Cuando la fotografía es nuestro principal medio de supervivencia, el trabajo puede convertirse en una carga que de alguna manera nos aleja de aquello que despertó la pasión por el arte en un principio. Sin embargo, la pasión por la fotografía es necesaria para seguir creciendo como creadores y manteniendo una mirada única en este arte. Aquí os dejamos algunos consejos que tal vez os puedan llevar a encontrar un balance entre trabajo y pasión duradero.

La pausa fotográfica

Al llevar varios años trabajando en la fotografía, muchas veces parece que el trabajo se encierra en una rutina y nuestra mirada se empieza a cegar. Por eso, es importante realizar pausas cada tanto a modo de descansar la mente y renovar la mirada.

En este descanso, podéis tomar un respiro y simplemente dedicar la mente a otras actividades. Algo de deporte, videojuegos o simplemente echarse en el suelo a ver el cielo o el techo de la casa. De esta manera, la dispersión de la mente aligera la carga que la rutina fotográfica genera sobre ella.

Quedarse quietos en la naturaleza

Esta oclusión ocurre porque nos quedamos rondando una sola mirada y caemos en una automatización de nuestro flujo. Para evitar estas recaídas es bueno darse días en la semana para pausas; diversificar acciones y experimentar nuevos elementos.

Tener dos miradas

¿Mi trabajo es hacer fotografías de producto todo el tiempo? ¿Solo me la paso en eventos y estoy cansado de la gente? Entonces, ¿por qué no tener una rama fotográfica como un hobby aparte?

Diversificar la mirada ayuda a despejar la rutina y los flujos. Es una buena forma de experimentar con estilos y de obtener nueva inspiración en la rutina del trabajo. Así mismo, nos ayuda a seguir desarrollando nuestra técnica mientras seguimos haciendo fotografías por pasión.

En especial, lo mejor de explorar múltiples caminos en la fotografía es que nos permite ver el mundo desde otras perspectivas. Esto usualmente trae ideas a la mesa de trabajo y permite una conceptualización más profunda al realizar trabajos de nuestra especialidad.

Que la pasión vuelva a germinar.

Tener un objetivo claro

Por el contrario, hay fotógrafos que apuntan a todo lado, lo que genera un ritmo inconsistente en el trabajo. Además de que esto suele dar pie para que nuestros clientes no nos paguen mucho, el cambio de requerimientos y energía que se debe poner en un evento no es el mismo que se debe poner en un producto o el mismo que se pone en la fotografía de arquitectura.

Cada estilo y cada trabajo merece una energía y una dedicación. Y es necesario especializarse en un nicho para poder desarrollarlo y ser esos fotógrafos que los clientes de ese campo quieren tener a su lado. desarrollando una técnica y una energía especial para ello.

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¿Vale la pena lo que hacemos como fotógrafos?: Retomando el camino cuando caemos en negación

A veces el hastío y el cansancio vienen de hacer muchas cosas a la vez. Y esto hace que la mente se nuble mucho más rápido.

Ahora, ¿qué hacéis vosotros cuando necesitáis darle un respiro a la fotografía?

En el pasado vimos cómo analizar nuestro trabajo críticamente para poder valorar el progreso y la calidad de nuestras imágenes. Sin embargo, mejorar no solo viene con el análisis propio. Hay que escuchar las voces externas, que miran nuestro trabajo de otra manera. Para ello, hay que saber qué vale la pena, cómo interpretarlo y cómo se puede mejorar a partir de ello. Por eso, en esta ocasión hablaremos sobre el cómo tomar las críticas de nuestro trabajo para avanzar.

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Leyendo nuestras fotografías críticamente para mejorar nuestro estilo fotográfico

Sentimiento general

Sea donde sea, nuestro trabajo siempre estará expuesto a la crítica. Y, en cierto sentido, dentro de lo que se habla de nuestra obra encontramos tendencias. Ya hemos hablado sobre esto antes con el uso de indicadores claves en nuestro trabajo fotográfico. Estas tendencias nos pueden mostrar si el sentimiento general es de agrado o no a nuestra obra.

Así que nuestro primer filtro alrededor de las críticas de nuestro trabajo se define en separar ese sentimiento. ¿Hablan bien de mi obra? Va para lo bueno. ¿No les gusta a nivel técnico? Va para lo malo. ¿Hay consejos para pulir? Va para lo bueno. ¿Me está diciendo cómo debería hacer mi trabajo? Va para lo malo.

Sin embargo, hay que entender acá que lo bueno y lo malo no significa que sirva y no sirva. Hay que depurar en un segundo filtro qué de eso bueno sirve y qué de eso malo también sirve. Lo único que debemos desechar del sentimiento de la crítica es aquello que no da información.

El qué se dice

La visión general de la crítica suele estar ligada a los comentarios malos. Y muchas veces, si lo que queremos es que nos feliciten, podremos mostrarle a nuestros seres más cercanos las imágenes, ya que usualmente serán los primeros en alabar nuestra obra. Si queremos avanzar necesitamos saber dónde estamos quedados atrás.

Sin embargo hay un tipo de crítica positiva que siempre debe ser bienvenida: los comentarios sobre técnica. ¿Siempre clavamos el tono de la escena? ¿Nuestra edición o retoque capturan la mirada? ¿Nuestro mensaje siempre es claro? ¿Tenemos una técnica fotográfica acorde a lo que buscamos? Aquello que logra cautivar el ojo de nuestra audiencia es un elemento a rescatar, quiere decir cuáles son nuestros puntos fuertes y nos deja saber a dónde hay que dar menos prioridad.

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Cómo usar los indicadores de información clave para optimizar nuestra presencia fotográfica en la red

Sin embargo, la crítica ‘negativa’ es aquella que nos permitirá avanzar más en el camino, usualmente dividida en los estados de lectura de un espectador. Dentro de esta crítica lo que debemos buscar son los elementos que componen nuestras imágenes: Impacto, mensaje, estética, factura y técnica.

• Impacto: Se define si nuestras imágenes llaman la atención. Si cautivan desde un primer vistazo o si el público demora en ser atraídos a ver nuestro trabajo. Usualmente un mayor impacto genera más atracción, pero si la imagen no es buena el espectador se aburre y se aleja pronto de la fotografía.

• Mensaje: Una vez el espectador mira nuestra imagen, ¿entiende lo que decimos en ella? Este valor puede ser tan banal como miren este hermoso paisaje así como puede ser una crítica a la sociedad. Lo importante que debemos buscar acá es que nuestro trabajo esté lo suficientemente claro para que nuestro espectador entienda y que se trate de no sobreinterpretar la obra. Usualmente este apartado se puede medir en la discusión alrededor de la obra.

• Estética: ¿Las personas que ven nuestro trabajo encuentran armonía entre la obra, sus elementos y el mensaje? Muchas veces puede que estemos contando algo muy bien, pero que nuestra imagen no represente bien eso que contamos. El color puede estar saltando respecto a esa situación macabra y opaca de la que hablamos. Tal vez la iluminación raya respecto al sentimiento de alegría del que habla nuestra obra. Si bien es un apartado de mucha interpretación, el sentimiento general será positivo cuando todos los elementos de la obra vayan en una misma dirección.

• Factura: Como se presenta el trabajo es un elemento determinante. ¿Pongo marcos a las fotos o no?¿Muestro mi obra en un fotolibro, en una pared de galería, por redes o en una página web? Es importante que cada imagen esté optimizada al medio donde lo vamos a mostrar, esto va a ayudar directamente al impacto y a la visualización general de mi público.

• Técnica: Acá vemos todos lo técnico que pudo mejorar nuestra imagen como la exposición, composición, edición, el color, los ajustes, el retoque, etc…

El quién y cómo

Estos dos apartados usualmente vienen juntos pues depende de quién diga la crítica, también tendrá un cómo. Arranquemos por los más pesados que debemos descartar: los trolls.

Usualmente los trolls no tienen aporte alguno. Simplemente será un sí o un no sin mayor explicación. O será una explicación compleja tratando de argumentar cómo sería la fotografía de aquella persona. que salgan de nuestra vida inmediatamente.

Por el lado contrario, aquellas personas que solo dicen que la imagen es bonita o no también deben salir de nuestro análisis. Si bien son indicadores de sentimiento, si no tiene información adicional puede ser descartado.

Aquí lo que importan son dos audiencias: el público común y el público artístico.

El público común usualmente no sabe de los elementos específicos que hacen que la obra sea buena o no. Pero si tienen comentarios sobre los elementos y la escena que son valiosos. Pueden hablarnos sobre cómo los hace sentir, ayudándonos a identificar mensaje. Pueden encontrar elementos distractores que los sacan de la imagen. Pueden decir que les agrada o disgusta algo por x o y elemento dentro de la imagen.

El público artístico es usualmente quien nos puede ayudar a un nivel más profundo. Son quienes nos pueden aconsejar a nivel de técnica y estética el cómo puede mejorar nuestro trabajo. Sin embargo, es importante ver quién dice qué, pues algunas veces encontraremos colegas y artistas que no tienen mucha experiencia y hablarán desde el gusto y no en concreto desde cómo puede aportar elementos a nuestro estilo.

Esperamos estos elementos sean de utilidad para vosotros. ¿Qué temas del desarrollo de estilo fotográfico os gustaría conocer en un futuro?

Se acerca el fin de año. A veces parece que no hemos avanzado mucho, nos sentimos estancados en un punto estético que no queremos. Parece que el tiempo y el esfuerzo invertido en nuestro arte no fue efectivo. Sin embargo, no es así. Respiremos y miremos hacia atrás para ver cómo progresó nuestro trabajo fotográfico en el año.

El crecimiento progresivo

En el pasado hemos hablado sobre qué podemos realizar para mejorar nuestro estilo y acciones que podemos hacer para motivarnos a hacer más imágenes y seguir creciendo en nuestro camino artístico. La fotografía impone muchos retos y la exploración no siempre es una pendiente lisa.

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Como enfrentarse al miedo a hacer para mejorar nuestro estilo fotográfico

En épocas de fin de año es usual que nos preocupemos más, que no notemos el progreso porque nuestra mente está enfocada en el poco tiempo que queda para acabar el año. Y, cual entrega a cliente de última hora, ataca el estrés de que no terminamos, ni avanzamos y que no hay recompensas inmediatas. Sentimos que todo lo que hacemos es para nada.

Pero podemos hacer balances, ver esos progresos. Podemos enfocarnos en mirar qué hicimos mes a mes y comparar la primera imagen del año contra la última y ver cómo evolucionó nuestro estilo. Entender qué técnicas aprendimos, qué estilos de color aplicamos o creamos y cómo enfocamos nuestro trabajo para conseguir arrancar en el mundo profesional o incluso conseguir más clientes para nuestra firma.

Y no está mal si hay caídas, no está mal si no nos gustan nuestros cambios. Nuestra búsqueda de la perfección debe seguir adelante. Cada elemento que analicemos sobre nuestro trabajo nos ayuda a entender hacia dónde evolucionar, hacia dónde enfocar los esfuerzos para este año que viene.

Si me siento conforme con los estilos de mi trabajo, entonces tal vez mi enfoque debe ser el de mejorar mi negocio fotográfico. ¿No me gusta cómo están quedando mis fotografías de producto? El enfoque debe ser el de aprender nuevas técnicas de iluminación y edición fotográfica.

Este periodo debe ser de análisis y de establecer metas.

Forjando un futuro

Como hemos mencionado antes, el principal objetivo que debemos tener cada año, cada mes y cada día es no crear excusas y arrancar a hacer fotografías. La única forma en que mejoraremos es haciendo, analizando lo que hacemos y mejorando los elementos que queremos perfeccionar.

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Pensar en fotografías y no en excusas para ir adelante en nuestro camino fotográfico

Estos días en los que sentimos que el progreso no existe, debemos enfocarlo en encontrar temáticas para nuestras series, planeando nuestras estrategias de obtención de clientes, entrenando nuestras habilidades para perfeccionar cada imagen. Nuestros objetivos deben ser para crecer.

Está bien sentir que no avanzamos, es un signo de querer más de nosotros, de querer más de nuestro trabajo. Sin embargo, no utilicemos eso como una excusa para rendirse y quedarnos quietos… que la sensación de estanque sea la motivación de salir de un pozo de arena movediza a seguir creando imágenes más impresionantes.

Mucho del progreso en nuestra profesión viene de la práctica. Lograr identificar cuáles son esos aspectos que debemos mejorar, descubrir nuevas formas de llegar a un resultado y experimentar constantemente para hallar elementos que complementen nuestro estilo. Una práctica que es importante es la exploración de edición y gradación de color.

Al laboratorio

Elegimos la gradación de color como la primera práctica ya que es de las más sencillas de aplicar a nuestro día a día. Al igual que el ejercicio, el tomar la costumbre de realizarlo todo los días nos ayuda a ir creando un músculo fotográfico.

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Qué son y cómo utilizar las gelatinas de color fotográficas

Para realizar esta práctica es tan fácil como revisar las fotografías que tenemos en la biblioteca o capturar nuevas si creemos necesario para acompañar ambientes con la idea de color que tenemos en mente. Lo importante es que todos los días le dediquemos una hora a probar distintos ajustes a nuestras imágenes; consiguiendo probar estilos, reajustando ambientes o simplemente viendo límites de modificación que se pueden tocar.

Como guía, se puede pensar en referentes cuyos estilos son interesantes para intentar emular. Pensar en cosas como: ¿Cómo consigo los colores de _ _ ? ¿ Qué tal si experimento _ _ proceso de blanco y negro?

Podemos dedicarnos una semana entera a experimentar jugar con la piel. Ver qué tanto modificamos la piel y se siente natural. Ver cómo llevar los tonos a un estilo más de fantasía. Ver si podemos equilibrar la imagen aunque nos vayamos de los rangos de naturalidad.

Lo mismo podemos hacer con paisajes. Ver distintas combinaciones que nos ayuden a identificar los tipos de cielo que nos gusta. Conseguir los tonos del follaje que emulan un look analógico.

En fotografía de producto podemos experimentar con conseguir distintas armonías de color para ver cómo se modifica la lectura de la imagen. ¿Resalta más el objeto si llevamos la imagen a una paleta complementaria o si utilizamos una paleta análoga?

Que practicar la gradación del color sea la práctica diaria que agregamos a nuestra rutina en 2019.

Dedicarse a la fotografía implica casi de forma inmediata hablar de una forma de ver las cosas, un estilo. El estilo podría definirse como una amalgama de elementos que repetimos de forma inconsciente por gusto personal y que define a la postre el resultado de nuestros trabajos. Hoy desgranaremos la importancia de tener fotógrafos referentes, aprender de ellos y depurar nuestro estilo fotográfico.

Conocimiento técnico y conocimiento creativo

Es importante diferenciar entre el conocimiento técnico y el conocimiento creativo. Mientras que el técnico consiste en saber el funcionamiento físico de la cámara y nos permite tomar una fotografía con los parámetros correctos más rápido, el conocimiento creativo se basa en la construcción de una base visual y en una serie de recursos creativos con los que llenamos el contenido del cuadro. No es raro, por tanto, que a un novato no le hagamos preocuparse por lo que fotografía sino por que la foto salga correctamente expuesta sin parámetros extraños, como un ISO inusualmente alto si podemos ralentizar la velocidad o abrir diafragma.

Para conseguir el conocimiento técnico de la cámara podemos recurrir a cursos presenciales, libros o lectura en internet, pero saber cómo posicionar los elementos en el visor es algo más complicado que puede llevar a confusión. Si tenemos pretensiones serias con la fotografía, no podemos esperar hacer las cosas 'porque me gustan', todo debe tener su razón de ser y la fotografía de todas las disciplinas se retroalimenta de autores anteriores. Normalmente, observar el trabajo de los fotógrafos clásicos e ir recorriendo las diferentes referencias de la disciplina fotográfica que nos interese será el mejor ejercicio creativo que podamos realizar para seguir mejorando.

El experimento de la imitación

Una forma muy interesante de poner en práctica lo que vemos es hacer un experimento de imitación realizando fotografías que imiten piezas de autores clásicos. Como cada autor tiene una forma de trabajar el color, los encuadres o las poses de la modelo, e intentar deconstruir esas pequeñas partes nos ayuda a aprender el por qué de las cosas y cómo funcionan en sincronía. La filosofía es parecida a la que empleamos con Photoshop: seguimos tutoriales para aprender un resultado final, pero por el camino encontramos herramientas nuevas que nos ayudan en nuestras propias imágenes.

Por ejemplo, podemos coger cualquiera de las fotografías de Richard Avedon e intentar imitar la luz y las poses, o ir a realizar senderismo e intentar conseguir un contraste al que conseguía Ansel Adams en sus fotografías. Descubriendo nuevos fotógrafos el ojo se afina y es más sensible a los detalles, descubriendo que cada fotógrafo, por ejemplo, trabaja de forma diferente la posición de las manos o el rostro de una modelo.

Y tu, ¿cómo crees que es más efectivo el aprendizaje fotográfico? ¿qué crees que es lo más importante para construir un estilo fotográfico?

En fotografía la inspiración es el principal proceso para conseguir despertar una creatividad fuera de meras copias. El problema es que, la inspiración muchas veces es confundida con conseguir algo similar y no con conseguir un elemento diferenciador.

Cuando algunas personas nos responden con "Para mejorar tu trabajo debes muchas fotografías", a muchos se les nubla la mente al observar tomas que les encantan encendiéndoseles una luz roja en sus ojos con la frase, "Quiero hacer esto".

Defiende tu fotografía intentado ser "único"

Esta frase suele ser el principio del error. Y es que una fotografía o un estilo propio se denomina así por algo. Y no es ni más ni menos porque alguien fue el encargado de llevarlo a cabo en primera instancia. Por tanto, todo lo que venga después, exactamente igual, siempre será reflejado como "una copia de...". Y bueno, no se si muchas personas buscaran esto, pero lo que esta claro es que ese momento no es el punto que se busca con ese proceso inspiracional para un estilo personal.

Debemos, por tanto, mirar siempre la fotografía de otros como un camino intermedio y nunca como proceso final. Siempre he sido muy partidario de comparar este tipo de formas de fotografiar (a pesar de su esfuerzo, que eso nunca se quita), como las copias de los chinos. Lo sé, alguno me podréis decir que hay gente que puede hacer la foto mejor que el primero que la realizó, pero da igual, una fotografía es mucho más que una técnica depurada. Una fotografía es una idea, un concepto, y una sensación y eso, por mucho que queramos rebatirlo, seguirá ahí.

Fotografía de Hartwig HKD

Muchas veces creemos que llenar nuestro ego con las alabanzas de los demás va a hacer una foto mejor que otra, y eso no cabe duda que es erróneo. Esto lo comento porque, para aumentar nuestra creatividad, uno de los primeros puntos a tratar debería ser mirar lo ya realizado por nosotros anteriormente. Y es que, nuestro portafolio actual puede tener la clave. Saber diseccionar más y más nuestro portafolio para posteriormente dejarlo en las menos fotografías posibles son una baza que podría mostrarnos el camino.

Para saber como realizar esto, nunca debemos dejarnos llevar sólo por la opinión de los demás. Hay que defender una idea, defiende TU idea. Muchas veces las personas consideran algo bonito porque lo han visto en otros sitios o incluso hasta la saciedad, pero es más difícil aún hacer que algunas personas sientan predilección por algo cuando es nuevo y que no ha creado tendencia. Este es uno de los puntos correctos donde radica un buen proceso personal.

Además, siempre he creído que el bloqueo creativo requiere de descanso mental. El abrir nuestra mente dedicándonos a otros menesteres, olvidando durante un tiempo (tampoco muy largo) la fotografía, puede hacernos más receptivos ante todo lo que nos rodea para que así despierten ideas en nosotros.

La solución está en nuestra confianza y el motivo

Otro aspecto a tratar en el proceso creativo es simplificación del trabajo. Muchos fotógrafos cuando hablan de sus fotografías hacen comentarios sobre las mil o dos mil capas que usan en Photoshop, incluso se enorgullecen de ello (lo pongo como ejemplo, pero hay más; no sólo en temas de postproducción cuando me refiero a esto). No hay duda, es un trabajo duro, requiere de técnica y de mucha complejidad. Pero en esa última palabra está la clave, complejidad. Cuando necesitamos de tantos pasos para conseguir un resultado la mente se puede perder entre el paso 1 y el 1259.

Matto Fredriksson

Esta complejidad, muchas veces, altera la necesidad de tener la cabeza libre para aumentar ese proceso creativo. Es por eso que, cuando necesitemos conseguir hacer que vuelva esa creatividad sería importante liberarnos de tantas cargas. Simplifiquemos nuestra fotografía. Menos es más y os aseguro que funciona. Tomar este paso cómo queráis, desde fotografiar y editar luces para tener la toma final, hasta disparar usando la luz natural sin nada más que tu cámara. Cabe recordar que es un ejercicio. Nada que sustituya el tipo de fotografía que cada uno realice; ya que hay que reconocer que, hay diferentes estilos de fotografía que requieren de tiempo y muchos pasos.

Cosas como estas nos ayudan a poder preguntarnos muchas veces el motivo de porqué fotografiamos. Porqué queremos recoger instantáneas o coleccionarlas. Suele parecer una obviedad, pero no mucha gente sabe el motivo real de porqué lo hace. El saber ese motivo puede hacer decantarnos por un lado u otro del proceso fotográfico y creativo; pues, a la larga, nos ayudará a no compararnos siempre con los demás y a dejar de pensar en el que dirán (algo tan típico en la fotografía...).

Fotografía de Alé

Debemos recordar que la inspiración, la creatividad y el estilo propio van ligados; y aunque el primero se debe al mundo que te rodea, los otros dos ocurren sólo si eres tú quien lo consigue, por tanto, esos puntos sólo dependen de ti y no de los demás. La aceptación o el gusto por ellos ya dependerá de los demás, pero ese es otro punto que no toca en este instante. A pesar de todo siendo positivos, la fotografía es algo muy subjetivo, eso nos lleva a pensar que siempre habrá alguien al cual le pueda agradar nuestro estilo. Y es que como se suele decir, intenta agradarte a ti mismo primero para que a posterior puedas agradar a los demás.

Fotografía de portada | Craig Sunter

Cuando hablamos de ser fotógrafos, uno de los puntos más importantes que se deben buscar para llegar a serlos de verdad es, sin duda, el de conseguir llegar a conseguir un estilo propio. Un estilo que nos caracterice, que deje patente que la fotografía hable de nosotros sin poner nuestro nombre o firma. En definitiva, el estilo personal es nuestra firma visual.

Buscar una disciplina para empezar

Cuando aún no tenemos un estilo propio, uno de los primeros puntos para facilitarnos la tarea es el de elegir una disciplina fotográfica. Este elección, nos hará poder filtrar las innumerables posibilidades que tenemos dentro de todo el mundo fotográfico para así centrarnos en algunos aspectos más significativos.

Esto no quiere decir que nuestro estilo personal se centre exclusivamente en un disciplina fotográfica; ya que a raíz de conseguir nuestra firma visual nos será más sencillo aplicarla a las demás posteriormente. Esto es, ni más ni menos que, una forma de facilitarnos las cosas a la vez que orientarnos más; pues ya sabe, cuanto más abarcas poco aprietas (al menos al principio cuando necesitamos unas fuertes dosis de definirnos).

Es por tanto que, elegir una disciplina que más nos guste y atraiga, conocer lo máximo de ella y poner todo en práctica será la forma más sencilla de investigar e indagar para conseguir nuestro fin.

Pensar en nuestros gustos, investigar, observar... en definitiva plasmarnos nosotros

Posterior a elegir una de las disciplinas, llega la parte difícil e importante. Conseguir diferenciarnos de los demás, a la par que conseguir una homogeneidad narrativa y visual en nuestras imágenes. Este trabajo es un proceso que necesita de una parte práctica y otra "teórica". En cuanto a la parte práctica es importante dejarnos llevar al hacer fotos, hacer lo que el cuerpo nos pida.

Posterior a esta parte más practica llega el momento de analizar las imágenes y ver si nos sentimos agusto al visualizar nuestro trabajo. Con total seguridad, en este apartado vamos a descartar muchas fotografías. Esto será debido a que no nos guste la perspectiva elegido, la tipología de planos usada, la medición, etc... es

El hacer esta selección tiene que ser de una formada pensada y muy razonada. Aquí es donde la parte teórica entra en escena y es donde tenemos que sumar todos los conocimientos adquiridos tanto técnicamente como creativamente. Estos conocimientos debemos haberlos adquirido viendo muchos trabajos de otros fotógrafos, leyendo, viendo cine, escuchando música, etc... Todo ello al igual que el haber aprendido la técnica fotográfica. Por supuesto, ni que decir, que la fracción creativa es parte de un proceso más arduo e interior que la técnica, y por tanto la creatividad siempre debe estar más presente y en continua marcha.

Es posible que, estos procesos haya que realizarlos bastantes veces hasta ir puliendo y depurando poco a poco nuestro estilo.

Quiero recordaros que, el estilo personal no lo marca sólo el disparo, sino también su posterior postproducción. Y cuidado con esto, pues lo marcan ambas partes ninguna por encima de la otra, a pesar de que muchas veces una pueda llamaros más por encima de otra y creamos lo contrario.

En definitiva

Si comenzáis a reflexionar a partir de vuestros gustos, vivencias, forma de ser.... en definitiva, sobre vosotros mismos, es cuando ese estilo llegará. Para ello, el unir vuestras experiencias e influencias consiguen tarde o temprano conseguir llegar a él.

Y recordad, cuando encontréis vuestro estilo personal siempre podrá ser extrapolado a otras disciplinas fotográficas de forma más sencilla. De esta forma, nunca daréis palos de ciego de un lado a otro sin tener un estilo propio primero.

Tener un estilo propio y definido es tener una identidad fotográfica, conseguir cumplir una mayoría de edad dentro de tu fotografía. En definitiva, es darte cuenta de lo que ves y de cómo lo ves.

Fotografías Rodrigo Rivas

Hace cosa de un mes os hablé sobre fotografiar con sentido común. Ayer realizando la fotografía que encabeza la portada, me vino a la cabeza este tema. Hoy ponemos sobre la mesa, un asunto relacionado con ello, también. El estilo propio, la atmósfera y estilismo y otros aspectos. Las imágenes que disparamos o fotografiamos han de ir más allá de las simples capturas fotográficas. Iluminadas bien y bien expuestas, con un concepto como denominador común, contando una historia, transmitiendo unas sensaciones y unos sentimientos. Da igual que sean fotografía deportiva, retrato o para moda, nuestros trabajos siempre DEBEN ir más allá de la simple trasnmisión de una imagen bonita. Es el secreto de tu evolución como fotógrafo. El estilismo, las atmósfera y el estilo propio en los proyectos siempre es un valor añadido.

Obviamente, todo ello pasa antes, por haber aprendido a mirar através de una cámara de fotos. No es tarea fácil, es difícil educar al ojo y si encima también falla la técnica la cosa se complica bastante. Para ello tienes muchas posibilidades. Pero más allá de la técnica puramente fotográfica, del flujo de trabajo o de una interesante post-producción, en mi opinión hay algunos conceptos que yo resumiría diciendo que estamos fotografiando con estilo.

Tener estilo y además estilo propio

Tener estilo, tener clase mezclado con ser original e innovador pueden ser una buena mezcla. ¿Recordáis la tan manida frase?: “Tiene un no sé qué que qué sé yo”. Aunque de forma tan enrevesada gramaticalmente esta frase quiere decir que, una foto en nuestro caso, tiene ese algo, espíritu, alma o esencia y te atrae visualmente. Forma una imagen poderosa. Y sobre todo, para conseguir estilo propio hay que tener ilusión, como nos transmite, la imagen que vemos a continuación:

Fotografía de Ángel Torres

Tener estilo propio además consiste en buscar una seña de identidad que identifique nuestras fotografías. Es como nuestra propia firma. Aunque no sea algo tangible, pero que cuando las ven los demás, las asocian con nosotros. Esto al fin y al cabo, es una de las diferencias, que nos pueden llevar a conseguir un nuevo nivel en fotografía.

Estilismo

Abarca una serie de puntos clave de la fotografía de moda o de sesión o reportaje que debemos conocer: books para modelos, catálogos, campañas, editoriales, beautys, trends, photopress. Constituye una herramienta muy poderosa que te permitirá afrontar trabajos de cualquier tipo.

No implica que tú como fotógrafo debas realizar todo el trabajo pero probablemente, sí, coordinarlo. Tú tendrás una idea del reportaje o sesión que debes saber transmitir tanto a la persona encargada de la ropa, del maquillaje o al modelo. Aunque en ocasiones todos esos roles recaigan en una misma persona. En la imagen siguiente, la estética me recuerda inmediatamente por el traje y por la tipografía, en mayúsculas, a la conocida marca Dolce & Gabbana.

Fotografía de eLuveFlickr en nuestro grupo de Flickr

Definiendo lo que sería un estilista, podemos decir que son los profesionales encargados de crear “armonía estética” alrededor del sujeto o el escenario. Esa armonía ayuda a que funcione visualmente la imagen. El estilista se encarga de seleccionar los elementos adecuados para una la sesión fotográfica. Por norma, los estilistas son parte de un equipo requerido por el cliente para trabajar junto con diseñadores de moda, fotógrafos, directores, peluqueros y maquilladores para crear una apariencia particular o un tema para un proyecto específico. Aunque en nuestras sesiones, más modestas probablemente, no podamos contar con todo un grupo de trabajo a lo mejor podemos ayudarnos de alguien que tenga más conocimiento de moda o estética, que esté estudiando o trabaje en alguno de estos campos.

Atmósfera

Una fuente de inspiración muy buena, por dar un ejemplo, es el cine. También la literatura, los cómic o la pintura. Recrear una escena de una película, un libro, un cómic o un cuadro puede ayudarnos a conseguir la atmósfera adecuada para que la fotografía funcione. Relacionado con esto, ya os ha hablado mucho y bien nuestro compañero Rodrigo Rivas con sus interesantes análisis sobre fotografía en el cine.

Fotografía de Desireé Delgado en nuestro grupo de flickr

¿Quién no piensa en James Bond, o cualquier otra película de espías al ver la imagen anterior? Jugar con imágenes que están en el imaginario colectivo aumenta el poder de la atmósfera. También la post-producción nos puede ayudar. En este caso Desireé apuesta por un toque vintage en la edición combinado con un desenfoque selectivo en los márgenes de la toma para conseguir un efecto como si tratara de una fantasía o un sueño, algo ligeramente borroso en el recuerdo. Elementos tan sencillos con un par de trajes y unas pistolas de mentira (por resumirlo mucho ya que sé Desireé cuida los detalles) pueden ayudarnos a realizar nuestras tomas con buenos resultados. Cuanto más cuidemos los detalles, mejor. En este caso, ¡hasta el coche deportivo a lo 007 está presente!, supongo que conseguir un Aston Martin era un poco más complicado.

La atmósfera es ese ambiente que logramos dar a nuestras tomas para “evocar” de forma consciente o inconsciente en el espectador determinadas situaciones, momentos o sensaciones. Lo podemos lograr con elementos “naturales”, con humo por delante del objetivo o polvo de las ruedas de un coche, que me contaba un amigo, o bien mediante el proceso de post-producción, añadiendo texturas, como el ejemplo más típico y sencillo de aplicar.

En resumen

No basta en nuestros días con tener buenas cámaras y dominar la técnica puramente fotográfica. Hay que dominar muchos más elementos. El buen fotógrafo, hoy en día, pasa, además, por ser especialista en ideas originales, flujo de trabajo, la post-producción, la iluminación, el estilismo, trabajar en equipo y muchas otras facetas. Debe tener un buen portfolio web, conocer de marketing, participar en redes sociales y ser creativo al máximo. En definitiva, debemos ser CEO’s en Fotografía y por tanto conocer de casi todo.

Fotografía de Portada | Alfonso Domínguez Lavín

Muchos aficionados nos lanzamos, con gran entusiasmo y pasión, a hacer fotografías sin parar, llevando siempre la cámara encima y aprovechando cualquier ocasión. Eso está bien porque la fotografía debe sentirse si uno realmente lo tiene como un hábito. Pero también es cierto, que en muchas ocasiones hacemos fotografías de cualquier tema, de cualquier motivo que nos atraiga, intentando lograr imágenes satisfactorias que nos agrade enseñar. Pero, no siempre conseguimos imponer nuestro estilo en esas imágenes, por lo que, independientemente de la calidad, no incluyen nuestro sello, nuestra perspectiva o nuestra personalidad.

Es algo que cuesta mucho alcanzar, se necesita mucha práctica. Sin embargo, hay casos en los que desde las primeras fotos, un aficionado le impone su estilo personal a cada toma. Lo que viene a significar que es necesario tener claros algunos consejos para conseguir mejorar nuestro estilo. Y no siempre tienen que ir paralelo a lograr un dominio de la técnica, aunque aún nos quede mucho que aprender, desde el principio podemos potenciar un estilo propio.

Es evidente que no resulta fácil lograr una fotografía que refleje nuestra personalidad a la hora de mirar y observar, pero no podemos negar que cuando nuestras imágenes se asocian de un vistazo a nosotros la satisfacción es enorme. Veamos cinco útiles consejos para mejorar nuestro estilo:

1. ¿Qué es lo que quiero fotografiar?

Hay que pensar antes de disparar. Parece obvio, pero muchas veces nos fijamos más en cómo lograr una buena iluminación, antes de que es lo que queremos transmitir con esa fotografía. Reflexionar sobre qué idea reflejará, que sentimiento transmitirá o que mensaje conseguirá con antelación, seguro nos cambiará la perspectiva y la forma de tomar una imagen. Esto no es incompatible con la espontaneidad.

2. Encontrar el género en el que mejor nos desenvolvemos y potenciarlo

Si somos buenos captando estados de ánimo de personas, es que el retrato es lo nuestro. Así que hay que intentar sacar siempre algo a nuestros modelos, ese punto que puede definir a la persona retratada en un momento o lugar determinados. El retrato es un ejemplo, podemos desenvolvernos bien con paisajes, con fotografía social, con reportajes, bodegones o abstracto, pero lo importante es profundizar en aquello que más nos satisfaga.

3. Tener estilo propio no significa ser siempre diferente

Por lo que no creamos que por ser más originales nuestras fotos serán un fiel reflejo de nuestra personalidad. Es más una cuestión de concepto, se que nuestras imágenes sean parte de nosotros mismos. En esto mucho tiene que ver la pasión y entrega que le ponemos a la hora de fotografiar.

4. No imites, sé tu mismo

Es complicado, pero siempre tendemos a imitar a fotógrafos que admiramos y no es nada malo, pero aunque nos inspiremos en grandes artistas o nos dejemos influenciar por sus imágenes, intentemos siempre poner nuestro sello. Desarrollar un estilo personal en fotografía ayuda a conocernos mejor y lograr que nuestras imágenes formen parte de nosotros.

5. Elige bien tu cámara

Nuestro equipo fotográfico debería ser una elección conforme a lo que realmente necesitamos y con el que debemos buscar una perfecta integración. Esto debería condicionar nuestra compra de una cámara u otra. Solemos tirar por la calle de enmedio, buscando equipos polivalentes, completos para que nos sirvan un poco para todo. Con el tiempo, hay objetivos que apenas utilizamos o la cámara que usamos no es la más apropiada para nuestro tipo de fotografía. Si sucede esto es que no hemos pensado bien antes de comprar.

Fotos | Vera Lutter y Valiente Verde
En Xataka Foto | ¿Cómo lograr un estilo propio?