Que la fotografía ya no solo se ve, si no que se piensa, se reflexiona y sobre todo se lee es algo que no se le escapa a nadie. Por eso, este domingo os invitamos a que disfrutéis del libro La Imagen como Pensamiento, una serie de ensayos publicados por la Universidad Autónoma de México de libre descarga.

Este libro es resultado del 1er Foro Internacional de Estudios Visuales ‘La imagen como pensamiento’ que se llevó a cabo entre el 13 y 16 de octubre del año 2014 en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de México y que la institución ha decidido publicar bajo licencia Creative Commons para que todos podamos disfrutar de las ponencias ofrecidas.

Humberto Chávez Mayol, Georgina Montoya Vargas o Alberto Carlos Romero Moscoso son algunos de los autores que participan en este libro en el que se aborda la fotografía y la imagen desde la filosofía, la pedagogía, la comunicación audiovisual y desde muchos otros ámbitos.

Una iniciativa que nos parece fantástica, ya que hoy, más que nunca, se hace imprescindible pensar y reflexionar alrededor la imagen en un mundo inundado por fotografías.

Descarga | La Imagen como Pensamiento

Marina Morón es el nombre de un colectivo compuesto por Jesús Marina y Elena Morón, pareja artística, creativa y sentimental. Él es historiador, ella arquitecta, y ambos trabajan alrededor de la imagen para reflexionar acerca del espacio y el paisaje que habitamos, al que cuestionan e interrogan en su producción fotográfica.

Los trabajos de esta pareja utilizan la fotografía para registrar distintos paisajes "habituales" para cualquier habitante de la ciudad que desdibujan en sus fotografías. Mediante planos cerrados o extremadamente abiertos, se pierde el sentido de la perspectiva, y ante la ausencia humana (en la forma ya que en el fondo está muy latente), crean abstracciones. Estas piezas fotográficas sirven a los dos autores para hablarnos de lo fútil que es nuestra realidad y de nuestras limitaciones a la hora de verla.

El resultado son imágenes que si bien no consiguen romper totalmente la lógica espacial, sí que consiguen producir cierto desasosiego en el espectador ante una realidad en cierta forma inabarcable y por otra parte opresiva. La forma como sentido, pero también como límite.

Página web | Marina Morón

Sema D'Acosta es un nombre clave dentro de la fotografía andaluza, aunque su presencia se hace cada vez más internacional desde su último trabajo: el comisariado de Imago Ergo Sum, la última exposición de Joan Fontcuberta. Hablamos con este comisario andaluz sobre los retos a los que se ha enfrentado en su última exposición, de las nuevas derivas creativas que está tomando la fotografía así como de la situación de la fotografía andaluza contemporánea.

Muchos consumidores de imágenes acudimos a exposiciones y muchas veces no somos conscientes de que detrás de la selección de obras que encontramos en una galería o museo, está la figura del comisario en lugar de la del propio artista. ¿Podrías explicarnos qué es y qué no es un comisario así como cuales son sus mayores retos?

Un comisario es la persona responsable de convertir una idea en una exposición, el encargado de hacer que aquello que se piensa a través de la obra de los artistas, tome forma para que el público reflexione o se conmueva sobre cuestiones de interés relacionadas con nuestro mundo. Es fundamental que ese proyecto planteado aporte algo nuevo que antes no existía, que descubra perspectivas distintas y puntos de vista inéditos para pensar el presente, incluso a los propios artistas. Es importante también que el comisario sepa imprimir su sello, dejar huella, definir un modo de hacer… pero de una manera discreta, perceptible solamente para quienes están muy acostumbrados a ver exposiciones.

Para un comisario, cualquier muestra se divide en dos etapas principales: una primera de conceptualización, imprescindible, y otra segunda de materialización y desarrollo, que se lleva a cabo en equipo. Si se me permite el ejemplo, un comisario actúa como un director de cine. La etapa de conceptualización se correspondería con el guión, la etapa de desarrollo con el rodaje y posterior montaje. El director puede participar en el guión y hacer mucho hincapié en esto, como ocurría con Luis García Berlanga en colaboración con Rafael Azcona. Para otros puede ser clave el montaje y el ritmo, caso de Alejandro González Iñárritu. No es lo mismo Woody Allen, que da mucha libertad a los actores, que Stanley Kubrich, Lars Von Trier o Pedro Almodóvar que quieren controlarlo todo y dejan poco margen para la improvisación. Incluso a veces, al igual que en el comisariado, en una exposición de máximo nivel, puede ocurrir que el director no sea lo más importante, como paso con Lo que el viento se llevó (1939), que tuvo cinco directores más otros secundarios.

¿Por qué deberíamos acercarnos a ver la exposición IMAGO, ERGO SUM de Joan Fontcuberta que estás comisariando ahora en Madrid?

La tesis central de esta exposición sitúa a Joan Fontcuberta como un autor de ideas, de conceptos, por encima de un simple creador de imágenes. Reivindica a Fontcuberta como un artista conceptual que genera reflexiones a partir de la imagen, donde la fotografía es la materia aglutinante que sirve para sostener su obra. Su trabajo trasciende continuamente eso que se ha considerado fotografía a lo largo del siglo XX, unos criterios en su mayoría heredados de las bellas artes, para poner en entredicho su entidad, mucho más compleja y versátil de lo que puede aparentar a simple vista.

IMAGO, ERGO SUM es un proyecto con un planteamiento inédito: es la primera vez que se enfoca el trabajo de Joan Fontcuberta desde el cómo y no desde el qué, más vinculado a los contenidos. Es decir, lo fundamental, lo que enlaza todas las series seleccionadas es el modo en el que el artista usa la fotografía, cómo se sirve de la imagen para llevar al espectador a un determinado terreno y una vez ahí, forzarlo a reflexionar sobre lo que ve, al margen de prejuicios. Lo esencial en esta muestra es cómo vehicula las idea a través de la imagen. A lo largo de la trayectoria de Joan Fontcuberta, la imagen fotográfica ha tomado diferentes formas de presentación, pocas veces adscrita simplemente a la representación bidimensional que colgamos de forma autónoma sobre la pared, tal como entienden la mayoría de los fotógrafos documentales del tipo Cristina García Rodero, donde la imagen funciona como un cuadro-ventana al asumir los modos de exhibición de la pintura.

Lo fotográfico posee actualmente tantos estratos, que no puede reducirse su estimación a la simple valoración que se desprende de una pieza conclusa y seriada. Incluso su numeración, a imitación de la obra gráfica, es un sinsentido. En el caso de Fontcuberta, no es tan importante atender a una fotografía aislada, sino ver el contexto donde se ubica y las circunstancias que la rodean. Los proyectos funcionan en conjunto, sumando elementos que deben ser interpretados de manera global.

De hecho, a principios de los años 80 del siglo pasado, es cuando Fontcuberta comienza a introducir nuevas estrategias en su trabajo, principalmente vinculadas a la puesta en escena, la integración de recursos discursivos más allá de lo fotográfico y la incorporación de referencias históricas o científicas relacionadas con contextos autoritarios y respetados. El primer proyecto en este sentido será HERBARIUM (1982-84) que marca un punto de inflexión en su trayectoria.

Precisamente, en los últimos 40 años, el artista se ha servido de la fotografía para cuestionar algunos de sus pilares tradicionales como ‘verdad’ y ‘memoria’, dos baluartes sobre los que se ha fijado su estabilidad durante siglo y medio. Fontcuberta cuestiona con su trabajo qué es una fotografía hoy y cuál es su sentido. Su discurso pone en evidencia la ontología del medio. Su obra podemos entenderla como una investigación constante no sólo sobre la fotografía y sus posibilidades, sino también sobre los modos de construcción de nuestro bagaje visual a partir de aquellas rutinas perceptivas que condicionan nuestra cultura, cimientos que parten del Renacimiento y la mentalidad ilustrada y todavía perduran.

Para los que no conozcamos en profundidad a Fontcuberta ¿Cuál es su valor dentro de la fotografía y el arte contemporáneo?

Joan Fontcuberta es artista, comisario, ensayista y docente. Es un pensador de gran lucidez capaz de entender los significados de la imagen y explicar con sencillez cuestiones complejas relacionadas con la fotografía y su trascendencia cultural. Está considerado uno de los fotógrafos actuales más relevantes de Europa y una de las voces más reconocidas y respetadas en el panorama internacional.

Joan Fontcuberta será de los primeros en tratar la fotografía de manera integral y desde posiciones que requieren tanto investigación como praxis. La entiende como un medio nuevo que demanda modos de conceptualización distintos a los que se derivan de las artes plásticas convencionales. Sin duda, además de creador, es uno de los grandes teóricos y pensadores de la imagen en la actualidad. Para él, la fotografía es, más allá de un modo de expresión, una forma de aprehender la realidad.

Tu última exposición como comisario presenta una tarea nada fácil: resumir 30 años de trabajo de uno de los pensadores de la imagen y artistas visuales más prolíficos de nuestro país. ¿Cómo estructuras esta exposición?

IMAGO, ERGO SUM es la exposición más completa de Joan Fontcuberta en Madrid hasta la fecha. El proyecto contempla 9 series concebidas todas desde 1984 hasta 2014. Siete de estos proyectos pueden visitarse en la propia Sala Canal de Isabel II (HERBARIUM, MILAGROS, OSAMA, TREPAT, SPUTNIK, PIN ZHUANG y SECURITAS) y los otros dos en diferentes museos de la ciudad. FAUNA SECRETA en el ‘Real Gabinete de Historial Natural’ del Museo Nacional de Ciencias Naturales – CSIC y LA SIRENA DEL TORMES en la sala ‘Orígenes’ del Museo Nacional de Antropología. Digamos que en el espacio central pueden contemplarse las series, estabuladas, en cautividad, como si fuesen animales en un zoológico; y las dos intervenciones permiten ver los proyectos en su medio natural, salvajes, en el hábitat para el que fueron ideadas, integradas en un discurso museográfico que potencia su sentido.

En las tres localizaciones, tanto en la central como en los espacios satélite, se ha buscado el diálogo con el contexto, establecer conexiones y convergencias que potencien las particularidades de cada lugar. La mimetización en los museos históricos permite sorprender a espectadores desprevenidos, gente ajena a la estrategia de apropiación del artista que acaba dudando sobre la veracidad de lo que ve.

Estudiaste Periodismo e Historia del arte, tu ámbito han sido los medios de comunicación y la docencia, no tanto las Bellas Artes. Hace años que te diste cuenta de que gran cantidad de artistas iban a necesitar apoyarse en la fotografía, que se convertiría en un referente visual y expresivo poderoso . Así ha sido. ¿Qué factores crees que está provocando que cada vez mayor número de creadores se centren en la fotografía?

Hoy, la manera más directa para un artista de captar la realidad es recurrir a la fotografía. Antes, no hace mucho, era acudir al dibujo; ahora es a través de la cámara. Antes la mano proyectaba las ideas de nuestro pensamiento en un papel, ahora casi todo lo capturamos con una foto de nuestro móvil. Este cambio radical ha permitido pasar en poco tiempo de lo artesanal a lo tecnológico en un vuelco inaudito que nadie podía prever. Gracias a esta inmediatez los artistas capturan momentos que antes se escapaban continuamente. Si antes la fotografía tenía que ver con lo decisivo, casi exclusivamente, ahora se mueve en los intersticios reales de la vida: vivimos en la saturación visual constante. Si antes nos faltaban imágenes, ahora nos sobran por todos lados.

No hace mucho la fotografía se preocupaba de lo excepcional, ahora condiciona nuestro día a día. La cámara ayuda a guardar ideas, a derivar pensamientos o a iniciar procesos. Por eso lo lógico es que cualquier creador acuda a ella. Además inunda todos los procesos, desde la arquitectura hasta la pintura. De hecho, mucha de la pintura que vemos hoy se concibe a partir de fotografías, ya sean sacadas de un libro, de Internet o tomadas directamente. Cualquier imagen fotográfica posee más calado del que observamos a simple vista. Al haberse convertido en esencial en el desarrollo de cualquier planteamiento artístico, está presente en gran parte de las obras que vemos hoy de una u otra manera. Su valor como obra definitiva es uno más, pero quizás no el de mayor envergadura. Pintores, cineastas, arquitectos o teóricos recurren a ella. Su versatilidad no tiene límites. Su utilización conlleva un método voluble capaz de ayudar de muchas maneras a construir representaciones. La foto no es un punto final, sino más bien un método de experimentación que ayuda a fijar una imagen-sensación en el tiempo, a resguardar un pensamiento instantáneo. La fotografía va más allá, es una estrategia compleja capaz de apuntalar una idea o transformarla. Su rastro se puede re-utilizar, re-valorizar, re-contextualizar, re-interpretar, re-dimensionar… Puede ser un hecho pero también su reflejo, no reniega de su capacidad indicial pero a veces eso no es lo más importante…. Hablamos de artes visuales, de imágenes…

Varios lectores de nuestro medio, por lo que podemos constatar en los comentarios que nos dejan en algunos de nuestros artículos, consideran a los fotógrafos que trabajan sobre el discurso y la ideología como creadores que no se pueden considerar puramente fotógrafos y que muchas veces se escudan en la retórica ante la incapacidad de abordar de forma exitosa su empresa fotográfica. ¿A qué crees qué se deben estas concepciones y como te posicionas? ¿Crees que estas ideas se irán modificando con el paso del tiempo y la evolución de la fotografía?

La fotografía en 20 años ha abierto mucho su campo de acción, sin negar lo precedente, siempre sumando, eso es lo más importante. Por ejemplo, a Joan Fontcuberta le fascina el periodo de las vanguardias fotográficas, las primeras décadas del siglo XX. No se trata de ir contra nadie ni renunciar a nada, sino de entender que la fotografía se ha convertido en algo más complejo e inclusivo. Las nuevas prácticas no pueden ser juzgadas con las reglas previas que manejaban aquellos que afrontaban la realidad cámara en ristre y atentos a lo que sucedía en su entorno. Estas posiciones más abiertas y heterodoxas huyen de cualquier enfrentamiento con el pasado de la fotografía; sobre todo porque su bagaje como hecho documental o determinadas problemáticas asociadas a la autentificación que han caracterizado muchos de sus argumentos precedentes, o dejan indiferentes a estos jóvenes autores o les influyen menos que las oportunidades que ofrece la tecnología, verdadero campo de batalla de los tanteos de futuro que de verdad les inquietan y sienten que les conciernen.

Estas nuevas maneras de representación priorizan las labores digitales con el ordenador, la experimentación en el taller y los procesos circulares, que se ensanchan o retroalimentan hasta márgenes insospechados. En ocasiones ni es necesaria la cámara, un artilugio obsoleto ante la procacidad ubicua de los smartphones o la versatilidad de las tablets. Tampoco viajar es ya imprescindible, basta con saber manejarse en una aplicación como Google Street View para llegar a confines lejanos sin moverse de una silla.

Tienes un fuerte compromiso con la fotografía andaluza, trabajando como comisario con varios artistas andaluces, ya sea a nivel individual o colectivo, e intentando crear una suerte de catalogación y orden dentro de la creación fotográfica contemporánea. Un ejemplo de ellos es ‘Stand By_012. Guía de fotografía andaluza actual ‘que publicaste en 2012, que sirvió para intentar aclarar nombres, direcciones y corrientes. ¿A qué responde este libro? ¿Crees que desde las instituciones andaluzas se está prestando suficiente atención a los nuevos fotógrafos andaluces?

Para mí el compromiso es fundamental, tanto en el arte como en la vida. Me siento comprometido con la fotografía y especialmente la andaluza, un territorio donde no existen grandes andamiajes ni apoyos. Casi lo único que se conoce fuera es la Kursala, un proyecto modesto gestionado desde la Universidad de Cádiz que ha tomado mucho vuelo por el criterio con el que Jesús Micó dirige la sala, la implicación de los autores seleccionados y el acierto de algunos fotolibros.

Me decía no hace mucho Iñaki Domingo que le cuesta mucho conocer qué ocurre en Andalucía, algo estaremos haciendo mal cuando desde mi punto de vista, estamos asistiendo a la mejor generación de autores de su historia. Nombres hoy de mediana carrera como David Jiménez, Miguel Ángel Tornero, Juan del Junco, Jorge Yeregui, José Guerrero, Fernando Bayona, Óscar Monzón, Manolo Bautista, Camino Laguillo, Paco Peregrín, María Cañas o Miguel Ángel Moreno Carretero, entre otros, son reclamados en toda España y fuera de nuestro país.

También aparece gente muy buena que viene pegando fuerte, tal como Celia Macías, Manolo Espaliú, Sonia Espigares, Mara León, Tiago da Cruz, Sergio Castañeira, Rocío Verdejo, Alba Moreno & Eva Grau, Diego Díez, Lola Guerrera, Christian Lagata, Elo Vázquez, Javier Artero, Coco Capitán, Adrián Morillo, Silvia Grav, Hanna Quevedo, Pablo Vara, Rafael Pérez Evans, Rafael Parra, Victoria Rodríguez, Manuel Ibáñez, David Vico, Raúl Rosillo, Florencia Rojas, Migue Saisain, David Mayo, Violeta Niebla, Óscar Romero, David Villalba, Fuentesal & Arenillas, Virginia Rota, Iván Marí, Laura Zorrilla, Lucas Góngora, Javier Hirschfeld, Eleazar Ortuño, David Montosa, Claudia Ihrek, Tolo Parra… Hay muchísimos y se me olvidan nombres….

Yo, desde mi posición independiente, intento generar dinámicas para dar a conocer pequeñas cosas de lo mucho que ocurre, pero no soy el único. La guía de fotografía es una referencia bibliográfica, cosa que no existía antes, de alguna manera pone su granito de arena para extender la fotografía andaluza. La clave está en la educación, y ahí hacen una gran labor los ciclos de Fotografía de las Escuelas de Arte, especialmente de Sevilla y Málaga, o gente como Francisco José Sánchez Montalbán, ahora decano en la facultad de BBAA de Granada. También academias privadas como Cobertura Photo en Sevilla, dirigida por Alberto Rojas, o Apertura en Málaga, capitaneada por Míchelo Toro. Igualmente, Cecilio Puertas desde su responsabilidad como director del Festival Pa-ta-ta hace una labor encomiable, año tras año, al igual que Sánchez de Lamadrid desde su galería especializada en fotografía o Ignacio González con Photovision.

No puede dejar tampoco de citar la implicación de UFCA en Algeciras o el Colectivo Imagen de Fuengirola, desarrollan un magnífico trabajo cada uno en su pequeño territorio. El festival Latitudes 21 de Huelva, las jornadas fotográficas de Aracena, la bienal de fotografía de Córdoba… Todo suma. Cada uno hace lo que puede; a mí como investigador y comisario me toca una función y, por ejemplo, a mi hermano Eduardo como docente otra. Todos aportamos.

Comienza un nuevo año y todos pedimos deseos con su llegada. ¿Qué artistas desearía comisariar Sema D’Acosta este año o en los venideros?

No soy de nombres concretos, me atraen más las ideas que los autores, pero siempre es un estímulo desarrollar proyectos con artistas a los que conoces desde que eras estudiante, se aprende mucho con ellos escuchando desde cerca, observando con atención su modo de actuar y pensar. De todas maneras, con casi todos los artistas que de algún u otro modo me interesan acabo cruzándome en el camino, lo que ocurre es que no se puede hacer todo al mismo tiempo y cada compromiso requiere su tiempo. Si quieres que te diga nombres de los autores con los que me gustaría compartir un proyecto, me mojo; voy a mencionar algunos premios nacionales de fotografía, por marcar una cota: Carlos Pérez Siquier, Ramón Masats, Bleda y Rosa. Realmente, también con Miguel Trillo, Pierre Gonnord o Xavier Ribas… o jóvenes como Aleix Plademunt, Matías Costa, Laia Abril, Daniel Maritt, Carla Andrade, Jesús Madriñan…¡Hay tantos fotógrafos buenos españoles con los que me gustaría trabajar¡

Además, no sólo me interesa trabajar con artistas, también con colectivos del tipo Nophoto o Blank Paper… y comisarios a los que admiro como Horacio Fernández, Alberto Martín, Alejandro Castellote o Víctor del Río.

La verdad es que cada día odio más y más sentar las bases sobre si un tipo de cámara es mejor que otro. Después de mis experiencia como fotógrafo móvil, y tras haber podido probar todo tipo de cámaras (DSLR, gran formato, compactas, smartphones...) sólo manifestar mi completa fascinación porque lo más sencillo pueda hacer algo infinitamente complejo; al igual que lo más complejo puede acabar por hacer algo demasiado sencillo.

Para mi forma de ver y sentir la fotografía, la herramienta que llevamos entre las manos es sólo una extensión de nosotros mismos, y nunca una herramienta compleja y completa sólo será capaz de hacer algo complejo si nuestra visión, sensación y sentimiento lo son (aunque a veces ni con eso).

Somos muy propensos a querer lo que más abarca o más engloba sin darnos cuenta muchas veces de si es cierto dicho pensamiento. Es por eso que, debemos analizar siempre lo que somos en cada instante, lo que sentimos en cada momento, y lo que queremos transmitir. Muchas veces todo esto nos hace entender porque deberíamos usar una u otra herramienta. La frase de "Ante la duda la más tetuda" sigue siendo el mayor engaño que se ha llevado a la fotografía. Y es que, el mayor engaño se produce en eso, en dudar. Si empiezas dudando, el pilar de tu fotografía es débil y carente de lo que la sustenta.

Con este vídeo quiero mostraros que no hay nada como tener una idea, un sentimiento o una sensación clara. Eso es lo que importa siempre; ya que es cuando nos abriremos ante todo sin complejos ni tapujos. Así es cuando nuestra mente acabará por darnos la solución a una creatividad escondida muchas veces, una creatividad que se esconde en nosotros y que nunca se sustenta en lo que parece la mejor opción por ser la más completa (o aparentemente creerlo por lo que se nos vende).

Un vídeo que nos muestra porque la verdadera creatividad se debe y acaba siendo la dueña de nuestra fotografía. Escogemos nuestra herramienta a raíz de ella, y ella no nos la da la herramienta, sino nosotros a ella.

PD: Un vídeo en inglés pero que nos transmite el porqué los sentimientos y sensaciones son las que hacen que elijamos una cámara u otra, y que sólo así será como acabemos apreciando todo lo que nos pueden ofrecer cada una de ellas. Se libre interiormente, es el principal punto para sacar el máximo partido a todo lo que te rodea fotográficamente hablando.

Un debate muy frecuente en fotografía es el que se refiere a la importancia de ésta dentro del arte. Mientras muchos fotógrafos defienden la dignidad de esta disciplina, otros argumentan que no requiere ni la creatividad ni la maestría técnica de otras artes plásticas como la pintura o la escultura. Y por ello a menudo la fotografía se suele catalogar como “arte menor”. Pero ¿de dónde viene esa expresión?

Toda forma de arte alberga en su interior un contenido y una forma. El contenido nos hace referencia al propósito, la idea, el razonamiento. La forma, es el contenedor que alberga los atributos del contenido. En realidad, ambos conceptos hacen referencia a la relación entre el artista y su obra. Cada obra de arte, requiere de una labor mental (idea y contenido) y una labor artesanal (forma).

Flickr de paukrus

En base a estos dos pilares, tradicionalmente las distintas artes se han subdividido en grados, esto es: artes mayores, y artes menores. Aunque esta distinción ya existió en la Antigua Grecia , no cobra el sentido actual hasta el siglo XVII en Francia, cuando se comienza a unificar la Academia de las Artes. Allí se creará una especie de universidad que agrupará a muchas escuelas de la época. Su misión: impartir formación académica de las más importantes disciplinas artísticas (arquitectura, música, escultura y pintura).

Pero en ese momento, quizás con el objetivo de dignificar el Arte, abrieron un intenso debate acerca de qué obras debían ser consideradas sólo manufacturas, productos artesanales o de decoración. Este modelo francés se extenderá posteriormente por toda Europa.

De este modo, se solía considerar arte menor como aquel que tiene fines más decorativos, así todas las formas de arte figurativo que no son pintura, ni escultura, ni arquitectura. Esa definición, quizás un poco ambigüa, se completa con la del arte mayor: obras de carácter único e irreproducible, que lejos de tener un fin práctico, su principal utilidad es la de expresar y ensalzar la belleza, a través del virtuosismo y la sensibilidad de un artista altamente comprometido con su obra.

El enfoque sociológico

Flickr de Birdman Photos

Además, la distinción también tendió a derivar hacia un componente cláramente sociológico. Pierre Bourdieu decía que “podría decirse de la fotografía lo que Hegel decía de la filosofía: – Ningún otro arte, ninguna otra ciencia, está expuesto a ese supremo grado de desprecio según el cual cada uno cree poseerlo enseguida”. Efectivamente: para tocar mínimamente un instrumento o pintar con maestría necesitamos muchos años de aprendizaje especializado, dedicando muchas horas diarias. Sin embargo, la fotografía hoy en dia es popular y asequible. Cualquier persona puede comprar una cámara y en poco tiempo, con algún masterclass de fotografía, llegar a obtener algún resultado digno.

Pierre Bourdieu, como filósofo, escribió un extenso tratado sobre esta cuestión, en el que iba más allá y decidía que la fotografía sería en realidad un arte medio. Su tratado no se centró en los grandes nombres de la fotografía artística, sino en investigar los usos sociales de la fotografía priorizando aquellos sectores sociales que son responsables de la mayor parte de las instantáneas que circulan.

Flickr de Thoothulee

El nombre “arte medio” se justifica en función del análisis sociológico que efectúa el filósofo francés: para los aficionados la fotografía es “a) un medio en tanto que satisface una función social superior (servir de testimonio de integración familiar); b) es un arte mediano, una práctica cuasi artística, entre lo vulgar y lo noble; c) es un arte de las cohortes generacionales intermedias, propio de ciudades medianas, de gente de clase media, de cuadros medios, de gente con estudios de secundaria”.

En definitiva, la fotografía no es un arte mayor porque se usan procedimientos técnicos y efectos estéticos inmediatamente accesibles, y porque excluye los temas controvertidos a favor de personajes y símbolos estereotipados, que son los se identifican más fácilmente con el público masivo.

Por tanto, parece que tanto el arte mayor como el arte menor (y si queremos, el arte medio) contienen todos esos atributos de contenido y forma, pero parece que finalmente la diferencia entre ambos también radica en los niveles de desarrollo de dicho contenido y forma.

El arte fabricado en serie

Flickr de Beo Beyond

Claro, que un buen dia, comienzan a surgir nuevas formas de expresión, como la fotografía digital, el vídeo o los sistemas de grabación electrónicos. Y entonces nos damos cuenta de que ahora las obras ya no son únicas e irreproducibles, sino que se pueden fabricar en serie. Y además llegan a las masas fácilmente. La cultura se democratiza. Y por eso, posiblemente toque redefinir un poco todos estos términos.

Según mi (reconozco escasa) experiencia con otras artes como la pintura o la música, reconozco que en la cuestión estética quizás la fotografía es bastante más simple que la pintura o la música, desde el momento que las obras de estas dos artes surgen exclusivamente de la imaginación. Al no existir una realidad que te limita, también te genera muchos quebraderos de cabeza: imagináos el tremendo trabajo que le supone a un pintor resolver un problema visual que el fotógrafo simplemente “lo tiene delante o no lo tiene”.

Y en cuanto al aspecto técnico, parece que a los fotógrafos les cuesta quitarse ese estigma. Para tocar a un nivel muy básico un instrumento, uno debe encerrarse durante horas cada dia y practicar sin parar. Y no digamos ya el trabajo que requiere adquirir cierto virtuosismo. Sin embargo, la fotografía plantea otro tipo de técnica, para muchos más asequible desde el punto de vista intelectual, pero menos desde el punto de vista económico.

Que todo esto sea o no motivo para decidir si la fotografía es un arte mayor o menor, corresponde defenderlo a los fotógrafos, a través de su trabajo: dignificándolo, y llevándolo a cotas intelectuales y técnicas que no admitan esta dicusión. Y si aceptamos que algunos ya lo han conseguido, quizás sólo es una cuestión de concienciación del resto.

Fotografía de portada | Flickr de failing_angel

En las últimas semanas, en algunos sitos webs con bastante tráfico he visto cómo se abría un gran debate en torno a mis fotografías y en general con lo que la fotografía digital conlleva. Y no decían cosas precisamente buenas sobre mi, ni de un amigo canadiense que tengo. De hecho muchos señores que ahí opinaban, decían que nos íbamos a cargar la fotografía o que ni siquiera hacíamos fotografía.

¿Qué problema tienen con la fotografía digital?

Las fotografía como elemento de comunicación que es, constan de dos elementos; mensaje y forma.

Personalmente creo esos “puristas” ( los llamaremos así ) están obsesionados con todo lo que conlleva la forma nueva del mensaje, y eso les impide mostrarse receptivos, le dan la espalda, se quedan ciegos y no consiguen leer el mensaje. Por lo que declaran el fin de la fotografía en los casos más extremos de ceguera.

¿ Por qué odian la nueva forma del mensaje ?

He leído cómo algunos de “ellos” defendían a su viejo blanco y negro como forma de expresión:

Y no podía estar más de acuerdo con este tal Juan y con sus seguidores. Lo que no entiendo es que diga que el retoque digital que hago y hacemos, es otra cosa muy diferente...

Precisamente todos mis retoque van por ahí. Conseguir la atención del espectador sobre el mensaje. Unas veces uso el propio blanco y negro, otras una viñeta, otras pequeñas modificaciones del tono, intensidad, saturación de los colores; otras el contraste, largas exposiciones, la profundidad del negro, texturas, niveles, curvas, degradados, fusiones de capas, aumentar el rango dinámico...

Buena parte de esos recursos se podían hacer antaño y otros no, o sí, pero necesitabas de mucho tiempo y dinero para comprar el material necesario.

En definitiva la fotografía digital conserva las cualidades de la tradicional, en cuanto a la posibilidad de escribir el mensaje con luz ( eso parece innegable ), pero mejora y mucho la oportunidad que tiene el fotógrafo de interpretar mediante la forma ese mensaje con el que quieren emocionar al que ve su fotografía.

Así que considero como más elevada a la experiencia fotográfica digital en ese sentido.

A mi juicio, a los “ puristas” y “neopuristas” (que también los hay ) parece que se les olvidó la importancia tan relevante de la forma en relación con el mensaje en el arte, que no en el periodismo. En todas las artes a lo largo de la historia siempre la forma, ha sido igual o más importante al mensaje. Si la melodía es fea, ¿ a quién le gusta la canción ? ¿ Qué pasa con la métrica en poesía ? ¿ Cómo y sobre qué mármoles tallaba Miguel Ángel sus esculturas ? ¿ Acaso son lo mismo el Cristo de Gauguin que el de Velazquez ?

Por lo que ahora que ganamos en herramientas y posibilidades para ser verdaderos artistas, deberíamos decir que la fotografía renace y no muere.

¿ Por qué hay gente que detesta la imagen digital por el hecho de serla ? ¿ Son racistas del pixel ?

Es verdad que hay gente extremadamente crítica y que dicen detestar toda imagen generada con pixeles y aún más si ha pasado por Photoshop. No les gusta el modo de proceder digital y como digo, llegan a decir que la fotografía se está muriendo, oiga.

Y es que creo y comprendo que les cuesta entender y asimilar a la fotografía digital. Es un nuevo lenguaje más rico, sobre todo más ágil, más evolucionado, que suena distinto a lo conocido y que requiere de nuevos conocimientos para aprovecharlo al máximo, para poder usarlo con soltura y personalidad. Además lleva escasamente una década hablándose. No tienen todavía el oído hecho a él. Pero lo peor de todo es que los más radicales no quieren ni oírlo y se ponen tampones para no escucharlo. Son vagos, pero sobre todo ignorantes que si un día se aventuraran a probar y a aprender esta nueva lengua, rápidamente se enamorarían de ella y empezarían a hablarla, como ya muchos buenos amigos míos decidieron hacer.

¿Es más fácil hacer una buena foto con una cámara digital que con una analógica ?

No, tener una herramienta tan potente como Photoshop no significa que vayas a conseguir maravillas. De hecho es fácil que con tantos parámetros por manejar puedas estropear una fotografía que tenía un buen mensaje de fondo. No es tan sencillo como les parecen a “algunos” optimizar ese mensaje. Por eso es conveniente muchas veces ir pensando cómo se va a procesar la imagen en el ordenador.

Los fotógrafos analógicos no tenían por desgracia tanto margen para la optimización de su mensaje pues estaban limitado a lo conocimientos de laboratorio ( Que no eran tampoco muchos los que se peleaban con el haluro de Plata ) utilizando productos químicos para hacer lo que se hace con las Curvas en PS rápidamente en menos de un minuto hoy día.

Al final, las dos fotografías son prácticamente iguales. Pero al fotógrafo digital le ha sobrado tiempo para hacer cosas nuevas que el otro no podía hacer, o probar otros colores y tonalidades que probablemente mejoraban la forma de transmitir ese mensaje.

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De todas maneras, esta no deja de ser la opinión de Victoriano Izquierdo, alguien que ha crecido exclusivamente con una cámara reflex digital y que hace un par de meses decidió comprar una cámara reflex analógica, para conocer mejor el lenguaje de estos viejos "puristas".