear bien cada salida fotográfica y a estar usualmente en grupos para evitar el robo de los equipos. Si bien no es algo del día a día, siempre hay una probabilidad alta.

Por eso el celular se transformó en una herramienta cómoda y perfecta para explorar fuera en la ciudad. Esto me ha permitido ver la ciudad de nuevas formas, recorrer mi país de manera más fácil y tener más confianza al  realizar capturas fuera de la casa o el estudio.

Así mismo, el peso fue un factor clave pues no cargar con el equipo usual invita a caminar y explorar más tiempo por fuera. Si bien soy de equipo ligero, la maleta siempre tenía un par de objetivos, baterías y algún que otro accesorio adicional.

Listo para cada momento

Soy fanático de capturar cosas que me parezcan curiosas. Esto puede ser un momento que esté viviendo, la luz de la escena e incluso una flor. Debido a que no suelo sacar mi sistema principal del estudio, eso implicaba perder escenas, mirarlas y decir que hasta ahí llegaron.

A medida que fui experimentando más con la fotografía móvil, esos momentos han aparecido más seguido. O, mejor dicho, la mirada fotográfica de mis alrededores se está expandiendo cada vez más, permitiendo encontrar nuevos momentos para capturar. Ese incentivo de explorar es algo que a veces nos falta a los fotógrafos y por ello siento tan valioso esta participación de hacer tomas con mi smartphone.

Desprenderse del equipo

Dar clases virtuales y no estar siempre cerca del estudio es un reto y una magnífica forma de cuestionarse sobre la fotografía. Cuando hay estudiantes al otro lado de una pantalla sin recursos económicos para comprarse un sistema (así sea de entrada) y sin la posibilidad de acceder a los equipos de sus instituciones, la frase de “la mejor cámara es la que tenemos a la mano” se hace más cierta.

Este fue mi principal motor para explorar cada vez más en este nuevo mundo. ¿Se puede hacer retrato? Intentemos. ¿Producto? Intentemos. ¿Naturaleza y paisaje? Pues intentemos.

Ese constante intentar y entender se vuelve un aprendizaje en conjunto que nos invita a entender mejor los conceptos. Así mismo, nos hace buscar cómo trasladarlos sin importar el sistema o el equipo fotográfico que tengamos.

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Soy fotógrafo profesional y estas son las tres cosas que menos me gustan de la fotografía móvil

Si vosotros también estáis explorando con estos sistemas, ¿qué es lo que más os ha gustado? ¿Qué es lo que no os gusta para nada?

Los fotógrafos parece que estamos condenados a ir a los lugares más bonitos de la tierra para plasmarlos con nuestras cámaras. Es lo que se ve, mayoritariamente, en las redes sociales. Incluso se comparten los puntos más fotogénicos del planeta para que todos podamos ir a hacer la cola y disparar. El problema, o así lo vemos, es que se convierten en tópicos. A lo mejor es más divertido olvidarse de lo que nos proponen y dedicarnos a buscar por nosotros mismos lo que hay que fotografiar.

Hay un fotógrafo, que no he logrado encontrar, que buscó todas las imágenes en las redes sociales de los principales monumentos del mundo y demostró algo muy curioso: todos hacemos las mismas fotografías. Más lejos o más cerca, con más luz o menos, pero exactamente iguales. Tendemos a repetirnos.

Martin Parr plasmó a muchos turistas sujetando la torre de Pisa para conseguir esa instantánea con la que todos relacionamos a la conocida torre. En EEUU hay un mirador que indica el punto exacto en el que Ansel Adams colocó el trípode para hacer su famosa imagen de la tormenta alejándose en el Gran Capitán... Y la gente se pelea por conseguir ese privilegiado puesto en días llenos de nubes.

Granada

Es una forma de conseguir fotografías bonitas de una forma rápida y segura, sin riesgo alguno. Llegó a un sitio que he encontrado (incluso con coordenadas gps) y si el día acompaña, logramos una imagen cercana a la perfección, como ese pueblo que han creado en China para tener fotos instagrameras.

Busca tus propios lugares pintorescos

Algo que me llama mucho la atención es que a los sitios bonitos de España se señalan con una señal de una cámara de fuelle y se le denomina lugar pintoresco. ¿No debería ser espacio fotográfico?

Mi tío era Roberto Fernández Peña, autor de 'Excursiones inéditas desde Madrid', uno de los primeros libros de viajes en coche que se publicaron en España. Tuvo tanto éxito que es el único autor que tenía un puesto propio en la Feria del Libro de Madrid. En esa trilogía contaba cómo ir a lugares tan desconocidos como el nacimiento del río Mundo, el hayedo de Montejo o Buitrago de Lozoya...

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La clave de la fotografía en color y por qué es más difícil que el blanco y negro

Tuvimos la suerte de conocer esos paraísos cuando todo era virgen y nadie lo conocía. Ahora cualquiera de estos lugares está indicados en la carretera, tienen control de entrada, parking para autobuses y tiendas de recuerdos... Cuando he vuelto al cabo del tiempo seguían siendo sitios inolvidables pero masificados. Y puedes encontrar mil y una fotografías en cualquier red. No hay que dejar de visitarlos pero no es lo mismo.

Puentedey (Burgos)

A la hora de viajar todos queremos ver sitios bonitos. Y oigo decir a muchos que lo que buscan es poder hacer fotos... Siempre he pensado que cualquier calle, cualquier espacio es digno de ser fotografiado. Solo que hay que esforzarse más y sobre todo, conocerlo muy bien. Es decir, echarle horas para lograr una buena serie.

La torre Eiffel queda perfecta desde los Campos Elíseos, o la Alhambra desde el mirador de San Nicolás... Es imposible (si dominas la técnica) que queden mal. Pero esa foto la hace todo el mundo que pise con una cámara esa misma baldosa en la que te has situado. Son ciudades masificadas que te permiten hacer fotografías postaleras sin parar.

Y no es malo, pero te impiden evolucionar como fotógrafo, tener un lenguaje propio. Si quieres mejorar estos sitios deberían verse como centros de entrenamiento para contar mejor cómo es la vida en tu barrio, aunque sea Moratalaz (que conste que soy de ahí). Hay que tener espíritu aventurero y encontrar tus propios disparos. Y si quieres, tener recuerdos de los lugares de siempre.

Cueva de los franceses

Uno de los retos que les pongo a mis alumnos es que hagan una fotografía original del Oso y el madroño de la madrileña Puerta del Sol. O de la misma Cibeles. Y creo que no hay reto más difícil que fotografiar un lugar turístico de una forma original. Pero ese entrenamiento te servirá para ir a cualquier lugar con otra visión, la tuya propia.

Mi familia paterna es de un pueblo de Madrid, de la llamada Alcarria madrileña. No destaca por su belleza precisamente. Pero hace mucho tiempo me encargaron las fotografías para ilustrar el libro sobre su historia. Fue uno de los trabajos más difíciles que he hecho nunca, pues es un lugar que creció sin preocuparse por nada.

Sin embargo el trabajo fue muy bien recibido y forma parte de la decoración del ayuntamiento (creo que siguen expuestas). Ahora sé que lo haría mucho mejor porque tengo el ojo más entrenado. Pero me sirvió para aprender que siempre es posible hacerlo bien si conoces lo que estás viendo y le dedicas horas y más horas.

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¿Qué se necesita para ganar dinero con nuestras fotografías en páginas de pago por suscripción?

Por este motivo recomiendo huir de los lugares turísticos y encontrar tu lugar fotográfico en el mundo. Será siempre tu gimnasio visual para enfrentarte a cualquier reto. Y a lo mejor consigues que se convierta en un sitio pintoresco... aunque seguro que te gustará mantenerlos secretos solo para tus amigos y familiares...

Yo lo llamo el síndrome del fotógrafo turista. Vemos las fotografías que hemos hecho durante las vacaciones y solo nos entra desesperanza y desasosiego cuando las vemos. Da igual que estén hechas con la mejor cámara del mundo... Están torcidas, tienen mala luz, parecen sacadas de un folleto turístico... Vamos a descubrir el motivo por el que nuestras fotografías de viajes no son tan buenas como nos gustaría. Y os aseguro que los únicos culpables somos nosotros.

'¿Por qué mis fotografías del último viaje son tan malas?'... 'Te enseño las fotos, pero no seas duro conmigo'... 'No valen nada, me retiro'... Estas son algunas de las frases que me han dicho mis alumnos cuando vuelven de sus vacaciones con sus fotografías y tenemos la primera clase. La verdad es que muchos son muy duros consigo mismos, a otros no les puedo quitar la razón y algunos tienen el síndrome del fotógrafo turista.

Este síndrome, que nos afecta a todos y a cada uno de nosotros en proporción a lo cansados que estemos muchas veces, y otras a ciertas dudas que nos entran, es el culpable de que queramos abandonar la fotografía y no volver a coger una cámara nunca más en la vida. Algunos incluso dicen que ya solo llevarán el móvil (como si esa fuera la solución).

El síndrome del fotógrafo turista es aquel en el que el portador de la cámara se deja arrastrar por la masa para no interrumpir el devenir de la jornada. Como viaja acompañado le entra el complejo, totalmente comprensible, de ser una molestia, de retrasar al grupo y otras cosas que prefiero callar.

También tiene otra consecuencia, sobre todo cuando se hacen viajes organizados, que son las ganas de actuar como una unidad, donde todos se mueven igual, miran al dedo que señala el guía y hacen exactamente la misma fotografía, como los grupos de turistas que adornan nuestras ciudades más bonitas. Ahora miren a la derecha, avancen doscientos metros y fíjense en la rana que está en la calavera. Y todos sacan su cámara para hacer la fotografía del anfibio de piedra.

De 'turisteo'

Por supuesto cada uno puede hacer lo que quiera y es totalmente libre, faltaría más. Pero si esta forma de actuar hace que no te sientas convencido de tus fotografías tienes que luchar para salir de ese círculo vicioso, así que vamos a ver cómo combinar algo tan complicado (aparentemente) como juntar la buena fotografía con las vacaciones.

Cómo conseguir que nuestras fotografías de viaje mejoren

Tenemos que tener claro lo que queremos conseguir. Todo depende de este punto. No es lo mismo buscar un estilo personal que buscar la postal turística. Son dos formas de enfrentarse a los recuerdos. Y las dos perfectamente válidas:

• El estilo personal es, explicado de una forma muy básica, conseguir que quien vea las imágenes cuando volvamos reconozca nuestra forma de mirar.
• La postal turística es conseguir un disparo que pueda ilustrar cualquier folleto y que provoque las ganas de viajar. Es un disparo perfecto desde el punto de vista técnico, pero que todo el mundo con nociones fotográficas podría conseguir. Es, por decirlo directamente, un recuerdo de película.

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Las nueve cámaras (réflex o sin espejo) con mayor resolución del mercado que se pueden comprar actualmente

La fotografía turística no se puede despreciar de ninguna manera. Tiene un potencial tremendo y tiene la facultad de hacernos sentir bien. Incluso hay autores de renombre que han adoptado esta forma de mirar como un estilo propio. Recordemos por ejemplo a Martin Parr, un gran amante de este tipo de fotografía.

@ferfoto

La fotografía es un trabajo puro y duro. Pero también es una de las aficiones más queridas por este mundo occidental. Si no disparamos no recordamos, parecen decir las miles de imágenes que circulan por las redes sociales. La fotografía es un trabajo solitario y muchas veces incompatible con la fiesta.

Si queremos mejorar deberíamos ponernos en modo fotógrafo, pero estamos de vacaciones. No es un trabajo, pero queremos buenos resultados. Parece algo totalmente incompatible más no es así. De hecho, muchos de nuestros grandes fotógrafos eran aficionados, viajaban juntos y fueron capaces de enseñarnos un mundo totalmente distinto a través de sus ojos.

Dominar la fotografía postalera

Si quieres conseguir la fotografía postalera, el nivel que alcanzamos todos con práctica, solo tenemos que dominar la técnica de la exposición a la perfección (muy fácil con las cámaras actuales) y componer según las reglas básicas. No tiene mayor complicación.

La luz, eso sí, es la que vas a tener en cada momento, cuando llegues a los sitios. Además hay miles de referencias en Instagram. Solo tenemos que mirar la etiqueta del lugar al que vamos y listo. Allí estarán los lugares pintorescos una y otra vez. Además siempre podemos acudir a los filtros mágicos o un revelado moderno para lograr lo que buscamos.

Lo de siempre

Siempre vamos a estar acompañados y pocas veces nos vamos a desviar de nuestro camino. Tú vas a fotografiar el monumento desde el mejor punto posible, que es el que quiere ver todo el mundo. No te tienes que desviar porque las guías ponen que ahí es donde sucede todo. Y tú lo único que quieres es un buen recuerdo, sin más complicaciones.

Así que antes de salir de viaje domina como nadie tu cámara. No dudes ni un instante en poner Prioridad al diafragma o modo Programa... Siempre lo más rápido para que todo quede colocado a la perfección. No es fácil conseguirlo, solo con práctica puedes llegar a este estado. La clave es fotografiar mucho en tu ciudad. Ve a los sitios turísticos y dispara una y otra vez hasta estar seguro de ti mismo. Y todo será perfecto.

Lograr un estilo personal

Este camino es un poco más difícil. Es el escalón siguiente y exige más esfuerzo y tiempo. Pero jamás intentes llegar aquí sin la escuela de la mirada que supone la fotografía postalera.

No vas a enseñar el viaje que has hecho, por ejemplo, a Madrid, sino cómo ves tú Madrid. Este matiz es importante. Tus disparos tienen que ser personales, nunca vistos y con referencias a otras escuelas y fotógrafos. Por este motivo no puedes hacer lo habitual. O sí, siempre y cuando lo muestres de otra forma.

Si te gusta esta forma de fotografiar no quiere decir que tengas que viajar solo, que sería lo ideal pero lo más aburrido. Solo tienes que viajar con gente que te conozca y dominar muy bien el plano de la ciudad para no perderte. Yo tengo la suerte de viajar con amigos y familia que me conocen a la perfección y saben que si desaparezco pronto apareceré por la otra esquina con una cara de felicidad.

En estos viajes no es el momento de buscar la mejor luz, sino adaptarte a la que tienes. Otra opción es disparar solo cuando la luz te gusta (y creo que es la mejor opción). Y estar siempre mirando para captar ese momento que te quieres llevar. Seguro que haces menos fotos que tus acompañantes y que te sueltan eso de que menudo fotógrafo de pacotilla (con cariño) que eres... pero tú tienes claro lo que quieres y es lo único importante.

Para terminar

La clave es dejar en buen lugar al gremio de los fotógrafos (no pienses mucho en esto). Tienes que evitar convertirte en el plasta del viaje, al que todos tienen que esperar, el que dice quita de ahí que me estropeas el encuadre, el que dice que no hace la foto porque la luz no es buena, el que canta una y otra vez las virtudes de la luz sin que a nadie le importe (porque no le tiene que gustar la fotografía a todo el mundo).

No tienes que estrenar equipo o técnica en un viaje. Estas cosas las dejaremos para los fines de semana cerca de nuestra casa. Y nos tenemos que documentar antes de salir. Si queremos hacer buenas fotografías tenemos que conocer el lugar, tener una pocas nociones de lo que vamos a ver.

Ojo, no estoy diciendo que tengamos las coordenadas exactas para repetir las fotografías de los gurús... Salvo que queramos convertir esos lugares en puntos pintorescos que se señalen en los mapas.

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Y desde luego no tenemos que tener miedo de incluir a los que viajan con nosotros. Ellos nos hacen reír y disfrutar. Por ellos estamos ahí y tienen que formar parte de nuestro trabajo y mirada. No es cuestión de convertirse en un plasta haciendo siempre fotos a tus compañeros de viaje (odio profundamente esta actitud) pero de vez en cuando viene bien para los recuerdos... Una de las cosas más bonitas de la vida es ver los viejos álbumes en compañía de tu familia cuando ha pasado tiempo desde aquel viaje que todos recordarán por tus fotos...

Durante nuestro desarrollo como fotógrafos, es importante aprender a optimizar nuestro trabajo y tiempo con un flujo de trabajo definido. Si bien cada persona debe encontrar sus puntos fuertes y débiles para encontrar un proceso cómodo y efectivo, hay elementos que son necesarios en todo tipo de imágenes. Aquí os mostramos cuáles son.

Desarrollando nuestro flujo

A la hora de abordar nuestras imágenes se nos enseña que éstas pasan por tres pasos principales: revelado, edición y retoque. Esta división usualmente se enseña así por el acercamiento tradicional de la fotografía donde primero se procesa la foto de manera natural durante el revelado, luego se hacen modificaciones leves en la edición y se finalizan los cambios grandes en el retoque.

Sin embargo, una forma más intuitiva de acercarse a todos estos procesos es pensar el flujo desde los distintos propósitos de los ajustes:

• Balancear
• Hacer ajustes locales
• Eliminar distracciones
• Definir el estilo de color

Al pensar la imagen en este sentido entendemos que trabajar la imagen no es una cuestión de ir del paso más purista al menos purista, sino que toda imagen necesita unos pasos de trabajo que nos permitan obtener el resultado que queremos. Este acercamiento, al estar pensando en preguntarnos constantemente “qué le hace falta a nuestra imagen”, nos permite entender por qué pasamos de un proceso a otro.

Ahora veamos cada uno de esos propósitos en detalle.

El balance

Para mostrar el pensamiento de trabajo, vamos a utilizar la imagen de abajo como ejemplo.

Cuando estamos seleccionando nuestras imágenes la primera pregunta que usualmente nos hacemos es ¿cuál es mejor? ¿cuál se acerca a lo que buscamos publicar? Sin embargo, la imagen que estamos utilizando es una imagen que no estaría cerca de esa selección. Así que por qué no mejor preguntarnos ¿cuál imagen tiene mayor potencial? ¿cuál se acerca a lo que buscaba al capturar la escena?

Ese acercamiento es lo más importante. En su mayoría de veces, las imágenes que capturamos afuera o en el estudio deben estar bien expuestas, con el balance de color y expuestas de manera correcta para lo que buscamos hacia el final. Algunas veces, puede que tengamos una que otra captura como la de arriba, que parecen una mala captura, pero que tienen potencial tras trabajar en ellas un poco.

Si la imagen está bien, balancear la imagen va a ser un proceso sencillo, pues solo será terminar de ajustar levemente los ajustes de revelado para conseguir una base de trabajo ideal. En este caso, hay que ajustar mucho la exposición, hay que corregir el balance de blanco y hay que ajustar los tonos para que se acerquen a una base neutra sobre la que vamos a trabajar. Al arreglar estos problemas y buscar neutralidad llegamos a algo como esto:

Esto resuelve el primer paso del acercamiento a nuestras imágenes: conseguir una base sólida sobre la que podemos trabajar.

Ajustes secundarios

Una vez tenemos ajustada nuestra base, en el revelado o directamente en el paso de edición podemos comenzar a trabajar en la siguiente pregunta: ahora que tengo una base, ¿qué puedo hacer para completar esa base?

Esto usualmente es nuestro paso de crear ajustes de contrastes locales o los primeros arreglos de la escena. Podemos utilizar algunos ajustes como máscaras, degradados o brochas de ajuste para buscar corregir zonas específicas tanto en iluminación o en color.

En el caso de nuestra imagen, podemos ayudar a ajustar la luminancia de la escena para rescatar más del celular. Así mismo podemos usar una técnica similar a la que os mostramos de filtros radiales para ayudar a generar parches de luz y darle más volumen a ciertas áreas.

En general, lo que estamos buscando con ello es terminar de acentuar esa base para seguir con limpiar y terminar nuestra pieza.

Quitar lo que distrae

El siguiente paso de toda imagen es enfocar la retención de nuestro espectador en los sujetos más importantes de la imagen. La pregunta que nos haremos en este paso es: ¿a dónde miran mis ojos cuando veo mi imagen?

Acá nos encargamos de esos puntos más brillantes, esos puntos de contraste que llaman la atención y aquellos elementos que se pueden limpiar para una lectura simple de la imagen. En un proceso de revelado podemos realizar esto con ajustes locales o usando la herramienta de clonado de nuestros reveladores. Sin embargo, en algunas especialidades esto es un proceso más delicado. Lo importante es que nuestras imágenes deben centrarse en nuestro sujeto y todo lo que le quite atención debe ser eliminado u opacado.

En fotografía de moda, retrato o comercial podemos pasar muchas horas en el ordenador ajustando cada poro, cada brillo y cada punto incómodo que ensucie la piel o el producto. Algunas especialidades necesitarán menos trabajo, como eliminar algunas personas, darle menos protagonismo al fondo o limpiar alguna textura. Entre más sencillo sea la necesidad más sencilla será la herramienta. No siempre necesitamos llevar todo a retoque en un editor como Photoshop, si los procesos son sencillos podemos hacer todo sin salir del revelador.

Nuestra fotografía de ejemplo es un ejemplo de elementos sencillos, donde solo hay que limpiar áreas para que se vean menos ocupadas y de esa manera tener una lectura más limpia alrededor de la imagen.

Definir el estilo

Una vez tenemos nuestra base y sabemos que la atención se enfoca en nuestros elementos principales, lo único que queda es darle ese cierre de estilo que marca nuestras imágenes.

En el pasado hemos hablado sobre cómo podemos hacer ejercicios para pulir nuestro estilo, la importancia de tener referentes y contar con una buena cultura fotográfica. También tenemos muchos tutoriales que nos ayudan a conseguir looks visuales llamativos de los cuales podemos aprender a extraer elementos para nuestro trabajo.

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La importancia de contar una buena cultura fotográfica para mejorar como fotógrafos

Esta última fase debe responder solo una pregunta: ¿cómo hago esta foto mia?

La única respuesta y el único camino es experimentar, aprender a usar las herramientas y, en especial, aprender cómo aprovechar su poder para reforzar nuestras fotografías.

Así que, salgamos de procesos y comencemos a pensar en propósitos.

Los estilos de color nos permiten darle nuevas identidades a nuestras imágenes. Para dominar la creación de los looks, es importante entender las herramientas, inspirarse en tendencias y emular y buscar formas de llegar a esos estilos. El día de hoy, veremos cómo obtener una dualidad de tonos rosa/verde.

En retrato, este efecto de color puede resaltar mucho las pieles y darles contraste frente al fondo. En Paisaje o arquitectura, este contraste le puede dar una sensación de fantasía al espacio retratado. Un efecto que debe tratarse de manera sutil para que no se vea tan cargado.

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Dale un efecto más dramático a tus imágenes con una iluminación de contorno creada en Photoshop

En el laboratorio

Tomaremos la imagen de abajo para mostrar el proceso.

Lo primero que haremos es ajustar el contraste de la escena y lavar los negros y cortar los blancos para poder tintar el color de manera más sencilla. Para ello crearemos una capa de ajuste de ‘Curvas’ y la ajustaremos para cortar la información y ajustar una base del contraste.

Ahora, sobre la escena vamos a buscar cinco puntos: un brillo alto, un brillo, un tono medio, una sombra y una sombra profunda. Para hacerlo tomamos la herramienta de puntero y, presionando shift, hacemos click en estos puntos. Luego, en el recuadro de información, podemos cambiar la vista del valor a HSB. Anotaremos los valores de brillo de cada número.

El siguiente paso será crear una capa de ajuste de ‘Mapa de degradado’. Crearemos cinco puntos de control dentro de la capa. Ajustaremos el mismo tono para todos los puntos, sin embargo, el brillo de cada uno de esos puntos deben reflejar los que anotamos en la imagen, esto nos permitirá generar un mapa que luego nos permitirá ajustar la imagen de dos formas.

Esta capa de ajuste de degradado podemos darle una propiedad de fusión de capa de ‘Color’ o de ‘Sobreponer’. Si elegimos ‘color’ podemos crear un mapa de tono sobre el sujeto. Si elegimos sobreponer, esta capa también nos ayudará a crear un control de contraste sobre la escena. En este caso iremos por color, y ajustaremos cómo afecta con opacidad.

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Cómo potenciar el contraste de nuestras imágenes con tan solo dos capas de ajuste en Photoshop

Los dos siguientes pasos son opcionales, pero nos pueden ayudar si queremos hacer ajustes más específicos. El primero de ellos es sobre el tono general. En vez de volver a ajustar todo el mapa de degradado con un nuevo valor de tono, con una capa de ajuste de ‘Mezclador de canales’ podemos reajustar el color sobre la escena.

La segunda capa es para un ajuste más específico sobre los labios de la modelo y se realizó con una capa de ajuste de ‘Tono/Saturación’.

A este grupo de ajustes le crearemos una máscara para solo aplicar el color sobre la modelo.

El siguiente paso será jugar con el color de fondo. Para lograrlo, lo que haremos será crear una capa de ajuste de ‘Corrección selectiva’ y cambiaremos el tono de nuestro fondo a uno que complemente el tono principal. En este caso un verde que tiende hacia el cyan, y es oscuro.

Aplicamos una máscara para solo modificar el fondo. Y abajo podéis ver el resultado final.

Si bien hay que hacer máscaras y ajustar los elementos de manera específica, tenemos unos ajustes que nos permite crear variaciones del color, exposición y contraste con tan solo un cambio rápido en el mapa de degradado o la capa de mezclador de canales. Permitiendo encontrar un equilibrio y reajustar en cada paso de la gradación.

Pero, como siempre, lo más importante es practicar en casa y ver cómo afecta a nuestras imágenes. Esperamos este tutorial les sea de mucha utilidad.

Durante estas épocas de encierro, una de las constantes de muchos de nosotros es el bloqueo creativo. La costumbre de estar activos se ha roto y, a pesar de ejercicios y alternativas para combatirlos, seguimos en un agujero negro de cómo motivarnos dentro de esta jaula de concreto. Pero no os preocupeis, este estado es normal y podemos salir de él con paciencia y estrategia.

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Parar, respirar, observar, obturar: una pausa necesaria para mejorar nuestras capturas fotográficas

El vacío de motivación

La creatividad es una herramienta que en varias ocasiones es difícil de controlar. Cuando el switch está prendido somos capaces de planear y producir en grandes cantidades. Pero, cuando se baja, esas ideas simplemente son sombras en nuestra mente.

Sin duda alguna, a más de uno, este encierro lo tiene con el switch abajo. Tal vez el practicar estilos diferentes no ha sido tan motivante o esa falta de motivación no nos esté dejando hacer uno de esos talleres en línea. Pero eso está bien, no es necesario que estemos produciendo el 100% del tiempo.

Así como en nuestra profesión, debemos tratar de balancear las luces y las sombras en nuestra mente para obtener una nueva imagen. Y para ello debemos encontrar un camino que permita llevar la luz a la oscuridad de la desmotivación.

Encendiendo velas

Este camino de iluminación comienza con aceptar que estamos desmotivados, que no podemos hacer nada por el momento. Muchas veces la frustración de sentirnos desmotivados solo empeora las cosas, ya que tratamos de hacer por hacer, para no sentirnos algo inútiles. Sin embargo, esa presión sólo termina en más desmotivación.

Tras la aceptación, lo primero que podemos hacer es aprovechar este tiempo de pausa para reorganizar nuestra mente. Para ello, el mejor ejercicio es el de la observación. Dedicar un tiempo a observar cómo pasa el día, los elementos alrededor de nuestra casa o incluso dedicarnos a observar curiosidades por la web.

Entre esos ejercicios, al despejar nuestra mente, otro elemento que podemos tomar es el revisitar nuestro trabajo. La motivación arranca por entender nuestros caminos. Para ello, el recorrer nuestro archivo es una forma de mostrarnos que hemos avanzado. Acá también podemos ver nuestras metas y analizar cómo ha evolucionado nuestro estilo para llegar a ello.

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¿Llegó el bajón de inseguridades de fin de año? Analizando nuestro trabajo veremos el crecimiento fotográfico

Tras este camino podemos empezar a abordar una reactivación de nuestra creatividad. Para ello la inspiración y las referencias son una gran herramienta de motivación. Si no nos fluyen las ideas, practicar con referencias puede reactivar la chispa de producir fotografías y crear piezas.

Finalmente está el volvernos a retar a fotografiar, a explorar nuestro estilo a través de editar nuestras imágenes, de capturar tomas en casa o experimentar con iluminaciones o elementos caseros.

Estos son procesos que pueden durar varios días en tomar vuelo, pero que nos ayudarán a retomar la pasión fotográfica y salir del bloqueo del encierro. Es importante que aprovechemos a resetear la mente con esta pausa creativa y darle el tiempo que se merece para volver.

Estos días son perfectos para experimentar con nuevos estilos de color en nuestras imágenes. Por ello traemos en esta ocasión un ‘look’ inspirado en la primavera. Así podéis conseguir un estilo de color ‘Durazno’ en Photoshop.

En el laboratorio

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Consigue un estilo de dualidad de tono cyan-magenta en Photoshop

Este look está inspirado en una de las tendencias publicitarias de esta generación en la que llevamos los tonos a parecer más crema y cálidos. Es especialmente usado para trabajar tonos de piel que estén entre lo natural y lo fantasioso.

Para mostrar el proceso usaremos la imagen de abajo como ejemplo:

Lo primero que haremos es comprimir la información y buscar llevar nuestras pieles a lo cálido. Para ello, crearemos una capa de ajuste de ‘Curvas’ en la que trabajaremos el canal general para la ruptura de nuestro punto blanco y negro, y luego cada canal individual para ajustar el tono base de color.

Nuestro siguiente ajuste se enfocará en exaltar la calidez de los tonos. Para ajustar estos valores de manera más precisa, trabajaremos con una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. En este ejemplo trabajaremos sobre los canales rojo, amarillo y neutros. La idea es extender los tonos de la piel hacia un tono algo amarillento, pero de manera natural.

En este caso, una capa de ajuste de ‘Exposición’ nos ayuda a ajustar levemente la escena.

Para finalizar, agregamos una capa de ajuste de ‘Mapa de degradado’ con el tono rosa final. Esta capa la pondremos en modo de fusión de color y disminuimos su efecto con la barra de opacidad o relleno de capa. Esto lo hacemos para buscar equilibrar el tono de piel donde más nos convenga.

Opcionalmente, podemos agregar una capa posterior que nos ayude a reforzar el brillo de la imagen. Para ello creamos una copia de la imagen final, la ponemos en modo de capa ‘Superponer’ y con las propiedades de fusión de capa ajustamos para que solo se aplique el efecto en los tonos claros de la capa final.

Abajo podéis ver el resultado final.

Como podéis ver, este estilo de color tiene un resultado que nos recuerda a esa dualidad moderna y retro como lo puede ser las películas cálidas de Lomography. Es un elemento que se enfoca en la calidez; en fotografía de paisaje le da un toque algo nostálgico y de fantasía.

Lo que queda es practicar con nuestras imágenes, ajustando y viendo cómo adaptar los ajustes de manera más enfocada a ellas. Entendiendo las herramientas y practicando para controlarlas, llegaremos a un resultado único.

Las apps de filtros especiales como Huji son cada vez más populares, trayéndonos estilos fotográficos basados en películas analógicas, con todo y efectos de cámara. Sin embargo, cuando queremos usar algo más que la cámara del celular y un editor casual, podemos buscar estos ‘looks’ en Photoshop. Así que, aquí os traemos una guía de cómo emular los efectos de las apps vintage.

En el laboratorio

El principio de estas apps se basa en módulos de efectos sobre la imagen. Usualmente su flujo de trabajo consiste en nivelar luminosidad y reducir saturación para poder ajustar valores de contraste y tinte preestablecidos. En nuestra versión haremos un proceso más complejo, que nos permitirá tener controles adicionales en la escena.

Usaremos la imagen de abajo como ejemplo para el proceso:

Lo primero que haremos es conseguir reducir el contraste lumínico en la escena. Para eso necesitaremos subir el punto de negro, lavar las sombras, cortar los brillos y reducir el punto blanco. Esto lo lograremos creando una capa de ajuste de 'Curvas' y creando una curva en s invertida.

Ahora, podemos crear un modificador de contraste localizado. Para ello podemos crear una capa de ajuste de ‘Blanco y negro’ y cambiar su modo de fusión a ‘Luminancia’. Esto hará que podamos controlar la luminancia según los colores de la escena. En este caso, reducimos el azul y el cyan para oscurecer más el fondo y aumentamos los niveles de rojo y amarillo para aclarar más la piel.

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Qué son y cómo utilizar los modos de fusión de capa en Photoshop: Grupo de componentes

Ajustaremos más el nivel de contraste con una nueva capa de ajuste de ‘Niveles’.

En esta imagen en particular, para reducir más el fondo, se ha creado una capa de ajuste de ‘Corrección selectiva’ y agregado negro al canal de azul.

Para preparar la imagen para tintado crearemos una nueva capa de ajuste de curvas. Lo que volverá a aplanar un poco los tonos en la imagen.

Inmediatamente agregamos una nueva capa de ‘Corrección Selectiva’ para agregar el tinte a la imagen tintando sombras y tonos neutros a gusto. Estas dos capas juntas se encargan de dar el efecto vintage de la emulsión. El principio de las películas fotográficas es que estaban pensadas para escenas en generales bajo este principio:

• Escenas de retrato: potenciarían el rojo en la emulsión.
• Escenas de paisaje: potenciarían los tonos verdes y azules.

En este caso el tinte tiene como propósito potenciar la piel. Y así conseguir tonos más cálidos sobre ella.

Finalmente, con una capa de ajuste de ‘Brillo/Contraste’ podemos ajustar de nuevo el contraste de la imagen final. Nos dará el tono de película de los noventa o, entre más desvanecido el contraste, incluso irá atrás en el tiempo.

Si queremos agregar un efecto extra, podemos incrustar imágenes de flares, filtrados de luz sobre la emulsión u otro efecto que agregue una capa más de profundidad a la escena. En este caso hemos incrustado una filtración y utilizado una capa de ajuste de ‘Tono/Saturación’ para cambiar el tono de la capa a nuestro gusto.

Abajo podéis ver el resultado final.

Este mismo principio aplicado en fotografía de paisaje, fotografía de calle u otros estilos requerirá ajustar principalmente las capas de ‘Blanco y negro’ y la de ‘Tinte’ para potenciar los elementos de la escena.

Explorad mucho en vuestras fotografías para encontrar el punto exacto que se adapte a ellas.

En el pasado vimos cómo analizar nuestro trabajo críticamente para poder valorar el progreso y la calidad de nuestras imágenes. Sin embargo, mejorar no solo viene con el análisis propio. Hay que escuchar las voces externas, que miran nuestro trabajo de otra manera. Para ello, hay que saber qué vale la pena, cómo interpretarlo y cómo se puede mejorar a partir de ello. Por eso, en esta ocasión hablaremos sobre el cómo tomar las críticas de nuestro trabajo para avanzar.

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Leyendo nuestras fotografías críticamente para mejorar nuestro estilo fotográfico

Sentimiento general

Sea donde sea, nuestro trabajo siempre estará expuesto a la crítica. Y, en cierto sentido, dentro de lo que se habla de nuestra obra encontramos tendencias. Ya hemos hablado sobre esto antes con el uso de indicadores claves en nuestro trabajo fotográfico. Estas tendencias nos pueden mostrar si el sentimiento general es de agrado o no a nuestra obra.

Así que nuestro primer filtro alrededor de las críticas de nuestro trabajo se define en separar ese sentimiento. ¿Hablan bien de mi obra? Va para lo bueno. ¿No les gusta a nivel técnico? Va para lo malo. ¿Hay consejos para pulir? Va para lo bueno. ¿Me está diciendo cómo debería hacer mi trabajo? Va para lo malo.

Sin embargo, hay que entender acá que lo bueno y lo malo no significa que sirva y no sirva. Hay que depurar en un segundo filtro qué de eso bueno sirve y qué de eso malo también sirve. Lo único que debemos desechar del sentimiento de la crítica es aquello que no da información.

El qué se dice

La visión general de la crítica suele estar ligada a los comentarios malos. Y muchas veces, si lo que queremos es que nos feliciten, podremos mostrarle a nuestros seres más cercanos las imágenes, ya que usualmente serán los primeros en alabar nuestra obra. Si queremos avanzar necesitamos saber dónde estamos quedados atrás.

Sin embargo hay un tipo de crítica positiva que siempre debe ser bienvenida: los comentarios sobre técnica. ¿Siempre clavamos el tono de la escena? ¿Nuestra edición o retoque capturan la mirada? ¿Nuestro mensaje siempre es claro? ¿Tenemos una técnica fotográfica acorde a lo que buscamos? Aquello que logra cautivar el ojo de nuestra audiencia es un elemento a rescatar, quiere decir cuáles son nuestros puntos fuertes y nos deja saber a dónde hay que dar menos prioridad.

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Cómo usar los indicadores de información clave para optimizar nuestra presencia fotográfica en la red

Sin embargo, la crítica ‘negativa’ es aquella que nos permitirá avanzar más en el camino, usualmente dividida en los estados de lectura de un espectador. Dentro de esta crítica lo que debemos buscar son los elementos que componen nuestras imágenes: Impacto, mensaje, estética, factura y técnica.

• Impacto: Se define si nuestras imágenes llaman la atención. Si cautivan desde un primer vistazo o si el público demora en ser atraídos a ver nuestro trabajo. Usualmente un mayor impacto genera más atracción, pero si la imagen no es buena el espectador se aburre y se aleja pronto de la fotografía.

• Mensaje: Una vez el espectador mira nuestra imagen, ¿entiende lo que decimos en ella? Este valor puede ser tan banal como miren este hermoso paisaje así como puede ser una crítica a la sociedad. Lo importante que debemos buscar acá es que nuestro trabajo esté lo suficientemente claro para que nuestro espectador entienda y que se trate de no sobreinterpretar la obra. Usualmente este apartado se puede medir en la discusión alrededor de la obra.

• Estética: ¿Las personas que ven nuestro trabajo encuentran armonía entre la obra, sus elementos y el mensaje? Muchas veces puede que estemos contando algo muy bien, pero que nuestra imagen no represente bien eso que contamos. El color puede estar saltando respecto a esa situación macabra y opaca de la que hablamos. Tal vez la iluminación raya respecto al sentimiento de alegría del que habla nuestra obra. Si bien es un apartado de mucha interpretación, el sentimiento general será positivo cuando todos los elementos de la obra vayan en una misma dirección.

• Factura: Como se presenta el trabajo es un elemento determinante. ¿Pongo marcos a las fotos o no?¿Muestro mi obra en un fotolibro, en una pared de galería, por redes o en una página web? Es importante que cada imagen esté optimizada al medio donde lo vamos a mostrar, esto va a ayudar directamente al impacto y a la visualización general de mi público.

• Técnica: Acá vemos todos lo técnico que pudo mejorar nuestra imagen como la exposición, composición, edición, el color, los ajustes, el retoque, etc…

El quién y cómo

Estos dos apartados usualmente vienen juntos pues depende de quién diga la crítica, también tendrá un cómo. Arranquemos por los más pesados que debemos descartar: los trolls.

Usualmente los trolls no tienen aporte alguno. Simplemente será un sí o un no sin mayor explicación. O será una explicación compleja tratando de argumentar cómo sería la fotografía de aquella persona. que salgan de nuestra vida inmediatamente.

Por el lado contrario, aquellas personas que solo dicen que la imagen es bonita o no también deben salir de nuestro análisis. Si bien son indicadores de sentimiento, si no tiene información adicional puede ser descartado.

Aquí lo que importan son dos audiencias: el público común y el público artístico.

El público común usualmente no sabe de los elementos específicos que hacen que la obra sea buena o no. Pero si tienen comentarios sobre los elementos y la escena que son valiosos. Pueden hablarnos sobre cómo los hace sentir, ayudándonos a identificar mensaje. Pueden encontrar elementos distractores que los sacan de la imagen. Pueden decir que les agrada o disgusta algo por x o y elemento dentro de la imagen.

El público artístico es usualmente quien nos puede ayudar a un nivel más profundo. Son quienes nos pueden aconsejar a nivel de técnica y estética el cómo puede mejorar nuestro trabajo. Sin embargo, es importante ver quién dice qué, pues algunas veces encontraremos colegas y artistas que no tienen mucha experiencia y hablarán desde el gusto y no en concreto desde cómo puede aportar elementos a nuestro estilo.

Esperamos estos elementos sean de utilidad para vosotros. ¿Qué temas del desarrollo de estilo fotográfico os gustaría conocer en un futuro?

El final de cada año viene con mucho para pensar, algunas depresiones y mucho aprendizaje. El comienzo de año es una forma de aplicar las conclusiones de lo aprendido durante el periodo anterior; además de que es un espacio para explorar y aprender nuevas habilidades. Así que este año, ¿qué tal si esta experimentación está enfocada en aprender a leer el mercado?

Lo que vimos

Durante el año hemos conocido algunas herramientas que nos permiten hacer un análisis general de nuestras redes y portfolio para mejorar nuestra presencia fotográfica. Esto es una herramienta que nos ayuda a poder crear un mejor impacto frente a nuestros clientes y la comunidad que nos sigue.

Así mismo, vimos cómo usar algunas de esas herramientas con el propósito de mejorar nuestro estilo fotográfico. Esto nos ayuda a enfocar mejor nuestros experimentos y los elementos en los que podemos mejorar como fotógrafos.

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Usando las redes para mejorar nuestro estilo fotográfico en el año que viene

Pero hay algo que es muy importante y que pareciera que debe llegar naturalmente, pero no: la audiencia y el mercado fotográfico al que pertenecemos.

Podemos analizar algunos elementos, como las tendencias de color que serán clave para el año. Pero, esto solo nos da algunas ideas de cómo lucirá el motor de búsqueda de aplicaciones como Instagram, o la publicidad en general en web y revistas.

Sin embargo, estamos acostumbrados al análisis general. Y olvidamos que somos especialistas en algunos de los oficios fotográficos. Por eso debemos analizar esa especialidad para mejorar y ver las tendencias de nuestro mercado.

Lo que veremos

El análisis del mercado depende principalmente de comenzar a leer y analizar nuestra competencia. Si soy un fotógrafo de retrato, debo ver otros fotógrafos de mi rama, preferiblemente de la misma zona. Esto no solo nos ayuda a identificar qué tan saturado está un mercado específico, sino cómo puedo enfocar mis objetivos para crecer.

Se debe ver qué dicen sus seguidores sobre su trabajo, qué fotos agradaron más en el año y analizar el trabajo a nivel técnico. De esto podemos ver qué valor único podemos ofrecer nosotros y así establecer eso como un punto fuerte de nuestra firma fotográfica.

Es un análisis que además complementaremos viendo las tendencias de esa rama alrededor del mundo. Ver quiénes han ganado concursos en categorías de nuestra especialidad y analizar el trabajo de ellos para ver por qué ganan esos concursos.

El trabajo de analizar y entender es una herramienta muy útil para encontrar elementos que nos ayuden a mejorar nuestro estilo fotográfico. A partir de ello, podemos ofrecer un mejor servicio, enfocar nuestro aprendizaje y crecer nuestra audiencia para más posibles clientes. Incluso si somos de la arma artística, este análisis nos permite encontrar formas de hablarle a la audiencia para que se acerquen más a nuestro trabajo.

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Aprendiendo a emular presets para mejorar nuestros procesos de revelado y edición fotográfica

Al hacerlo podemos establecernos retos, como explorar estilos de color u otros estilos fotográficos que complementen nuestro trabajo.Pero en general, podemos aprender a analizarnos y compararnos objetivamente ante los demás en pro de mejorar y no de sentirse atrás.

Así que, ¿por qué no aprender a leer el mercado este año?