José María Cuéllar no es fotógrafo, pero siente como tal. Este canario residente en Madrid es un hombre de familia que se gana la vida como ingeniero de Telecomunicaciones.

Agradable, pausado al hablar, imprime en sus palabras el tono del que no tiene nada que demostrar a nadie. Está seguro de lo que hace y, a juzgar por su stream de Flickr, lo hace realmente bien.

Hace un tiempo muy amablemente nos dedicó un rato y pudimos hablar con él de fotografía. Hoy os traemos esta charla en un nuevo ‘Fotógrafos como tú’.

¿Cómo comenzaste en fotografía?
Empecé a interesarme por la fotografía en un viaje a Costa Rica hace unos 12 años. Mi hermano me dejó su cámara réflex, con la que hice unas fotos muy lamentables.

Un año más tarde fui padre por primera vez y mi mujer me regaló mi primera réflex Nikon para hacerle fotos a nuestra hija. Hice muchas fotos con película hasta que en 2001 me compré mi primera cámara digital, que no era réflex pues entonces eran muy caras.

Ésta nueva cámara digital me permitió hacer muchísimas más fotos e incrementar la velocidad de aprendizaje.

¿En qué situaciones sueles hacer fotos?
Cualquier ocasión es buena. A diario voy con una cámara encima. Tengo una compacta Canon. Siempre la llevo o bien para sacar fotos o para localizar exteriores a los que volver con una luz mejor.

En otras ocasiones salgo exclusivamente a hacer fotos. Algunas de mis fotos son de viajes de trabajo, de excursiones familiares, etc.

Réflex Nikon, compacta Canon… ¿es posible esta convivencia?
Las compactas Canon me gustan más que las Nikon. Pero mi réflex es Nikon. Supongo que depende de la primera cámara que hayas tenido, porque las dos marcas son realmente buenas haciendo cámaras.

Pero lo cierto es que me parece que las Nikon tienen como un toque más de aventura, más glamour, más robustas, como para meterte en el desierto. Me gustan más la réflex Nikon que las Canon.

Las encuentro más lógicas de manejar, los botones están donde unos esperaría que tienen que estar. Esto se le ha criticado mucho a Canon hasta el lanzamiento de la 40D, pues no eran tan intuitivas de manejar como las Nikon.

Es probable que seas uno de los fotógrafos más populares para los usuarios de Flickr hispanos. ¿Le debes algo a Flickr?
El hecho de publicar en Flickr es exigente. Tu audiencia, cuando haces una buena foto, espera que la siguiente sea como mínimo igual de buena. Eso me lleva a pensar que no puedo hacer fotos en cualquier situación de luz, así que lo que suelo hacer cuando estoy por ahí, es localizar exteriores que me gustan y encuadres.

En mi bolsa además, siempre llevo una brújula, que me permite calcular por dónde sale y por dónde se pone el sol, lo que me facilita decidir cuándo habrá una luz más adecuada para fotografiar ese lugar. Procuro cuidar mucho ese tema, no sólo llegar y disparar.

Considero que la luz del amanecer y el atardecer, esta última sobre todo en invierno, es de lo mejor para los paisajes ya la arquitectura. Así que trato de aprovecharla, pues es una luz que no tiene precio.

En verano el amanecer apenas dura diez minutos. Es algo más largo en invierno. Supongo que es más agradecido el atardecer, pues cuando se ha escondido el sol todavía tienes una hora con una luz diferente, pero muy buena para tirar.

¿Cuál es el tipo de fotografía que más practicas?
Desde arquitectura a paisajes, pasando por interiores, retratos, etc. Para los paisajes me gusta mucho el amanecer. Sin embargo, para las ciudades, es mejor el atardecer, pues las luces de la ciudad se encienden.

Además, madrugar para hacer fotos no es ningún esfuerzo para mí y me permite poderle dedicar tiempo a mi familia, no les robo tiempo a ellos, sino sólo a mi sueño.

¿Qué buscas con tus fotos?
Cuando saco una foto, siempre trato de que el paisaje comunique algo. Que cree una atmósfera diferente de la que podría haber en otro momento. Muchas veces, compañeros de viaje, me dicen algo que me llena de satisfacción como fotógrafo: “¿Realmente hemos estado ahí? Yo eso no lo había visto”.

Gente me escribe hablando sobre Madrid, diciéndome que veo una ciudad que ellos no han visto. Trato de que la foto tenga una atmósfera determinada, una atmósfera rotunda, que no sea lo que se ve siempre.

Noto en tus fotografías una presencia constante: el Mediterráneo.
Sí. Últimamente me ha dado por sacar muchos paisajes marinos, porque creo que en el mar se dan una serie de condiciones que hacen que con poco puedas sacar muy buenas fotos. Sobre todo en momentos de poca luz, cuando hay piedras que sobresalen del agua y están mojadas, reflejan la luz. Creo que es fácil sacar estos paisajes.

Quizás también influye que voy bastante a la zona de Almería, que es preciosa, y hay muchas oportunidades para sacar fotos. De hecho, hay muchos fotógrafos que se han quedado a vivir en el Cabo de Gata. Lo cual a mí no me importaría de todo.

Soy Canario pero llevo viviendo en Madrid muchos años. Para un canario el mar es muy importante. Almería se parece bastante a Canarias, y para mí, desde Madrid, es mucho más fácil llegar. Son sólo cinco horas de coche.

Y cuando vuelves a casa con tus tarjetas llenitas de fotos ¿qué tratamiento digital les das?
Aunque cada foto es diferente sigo un patrón de retoque supongo que es común a la mayoría de los que hacemos fotos. Disparo en RAW con todos los ajustes de la cámara en normal.

Las revelo con Adobe Lightroom y corrijo con él balances de blancos, ligeramente el color, contraste y la nitidez. Un workflow estándar, supongo. En el postproceso no hay ningún secreto, supongo que el toque personal está a la hora de tirar la foto.

Como mucho optimizo el color, viro la foto a tonos más ocres, degradados de blancos y negros. Pero no lo hago en todas las fotos, sólo en algunas. En esto influye mucho el estado de ánimo, al igual que a la hora de disparar.

¿Podrías hablarnos de tu equipo fotográfico?
Sí. Tiro con una Nikon D200. Para los paisajes de amaneceres y el día me gusta mucho el gran angular extremo, uso un Tokina 12-24. Si estoy en una ciudad por la noche uso el Nikon 18-200 VR, que me da la oportunidad de disparar con poca luz sin trípode. Aunque no me termina de convencer, porque tiende a sobrexponer y tiene bastante distorsión, que aunque es fácil corregirla con el Ps, hay que hacerlo foto por foto, por lo que es una lente que hay que usar con cuidado.

Desde hace poco uso para retratos un Tamron 17-50 f2.8, cuya luminosidad me permite parar bien la imagen. Tengo otros que uso dependiendo del momento. El Sigma 30mm f1.4 lo uso cuando es noche cerrada y estoy en ciudades, porque me permite captar bien los colores de las calles y avenidas por la noche. Y el típico Nikon 50mm f1.8, un gran objetivo para retratos.

Además de todo esto, uso los filtros Cokin de la serie P, sobre todo me gustan los de densidad neutra (degradados y sin degradar), el cuatro y el ocho. Alguna vez puedo usar alguno color tabaco o alguno anaranjado para resaltar la luz del amanecer.

¿Cuál de tus objetivos es imprescindible para ti?
Nunca salgo sin el 12-24 ni sin el 18-200. El resto de los objetivos que uso dependen un poco del momento en el que vaya a hacer fotos y de la intención que tenga.

Si tuviera que usar en un viaje un solo objetivo, sin duda éste sería el Tokina 12-24.

¿Puedes hablarnos de tus influencias?
Todos los que hacemos fotos es como si procesásemos en el cerebro todo el día, constantemente buscando fotos. Muchas veces no sabes ni cómo ocurre. Uno, a lo largo del día, ve muchas fotos. Algunas se escapan por no llevar cámara encima, otras no.

No creo que tenga un referente pictórico que me guíe. Me gustan mucho las fotos de paisajistas, que sí me han podido influenciar los clásicos de siempre, indudablemente Ánsel Adams. De Flickr, Tglow, que debe ser de los mejores paisajistas que hay en Flickr.

Tampoco es que piense en imitarlos, pero sin duda te influyen.

Sin duda te habrán ayudado también a evolucionar los libros de fotografía
Efectivamente. Por ejemplo el libros de John Edgecoe “Manual de fotografía”. Un manual clásico que me gustó bastante, con un índice que puede tener cualquier manual. Hay uno, de los que de verdad aportan, “Master en Fotografía” de Blume. Un buen libro, no como primer libro de fotografía, pero sí para gente que ya tiene ciertos conocimientos.

“Learning to see creatively”, es otro gran libro de fotografía que se puede comprar en el extranjero. Te ayuda a mirar las cosas de otra manera.

Aunque creo que no hay nada como lugares como Flickr o Photo.net, que son las dos webs que más miro. Creo que es como más se aprende. Viendo fotos y dejando que la gente te comente y poniendo fotos tú, creo que es más útil que un libro.

Veo que en cierto modo, si me lo permites, estás muy apegado a Flickr. Es una comunidad a la que le tienes respeto y cariño.
Sí. Me ha traído cosas divertidas. De vez en cuando recibo temas curiosos. Una chica de México, de hecho, me pidió una foto para utilizar en las invitaciones de su boda. Se la cedí a cambio de una copia de la invitación. Y, efectivamente, la chica se casó y utilizó mi foto en sus invitaciones. Cuando ocurren cosas de estas es bastante satisfactorio.

Me imagino que no sólo me ocurre a mí, sino a mucha gente. Aunque la verdad es que ya recibo al día más correo electrónico de Flickr del que puedo atender. Es un tema que hace algo más de un año soy incapaz de manejar.

Luego hay muchas fotos mías dispersas por muchos blogs, guías de viajes, etc. Es muy curioso e interesante las cosas que te pueden llegar a ocurrir por el hecho de publicar en internet.

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Durante su carrera profesional colaboró con La Calle y fue correspondal de El Periódico de Catalunya y el semanario Interviú. En los 80 sus trabajos se publicaban indistintamente en La Voz de Galicia, diario El País y Cambio16 y fue redactor gráfico de El Diario de Galicia, a la vez que miembro de las agencias Copi y Contifoto.

Actualmente, como ya vimos, está vinculado a Acción contra el Hambre y a la Televisión de Galicia, y es copartícipe en numerosos proyectos fotográficos, dentro y fuera de España. Sus 30 años de relación con la fotografía os los cuenta él en este vídeo:

Aquí os dejo también algunas de sus fotografías de los últimos años:

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Más información | Fernando Bellas

José Javier Serrano “YoSigo” es un diseñador donostiarra, cosecha del 81. Sin duda, su interesante trabajo fotográfico está muy influenciado por sus estudios de diseño, a los que es capaz de sacarles buen partido para crear imágenes redondas, perfectamente compuestas y equilibradas.

Formas, colores y líneas toman sentido delante de la cámara de YoSigo mostrándonos en casi todas sus tomas una de sus pasiones: su San Sebastián natal y todo lo que la rodea. Desde la Real Sociedad a sus cielos grises.

Tuvimos con él una agradable conversación que hoy compartimos con vosotros en nuestra serie Fotógrafos como tú.

- ¿Cómo y cuándo te iniciaste en la fotografía? ¿Cómo has evolucionado desde el principio?
Desde pequeño me ha gustado mucho la fotografía. Las primeras fotos que recuerdo son unas que hice en una excursión con el colegio cuando era un enano. Comencé usando cámaras desechables hasta trabajar con la cámara digital y el ordenador en la actualidad.

- ¿Cómo defines tu fotografía de este momento?
Me gusta fotografiar espacios simétricos y amplios. Supongo que de alguna forma podría decirse que es un tanto minimalista.

- ¿Qué te lleva hoy a coger la cámara y a hacer fotos?
Es mi forma de expresarme. Me encanta el mundo de la imagen y todo lo relacionado con ella. Puede que si supiera dibujar mejor haría más dibujos y menos fotos..no se..jejeje! Creo que es algo con lo que disfruto un montón, una vía de escape…

- ¿Qué tratamiento digital le das a tus fotos?
Uso Photoshop para retocar mis fotos, bien para darles más color o recomponerlas. El ordenador es el laboratorio donde sobre o subexpones, haces reservas… Es menos romántico que el de verdad, pero para mí más práctico, ya que soy malísimo revelando carretes y positivando las fotos en el laboratorio.

- ¿Quiénes son tus referentes visuales?
Esta pregunta podría estar respondiéndola durante horas y horas. La verdad es que me encanta ver lo que han echo o hacen otros fotógrafos y diseñadores gráficos. Los clásicos de la fotografía me gustan casi todos, especialmente Cartier-Bresson, Josef Koudelka, Elliot Erwitt …Españoles Alberto García Alix, Chema Madoz, los hermanos Belinchón, Xabier Ribas, Fontcuberta…y a nivel internacional hay muchísimos nombres: Gregory Crewdson, Loretta Lux, Julia Fullerton Batten, Vee Speers, Erwin Olaf, Larry Clark…pero si tuviera que elegir uno supongo que sería Andreas Gursky, seguido de Thomas Ruff, Candida Höffer y Jeff Wall…

Disfruto un montón con los libros de fotografía, y me encantan las revistas Eyemazing y EXIT, donde siempre descubres nuevos fotógrafos que te dejan con la boca abierta.

- ¿Cuál es tu equipo actual y qué partes de él son esenciales para ti?
La verdad es que por el momento no soy un obseso de las ópticas ni de los complementos. De hecho no tengo ni fotómetro ni flash todavía. He estado dos años haciendo fotos con una Nikon D70 con un 28-85 3.5 5.6 y desde hace unos meses con la Canon 5D con un 24-105. También tengo un 50mm 1.8, pero la verdad es que casi no lo he usado.

- Fotos cuadradas con líneas rectas, elementos simétricos… ¿tratas de ordenar el mundo con tus fotos?
jejejeje. Lo intento. He estudiado diseño gráfico y me encanta todo lo simétrico, el orden en la imagen, las rectas…

- En tus retratos llaman la atención varias cosas. En primer lugar, el aire de los protagonistas es triste. Hay pocas sonrisas y pocas miradas alegres. Normalmente no miran a la cámara , sino que esquivan su presencia girando la cabeza. ¿Por qué?
La verdad es que no sé muy bien el porqué. Me lo han preguntado varias veces y hay muchas risas a costa de eso entre mis amigos, pero todavía no se muy bien por qué lo hago. Así como el orden y la simetría en mis fotos se lo atribuyo en cierta forma a la influencia del diseño, el tema de la tristeza y las miradas es lo que me pide el cuerpo cuando hago retratos. Si encuentro el porqué prometo mandaros un mail para comentároslo.

- En otras fotos en las que el centro supuestamente es la persona, esa persona casi ni se ve. ¿Por qué?
No tiene nada que ver con eso de lo grande que es el mundo y lo insignificante que somos nosotros. ¡Para nada! Me gusta componer así, con mucho espacio vacío alrededor del sujeto.

- Tus fotos dan sensación de frialdad por el uso de colores azulados y grisaceos. ¿Es esta tu intención? ¿Por qué?
Supongo que sí. Es que Donosti es bastante fría, gris (me encanta) y también azulada. ¡Al final se me ha quedado esa atmósfera bien grabada en la cabeza!

José Javier Serrano ha estado trabajando durante los últimos meses en una exposición para febrero de 2008 en la Casa de la Cultura del barrio de Amara, en Donosti. Más que recomendable.

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Antes de terminar el año, todavía tenemos tiempo de conocer a otra fotógrafa como tú. Cristina Núñez nació en 1962 en Figueras (Girona), pero desde hace más de 20 años vive en el área de Milán (Italia). Actriz, modelo, directora de arte… actualmente trabaja como fotógrafa. Aunque su base está en Milán, se mueve por toda Europa haciendo fotos.

En buena medida, su trabajo se basa en fotografiar a gente. Retratos de todo tipo de personas. Diseñadores, abogados, empresarios, familias… Y es que supongo que a lo largo de los más de 20 años que Cristina Núñez lleva practicando intensamente el autorretrato ha aprendido no sólo a mirarse a sí misma, sino a mirar a la gente de manera especial.

Llegando de España y a punto de partir hacia Francia, Cristina Núñez tuvo a bien tomarse un ratito para respondernos a unas preguntas vía mail.

¿Cómo y cuándo te iniciaste en la fotografía?
En 1986 conocí a un fotógrafo italiano en Barcelona, nos enamoramos y me llevó a Milán. En aquella época yo era actriz, así que allí empecé a trabajar para él. Hacía castings de modelos, organizaba reportajes para revistas y pasaba muchas noches hablando de fotografia y de arte con él.

En ese momento yo atravesaba por un montón de problemas personales. Me resultaba muy difícil relacionarme con los demás, por lo que no tenía amigos propios. Estaba frustrada por no conseguir expresar mi creatividad, así que empecé a cogerle la cámara de vez en cuando para hacerme autorretratos. Nunca pensé que iba a ser fotógrafa. Lo hacía por instinto, porque necesitaba creer en mí misma.

Así empezó todo, un buen día en 1994 cogí la Rolleiflex y me disparé... empecé a hacer retratos a la gente que me rodeaba, desnudos en mi cama… Fue como si les viese por primera vez, como si pudiera realmente acercarme a ellos como nunca lo había hecho. Y así empecé a florecer, a salir de mi agujero, a conocer gente y a tener amigos propios.

¿Cómo cambió tu vida en ese momento?
Desde el momento en el que cogí la cámara todo sucedió como un torbellino. Hice cuatro libros en cuatro años y obtuve dos premios. Había tanto que decir que cada día encontraba ideas nuevas, proyectos de libros y exposiciones… Body and Soul (Cuerpo y Alma) fue un proyecto sobre retratos y desnudos. Luego vino To Hell and Back (Al Infierno y Retorno), sobre judíos supervivientes del Holocausto. Heaven on Earth (Cielo en la Tierra), que es un viaje a través de la espiritualidad europea y, más tarde, Io Sono (Yo Soy), centrado en retratos a exdrogadictos explicando el proceso que atravesaban para lograr la independencia de las drogas.

¿Qué te lleva hoy a coger la cámara y a hacer fotos? ¿Cómo has evolucionado desde el principio?
Lo que realmente me interesa hoy es el autorretrato. El mío e incluso el de otros, porque creo que sacan la verdadera fuerza de la gente. Cuando conozco a alguien interesante me encanta ofrecerle la cámara para que se haga un autorretrato. Me maravilla que la gente al principio tenga incluso miedo y que, después de una sesión de autorretratos, salga con la cara y la mirada iluminadas. Se ha enfrentado consigo mismo y se ha “encontrado”. Me emociona mucho transmitirle esta experiencia a los demás y ver que se miran, se buscan y se encuentran. No se trata sólo de fotografia, sino de ayudar a los demás a que la utilicen para ser mas felices. Y esto, a su vez, me hace feliz a mí.

En un principio me interesaban los temas sociales, aunque siempre relacionados con la identidad de las personas. Quería ver mundo y decir lo que pienso, hablar de temas importantes para la humanidad. Trabajar para la prensa y contar historias positivas, mostrar la fuerza de la gente, incluso en circunstancias difíciles. Hacer retratos y sacar el carisma natural de las personas.

¿Qué tipo de fotografía haces?
Hago retratos y reportajes sobre las personas como profesional. Trato de mostrar su fuerza y su carisma real. Eso no quiere decir que no salga el sufrimiento o aspectos más difíciles, sino que precisamente la multiplicidad de contenidos y emociones hace más interesante a la persona y la foto. Por otra parte están mis autorretratos. Creo que con la próxima publicación de mi autobiografía, Someone to love, 20 años de autoretratos, se cerrará una época y seguramente se me ocurrirá algo diferente.

¿Cuál es tu equipo actual?
Hace dos años me compré una Mamiya ZD y desde entonces uso sólo digital. Me costó bastante aprender a ponerle la misma energia que con la película, porque el hecho de que no se impresiona la materia, parece que le da menos valor. El equipo se completa con un trípode y el cable disparador para autoretratos… Aunque la verdad, este fin de semana en Madrid he empezado a filmar en vídeo y me ha encantado la experiencia! Así que nunca se sabe…

¿Le das tratamiento digital a tus fotos?
En mi trabajo profesional hago trato mis fotos con Photoshop. Un ayudante experto se encarga del retoque, pero yo misma me encargo de que éste sea muy ligero, para que el resultado siempre sea real y creíble. Generalmente para mi trabajo artístico no retoco las fotos.

¿Cuáles son tus referentes visuales?
Con mi evolución han ido cambiando con el paso de los años. Antes me gustaban Avedon, Newton o Diane Arbus; pese a que mi trabajo era muy distinto. En la actualidad me interesa mucho más el trabajo de Elina Brotherus, Phillip Lorca di Corcia, Tina Barney, Cindy Sherman, Tomoko Sawada, etc. En todos los casos se trata de artistas que usan la fotografía como medio más que como fin. Y luego, claro, la pintura: Goya, Velázquez, Rembrandt, Courbet, Van Gogh, Vermeer y muchos otros. La pintura siempre me ha influenciado más que la fotografía. Como usan la luz y el tiempo, las composiciones. Lo majestuoso, lo solemne…

En los últimos cuatro años de tu vida has vinculado la fotografía y la terapia. ¿Qué encuentras de terapéutico en la fotografía?
En realidad empecé a usar la fotografía como terapia antes quee nada. Era una necesidad absoluta. Mi juventud fue un verdadero desastre, mi autoestima estaba por los suelos y necesitaba creer en mí. El autoretrato es terapia pura, porque te obliga a enfrentarte contigo mismo. Te miras y te tienes que aceptar. O por lo menos empiezas sacando lo que hay, y como lo sacas, te distancias y así puedes aceptarlo completamente.

Expresar emociones siempre fue terapéutico. Pero además creo que con el autorretrato, al ser el autor a la vez espectador y sujeto, se dispara una dinámica increíble que remueve todo dentro. Te sientes como nuevo. Te encuentras con tus puntos cruciales y los resuelves. Seguramente algunos no lo compartirán, pero es mi visión.

¿Por qué autorretratos? En relación a los desnudos en alguno de ellos, ¿crees que es una manera de hacer más intenso el concepto de autorretrato?
Me interesa mucho la relación de la persona con su cuerpo, pues revela mucho de su interior. Supongo que sí, hacerse un autorretrato desnudo es reforzar el concepto, pues te muestras totalmente, sin esconderte, más desnudo. Es esencial expresar dignidad en el cuerpo desnudo, aunque esté envejecido o deformado. Para mí el cuerpo es algo sagrado, contiene muchos significados, emociones y huellas de lo vivido.

Relacionas el autorretrato con la autoestima y la identidad de las personas, ¿qué le enseñas a la gente en tus seminarios de autorretratos? ¿Hay alguna técnica a seguir?
En mis seminarios les propongo a mis alumnos un camino, un viaje hacia su interior que dura tres meses. El primer mes está dedicado a uno mismo, a las emociones, la esencia, los sueños y el cuerpo. El segundo mes se dedica a las relaciones; aquí caben las relaciones familiares, las amorosas, las de trabajo, etc. Por último, en el tercer mes, exploramos la relación con el mundo y la comunidad que nos rodea. Siempre se trata de ejercicios de autorretrato con el fin de ser honestos y mostrarse, aunque sea de mostrarnos vulnerables. La búsqueda que se inicia siempre lleva a hallazgos sorprendentes. Es una forma eficaz de conocerte mejor, descubrir quién eres y qué quieres en la vida. Sin más complicaciones.

¿Cuál es la parte más importante de este proceso?
La lectura emocional de las fotografías es esencial. Las fotos hablan y a veces no las escuchamos. Elegimos las que nos dicen algo sorprendente, algo que no habíamos planeado. Pero es mucho más interesante escucharlas a todas y encontrar una fuerza comunicativa inconsciente que si estamos abiertos, produce fotos maravillosas. Se trata de construit un proyecto, que es importantísimo. A veces, si juntamos dos o más fotos y vemos que hablan entre ellas, comunican cosas que solas no decían. Es impresionante. Es ahí cuando el proyecto mismo es nuestra propia identidad.

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Más información | Cristina Núñez | Flickr de Cristina Núñez

En los últimos años he tenido la suerte de conocer a mucha gente que hace fotos. Algunos de ellos se dedicaban profesionalmente a la fotografía, otros no, ¿qué más da? Hablar con ellos y ver su trabajo me ha hecho afianzar un pensamiento que nunca abandoné. Todos ellos, o nosotros, tenemos algo en común.

Desde el fotero padre de familia que aprovecha los domingos para hacer fotos hasta el fotógrafo de publicidad a tanto la sesión, siempre hay un elemento que los iguala: su pasión por este fantástico modo de expresión.

Ver las cosas de esta manera me ha permitido eliminar unas barreras psicológicas que muchos se preocupan por marcar (profesional vs aficionado), pero que muy pocas veces existen en realidad. Siempre llego a la conclusión de que sólo hay gente que vive la fotografía y gente que no. A los primeros les llamo “fotógrafos como tú”.

Iniciamos una serie de conversaciones con fotógrafos como tú hablando con Manuel Vilariño, Premio Nacional de Fotografía 2007 en España.

Manuel Vilariño (1952) vive con su familia en su casa-estudio de Bergondo, un pueblo en las afueras de la ciudad de A Coruña. Amante de su Galicia natal afirma no querer abandonar la “soledad” en la que vive, rodeado de naturaleza. Parece que ni la Bienal de Venecia ni el Premio Nacional de Fotografía 2007 han cambiado a este hombre entusiasta y trabajador.

Vilariño nos recibió en su hogar junto a su mujer. Una confortable casa de campo obra de Manuel Gallego (Premio Nacional de Arquitectura. Dios los da…). La cocina y el salón-estudio-taller ocupan la planta baja. Huele a hogar. No hay diferencias entre el espacio para trabajar y para vivir. Está claro que para Manuel Vilariño vida y obra van unidos.

Ilusionado nos conduce a su lugar de trabajo, el salón-estudio. Se respira arte. Libros, cámaras de fotos montadas sobre trípodes, bodegones desmontados, flight cases de Sinar, más libros, recuerdos de viajes, fotos que acaban de llegar o están a punto de salir hacia una exposición están apoyadas en las paredes y un piano de cola ocupa el centro de la habitación. “Me encanta la música, desde JJ Cale a Mozart pero la verdad es que toco muy mal”.

Amable en el trato, Vilariño off the record es un hombre de conversación muy amena. Me sorprendió lo muy informado que estaba de las últimas novedades no sólo en fotografía, sino en vídeo y cine digital. Muy interesado en nuestras cámaras, nos contó que estaba pensando en comprarse una buena réflex digital: “Me gusta la Canon 5D, pero todavía no lo tengo claro”.

Nos mostró con pasión algunas de sus cámaras, entre las que se encontraban una Leica M6, una Hasselblad y una enorme Sinar antigua en perfecto estado. Con la misma pasión enseñó algunas placas que tenía para la Sinar, “éstas ya no se fabrican, las compré hace poco en Chicago” y película, montones de rollos de película Fujichrome Velvia. “Me gusta trabajar con un par de tipos de película y siempre con el mismo revelador, es la manera de controlar perfectamente el resultado final que vas a obtener en el positivado”.

En su conversación mencionaba con frecuencia y entusiasmo los Estados Unidos, un país que le marcó: “En los Estados Unidos es donde se trabaja de verdad. Allí encuentras a los mejores profesionales, a la gente que más sabe. Además, en sus tiendas, sigues encontrando de todo, como siempre”.

También nos habla con pasión de la obra de Gervasio Sánchez, reportero de guerra: “Su trabajo no tiene nada que ver con lo que yo hago. Pero me parece que su obra es magnífica. Su última exposición, Vidas Minadas, es genial. Es un gran fotógrafo”.

Al iniciar la entrevista sus palabras se tornaron más solemnes y empezó a hablar el Manuel Vilariño biólogo, el filólogo y el artista. Tres en uno. Un hombre con una extensa cultura. Fotógrafo como tú y a su vez intelectual. Una mezcla indisociable de facetas que hacen de él, sin duda, un tipo peculiar. Aquí os dejo algunas de las partes más interesantes de la entrevista:

¿Cómo empezó en la fotografía?
Siempre había hecho alguna foto con la cámara familiar, pero empecé seriamente cuando llegué a la universidad en Santiago. Llevé a cabo mi primer proyecto sólido a los 24 años, cuando ya tenía una cultura visual. Mi relación con la cámara ya pasaba de aquellos primeros escarceos con la imagen. Entonces ya sabía definir un proyecto; te miras más hacia dentro buscando la luz interior de lo que ya tienes y abres los ojos al mundo con la cámara.
Para mí vida y obra van juntos. La vida es un proceso de demolición que yo documento, es trazar círculos de desaparición. Esta idea del círuclo está presente en mi obra, representa que la mirada interior, meterme en el poso de donde sale el agua.

¿Cómo ha evolucionado su trabajo durante los últimos 30 años?
En la vida existe un hilo invisible que conduce de una cosa a otra, ahí permanecen conexiones con muchos parámetros de los primeros momentos, lo que pasa es que con el paso del tiempo, uno va teniendo una mirada diferente. Se aproxima más al lugar de la diferencia. Se aventura cada vez más al mundo de lo desconocido, al precipicio.

¿Y en cuanto a las herramientas?
Sigo trabajando con cámaras analógicas, películas en blanco y negro y color. Me parce muy importante el cambio a las nuevas tecnologías, a la fotografía digital. Pero aún añoro el super 8 en cine y el 35 mm. La fotografía y el cine han dado un salto con las nuevas tecnologías y me parece muy importante: el laboratorio ha pasado a ser el ordenador. Pero lo que me parece más importante es a nivel filosófico el salto del ángel. Por primera vez estamos ante lo inmaterial, que es lo digital, que se relaciona con la figura del ángel en todas las culturas. Tengo una serie sobre el ángel del que habla Wallace Stevens. El ángel innecesario, a través de cuya visión descubres el mundo de nuevo.

Acaban de declarar desierto un premio a causa del abuso de Photoshop
No lo sabía, supongo que el Photoshop es también el bricolaje, que es la perversidad del medio. Sin el Photoshop trabajas directamente con la luz. Siempre tienes luz, únicamente necesitas tiempo para desvelar algo.

¿En qué tramo se encuentra dentro del camino por el que discurre su obra?
De alguna manera siempre estoy desbrozando, abriendo un sendero en la naturaleza. Cuando hablo de desbrozar un camino estoy hablando en el sentido filosófico del término, esa idea de abrir algo nuevo que te conduce al lugar donde puedes encontrarte. En ese buscar te puedes encontrar con el zumbido de los insectos, con el caminar de la lagartija o el vuelo del pájaro, que te puede llevar al claro del bosque donde encuentras el fulgor, la luz, ese claro que es el espacio del que habla María Zambrano y que me interesa mucho, que es donde existe el deslumbramiento. ¿Dónde está mi trabajo en ese desbrozar? Pues en estos momentos está en una línea de paisajes aurorales, en el sentido de que los realizo en ese instante antes de que salga el sol y depués de la noche, cuando todavía no se escucha el canto de esos pájaros. Me gusta fotografiar con esa luz, que es la aurora, es una luz que se va abriendo a la par de lo visible. Simultáneamente tengo otras líneas de trabajo que tienen que ver con el still-life.

¿Cómo llega a los objetos fotografiados?
Son objetos que encuentro o que busco. Algo que está muy presente en mi obra es el animal, que ha venido desde colecciones de museos de Holanda y Estados Unidos o de Galicia. Animales que me he encontrado en el bosque. Mi encuentro con el animal ha sido fortuito, incluso a través de cazadores, de agrupaciones naturalistas. El animal ha venido a mí. Como decía Rilke “los animales brotan del silencio”.

He trabajado con el still-life, porque juego en ese círculo de la existencia y la inexistencia, no exactamente de la muerte. También me ha interesado mucho la gran tradición pictórica española y el bodegón clásico español barroco. De hecho, muchas de mis series están referenciadas en un post-barroco. y toda Me interesa transmitir esa idea de tenebrismo a través del soporte fotográfico.

Otro interés es la naturaleza muerta brahmánica, más vinculada a las filosofías orientales con las que he tenido mucha relación teórica y por influencia directa de mis estancias en la India. Trabajo con estas ideas no sé muy bien por qué, puede que por experiencias vitales.

La naturaleza muerta brahmánica se basa en animales que aparentan estar muertos pero que a lo mejor están vivos en ese resurgir y renacer de la vida y de la propia materia. Para recrearlo trabajo con especias, que son vida, y sobre ellas, estaban los animales que aparentaban estar muertos. Es un metabolismo cósmico, más propio de las culturas orientales, en contrapunto con los bodegones barrocos y que realicé para la bienal de Venecia. Paso de la mirada cósmica a la visión tenebrista de la pintura española.

¿Cree que en el mundo del arte es necesario tener padrinos para salir adelante?

Sí, en el arte actual es más importante una estrategia de márketing o un padrino para que te metan en el circuito caliente del arte contemporáneo. Es lo que está funcionando desde hace muchos años, pero también es un modelo de productos efímeros. Unos nombres sustituyen a otros, unos jóvenes sustituyen a otros. Me parece una apuesta muy legítima, pero yo creo más en la soledad del corredor de fondo, en la soledad sin refugio, sin estar pendiente del merchandishing ni de la difusión. De todas formas hay una balanza perversa entre una cosa y otra. Uno necesita también la comunicación.

Pero yo sigo siendo el que soy aunque no sea nada, como dice Fernando Pessoa. Tras eventos como la Bienal de Venceia, una vez que expongo allí y que mi obra la mueven determinadas galerías, yo sigo estando en Bergondo, en el hondón, en este agujero que véis, que es donde vivo, lo que me rodea.

No soy un piloto enloquecido del arte contemporáneo, sino una persona normal que trabaja desde el agujero o la pura sombra que es la naturaleza que me rodea.

En ese sentido, no le ha cambiado la vida el premio…
No, no me ha cambiado porque mi proyecto es un proyecto espiritual muy vinculado a la sombra oscura a sondear en lo que me rodea oscuro y mi obra se fundamenta en eso. En cualquier caso no puedo convertirme en lo que no soy o lo que no quiero ser.

A las 13.30 damos por concluída la conversación. Vilariño espera una llamada de Alberto Ruiz de Samaniego, el comisario de algunas de sus exposiciones. Además, “tengo que salir a buscar a la niña. Está a punto de salir del cole”, nos dice.

Fotos | Óscar Vífer

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