Hoy se ha inaugurado en Madrid la exposición 'Stanley Kubrick. The Exhibition' en la que podemos conocer a fondo la figura del genial director y además descubrir la faceta fotográfica de uno de los mejores directores de cine de la historia. Era consciente de que la imagen era fundamental para acercarse al espectador.

Por fin ha llegado a Madrid una de las exposiciones más esperadas de la temporada: 'Stanley Kubrick. The Exhibition'. '2001. Una odisea en el espacio', 'El resplandor', 'La naranja mecánica', 'Barry Lyndon'... en todas sus películas la fotografía es impresionante. Y aunque esta exposición que ya ha recorrido medio mundo cuentan y enseñan todo lo relacionado con uno de los vecinos ilustres del Bronx, la fotografía es claramente uno de sus pilares.

“2001: Una odisea del espacio”, dirigida por Stanley Kubrick (1965–68; GB/US). Stanley Kubrick en el set durante la filmación. © Warner Bros. Entertainment Inc

Hay más de 600 objetos que harán las delicias de todos los que amamos el cine con mayúsculas. Esta exposición muestra el riguroso trabajo de documentación que seguía Stanley Kubrick antes de empezar a rodar una película. Y nos enseña que la mirada de un fotógrafo es esencial para llegar a ser un gran director de cine.

La vida de Stanley Kubrick

Toda su vida, todas sus experiencias, están volcadas en sus películas. Desde las que hizo con el respaldo de los estudios hasta sus últimos filmes más personales. Ahí están el orden mental que le dio el ajedrez y la forma de mirar de su afición a la fotografía, que fue su primer trabajo.

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El papel de la fotografía en 'El resplandor' de Stanley Kubrick

En la exposición podemos ver sus primeros trabajos en la prestigiosa revista Look, en la que empieza a colaborar con 17 años. Estará en plantilla hasta 1951. Así que durante más de cuatro años curte su mirada hasta límites insospechados. Tenemos a un gran cineasta, pero perdimos a un gran fotógrafo.

Su vida profesional derivó al mundo del documental dedicado al mundo del boxeo. Y el ascenso fue imparable. Es la época de su cine negro que culmina con 'Atraco perfecto' (1956). Pronto le llega la gran oportunidad con 'Senderos de gloria' (1957) una película de marcado carácter antibelicista que le llevará a 'Espartaco' (1960).

Fotografia de Viktor Kolev

'Kubrick creó algo más que películas. Nos dio experiencias ambientales completas que se volvían más intensas cuanto más las veías'. Steven Spielberg

Y pronto llegará su independencia de los grandes estudios y la posibilidad de rodar manteniendo todo el control. Una libertad de la que pudo disfrutar hasta que murió en 1999, 6 días después de presentar a su productora 'Eyes wide shut' (1999).

La fotografía en las películas de Stanley Kubrick

Y en todas sus películas, aunque contaba con grandes directores de fotografía, él siempre controlaba hasta el último rayo de luz. Emociona ver, en uno de los múltiples vídeos que nos acompañan durante la exposición, cómo decide la exposición perfecta en una de las escenas de 'La chaqueta metálica'.

Nosotros los fotógrafos debemos estar pendientes en todas las salas. Desde el vídeo que nos abre los ojos hasta el final, donde incluso podemos imaginarnos en medio de la orgía de su última película.

Pero al principio, nada más entrar, encontramos muchos de los objetivos que utilizó en sus películas. Y como un tesoro escondido, vemos el Zeiss que adaptó para rodar las escenas a la luz de las velas y la luna con la ayuda de John Alcott. Y su cámara Speed Graphic, y su cámara de mano favorita...

Miremos donde miremos veremos fotografía. En la primera sala encontramos una selección de sus fotografías de 'Look'; o si vamos al espacio de '¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú' (1964) veremos el trabajo de Weegee. Era uno de los mejores fotógrafos de prensa, al que Kubrick admiraba tanto que terminó contratando para la foto fija de la película.

Si pasamos por 'Barry Lyndon' (1975) nos sumergiremos en la luz de las velas y en uno de los trabajos más grandiosos de la dirección de fotografía de la historia del cine... Para rodarla se preguntó cómo sería la luz del siglo XVIII... Y no se parecía a nada de lo que habíamos visto hasta entonces...

Fotografía de Viktor Kolev

Si subimos a la siguiente sala, entraremos en los mundos de sus últimas películas. Y en 'El resplandor' (1980) veremos los trajes de las niñas gemelas inspiradas en una de las fotografías de su amiga Diane Arbus; o la foto final del hotel Overlook, uno de los fotomontajes más intrigantes de la historia.

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La ASC publica la lista de las 100 mejores películas, según su fotografía, en el año de su centenario

La pasión desmedida de la comisaria de la exposición, Isabel Sánchez, más el trabajo de los arquitectos y todo el personal que han ayudado a montarla, nos trasladan al universo de un director que sabía mejor que nadie que saber mirar es una de las mejores formas de contar historias.

• STANLEY KUBRICK. The Exhibition. Hasta el 8 de mayo de 2022.
• Círculo de Bellas Artes C. de Alcalá, 42 28014 Madrid
• Horarios: De martes a domingo de 10:00 a 21:00h. Lunes cerrado excepto festivos.
• Precios: Entrada general (+13 años): 14€. Entrada Niño (4 a 12 años): 6€. Entrada Niño (0 a 3 años): gratuita

El verano está siendo implacable durante estos días. La ola de calor no invita a salir a la calle. Pero si te armas de valor puedes ir, de sala de exposiciones en sala de exposiciones, a ver PhotoEspaña, el festival de fotografía que comenzó en Madrid y ahora tiene sedes por todo el territorio nacional que hace imposible ver todo a una persona interesada.

Mi abuela siempre decía que 'quien mucho abarca poco aprieta', un refrán popular que ya se puede leer en 'La celestina'. Es un ejemplo perfecto para explicar qué es la ambición de PhotoEspaña y La Fábrica.

Cada año parece más grande, más inabarcable y más abierta, sin un tema común que ayude a entender el proyecto. Esta edición la presentaron como un diálogo femenino, pero encontramos a Margaret Watkins y Gerardo Vielba, o al gran Alfonso y al increíble Bill Brandt. Me gustaría encontrar la conexión entre ellos, pero no la veo.

Bill Brandt. El riu Cuckmere. Río Cuckmere, 1963. Cuckmere River. Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.

A cambio de la cantidad de nuevas sedes, a lo largo y ancho de la Comunidad de Madrid y con presencia en Cantabria, Oporto, Barcelona, Almería... vemos que no hay casi folletos, los catálogos brillan por su ausencia y la información se encuentra brevemente en la página oficial.

Es verdad que todo esto puede estar provocado por la presencia de la covid, pero la impresión es que cada vez cuesta más levantar a un animal demasiado grande que puede terminar devorándose a sí mismo. No destaco por mi visión de futuro, eso sí.

Los festivales de cine, por ejemplo, se celebran en una ciudad. No tendría sentido ir al de Donosti e intentar ver alguna película que solo proyectaran en Almería. No sería ágil... Es verdad que el nombre del festival atravesaría fronteras, pero se perderían muchas cosas.

Perdido por PhotoEspaña

Hoy, por culpa del verano caótico que estoy sufriendo, he estado en Alcalá de Henares... Y de camino al centro nos hemos encontrado por sorpresa con la exposición 'Alberto Schommer. Contemporáneos' en Santa María La Rica.

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Huye, si puedes, de los lugares pintorescos

Y tengo que decir que es una de las que más me han gustado con diferencia de las pocas que he visto en esta edición. Sencilla, con muchas obras y con una cantidad importante de copias de época, lo que aumenta notablemente su valor.

Alberto Schommer. La coronación observada. Salvador dalí. 1973. © Fundación Alberto Schommer

Pero no había nada de información, ni un código QR. Solo las cartelas que explicaban a la perfección las series que estábamos viendo... Entre ellos los famosos retratos psicológicos que tanta fama le dieron y que creo para poder escapar de la censura.

Gerardo Vielba. Veraneo. Santander. 1960 ©Archivo familia Vielba

En la de 'Gerardo Vielba, fotógrafo, 1921–1992' en la mejor sala de fotografía de Madrid, el Canal de Isabel II, todo estaba mucho más organizado. El ritual de subir en el ascensor destartalado para solo dos personas y bajar poco a poco por el antiguo depósito te permite comprender el estilo del fotógrafo expuesto.

Es uno de los grandes desconocidos para el gran público, pero ya es hora de que se empiece a valorar como se merece. Y esta exposición seguro que lo descubre a muchos aficionados, que como él, salen a hacer fotos por su ciudad, la mejor forma de aprender a mirar...

La gran decepción de Webb y Norris

He visto alguna más (deseando la de Isabel Muñoz, la de Alfonso y espero no perderme la de Pomés) pero me he llevado la gran decepción de mi vida con la de 'Alex Webb & Rebecca Norris Webb. Rimas de reojo'.

Él es uno de los mejores fotógrafos en color y su mujer destaca por encima de la media. Esta exposición se anuncia como:

Rimas de reojo es una conversación visual entre los fotógrafos Alex Webb y Rebecca Norris Webb, una pareja que ha trabajado alrededor del mundo –juntos y por separado– durante casi treinta años. Rebecca, que se inició como poeta, llama a los dúos de fotografías en esta exposición «rimas de reojo», una definición poética para dos palabras que en inglés suenan parecido, pero no exactamente igual, como «blue» y «moon». Para ambos fotógrafos sus dúos de imágenes actúan como rimas de reojo visuales: fotografías que comparten una paleta, una geometría o una cualidad lumínica parecida, o la predilección por momentos surreales o sorprendentes creando «una suerte de extenso, elíptico e inacabado poema de amor». Como escribe Rebecca en el poema en prosa que acompaña a la exposición: «Una dádiva, esta distancia que hemos recorrido tan lejos».

Además es en una sede invitada, en uno de los muchos hoteles que están abriendo en Madrid para convertirla en una ciudad más amable y abierta sin intención de perder la esencia de la misma. Está cerca de la Puerta de Alcalá.

Ha sido la exposición peor montada que he visto en mi vida con diferencia. Una auténtica pena dentro de un festival de fotografía serio y reconocido. Además utilizan una de las fotografías para promocionar a las Sedes invitadas.

Tehuantepec Mexico 1985 Rebecca Norris Webb

Las pocas fotografías, entre siete y nueve, están en la minúscula recepción del hotel, con sillas y mobiliario por delante de las fotografías. Incluso la barandilla de la escalera te impide acercarte a ver una de las imágenes abandonadas a su suerte.

El personal no sabía nada de la exposición y aunque en la página del festival daban esa dirección, la recepcionista aseguraba que la segunda parte estaba en otro hotel. La ironía es perfecta, un diálogo entre dos fotógrafos en la que el espectador no podía ver nada sin desplazarse.

Me acerqué con tres personas y con las pocas imágenes y mal colocadas fueron incapaces de adivinar la grandeza de estos dos fotógrafos. Es un diálogo entre ellos que por culpa de un pésimo montaje se pierde por completo.

La idea es presentar una imagen enfrentada a otra y el número de imágenes era impar. Seguramente la que faltaba estaba escondida en algún sitio que no encontramos o no nos supieron decir.

Estas son las cosas que un festival de esta envergadura no debería permitir de ninguna manera. Demuestra una falta de cariño y de interés a la fotografía, que preocupa y mucho.

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La inteligencia artificial influye en nuestras fotografías pero no en nuestra visión artística

Ojalá tenga tiempo de ver más cosas y pueda pensar que lo de los hoteles One shot es la excepción que confirma la regla. PhotoEspaña no puede ser eso. No puede ser un ejemplo del refranero...

Estoy buscando todos los pros y los contras de la fotografía móvil. Y una de las cosas que más me está llamando la atención es la ausencia del diafragma variable. Es imposible cambiar la profundidad de campo de nuestras imágenes por medios ópticos. Y todo depende del software de cada móvil para conseguir aumentar o disminuir la nitidez de los planos de mis fotografías. Todo cambia, hasta los conceptos inamovibles.

La fotografía móvil ha cambiado todo. Para empezar ahora la fotografía es inmediata y directa. Y está provocando que algo tan asumido para los fotógrafos profesionales como la exposición, cambie radicalmente. Ahora se mide la luz de otra forma.

Para zanjar posibles polémicas (que hay mucha gente que le gusta polemizar con estos temas porque sí, hasta uno dijo que no sabía hacer fotos con el móvil en un artículo en el que yo decía que estaba aprendiendo) siempre he dicho que una cámara profesional es la que te hace ganar dinero. Punto.

@arantxa_ortegah

Cuando vendían las cámaras de carrete de un solo uso o te regalaban una por tu primera comunión, te encontrabas conque no podías cambiar el diafragma o a lo sumo solo tenías dos posiciones. Y muchos recordamos los teleobjetivos catadióptricos con un único diafragma que hacia las delicias de los bolsillos pobres.

El diafragma sirve para regular cantidad de luz que llega al sensor. Cuánto más grande, más información llegará al sensor y menos profundidad de campo ofrecerá. Si lo cerramos, será más pequeño. A cambio tendremos más profundidad de campo y menos luz recibirá el sensor.

Es decir, podemos vivir sin controlar el diafragma, eso es verdad. Pero para suplir esta falta los ingenieros han ideado una serie de algoritmos que solo sirven para simular un efecto óptico en el archivo del que hemos disfrutado desde los orígenes de la fotografía.

Las cámaras de los teléfonos móviles no tienen diafragma variable

El tamaño de los smartphone exige minimizar los componentes. No se pueden hacer concesiones si no quieres que llamen a tu teléfono ladrillo, o que le acusen de ser excesivamente pesado. O que se estropee por tener partes móviles...

En la breve historia de la telefonía móvil sí que han existido algunos que dejaban cambiar el diafragma para jugar con la profundidad de campo, como el Nokia N86 y el Motorola ZN5... y más recientemente el Samsung S9.

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Fotógrafo de Instagram sorprendido al descubrir que su objetivo funciona también con una apertura distinta de ƒ1.4

Pero la norma general es un único diafragma, lo más luminoso posible, y contar con la ventaja del minúsculo tamaño del sensor para tener una profundidad de campo casi infinita. Si hacemos la típica fotografía del paisaje, con enfocar tenemos asegurada la nitidez del primer plano al final.

@arantxa_ortegah

Y seguramente algunos dirán que es por la discutida hiperfocal para asegurarse semejantes profundidades, pero tiene mucho más que ver el minúsculo tamaño del sensor, la distancia focal elegida y el objetivo pegado al sensor y por la distancia del sujeto a la cámara.

Para el módulo del objetivo diseñan diafragmas muy luminosos para conseguir que llegue la máxima cantidad de luz posible al sensor. La idea es lograr que los archivos sean lo más luminosos posibles tanto de día como de noche. Es un diafragma fijo que no se puede cambiar. Muy útil para nocturnas y entornos cerrados pero poco práctico para otras situaciones.

Así que si te vas a comprar un móvil nuevo, es muy interesante fijarse en este dato, el diafragma, para saber si va a contestar bien en situaciones pobres de luz o no. Pero tenemos que ser capaces de resolver la exposición y la profundidad de campo en otros momentos. Y más luminoso no significa que la calidad de imagen sea mejor, que conste.

Cómo exponer con un diafragma fijo

La realidad es que con los teléfonos móviles podemos hacer fotografías en cualquier situación. A plena luz del día y de noche (con más o menos fortuna). Así que vamos a ver qué podemos hacer para lograr la exposición correcta.

Al principio de los tiempos móviles puede que tuviera sentido pensar que la fotografía con el smartphone es exactamente igual que la fotografía con cualquier otra cámara. Pero en la actualidad todo ha cambiado. Como no pueden contar con las ventajas físicas del diafragma, tienen que recurrir a la tecnología y la inteligencia artificial.

La exposición se basa en tres pilares a partir de una determinada cantidad de luz:

1. El tiempo de exposición.
2. La sensibilidad.
3. El diafragma.

Para mantener un mismo valor de exposición, si variamos un parámetro, tenemos que modificar en proporción uno de los otros dos. No es el momento de explicar detenidamente cómo funciona, pero voy a poner un ejemplo práctico con un móvil con un diafragma f2:

@arantxa_ortegah

1. Imaginaos que estamos haciendo una fotografía a un grupo en una terraza a las 12 del mediodía en primavera. El sol luce y no hay ni una sola nube. En el móvil ajustamos el ISO a 100.
2. Si seguimos la regla del F16 tendremos que poner una velocidad de 1/125 f16. Siempre es así para conseguir una exposición perfecta.
3. Como no tenemos ese diafragma tan cerrado (creo que sería casi imposible fabricarlo para el tamaño del sensor de un móvil) tenemos que variar uno de los otros dos parámetros. Entonces tenemos una exposición de 100 ISO f2 1/125... La fotografía está quemada.
4. Primero tenemos que ver si podemos bajar el ISO... Vemos que se puede poner a ISO 50, un paso menos sensible. Entonces tenemos una exposición de 50 ISO f2 1/125. La fotografía sigue quemándose, todavía más.
5. ¿Qué nos queda? Jugar con la compensación de exposición, que modifica el tiempo de obturación... Para pasar de f16 a f2 tenemos 6 pasos de compensación (f16-f11-f8-f5,6-f4-f2,8-f2)... Y eso nos da ISO 100 1/16000 f2.

Ahí está exposición correcta si no me he equivocado en algún paso. Algo que solo está al alcance de los obturadores electrónicos más avanzados de las cámaras más avanzadas... ¿Nuestros móviles llegan a semejantes parámetros?

Por eso nos damos cuenta de que los algoritmos y la inteligencia artificial actúan más de lo que pensamos en nuestras fotografías móviles. Y que todo lo que sabíamos hasta ahora realmente no sirve para mucho, solo para contar batallitas a los más jóvenes.

Ahí están la explicación por la que realmente no podemos hablar de archivos RAW en los móviles desde el sentido estricto de la palabra. Tienen tantos algoritmos detrás que cualquier parecido con lo que tenemos en la cámaras clásicas es pura coincidencia.

Por utilizar una expresión de Valentín Sama, los archivos de los móviles están muy 'cocinados' y tenemos que verlos de otra forma. Y todo para lidiar con la falta de diafragma físico. Hay apilamiento de imágenes, filtros digitales, modos de fusión... Muchas funciones inteligentes que transforman el archivo original en otra cosa. Los móviles tienen dentro un editor especializado.

Dudo mucho que pudiéramos ver algo en una fotografía en bruto de un teléfono móvil. Esto no significa, por supuesto, que sea una mala cámara. Solo quiere decir que la tecnología digital evoluciona una barbaridad y tenemos que empezar a olvidarnos de ciertas normas inamovibles hasta ahora.

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Las cámaras de los Samsung Galaxy S21, S21+ y S21 Ultra, explicadas: hasta cuatro cámaras y un sensor láser para competir por la mejor foto

¿Vosotros qué pensáis? ¿Es verdad que la fotografía móvil ha cambiado más cosas de las que creíamos? Y al final da igual, mientras la imagen sea realmente buena...

Es un mito bastante extendido pero no, hacer fotos utilizando el modo manual de exposición no es algo que te haga más profesional necesariamente. Sin duda es la mejor forma de controlar la exposición de una toma, pero tener que decidir manualmente qué diafragma, velocidad de obturación y sensibilidad utilizas en cada ocasión no es lo más rápido.

De hecho, probablemente os sorprendería saber cuántos profesionales prefieren usar los modos automáticos o semiautomáticos de su cámara por esta cuestión fundamental: la rapidez. Eso sí, hay que tener en cuenta que un buen fotógrafo conoce bien su herramienta y, por otro lado, que los sistemas de medición de las cámaras actuales han evolucionado y son mucho más fiables que los de hace años.

Por eso antes de seguir vamos a hacer un poco de historia: en los años 30 (del siglo pasado) las cámaras empezaron a incorporar exposímetros. Hasta entonces, la exposición sólo podía ajustarse con un fotómetro externo, utilizando reglas como la del F16 o, sencillamente, haciendo un acto de fe. Por tanto os podéis imaginar la valiosa ayuda que supuso la incorporación de fotómetros en las cámaras.

Aquellos primeros fotómetros solían tener forma de aguja situada a un lado del visor. Esta aguja se balanceaba hacia arriba o abajo según la imagen estuviera sobre o subexpuesta, y había que equilibrarla de forma horizontal para conseguir la exposición correcta. De todos modos, en el visor no se podía saber qué valores de diafragma y velocidad se habían seleccionado (recordemos que la sensibilidad era fija según el tipo de película que se usara), cosa que ya sí se logró unas décadas después, con los fotómetros que ya sí medían la luz a través del objetivo (lo que se conoce como TTL) y, gracias a la electrónica, ya sí se podían ver los valores en el visor.

Así puede ser más o menos un visor de una cámara actual (eliminando los datos no relevantes) con la barra y los valores de exposición.

Por aquel entonces se estandarizó una manera de mostrar la exposición con una barra de pasos de luz que se ha mantenido de forma casi invariable hoy día. Porque en las modernas cámaras digitales el fotómetro puede aparecer de distintas formas (según la marca y modelo) pero la idea de la barra que muestra si estamos en el punto correcto, acompañada de la indicación de los valores de exposición, se sigue manteniendo de forma más o menos estándar (además de que ahora contamos con la gran ventaja de tener un histograma).

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Lista de los quince pasos básicos que no hay que olvidar para lograr una buena composición

¿Por qué hemos contado esto sobre los fotómetros de las cámaras? Pues porque, básicamente, lo que hacen el modo automático y los semiautomáticos es asegurar que esa barra de exposición siempre esté en el punto equilibrado a base de decidir por su cuenta los valores de acuerdo a la escena que tengamos enfrente.

Disparar en manual ¿sí o no?

Entonces ¿qué ventajas nos ofrece disparar en manual? Pues, realmente, como hemos adelantado, básicamente lograremos un mayor control de la exposición; sin embargo ¿es necesario hacerlo siempre así? La respuesta es clara: no, no lo es. Es más, ni siquiera es necesario hacerlo en ciertas situaciones que siempre se han considerado complicadas.

Y es que a la hora de hacer una foto correctamente hay muchos pasos que dar, y elegir si usamos el modo manual o el automático no es la primera decisión que hay que tomar. De hecho, antes de esto es importante medir bien la luz de la escena con el modo más adecuado y, a partir de ahí, decidiríamos la exposición.

Y, aún así, hay maneras de controlar la exposición disparando en automático de forma casi homóloga a si disparamos en manual, utilizando características como el control de compensación de exposición y el bloqueo de la exposición. Por supuesto hablamos del modo P (o programa) que, aunque funcione automáticamente, permite que el usuario pueda hacer cambios en los ajustes y mantener el control.

Por tanto, utilizar el modo manual depende más bien de la pericia del fotógrafo que de la necesidad de controlar la exposición, incluso en situaciones más o menos difíciles, como tomas de alto contraste como la que tenéis aquí abajo:

Fujifilm X-S10 con Fujinon XF18-55mm F2.8-4 R LM OIS a 1/750 seg, ƒ5.6 e ISO 160

Como veis, en la foto hay dos zonas de luminosidad muy diferente que propiciaron una silueta. La toma la realizamos en la prueba de la Fujifilm X-S10 usando el modo Programa: primero medimos la luz en la zona superior, luego bloqueamos la exposición, recompusimos la foto y, finalmente, disparamos. Si la hubiésemos hecho en manual el proceso habría sido muy similar, pero seguramente más lento.

Como nosotros en este caso, muchos fotógrafos experimentados utilizan los automatismos porque se gana en rapidez (y con esto entramos en los inconvenientes del modo manual). Y es que, como decíamos antes, de esta forma se aseguran que la exposición va a ser equilibrada más rápidamente. Pero eso no significa que dejen que la cámara haga todo el trabajo, sino que lo toman como base para luego ellos variar los valores a su conveniencia y según lo que quieran conseguir.

Por eso es muy habitual utilizar alguno de los modos semiautomáticos A, de prioridad al diafgrama, y S de prioridad a la velocidad (más, dependiendo de la cámara, otras opciones como prioridad a la sensibilidad), porque de este modo el fotógrafo elige un determinado valor y deja que la cámara decida el otro (siempre de acuerdo a la luz de la escena y la ley de reciprocidad). Al final, el resultado es el mismo, pero se gana en rapidez.

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¿Qué es un paso de luz? La exposición y los f-stops explicado con claridad

Del mismo modo, los fotógrafos con experiencia no están todo el rato cambiando el modo de medición, sólo suelen hacerlo en casos puntuales, cuando saben que el modo habitual puede no ser el más adecuado para una situación concreta. Igualmente, si hay que contradecir al fotómetro, porque según la situación nos conviene subexponer o sobreexponer, podemos hacerlo igual que en manual usando la mencionada compensación de exposición.

Sobre todo para empezar

Por tanto, el modo manual es muy recomendable para principiantes, ya que les obliga a pensar qué valores van a usar en cada escena y por qué. Y es que aprender qué es lo que se consigue usando los ajustes del triángulo de exposición es básico y fundamental en fotografía, además de algo que sólo se asimila con el tiempo y la práctica.

Sin embargo, cuando uno tiene bien asimilados los conceptos, no es necesario estar pensando en ello de forma estricta. A la hora de enfrentarse a una toma, el fotógrafo experimentado sabe rápidamente qué tiene que priorizar, si usar una diafragma más o menos abierto, emplear una determinada velocidad o tirar de la sensibilidad; de acuerdo a esta decisión, para lograr una exposición correcta o adecuada, tendrá que equilibrar la exposición y eso es algo que el modo automático le facilitará.

Y es que, al final, no importa cómo se obtenga la exposición correcta, lo importante es el resultado final. Por lo tanto, nadie debería sentirse obligado a usar el modo manual (aunque, ya decimos, es muy recomendable para aprender) o avergonzarse por no hacerlo. Ambas formas permiten un control total sobre la exposición si se tienen bien claros los conceptos fotográficos y los recursos que ofrecen las cámaras.

Y vosotros ¿qué opinas de la exposición manual? ¿La utilizáis habitualmente?

Casi siempre está ituado en la parte posterior de cualquier cámara de cierto nivel pero es un botón que a menudo se ignora, se utiliza poco o, incluso, ni siquiera se conoce cuál es su utilidad. Especialmente en los casos de quien tiene pocos conocimientos y se ha comprado una cámara sin intención de aprender fotografía. Y precisamente este tipo de usuario es uno para el cual el botón de bloqueo de la exposición puede resultar muy útil. Veamos qué es y cuándo (y cómo) usarlo.

¿Para qué sirve?

El botón de bloqueo de exposición puede ser una gran aliado para fotógrafos que quieran tener más control sobre sus tomas en determinadas situaciones y sin tener que recurrir a características más específicas. De hecho, su uso está muy relacionado con la forma en la que la cámara calcula la exposición (determinando el diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO) cuando se utiliza el modo de exposición automático, normalmente denominado P o Auto.

Foto de Ben White

Claro que esto también se extiende también al uso de los modos semiautomáticos S y A (de prioridad a la velocidad y la apertura, respectivamente, aunque también hay de prioridad a la sensibilidad), en donde la cámara nos deja escoger el valor referido y calcula los otros de forma automática.

La cuestión es que la cámara elige los valores de exposición de acuerdo a la luz reinante, algo que puede funcionar bien en la mayoría de los casos. Sin embargo, si la escena no tiene una iluminación uniforme puede ocurrir que el resultado no sea el que esperábamos y que haya zonas demasiado oscuras o demasiado brillantes en sitios no deseados.

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Para evitarlo habría que recurrir a disparar en modo Manual, aprender a hacer un correcto uso de los modos de medición (para medir la luz en un punto muy concreto), o echar mano de la compensación de la exposición, pero eso es algo que evidentemente requiere un cierto dominio de la técnica que no todo el mundo tiene.

Si ése es nuestro caso, tenemos el recurso del botón de bloqueo de la exposición que está pensado para no tener que complicarnos mucho la vida (aunque también es útil para fotógrafos avanzados que, por comodidad o rapidez, disparen en automático o semiautomático).

Su función es, como ya habréis adivinado, bloquear la exposición que la cámara haya calculado para una escena determinada haciendo que esos valores se mantengan mientras tengamos el botón pulsado. Es decir, se trata de que le digamos a la cámara que nos mantenga la exposición que haya determinado de acuerdo a una situación concreta, para aplicarlos en otra distinta.

¿Cómo localizarlo?

Se suele nombrar con las siglas AE-L, AEL, AE Lock (de Automatic Exposure Lock), y con un asterisco en las cámaras Canon, y lo encontramos normalmente en la parte posterior de la cámara, en la zona superior derecha, porque suele estar pensado para accionarlo con el dedo pulgar.

En muchas cámaras esta función se activa al pulsar el disparador hasta la mitad de su recorrido, pero en otras también lo encontremos nombrado como AE-L/ AF-L (o similar), porque suele asociarse también a la función de bloqueo del autofoco (una característica similar que permite bloquear el enfoque). En otras ocasiones encontraremos dos botones diferenciados para cada una de estas funciones, todo dependerá de la marca y del modelo concreto de cámara.

¿Cuándo usarlo?

Como ya hemos apuntado, su uso suele estar ligado a situaciones en las que hay zonas de luz muy distintas en la toma o bien una iluminación cambiante. El caso más típico lo tenemos en retratos a sujetos en donde la cantidad de luz que hay en el rostro (o cuerpo) del protagonista es muy diferente a la del fondo de la imagen. Es decir, lo que solemos denominar un retrato a contraluz (aunque no tiene porqué ser un retrato).

Foto de Alex Iby

Sería el caso por ejemplo de la foto de arriba, donde seguramente la cámara nos hubiera entregado una imagen en la que el rostro estaría subexpuesto al haber una diferencia de luz muy fuerte con el fondo brillante. Para evitarlo, podemos acercarnos al sujeto de manera que ocupe la mayor parte de la foto, dejar que nuestra cámara mida la luz en esa situación, pulsar el botón de bloqueo de la exposición, alejarnos hasta volver a la composición deseada y disparar. Evidentemente esto provocará que la zona más iluminada quede muy brillante, pero habremos “salvado” lo más crucial de la foto.

A veces no hay que moverse físicamente sino simplemente recomponer la imagen. Sería el caso por ejemplo de la foto de abajo, donde se midió la luz con la oveja más grande situada en el centro y luego se recompuso, manteniendo bloqueada la exposición, para situarla abajo a la derecha logrando que la exposición fuera correcta para la que finalmente es la protagonista de la foto.

Foto de Jaka Škrlep

La misma mecánica aplicaríamos cuando, por ejemplo, estamos haciendo una foto de paisaje en la que hay mucha diferencia de luz entre el cielo y la tierra. Si queremos que la parte inferior esté bien expuesta, componemos la foto haciendo que esta zona sea mayoritaria, bloqueamos la exposición con el botón, recomponemos y disparamos.

Si queremos que prevalezca el cielo, hacemos lo mismo pero encuadrando primero la zona superior. Una técnica, por cierto, perfectamente válida para hacer fotografías de siluetas, que sería otra situación en la que esta función resulta muy útil (como se aprecia debajo).

Foto de Dani Vázquez

También puede servir cuando hagamos fotos en un entorno de luz muy cambiante, como un cielo con claros y nubes en donde éstas tapan el sol temporalmente; o en un concierto, en donde nos puede interesar mantener la exposición de un momento concreto para disparar luego con una luz diferente. Y también en el caso de querer hacer varias fotos con las que posteriormente montar una panorámica, donde nos interesará mantener una misma exposición entre las distintas tomas. Por último, es una característica muy útil si aprendemos a combinarla con el ya mencionado modo de medición de la luz para calcular la exposición en zonas muy concretas.

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Siete fotos que todo aficionado debería hacer cuando empieza en fotografía

En definitiva, el botón de bloqueo de la exposición es un control que debemos conocer porque puede ser muy útil en determinados casos. Y no pensemos que es sólo una ayuda para novatos o gente que no quiere aprender, porque (como ya hemos apuntado) son muchos los profesionales que utilizan modos automáticos y encuentran en esta función una manera rápida y efectiva de controlar cómo quieren que la cámara exponga en ciertas situaciones.

Este año es duro. Es un año raro en todos los ámbitos, desde los Premios Nacionales de Fotografía hasta las exposiciones. Después de no poder organizarla en Madrid, este año la exposición 'World Press Photo 2020' solo se podrá ver en el CCCB de Barcelona y permite disfrutar de visitas guiadas online para poder disfrutar del fotoperiodismo más actual desde el ordenador de tu casa.

La exposición se podrá ver en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona del 13 de noviembre al 20 de diciembre, uno de los centros culturales más importantes del país. La novedad más importante, dentro del montaje, es la posibilidad de verla a través de la plataforma Filmin.

Ahí podremos hacer una visita guiada de 40 minutos a la exposición, tanto en español como en catalán. La película, o documental, o visita guiada será gratuita para los suscriptores de la plataforma y podrá ser alquilada por los no suscriptores. Además hay una interesante guía pedagógica que solo estará disponible para el personal docente.

Como las visitas se han complicado debido a la situación sanitaria han tenido la idea de llevar la exposición más allá de los límites físicos. Esta idea abre una puerta a la exposiciones en el futuro y crea un importante precedente que puede cambiar el concepto que teníamos hasta ahora de una exposición. Ir a ver una exposición es insustituible pero lo mismo se pensaba antes sobre el lugar idóneo para ver una película...

La exposición del 'World Press Photo 2020'

Está organizada por la Fundación Photographic Social Vision, que ha creado un microsite dentro de su página para venta anticipada de entradas (imprescindible para esta edición), venta del catálogo de la exposición, acceso a la nueva visita guiada online, reserva de la visita guiada presencial, así como acceso a los contenidos online exclusivos y gratuitos.

Tercer Premio Ramón Espinosa Associated Press

Así podremos disfrutar y conocer lo acontecido justo antes de la pandemia que está cambiando el mundo a nuestro pesar. Este año además tenemos la suerte de poder contemplar el trabajo premiado de tres fotógrafos españoles: los barceloneses Ricard García Vilanova, en la categoría de Temas de Actualidad, y Ramón Espinosa, en la categoría de Noticias de Actualidad, y el sevillano Antonio Pizarro Rodríguez en la de Naturaleza.

Tercer Premio Ricardo García Vilanova

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El misterioso halo en una de las fotografías nominadas para el World Press Photo 2020

Este año la fotografía ganadora ha sido la del fotógrafo japonés Yasuyoshi Chiba. Una fotografía llena de esperanza en un mundo que ha cambiado radicalmente. Como dijo el jurado del concurso en su momento:

una fotografía realmente hermosa y tranquila que resume todos los disturbios que hay en el mundo de personas que desean un cambio. Además, destacan a un joven que no dispara, que no arroja una piedra, sino que recita un poema, algo que especialmente en los tiempos que vivimos, cuando hay mucha violencia y muchos conflictos, es importante que tengamos una imagen que inspire a las personas.

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“Ningún medio en este momento ha querido sacar estas imágenes”, Ricardo García Vilanova, finalista del World Press Photo 2020

El resto de las fotografías se dividen en 4 bloques temáticos: la protesta ciudadana, la crisis climática y medioambiental, la desigualdad de género y las diversas expresiones del odio y sus consecuencias. En la exposición podremos ver la selección que hizo el jurado de las 73996 imágenes de los 4282 fotógrafos (14% mujeres) que han participado.

• World Press Photo 2020
• Del 13 de noviembre de 2020 al 20 de diciembre de 2020
• Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
• C. Montalegre, 5. Barcelona
• Entrada: 6€ (domingos de 15h a 20h gratuita con aforo limitado)

Lee Friedlander es uno de los fotógrafos más prolíficos del siglo XX. Tiene una de las obras más extensas y complejas de los artistas americanos. Con solo 28 años participó en su primera exposición colectiva en el MoMA de Nueva York. Su estilo parte del arte pop con la idea de romper los esquemas tradicionales. En la Fundación Mapfre de Madrid podemos conocer su trabajo hasta el 10 de enero de 2021.

Lee Friedlander (14 de Julio de 1934) empezó a fotografiar en el instituto. Tras graduarse se inscribió en el Art Center School of Design de Los Ángeles pero lo dejó desencantado por el nivel de las clases. Todo cambió cuando conoció al pintor y fotógrafo Alexander Kaminski, un punto clave en su formación.

A partir de entonces se deja llevar por la intuición armado con su Leica o ahora con su cámara de formato medio. La clave es encontrar la forma de romper los moldes, ofrecer siempre algo nuevo que nunca se ha hecho. Hacer algo cercano a la libertad creativa solo con la ayuda de la intuición y una cámara.

Lee Friedlander Oregón, 1997 Imagen de plata en gelatina 51 x 40,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

En la exposición de la Fundación Mapfre, comisariada por Carlos Gollonet, encontramos una retrospectiva en orden cronológico de las series del autor. Desde las portadas de los discos de jazz hasta sus amados y venerados libros. También descubriremos, entre las 350 fotografías que componen la exposición, diversos diálogos y asociaciones entre los disparos del autor.

La exposición de Lee Friedlander

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Como viene siendo habitual en la Fundación Mapfre, las copias de las exposición son vintage. Son fotografías originales positivadas por el autor a partir de sus negativos de 35 mm de una Leica y de los negativos de formato medio de una Hasselblad con la que trabajó entre 1990-2000.

El valor es incalculable. No vemos una interpretación de un laboratorio sino la visión real del fotógrafo. Así es como quiere que pasen a la posteridad. Ni más claras ni más oscuras, con más o menos máscaras. La visión de Friedlander es así, por encima de lo que podemos ver en sus libros o en las portadas de los discos de Miles Davis o de cualquier otro autor de la mítica Atlantic Record.

Lee Friedlander Nashville, 1963 Imagen de plata en gelatina 35,5 x 28 cm Colecciones Fundación MAPFRE © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

La exposición son seis décadas de trabajo. Empezamos con una sala dedicada a los discos de jazz. Retratos frontales, picados, recreando la fuerte iluminación cenital que convertía a los músicos en dioses. Quizás es su mayor contribución al mundo del color.

Luego vemos su trabajo en los años sesenta. Sus fuentes (alguna vez habrá que escribir sobre la importancia de las fuentes) son, como en la mayoría de las ocasiones, Walker Evans y Robert Frank. Pero como los buenos creadores no es una copia. Crea un estilo propio en el que empieza a fotografiar lo banal para transformarlo en arte. En cierta manera estamos viendo arte pop, que surgió en aquellos años en los EEUU después de absorber todo lo que llegaba del Reino Unido.

Aquí encontramos la esencia de Friedlander, las imágenes que fundaron el mito. Desde la serie Little Screens donde convierte a la incipiente televisión en un elemento más de la sociedad. Fotografía el aparato en habitaciones vacías, siempre encendida y con un rostro en el interior. Hasta Walker Evans comentó para Harper´s Bazaar la serie de un fotógrafo que hasta entonces solo vivía de las portadas de discos.

Son imágenes aparentemente confusas, donde nada parece ordenado, donde todo parece reflejar el caos. Pero después de leer correctamente la fotografía, todo adquiere sentido.

Lee Friedlander Nueva York, 1963 Imagen de plata en gelatina 28 x 35,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Durante los años sesenta viajó con su familia por Europa gracias a una beca Guggenheim. Y visitó España, las dos grandes capitales y el sur por la provincia de Málaga. En esta exposición podemos ver algunas de las fotografías, casi inéditas, que hizo por estas ciudades.

Otra sección importante es la dedicada al mundo del retrato. Rompe de nuevo con los convencionalismos de este género. Trata de la misma forma a los desconocidos que a los más famosos. Ahí están los retratos que hizo a sus amigos fotógrafos como Diane Arbus o Walker Evans:

Estos rostros son vestigios impresos de los roces de Friedlander con la vida, pequeñas huellas fósiles, así de naturales, sin las numerosas intervenciones causadas por el arte manual.

Los años setenta y ochenta

Nos adentramos en la década de los setenta y los ochenta, en la época en la que suaviza su estilo, en la que las copias bajan el contraste y ganan una gama de grises inmensa. Es el momento de uno de sus libros más celebrados, The american monument, donde plasma como nunca se ha visto los monumentos de su país. O Factory Valleys, donde plasmó la vida de los trabajadores.

Lee Friedlander El padre Duffy, Times Square, Nueva York, 1974 Imagen de plata en gelatina 28 x 35,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Huye de la perfección y fotografía como respira. Pueden ser el resultado de lo primero que ve al mirar, lejos de los encuadres donde se busca más la perfección del monumento más que su integración con el entorno. No se trata de sacarlos bonitos, sino reales.

Como bien dicen su visión no se corresponde con el instante decisivo de Cartier Bresson, donde todo se desmoronaría después de hacer la foto. Lo que importa en la fotografía de Friedlander es el encuadre preciso. Esta es la seña de identidad del autor y lo que se debería estudiar en todas las escuelas.

Si en sus fotografías faltara algo de lo que vemos se caería como un castillo de naipes, como un arco cuando le quitas la clave. Es difícil llegar a este estado. Y seguro que muchos le acusaran de fotografiar el caos. Pero todo consiste en saber leer la fotografía.

De los noventa a la actualidad

En aquellos años cambió al formato medio para trabajar en el desierto de Sonora y conseguir sacar el detalle hasta sus últimas consecuencias. En principio solo iba a utilizarla para este trabajo titulado The desert seen pero siguió con la Hasselblad Superwide.

Lee Friedlander Parque Nacional de Grand Teton, Wyoming, 1999 Imagen de plata en gelatina 51 x 40,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Con esta cámara volvió a mirar sus temas clásicos basados en el paisaje americano. Pero visto desde una perspectiva social, alejado de la visión turística y lleno de sentido... Sus trabajos, sus series abarcan más de diez años de trabajo. No es un encuentro casual con la realidad. Es toda una interpretación que exige ver su trabajo con tiempo.

A Friedlander le gusta buscar metáforas visuales que exigen una mirada atenta. Para ello, incorpora un repertorio banal, creando argumentos visuales confusos que sacuden al espectador con un sentido de la ironía derivado de la yuxtaposición de objetos o ideas aparentemente inconexos. Sus ingeniosas asociaciones nos provocan desconcierto al conectar el disparate con la identificación

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Su trabajo es inabarcable. Y en la exposición podemos hacernos una idea de los más de cincuenta libros que ha publicado.... Como decimos muchas veces, no nos queda más remedio que acercarnos a la exposición y aprender, con música de jazz de fondo, en qué consiste esto de fotografiar.

• Lee Friedlander
• Del 1 de octubre de 2020 al 10 de enero del 2021
• Fundación Mapfre
• Paseo de Recoletos, 23, Madrid
• Entrada: 3€ (lunes no festivos gratuito)

Hace poco dedicamos un artículo a la Regla de los 500, una norma que facilita la toma de fotos astronómicas sin que las estrellas aparezcan como estelas. Pues bien, en esta ocasión vamos a hablar de otra regla básica de la fotografía (pensada para facilitar la toma de decisiones a la hora de exponer), la Regla del F16, también conocida como ‘Sunny 16’.

Tan básica es que ya hace años que nos planteábamos si seguía teniendo sentido, y nos parece que, desde luego, lo tiene, y mucho. Sobre todo porque conocer bien la técnica fotográfica y tener una base sólida es la mejor manera de avanzar correctamente y, aunque disparar en manual no te haga más profesional, deberías saber cómo hacerlo. Por último, también porque las cámaras, los fotómetros y/o las aplicaciones móviles siempre pueden fallar...

Foto de Artem Bali

Y es que, básicamente, lo que permite la Regla del F16 es conocer de manera rápida e intuitiva cuáles son los valores de diafragma, velocidad de obturación y sensibilidad ISO que debemos utilizar suponiendo que estemos haciendo una foto hacia el mediodía de una escena soleada (de ahí lo de ‘sunny’).

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El triángulo de exposición explicado gráficamente

¿Cómo se calcula?

La cosa es bastante sencilla. Suponiendo que estamos en dichas condiciones (lo que no suele ser ideal, pero eso es otra historia), la norma dice que deberíamos fijar el diafragma en ƒ16 y utilizar como velocidad de obturación la inversa de la sensibilidad. Es decir, si el ISO lo tenemos a 100 (lo más habitual con buenas condiciones lumínicas) la velocidad será 1/100 seg, o el valor más cercano que es 1/125 seg.

Con esta configuración deberíamos obtener una exposición correcta de forma sencilla y sin tener que complicarnos más. Por supuesto, estos valores los podemos cambiar teniendo en cuenta la Ley de la Reciprocidad; Es decir, compensando el cambio de manera proporcional, en uno de los otros valores (o los dos). A continuación, os adjuntamos una relación orientativa de cifras en las que podemos movernos:

Como veis, podríamos mantener el diafragma y realizar exposiciones más rápidas (como 1/250 seg) aumentando la sensibilidad, pero debemos tener en cuenta que, en estas condiciones de luz, lo mejor es mantener el ISO nativo de la cámara (normalmente 100 aunque a veces es 64, 80 o 200) para asegurarnos de que el resultado final no presenta ruido.

Así, para usar velocidades más cortas (por ejemplo para detener el movimiento) siempre es más recomendable abrir el diafragma, pensando que ƒ16 es un valor bastante cerrado. De hecho, quizá sea más adecuado poner el diafragma cerca de su punto dulce, con lo cual sólo habrá que compensar el resto de valores tal y como hemos contado.

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Variaciones de la norma

La regla ƒ16, como todas, no es inmutable ni mucho menos, y de hecho existen variaciones sobre ella para cuando la luz es distinta a lo comentado. Así, conocer sus variaciones es muy útil para otras situaciones que vamos a contar, ya que la norma se basa en la luz incidente, cuando los fotómetros incorporados en las cámaras trabajan con luz reflejada.

Foto de Smart

Así, en situaciones donde hay mucha luz reflejada, como en la playa o en la nieve, donde los fotómetros suelen verse engañados (creen que hay más luz de la que realmente hay), esta norma puede ser muy útil. En estas situaciones, y para compensar la subexposición típica que suele producirse, se debería aplicar la variante ƒ22 o Sunny 22, en la que se partiría de un diafragma ƒ22 en vez del ƒ16.

También tendríamos la situación contraria, cuando el cielo está nublado y la cantidad de luz reflejada es mucho menor (ideal conocerla por si estamos en un día soleado y, de pronto, se nubla). En ese caso, la regla ƒ16 se convierte en ƒ8 o sunny ƒ8, aunque el cálculo, de nuevo, vuelve a ser idéntico.

Foto de portada | chuttersnap

Mogarraz es uno de los pueblos más bonitos de la sierra de Francia en la provincia de Salamanca. Está cerca de La Alberca, de Candelario y de esa joya que es Ciudad Rodrigo. La particularidad de Mogarraz es que está totalmente decorado con las pinturas del pintor Florencio Maillo a partir de la obra del fotógrafo Alejandro Martín Criado.

Es un pueblo que bien merece una visita. Destaca por la arquitectura de la zona. No es tan popular como La Alberca, uno de los pueblos más famosos de España; y suena menos que Ciudad Rodrigo, que sí merecería el título de pueblo más bonito de España, sin lugar a dudas. Pero Mogarraz debería ser un destino obligado para los fotógrafos por la decoración de la mayoría de sus calles.

En las paredes de las casas, a la intemperie, cuelgan cientos de cuadros de los vecinos que poblaron esos hogares. El pintor Florencio Maillo rescató el archivo fotográfico de Alejandro Martín Criado y en 2012 inició el proyecto con 388 pinturas que se colgaron solo para seis meses... Pero se han convertido en la seña de identidad del pueblo y hoy son más de 800...

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La historia de Alejandro Martín Criado, el fotógrafo del DNI

Es un documento para identificarnos y que nos acompaña hasta el final de nuestros días. Según podemos leer en diferentes fuentes, se utilizó en primer lugar para controlar a los delincuentes, durante los años cuarenta. Luego en 1951 empezó a ser obligatorio para todo el mundo y la fotografía era un requisito indispensable.

Una de las casas más antiguas de Mogarraz

Pero como podéis imaginar en muchos pueblos era imposible encontrar un lugar donde te hicieran una fotografía, así que los alcaldes terminaban contratando a un fotógrafo para que hiciera su trabajo y todos pudieran cumplir con su obligación. En Mogarraz eligieron a Alejandro Martín Criado, que llegaría a ser el primer alcalde de la democracia en este lugar.

Su nombre es desconocido para la mayoría pero a lo mejor os suena más Virxilio Vieitez, el fotógrafo gallego que ha pasado a los anales de la historia precisamente por los retratos que hizo por la misma época en las remotas aldeas gallegas... En aquel entonces el fotógrafo era una personalidad, alguien importante porque registraba la historia de las familias con una máquina que pocos sabían utilizar. Quizás no era tan respetado como el cura o el alcalde, pero tenía su puesto en la sociedad.

Un gran número de fotografías

Alejandro Martín Criado hizo las fotografías de todos los vecinos que todavía no se habían ido a las grandes ciudades a buscarse el sustento. Durante la guerra civil fue piloto y cuando terminó la contienda, se hizo fotógrafo. En los años sesenta le llegó su gran encargo profesional, fotografiar a todos los vecinos de Mogarraz.

La intervención artística de Florencio Maillo

La memoria fotográfica de Alejandro Martín Criado se perdió hasta que en 2012 la recuperó el pintor y profesor de la universidad de Salamanca Florencio Maillo. Él se fue del pueblo con 14 años pero cuando volvió encontró el archivo y decidió que quería volver a ver a sus vecinos en sus casas.

El arte y la fotografía integrados en la vida diaria

Así que preparó el proyecto y en 2012 colgó sus cuadros inspirados directamente en esas fotografías de carné. Y las colgó en las casas en las que vivieron. Tuvo tanto éxito que una exposición de seis meses se ha quedado para siempre y es un reclamo turístico más del pueblo, el pueblo de las caras de Salamanca.

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Ha sido tal el éxito que el año pasado se publicó un libro catálogo de cromos. Y los felices dueños pueden pegar los retratos en sus páginas. Así que ya sabéis... La fotografía siempre hay que hacerla bien, con cariño, porque no sabemos qué harán con ella en el futuro. Y como dijo una vez Castro Prieto, todos tenemos la obligación de fotografiar nuestro pueblo para que perdure para siempre en la memoria.

Con el comienzo de 2020 empiezan también a conocerse nuevas exposiciones. Y una de las que marcarán el arranque del año bien puede ser ‘Peter Lindbergh. Untold Stories’, la exposición que el propio fotógrafo alemán preparó sobre su carrera poco antes de fallecer de forma prematura y que se podrá ver en el Kunstpalast de Dusseldorf.

Linda Evangelista, Michaela Bercu & Kirsten Owen Pont-à-Mousson, 1988 © Peter Lindbergh (Courtesy of Peter Lindbergh, Paris)

Será de febrero a junio y reunirá casi 150 fotografías, entre imágenes ya conocidas y otras inéditas, elegidas por el propio autor para ofrecer “una luz inusual sobre su colosal obra, que abarca desde principios de la década de 1980 hasta la actualidad.” Una obra en la que primó la naturalidad y una idea que apostaba porque la fotografía de moda “puede, y debe, existir muy bien sin poner la moda en el centro”.

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William Klein, el inconformista que supo mezclar el glamour del mundo de la moda con la cruda realidad de la calle

Lo cierto es que Peter Lindbergh quizá no sea excesivamente conocido entre el gran público, pero sus fotos de supermodelos como Cindy Crawford, Christy Turlington, Naomi Campbell y Linda Evangelista (trabajando para revistas como Vogue, Harper's Bazaar o Rolling Stone), forman parte de la cultura contemporánea y de la historia fotográfica y su influencia en el sector de la fotografía de moda es indudable.

Querelle Jansen Paris, 2012 © Peter Lindbergh (Courtesy Peter Lindbergh, Paris)

Por eso esta exposición puede ser una excelente oportunidad para reinvindicarle o empezar a conocerle. Lástima que nos pille un poco lejos, aunque también tenemos la oportunidad de hacerlo a través del libro ‘Peter Lindbergh. Untold Stories’ editado por Taschen y que se pondrá a la venta en febrero.

‘Peter Lindbergh. Untold Stories’

Del 5 de febrero al 1 de junio de 2020

Kunstpalast

Precio: Consultar

Ehrenhof 4 - 5

40479 – Düsseldorf (Alemania)

Página web

Foto de portada | Uma Thurman, New York, 2016 © Peter Lindbergh (Courtesy Peter Lindbergh, Paris)