La experimentación y Lomography van juntos de la mano. Este año, la compañía quiere llevar la creatividad un paso más arriba y poner a prueba las habilidades de manualidades del fotógrafo. Para ello, han presentado una nueva cámara de formato medio construida en cartón y con una óptica hueca para ser llenada: Lomography LomoMod No. 1.

Este producto está realizado en cartón sostenible, llega en un paquete con su manual de instrucciones de construcción, un objetivo y un mecanismo de obturación y apertura. La construcción de la cámara no requiere materiales especiales y viene por defecto en Negro mate, o con estampado UV. Sin embargo, el usuario es libre de modificar las láminas de cartón como mejor refleje su identidad.

El mecanismo de obturación cuenta con modo de disparo normal y bulbo, además de placas de apertura para crear efectos de bokeh. Este mecanismo también cuenta con un sistema de sincronización con flash mediante cable de sincronización.

Sin embargo, lo más llamativo es el concepto del objetivo que acompaña el cuerpo. Su diseño es hueco y cuenta con una ranura para poder inyectar líquido él. Esto permite crear una serie de efectos, ya que se pueden inyectar tintes especiales, te, café u otros líquidos. Efectos impredecibles para un concepto de experimentación constante.

El kit de cámara LomoMod No. 1 llegará en noviembre a todos los usuarios a través de los distribuidores oficiales o a través de su página web. El kit básico tiene un costo de 49€. Los rollos de película de 120 se venden por separados.

La luz es la herramienta principal de nuestra profesión. Muchos de los que trabajamos en estudio nos acostumbramos a usar iluminación de descarga para realizar nuestras imágenes y por ese motivo la invitación de exploración del mes es a jugar con distintos tipos de fuentes de luz disponible en casa.

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Emular pinturas para el desarrollo de nuestro estilo fotográfico

Las exploraciones son buenas, nos ayudan a aprender y entender elementos del arte que a veces creemos obvias. Este es un ejercicio que puede ayudarnos a entender los problemas que vienen al mezclar distintos tipos de luces, a ver más sus propiedades y a encontrar nuevas formas de iluminar nuestras escenas.

Si ilumina, sirve

En estos ejercicios nos hemos ido a lo pequeño, ya que es más fácil para hacer exploraciones caseras. Las fuentes utilizadas se pueden conseguir en cualquier súper, pues son principalmente bombillas LED de casa, con algunos papeles celofán para tintar. También hay iluminación del móvil, su pantalla y linterna. Así que fácilmente se puede adaptar la exploración a un espacio de estudio.

Los primeros retos de iluminar con las luces caseras es que son limitadas en rango o posición, algunas con pantallas que tintan la luz, como puede ser una tela crema. Además, las distintas bombillas presentan variaciones leves de tono, incluso si son de la misma marca compradas al tiempo. En muchas ocasiones, nos encontramos con diferencias en la temperatura de color dependiendo si son bombillas para la habitación, la sala u otro espacio. Los amantes del indice de reproducción de color sufrirán mucho con los resultados que dan muchas de estas fuentes.

Estos retos nos plantean entender cómo ayudan, o no, al registro de nuestros sujetos en cámara. A pesar de las pantallas de difusión o su construcción, la mayoría de las fuentes que encontramos en casa son puntuales, así que encontrar cómo difuminarlas para obtener una luz más suave es otro elemento a pensar.

Entre estas exploraciones nos encontramos con la dificultad de la potencia de las fuentes. En este caso, los sujetos son estáticos, lo que permite ir a largas exposiciones y jugar incluso moviendo las fuentes a mitad de toma para generar efectos en las imágenes. Pero en otras ocasiones, este elemento de potencia de luz implicará subir la sensibilidad, o irse a aperturas mayores.

Al ir mezclando los problemas que se encuentran en las fuentes comunes, encontramos también nuevas herramientas para solucionar las limitaciones de estas fuentes. A su vez, nos enseña a aprovechar fuentes profesionales de mejor forma, complementando sus propiedades según lo que observamos.

Experimentar con fuentes caseras, e incluso armar nuestros propios sistemas puede ser una manera interesante de aprender sobre las propiedades de las luces con las que trabajamos. Incluso son formas llamativas de aprender a encontrar soluciones rápidas a situaciones complejas de iluminación. Así que con la práctica y jugar a retarnos en estas iluminaciones, aprenderemos a desarrollar más nuestro arte.

El uso de las herramientas en los software de revelado y edición fotográfica requiere que practiquemos constantemente. Sin embargo, como hemos comentado anteriormente, la automatización está simplificando muchos procesos que nos ayudan a ahorrar tiempo. Uno de los claros ejemplos es los presets de color y las LUT. ¿Podemos aprender algo de estos procesos automatizados?

En busqueda del color

Muchas veces, al utilizar presets de color, intuitivamente aplicaremos el Preset, y luego ajustaremos los valores principales (exposición, contraste, temperatura, blancos, negros, sombras y brillos) de la imagen para ajustarse al preset de color. Sin embargo, lo más llamativo de un preset es que es una corrección de color que alguien ha ingeniado analizando varias imágenes y llegando a un equilibrio de corrección determinado para cierto tipo de tomas.

En muchas ocasiones veremos nombres familiares como ‘El Paquete Kodak’, ‘Película Blanco y Negro’, ‘Vintage’, ‘Pop’, etc… Estos tipos de presets parten de analizar fotografías capturadas con ciertos estilos, en ciertas épocas, con distintos procesos de revelado y ampliación. Algunos más técnicos incluso han tratado de emular las curvas sensitométricas de las películas para alcanzar un color matemáticamente correcto en el revelado digital.

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La regla del F16 ¿qué es y cómo aplicarla en nuestra práctica fotográfica?

Este análisis que los creadores han aplicado en la creación de sus presets es una oportunidad para entender cómo llegar a ciertos estilos, cómo utilizar ciertas herramientas y analizar cómo sacar el máximo provecho de nuestros sistemas fotográficos. Para ello lo único que debemos hacer es experimentar a emular esos presets.

En el pasado os hemos comentado que una forma fácil y efectiva de aprender es copiando a nuestros referentes. El analizar con detalle el manejo de luz, composición y edición nos ayuda a entender cómo aplicar esas técnicas a nuestro flujo de trabajo. Lo mismo ocurre en el revelado y la edición digital; entre más juguemos con las herramientas avanzadas de revelado, mejor entenderemos la resolución, el equilibrio del rango dinámico y color de nuestras cámaras y objetivos.

Explorando los métodos

Para ver un poco este proceso de exploración tomemos la imagen de abajo como ejemplo:

A esta imagen le aplicamos un proceso predeterminado. En Camera Raw encontré uno llamativo llamado ‘Vintage cálido’. El resultado es la imagen de abajo.

Como podemos ver al analizar la imagen, lo que necesitaríamos para llegar a este estilo predeterminado es: comprimir la información subiendo el punto negro, bajando el punto blanco; cambiar el color de algunos canales para obtener un azul más cyan (pero desaturado), verdes más marrones y un tono rojizo sobre las sombras.

Sin embargo, hay elementos de ese preset que molestan: se come mucho el rango dinámico de la imagen; creando que las áreas más iluminadas tengan clipeos incómodos. Puede aprovecharse el exagerar la calidez de la imagen, para que el efecto ‘vintage’ sea más pronunciado. Así que sobre el mismo principio del preset ajustamos la imagen.

Lo primero es trabajar las curvas de la imagen para poder levantar el punto negro y bajar el punto blanco. Además ajustamos la curva en sombras y brillos para aprovechar al máximo el rango dinámico de la imagen.

También mencionamos la virada de color. Para ello iremos a la calibración de la cámara. En esta modificamos el azul primario para conseguir el tono que nos gusta sobre el cielo; y con el rojo y verde primario conseguiremos el tono sobre el follaje y la tierra que nos gusta. En este caso agregamos un tono marrón a los verdes.

Finalmente, para emular las sombras cálidas, podemos ir a la separación de tonos y afectar directamente a las zonas. Siento que algo de calidez leve sobre los brillos nos ayuda a reforzar el estilo ‘vintage’ de la imagen. Sobre las sombras agregamos el tono cálido similar al del preset.

Abajo está el resultado de nuestro preset basado en el preset.

Estos ajustes que realizamos nos permiten conocer a fondo las herramientas y cómo obtener los mejores resultados para nuestro estilo de captura y sistemas fotográficos. Además podemos crear nuestros propios presets que agilicen nuestro trabajo, entendiendo mejor aún los valores modificados para optimizar los ajustes en el futuro.

Como siempre. Lo mejor al final es la práctica constante.

Hacer el cuerpo de una cámara es muy difícil, pero no imposible. El diseño y la construcción requieren mucha precisión y el cuidado milimétrico para evitar filtraciones de luz, conseguir clavar el plano focal y tener un mecanismo acorde para poder obturar esa escena. Pero, gracias a Dora Goodman, vosotros podréis realizar una cámara propia en casa (si tenéis una impresora 3D).

La fotógrafa y diseñadora Dora Goodman se dedica a realizar correas y cámaras personalizadas. Desde hace unos años, está trabajando en el proyecto de Goodman One: una cámara modular muy versátil que cualquiera puede realizar con una impresora 3D. Esta cámara serviría tanto para anclar un respaldo digital, como un respaldo analógico, lo que le permite ser una híbrida compañera para los amantes de ambos formatos.

Como reporta PetaPixel, la idea era crear una cámara con obturador de lente (actualmente usado principalmente en cámaras de placa), con la posibilidad de anclarse a un respaldo de formato medio o placa y la opción de agregar piezas adicionales como fuelles y pinzas para sostener el móvil. Es una cámara pensada para los fotógrafos quienes quieran experimentar fotográficamente, además de obtener una cámara interesante relativamente a precio cómodo.

Los diseños de impresión son totalmente gratuitos y pueden obtenerse por petición desde la página de Dora Goodman. La diseñadora solo espera que quien obtenga los planos ayude a crecer este valioso experimento. Que experimenten, agreguen accesorios, reajusten los diseños y de esta manera más fotógrafos tengan acceso a una cámara con capacidades poderosas.

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Imagen de portada | Dora Goodman

Desde que los medios de comunicación entraron en escena, y más aún los medios audiovisuales, siempre se ha tendido a intentar "dominarlos" por su grandísima influencia en las personas. Sin ir más lejos, en toda guerra (sea del ámbito que haya sido) de nuestra historia moderna han sido el primer punto o de los primerisimos puntos que controlar.

En este experimento, que os traigo hoy desde la plataforma No More Page 3, se recortaron todas las imágenes de los hombres y mujeres de las fotografías del diario británico The Sun durante seis meses. Posterior a esto, estas imágenes se pusieron en una pared completamente limpia, en una zona las de los hombres y en las otra las de las mujeres.

En el análisis posterior se pudo ver, como manifiestan desde la plataforma que realizó este proyecto, que la mayoría de las imágenes de los hombres solían ser fotos que mostraban actividad, normalidad y bastante "realidad" por ser capturadas en el día a día. En el ámbito femenino, la mayoría de las imágenes, eran posados dejando de lado el tipo de fotografía que se puede ver en el sector masculino.

Hay que recordar que el periódico The Sun, es un periódico sensacionalista británico, propiedad de Rupert Murdoch. La página numero 3 del periódico se introdujo en el medio como una página muy cercana al público "masculino" con mujeres semidesnudas o desnudas en los años 70.

Con este experimento, hay muchas personas (incluidos las personas que lo han realizado) que abogan por el sexismo en muchos aspectos con el uso de la imagen en la sociedad y por tanto intentando controlar la cultura de nuestra sociedad en muchos cosas para fines comerciales.

Desde aquí queremos preguntaros si consideráis que la imagen en los medios es un punto muy potente y deberían ser los medios los que deberían preocuparse por ellas. O por contra es culpa de la sociedad por no saber discernir ante lo que ve.

Lo que está claro es que los medios, en su mayoría son empresas privadas, buscan rentabilidad y si ponen uno u otro contenido es por su beneficio económico; pero ¿Todo vale con tal de poner como excusa que la gente es libre de decidir y está en su elección el no "mirar"? Cómo fotógrafos y representantes de medios audiovisuales somo protagonistas de estos hechos, y nos gustaría saber vuestra opinión.

Además, en el ámbito más práctico nos gustaría poneros este tipo de iniciativas o proyectos fotográficos muy relacionados con el arte en acción que en nuestro país tan de moda ha puesto nuestra amiga, fotógrafa y artista, Yolanda Dominguez con acciones de esta índole (dejando temáticas o posicionamientos al margen).

De entre los géneros fotográficos, la abstracción es uno de los menos frecuentes, quizás más practicado por artistas de la imagen y algunos pocos fotógrafos especializados. Pero, hoy día, gracias a las inmensas posibilidades de la fotografía digital y del posterior procesado en el ordenador, cultivar la fotografía abstracta es mucho más sencillo. Además, supone un enorme campo de experimentación, ideal para dar rienda suelta a la creatividad encorsetada que muchas veces no sabemos destapar.

En ocasiones, romper la reglas, probar nuevas composiciones, encuadres y velocidades de obturación, pueden conjugar resultados sorprendentes. Pero no basta con abandonarse al albedrío y esperar que el resultado, por fortuna, depare un resultado interesante. Hay que tener claro qué queremos transmitir, cualquier motivo vale, pero es importante que sea una forma de expresión, de comunicación con el espectador.

Podemos jugar con la luz, los colores, las formas, la composición, más aproximada a la realidad o más alejada, lo importante es que la imagen nos diga algo. La máquina suele ser importante, pero para transmitir un mensaje dentro de la abstracción no es necesario tener un completo equipo fotográfico. Desde la cámara de un teléfono móvil podemos lograrlo. Además, siempre tenemos la edición digital, para mejorar, potenciar efectos y lograr adecuarnos a nuestro objetivo.

Si nos convertimos en observadores pausados podemos encontrar a nuestro alrededor múltiples motivos que nos pueden ofrecer formas abstractas. No es necesario buscar en lugares indómitos o alejados, ni emplear horas en un procesado. La sencillez es siempre lo más efectivo. Por ello, mira a tu alrededor, observa detenidamente e intenta encontrar posibles imágenes abstractas en objetos reales y con formas conocidas.

Sin embargo lo abstracto a veces está en lo verídico. Un objeto común visto con otra perspectiva, iluminación o encuadre poco habitual puede darnos un resultado sorprendente y visualmente efectivo. Siguiendo ejemplos de grandes fotógrafos de la historia (Man Ray, Moholy-Nagy), podemos ver como daban total libertad a la subjetividad para transmitir un mensaje a través de una imagen, que no siempre tenía que ser un fiel reflejo de la realidad.

Observa, dispara, experimenta. Busca intencionalidad o no, pero intenta renunciar de la realidad cotidiana. Aléjate del objeto reconocible, de las perspectivas tradicionales, del detalle nítido o incluso de los colores fieles.

Como no estamos tratando de algo concreto o definible, sino más bien a un concepto no podemos establecer algunos consejos sencillos para lograrlo, se trata más bien de experimentar con una idea, dando igual el método y la forma de lograrlo.

Espero que esta divagación y aproximación a la abstracción sirva, al menos, para encontrar nuevas formas de trabajar con la fotografía digital, alejándonos de los convencionalismos. Un método útil para reflexionar sobre la imagen y poder encontrar un estilo propio. O no. Pero al menos jugar con nuestra cámara de formas distintas puede resultar extremadamente divertido.

Fotos | Mark Valentine y César Augusto