La inteligencia artificial está cada vez más presente en nuestra profesión. Es el futuro inevitable que algunos deseamos ver, pero que otros están temiendo por lo que implica para nuestra profesión. ¿La máquina será la caída de la fotografía?

El valor del esfuerzo

Recuerdo que cuando estudiaba fotografía, el profesor de retoque nos explicaba cómo hacer un presupuesto de retoque fotográfico. En el presupuesto general, 10% eran costos de software, otro 10% era para los impuestos, 20% costos de vida general y el 60% era el trabajo en sí.

Ese 60%, decía él, representaba todo lo que ha vivido para llegar a donde está. Especializarse en hacer foto composiciones, saber cómo dejar una piel perfecta, controlar la luz, hacer recortes que nadie notara y demás esfuerzos que un editor requería para su trabajo. Su cierre siempre era “Hay que dejarle claro al cliente que no hay un botón que photoshopee por uno”.

Me pregunto qué dirá ahora que hay un botón que lo hace.

Tal vez ahí está el miedo de muchos fotógrafos y, en especial, retocadores y editores de imagen. La inteligencia artificial hace que los trabajos sean mucho más fácil y muchos procesos tediosos y que requerían varias horas de esfuerzo sean cosa del pasado.

Personalmente, mis primeras horas de edición era dejar listas las selecciones de una imagen. Mi mejor amiga era la herramienta de pluma. Creo que ahora solo la llamo cuando necesito algo extremadamente específico. Un elemento como ‘Seleccionar sujeto’ ya ha cambiado mi flujo de trabajo ahorrando horas de edición.

Algunos pueden creer que estas herramientas nos vuelven más perezosos en la edición y el retoque, lo que lleva a errores y pérdida de calidad en el detalle de la imagen. Otros fotógrafos consideran que estos cambios que llegan con la IA son como hacer trampa, pues toda foto puede convertirse en algo bonito. Incluso están aquellos que miran este grupo de algoritmos como una amenaza de retraso en la creatividad fotográfica, pues se ven tendencias que hacen lucir a las imágenes como filtros preestablecidos.

Son ideas que son muy ciertas. La pereza aumenta, el esfuerzo de búsqueda de toma disminuye y muchos de los que han conseguido estos software aplican los mismos tres efectos y hacen el reemplazo de cielos con el mismo atardecer o cielo estrellado que viene en el paquete de cielos del software.

Pero esta entrada es para aquellos dispuestos a luchar integrando la tecnología en sus vidas.

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A favor de la inteligencia artificial en el trabajo fotográfico

La máquina aliada

En una entrevista para PetaPixel, DL Cade, editor en jefe del portal, entrevistó a Alex Tsepko (CEO de Skylum), María Yap (VP de la división de Imagen Digital en Adobe), y dos de los retocadores más famosos Aaron Nace de Phlearn, Patrik Naik de Solstice Retouch. El tema de la entrevista es la posición de las empresas como proveedoras del servicio y la de los retocadores frente a lo que llegará.

Está claro que en la entrevista las empresas tienen su punto de venta bien claro. La tecnología va a seguir avanzando y seguirá transformando el mercado. Pero tanto Skylum como Adobe presentan estos cambios como algo que está pensado para los fotógrafos, son herramientas para facilitar su flujo de trabajo, para ayudar a explotar más la creatividad y permitir que los artistas creen cosas únicas que no se podían conseguir sin estas herramientas.

Skylum tiene un acercamiento que piensa desde el lado de los principiantes y personas que toman la fotografía de manera más casual. Por eso sus herramientas están pensadas para ayudar a aquellos que están poco a poco formando su proceso creativo, pero así mismo le da mucho control creativo a los editores experimentado para afinar cada parte de la imagen.

Por su lado, Adobe dice que trabaja de la mano con fotógrafos, editores y retocadores profesionales para entender los límites del trabajo y los procesos complicados que permitirían crear más obras fotográficas únicas. Un camino que con Adobe Sensei llevan afinando desde hace un par de años.

Similar al mundo de la fotografía de los videojuegos, los software con herramientas basadas en IA abren un debate para discutir en foros y grupos de puristas sobre qué es la fotografía o no. Una que cae en hablar sobre el mundo de la imagen computacional y su función en esta nueva era.

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¿Puede o no, la fotografía de videojuegos, ser considerada fotografía?

Desde el punto de vista de los retocadores hay un mensaje claro: la IA llegará y debemos adaptarnos. Sin embargo, la respuesta es igual de positiva en cuanto al uso de la tecnología dentro de un flujo de trabajo. Esta tecnología no representa bien o mal en el mundo fotográfico, solo cambios de la industria a los que debemos ajustarnos, como mencionamos en una entrada anterior. Aaron nace lo pone de una manera muy especial “Si no estás dispuesto a adaptarte al cambio, entonces lo vas a ver como algo negativo, si lo asumes, entonces puede ser un cambio positivo.”

Patrik Naik menciona cómo el flujo de trabajo se puede transformar en algo que beneficiará a muchos. Según como manejemos nuestro tiempo y nuestro negocio, podremos ver un incremento en nuestros trabajos y más tiempo para el desarrollo.

Estos cambios son sin duda algo que ayudará especialmente a especializaciones como la fotografía de bodas y de eventos. Como presentamos anteriormente, encuestas revelan que en esta especialidad se pasa un promedio de 14 horas al día en edición y retoque, lo que representa un 55% de su tiempo frente a su negocio fotográfico. Recuperar tiempo de ahí es invertirlo en mercadeo, hacer fotos, desarrollar habilidades o incluso más tiempo para descansar y tener vidas.

La tecnología puede ser nuestra aliada. Eliminar los procesos más tediosos para enfocarnos en los creativos. Esa es la invitación para adaptarnos a las nuevas tecnologías.

¿Qué representa la llegada de la IA a vuestra visión de la fotografía?

Con el revelado digital dimos inicio a nuestra guía de introducción a Affinity Photo, la mejor alternativa a Photoshop que se encuentra actualmente en el mercado. La primera parte se enfocó en el proceso de revelado. En esta ocasión, nos enfocaremos en la edición básica.

Un sistema familiar e innovador

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Primeros pasos en Affinity Photo, una de las alternativas a Photoshop: el revelado digital

Tras revelar nuestras fotografías iremos a la ‘persona’ de Photo. Esta es la interfaz de edición principal del software de Affinity. A primera vista podemos notar una interfaz muy similar a la de Adobe Photoshop. Una ventaja es que las herramientas cuentan con los mismos comandos de atajo, por lo que migrar de Adobe a Affinity se hace muy fácil.

Sin embargo, Affinity innova sobre herramientas para darle un valor agregado. Varias de las herramientas de ajuste tienen un diseño más moderno e intuitivo, que se asemeja más a las necesidades de los creadores de imágenes de esta generación.

Dentro de estas herramientas, reiteramos que lo que más se agradece es el agregar los scopes de vídeo para la fase de colorimetría. Pero herramientas como el ‘Mapa de degradado’ y el ajuste de ‘Tono/Saturación’ han sido modificados para asemejarse más a los controles del mundo de vídeo.

Por demás, otras herramientas que han cambiado y le dan un valor único son los filtros de ajuste. Affinity cuenta con ‘Filtros en vivo’ que permiten que uno aplique capas de filtro (como desenfoques, distorsión, cambios de iluminación y demás) como si fueran un ajuste que podemos modificar, permitiendo crear filtros no destructivos.

Estos filtros se pueden aplicar a la capa, asemejándose a filtrar una capa de ‘contenido inteligente’ en Photoshop. También podemos utilizar esta capa como una capa de ajuste global, lo que nos permite crear efectos generales y crear máscaras para controlar zonas de aplique.

En proceso

Vamos a usar la imagen de abajo como ejemplo de un retoque básico. La idea será ajustar la imagen para que tenga tonos neutros y, a partir de ahí, darle un estilo de color a la imagen.

Utilizando el scope de mostrador RGB, podemos buscar ajustar el balance de blanco. Una forma práctica de hacerlo es buscar un área blanca que podamos recortar en la imagen y ampliar. Para ello seleccionaremos con un marco de selección, duplicaremos la selección y la ampliaremos.

Con una capa de ajuste de balance de blanco ajustamos la temperatura hasta que los canales estén parejos.

Para ajustar la piel, podemos agarrar un recorte de un área de la piel y ampliarlo. En el Vectorscopio veremos ese punto dentro del mapa.

Con una capa de ajuste de curvas podemos llevar ese tono hasta quedar sobre la línea de referencia de piel. Con ello, ya tendremos balanceado la piel y el tono de la escena.

Ahora si, es hora de darle un estilo de color.

Lo primero que realizamos es un ajuste de contraste con la herramienta de ‘Brillos/sombras’.

Seguimos con un nuevo ajuste de ‘Temperatura de color’ para darle algo más de calidez a la toma.

Con una capa de ajuste de ‘Corrección selectiva’ podemos agregar tintes sobre los brillos y las sombras para ajustar el tono a un look vintage.

Hacemos un ajuste fino del contraste final con la herramienta de ajuste de ‘Curvas’.

Para enfocarnos más sobre el sujeto, podemos hacer una máscara de ‘Filtro en vivo’ para crear un desenfoque Gaussiano. Con una máscara, seleccionamos dónde queremos aplicar el desenfoque. Y con la barra de control ajustamos qué tanto queremos desenfocar.

Finalmente podemos crear una capa con relleno en negro y, con una máscara de capa, borrar desde el sujeto para crear una viñeta.

Abajo podemos ver el resultado final.

El poder de Affinity nos permite seguir un flujo de trabajo tradicional. Para quienes vienen del mundo de Photoshop, no habrán cámbios significantes al estilo de trabajo. Los cambios sobre ciertas herramientas son más intuitivos, lo que permite ver de manera más sencilla cómo usarlas efectivamente.

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Affinity Photo logró poner scopes de vídeo en su software, ¿por que los principales editores y reveladores del mercado aún no?

En la siguiente edición veremos cómo usar Affinity en el proceso de retoque y la interfaz de ‘Persona’ de Licuar. ¡Hasta la próxima!

La fotografía profesional requiere definir flujos y sistemas de trabajos que suplan las necesidades de nuestros clientes. Estas necesidades irán determinando los requerimientos técnicos que debemos suplir para cada trabajo. Por ello, en esta ocasión queremos hablar de la relación entre el equipo y estas necesidades técnicas.

Si bien la mejor cámara que puede tener un fotógrafo es la que está en sus manos, los requerimientos técnicos definen el tipo de equipo necesario para realizar el trabajo. Aunque es agradable tener lo último en tecnología en nuestras manos, no siempre es necesario contar con las mejores cámaras, los mejores objetivos ni los kits de luces más costosos del mercado.

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Siete verdades incómodas que todo el que empieza en fotografía debería conocer

La mejor resolución de cámara

Una de las principales obsesiones de muchos de nosotros al arrancar en fotografía era “¿cuántos megapíxeles tiene mi cámara?”. La resolución implicaba más nitidez, más calidad, clientes más felices y fotógrafo más contento.

Probablemente es un problema que las nuevas generaciones de fotógrafos tienen en menor medida. En la época que arranqué, las cámaras de entrada tenían una resolución promedio de 10.2 MP, mientras que las full frame más caras del mercado rondaban sobre los 21 MP. Ahora, una cámara de entrada tiene 22 MP mientras que las mejores del mercado rondan en un rango de 40 a 50 MP.

Sin embargo, en ésta época, una resolución sobre los 16.74 MP solo tiene dos propósitos: fotografías para presentar en galería y fotografía inmersiva.

Los 16.74 MP de resolución parten de la relación tamaño, resolución y densidad de puntos por pulgada (dpi). El formato impreso más amplio que tiene nuestro mercado a una distancia menor de 1 metro es un álbum de bodas. Una imagen de página completa, en el promedio de los álbumes de gran tamaño, tiene unas medidas de 40 x 30 cm. Este tamaño exige que para verse muy bien en papel fotográfico, impreso a 300 dpi, la resolución de la imágen debe tener 4724 px por 3543 px.

De cerca se ve la riferencia de resolución de las imágenes, pero si nos alejamos de la pantalla veremos que lucen practicamente idénticas.

Estamos hablando de una imagen muy amplia, en un papel de muy alta calidad, a una distancia muy corta. Ahora, si modificamos alguno de estos valores a menor, esas necesidades de resolución serán mucho menores.

Si vamos a imprimir el mismo tamaño de imagen en papel prensa, por la forma en que actúa la tinta sobre el papel, debemos trabajar una densidad de puntos por pulgada más bajo; usualmente 190 dpi. Necesitaríamos una resolución de 2992 X 2244 píxeles, o 6.71 MP.

Hay una calculadora en línea que nos permite saber la relación de resolución/tamaño/dpi que siempre viene útil tener a la mano.

Otro factor que he mencionado es la distancia. Nuestra visión es capaz de distinguir una máxima densidad de puntos por pulgada relativo a la distancia. Con una visión perfecta, a 25 cm, la densidad máxima distinguida es de 300 dpi, a 60 cm (aproximado de brazos extendidos) la resolución distinguible ya baja a 127 dpi, a un metro (distancia de visión aproximada a un cuadro en una galería) distinguimos hasta 72 dpi, a dos metros (distancia aproximada a la que vemos un anuncio de paradero) 38 dpi, a 10 metros o más (distancia aproximada a la que vemos una valla publicitaria) en principio podemos distinguir una densidad de 8 dpi.

Entonces, supongamos que realizamos una foto para valla publicitaria, que hay que imprimir para cubrir un área de 8 metros de largo por 3 metros de altura, con una densidad de 8 dpi. Nos es suficiente una imágen de tamaño de 2520 x 945 píxeles, equivalente a 2.38 MP.

Imprimir densidades de puntos por pulgada altos en fotografía de galería es importante porque hay personas que se acercarán a la imagen a ver detalles, texturas y demás elementos que uno puede apreciar en el campo artístico. Así mismo, en fotografía inmersiva, una resolución muy amplia nos permite movernos en la imagen y apreciar detalles, como es el caso de las famosas fotografías de gigapixeles.

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Cómo imprimir nuestras fotografías en casa sin caer en la locura

En la Web

Siguiendo con la resolución, los monitores de computador y los televisores tienen resoluciones estándar. La más amplia en el mercado de consumidor es 4K (4096 x 2160) o 8.85 MP. Las pantallas tienen una densidad promedio de 190 píxeles por pulgada (distinto a los puntos por pulgada).

Para web las imágenes deben estar optimizadas: que cargen rápido y que sea visible en la mayoría de pantallas del consumidor. Por eso notaréis que los límites están definidos por las redes sociales.

Hay listados completos con los tamaños de imagen necesarios para cada red social. Con un promedio de tamaño de imagen de 2500 píxeles de largo por 1400 píxeles de alto para que se vean bien en pantalla completa.

En móviles esta resolución incluso es menor. Tomemos como ejemplo Instagram, siendo la app más común para ver imágenes. Para esta red social, la máxima resolución posible es de 1080 px de ancho por 1920 px de alto (Historias de Instagram) y 1080 px de ancho 1350 px de alto para publicaciones en la línea de tiempo.

Formato de sensor y objetivos

El siguiente punto de necesidades en cuanto a equipo viene siendo, qué tipo de sensor necesito. Actualmente el objeto de deseo de los fotógrafos es tratar de trabajar con sensores full frame. Sin embargo esto también es relativo a las necesidades.

Cámaras de sensor tipo micro 4/3 como las de la línea de Panasonic nos suplen las necesidades de resolución que tenemos para la mayoría de trabajos. Entonces ¿para qué irnos a un sensor full frame?

Todo depende de lo que necesitemos ver. El factor más importante del tamaño de sensor es su relación con la óptica utilizada.

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Panasonic Lumix S1H, nueva sin espejo full frame dirigida al mundo del cine y el vídeo con grabación 6K/ 24p

El mísmo valor de distancia focal de un objetivo tiene una variación en ángulo de visión que depende del tamaño del sensor. Es lo que conocemos como factor de conversión.

Así que la necesidad de una cámara full frame dependerá de qué tanto debamos aprovechar ese ángulo de visión del objetivo. En fotografía de arquitectura para el mercado inmobiliario, por ejemplo, muchas veces nos encontramos con espacios pequeños, donde necesitamos más ángulo de visión de un objetivo para poder estar más lejos de las paredes y reducir la distorsión de perspectiva. En fotografía social, como bodas y eventos, también se recomienda el uso del sensor full frame porque no todos los eventos se hacen en lugares muy amplios donde tengamos movilidad para alejarnos de los sujetos.

Sin embargo, podemos ver que en la mayoría de situaciones, el sensor es irrelevante para la fotografía que realizamos. Siempre y cuando sepamos las variaciones y limitaciones que nos da un sensor u otro, podemos trabajar nuestra toma con nuestro sensor micro 4/3, APS o full frame.

Si vamos a trabajar un retrato con un 50mm. Un mismo valor de plano nos dará resultados distintos en cada sensor. En un sensor full frame estaremos más cerca al sujeto, generando un poco más de distorsión de perspectiva, en un sensor APS nos alejaremos más, y en un micro 4/3 mucho más reduciendo la distorsión de perspectiva, pero teniendo propiedades distintas de la relación sujeto-fondo. Es cuando nos dicen que nuestro 50mm se vuelve un 75mm en un APS o un 100mm en la micro 4/3. Es un factor de conversión del ángulo de visión que debemos tener en cuenta según lo que busquemos en nuestras tomas y el espacio que tenemos para trabajar.

En este apartado, otra de las razones para decidir ir por un sensor u otro es la profundidad de campo. En fotografía analógica, uno de los factores determinantes de la profundidad de campo era el tamaño de la película. En 35mm, había menos profundidad de campo que en una película de 8mm. Esto se debe a que en la película analógica, el sistema completo estaba diseñado para producir un círculo de confusión relativo al tamaño del negativo o diapositiva. Películas más pequeñas centraban la luz produciendo círculos de confusión más pequeño que producían una sensación de nitidez mayor, que se traducía en ver “todo en foco”.

En el mundo digital, este efecto ya no ocurre de la misma manera. Obtener mayor o menor profundidad de campo debido al sensor está establecido por la densidad de píxeles del sensor. Hay mayor profundidad de campo en una Sony A7R III de 42,4 MP que en mi Canon 7D de 16 MP, a pesar de que mi cámara es de sensor APS-C y la Sony es de sensor Full Frame. Esto se debe a que los píxeles del sensor de la Sony tienen menor tamaño para poder meter más resolución en esos 36 x 24mm del full frame. Así que si comparamos dos sensores distintos actualmente, si tienen la misma (o una aproximada) densidad de píxeles en el sensor, tendremos una profundidad de campo similar sin importar el tamaño del sensor.

A nivel de objetivos, lo único a tener en cuenta es qué necesitamos a nivel de ‘nitidez’. Por lo que debemos tener en cuenta el poder resolutivo y la acutancia de nuestros objetivos. Está claro que hay campos de la fotografía que requieren que trabajemos con teleobjetivos (como es el caso de la fotografía de naturaleza) o con angulares (como en fotografía de arquitectura).

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Acutancia y resolución, la receta para crear una buena percepción de nitidez

Sin embargo no hay reglas sobre qué objetivos debemos utilizar para X o Y. El valor artístico de nuestra profesión está en cómo utilizamos esas herramientas para tener una voz propia. Podemos realizar paisajes magníficos utilizando teleobjetivos, así como podemos conseguir mostrar los detalles del acabado de un departamento con un macro o crear una toma de fotografía salvaje muy cinematográfica con angulares.

Iluminación

El equipo de iluminación depende mucho del estilo de cada fotógrafo, las condiciones de contexto y el saber manejar los modificantes de luz. Teniendo esto en cuenta, podemos incluso no necesitar ningún equipo de iluminación, si sabemos utilizar la luz del sol de manera acorde a nuestras necesidades.

Si vamos a realizar tomas en exterior, la luz del sol puede ser más que suficiente. Tan solo debemos conseguir la hora del día y los ángulos de toma indicados. Pero si queremos utilizar flashes en exterior, debemos saber si queremos compensar o competir con la luz natural. A veces, un buen flash de mano es suficiente para rellenar y controlar el contraste de una toma. Pero, si queremos que el flash sea nuestra luz principal y la luz natural sea la secundaria o solo el fondo, será necesario tener cabezas strobe con buena potencia.

En estudio, podemos obtener resultados similares utilizando fuentes continuas, flashes de cabeza o flashes de mano. Todo depende de qué tan bién sepamos utilizar las propiedades de la fuente. También debemos entender cómo los modificantes (difusiones, cajas, filtros y banderas) afectan a la calidad y dirección de la luz y su incidencia sobre el sujeto. En el pasado os hemos comentado cómo diseñar nuestros propios modificantes es un buen ejercicio para aprender a ver mejor estas propiedades.

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Cómo crear y qué tener en cuenta al hacer accesorios fotográficos tipo 'hazlo tu mismo'

Teniendo todo esto en cuenta, el mejor equipo que podemos tener es el que resuelve nuestras necesidades de trabajo. Tener el equipo más caro y tecnológicamente más nuevo está muy bien cuando sobra el dinero, pero no debe ser un elemento que estanque el trabajar en lo que queremos. Todo se trata de analizar cómo sacarle el mayor provecho a lo que tenemos y cómo adaptarnos a ello para producir resultados.

Experimentar con estilos fotográficos ajenos a nuestro enfoque es una llamativa forma de adquirir elementos para nuestro estilo fotográfico. Una especialidad que tiene un interesante flujo de trabajo y mucho que aprender es la fotocomposición. Esa fue nuestra exploración del mes y esto lo que aprendimos con ella.

Capa capa capa

En el pasado hemos hablado de lo que podemos aprender practicando crear estilos de color; los flujos de trabajo que se adquieren con la fotografía de producto y la visión de composición y balance a la que uno se enfrenta al trabajar con fotografía de alimentos. Cada estilo fotográfico nos enseña nuevos elementos técnicos y de prácticas (y la fotocomposición no se queda corta).

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Antojos fotográficos: Experimentando con la fotografía de alimentos

Probablemente lo más llamativo de esta especialidad de la fotografía es sentarse e imaginar qué vamos a ver. Es un buen acercamiento dentro de un flujo de trabajo para planear nuestras tomas: saber cómo será nuestro espacio, qué iluminación tendrá nuestro sujeto, qué elementos complementan la imagen y qué estilo de color podemos generar para darle un espacio único. En el proceso de experimentar uno de los ejercicios realizados fue buscar fotografías viejas y pensar si podría hacer algo con ellas.

El siguiente punto de aprendizaje fue enfrentarse ante los distintos retos técnicos que cuentan nuestras imágenes. En esta exploración, por ejemplo, uno de ellos era integrar el personaje con el fondo. Debido a que la modelo tiene un vestido con transparencias y elementos que interfieren con la pantalla verde sobre la que fué capturada, eliminar el fondo y conservar transparencias era uno de los elementos a pensar en cómo solucionar. Esto nos lleva a experimentar mucho con las técnicas y herramientas de edición.

El proceso de separación e integración también nos enseña a ser muy pacientes. Podemos durar horas haciendo selecciones, eliminando objetos, haciendo máscaras especiales, explorando tipos de fusión de capas y modificando la iluminación de un elemento para que encaje dentro de la escena.

En este proceso podemos practicar elementos que hemos aprendido, como crear uniformidad entre niveles de luminancia y tonos, perfeccionar técnicas usando herramientas de selección y aprovechando el potencial de las capas de ajuste a distintos niveles.

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¿Qué son y cómo controlar los puntos de blanco y negro en nuestras imágenes?

Otro elemento importante que se aprende en este estilo de fotografía es la organización de nuestro proceso en Photoshop. Comenzar a separar elementos en grupos, nombrar las capas para saber qué ajustes debemos realizar y en dónde. Es una práctica que no tenemos quienes no trabajamos en Photoshop para más que una limpieza o correcciones que no tienen más de cuatro capas. Pero es importante tener estas prácticas para cuando trabajamos con procesos de edición y corrección más complejos (como en fotografía de producto).

El resultado de practicar con este estilo fotográfico es un gran aprendizaje a nivel de planeación y organización para lograr nuestras imágenes. Si bien no es necesario que seamos expertos creando mundos y situaciones fantásticas, es un ejercicio que nos ayuda a comprender mejor nuestras escenas y a contemplar con más detalle lo que hay en ellas.

Como siempre, la práctica nos ayuda a mejorar y adquirir velocidad. Quienes trabajáis en fotocomposiciones, ¿qué consejos le dais a la comunidad para explorar a fondo la fotocomposición?

La fotografía exige que estemos en constante práctica y experimentación. En enero os contamos cómo una práctica que podemos realizar a diario es trabajar distintos estilos de color. Para este mes, la propuesta que hacemos es aprovechar el tiempo muerto en casa para realizar fotografías a los objetos en casa.

Variables y más variables

La especialidad de cada fotógrafo parte de sus diferentes inquietudes sobre el mundo que se observa. Sin embargo, siempre hay un sujeto que capturar, siempre hay una luz que analizar y texturas y colores que representar. Agarrar los objetos que tenemos en casa es una gran ayuda a la hora de practicar y analizar los elementos de una imagen.

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Experimentar con el color a diario, una practica fotográfica para tomar en 2019

Sea que experimentemos hacer fotografía de producto, bodegones, escenarios poco comunes y demás, lo que lograremos de esta práctica es analizar distintas formas de trabajar fondos, analizar cómo se comportan ciertas superficies a la luz, diferenciar cómo se comportan las fuentes que utilizamos y practicar todo nuestro flujo de trabajo desde la creación de la escena al finalizado en postproducción. Aquí algunas de ellas:

• Determinar los elementos de nuestra imagen: ¿Qué le hace falta a esta fotografía? Es una de las preguntas que muchas veces nos hacemos frente a una escena, sea que estemos en el momento de capturarla o que estemos frente al ordenador editando. En la fotografía de producto nos toca analizar los componentes de la imagen para determinar un balance que haga sentir la realidad del objeto de manera atractiva. ¿El humo de la copa sale bien? ¿La espuma se ve apetitosa? ¿Qué tipo de fondo manejo?

• Experimentar con elementos no convencionales: Muchas veces podemos creer que la apuesta está en equipo especializado; o también que un producto determina el estilo de una fotografía. Pero podemos jugar al contrario. Qué tal si para el usualmente alegre estilo de Lego transformo una fotografía pensando en mostrar el producto como el cartel de una foto futurista. ¿Cómo juego con los elementos para darle profundidad y la energía del estilo? ¿Qué fuentes puedo utilizar para mejorar el juego?

• Practicar postproducción de imágenes: Ya tenemos una escena; hemos pensado en fondo, luz, forma y tenemos varias imágenes. Realizamos un bache para poder realizar una composición de todos los elementos. Ahora podemos poner en práctica cómo elegir los mejores atributos de cada toma, componer y experimentar con el color para ver cómo resaltar más la imagen.

Así que, ¿qué mejor forma de pasar el tiempo libre que practicando y mejorando en nuestra labor fotográfica? Hora de recorrer el hogar para buscar esos sujetos fotográficos.

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Nueve lugares muy fotográficos a los que sacar mucho partido

Hace un par de días iniciamos este especial sobre costumbres fotográficas que hoy vamos a concluir. Si empezamos hablando de esas malas costumbres que merece la pena tratar de eliminar, en esta segunda parte vamos a pasar a hablar de los buenos hábitos que todos deberíamos potenciar y que esperamos os ayuden a mejorar vuestra práctica fotográfica.

Se trata de costumbres que a lo mejor no conocías, o que sí conocías pero no has incorporado a tu forma de hacer fotos, tal vez por pereza, tal vez porque no sabes cómo hacerlo. Y por supuesto también es posible que ya sigas muchos de estos hábitos y esta lectura sólo te sirva para reafirmar que lo estás haciendo bien. De cualquier manera, son costumbres que te interesa adoptar, teniendo en cuenta que la fotografía es un proceso de aprendizaje continuo.

Haz fotos todos los días

Foto de David Bartus

Seguro que has oído hablar de esos proyectos de 365 fotos en 365 días que consisten en hacer una foto todos los días del año. Se trata de un propósito muy loable que puede venirte muy bien para desarrollar tus conocimientos y avanzar en tu afición (y de paso documentar tu vida).

Eso sí, nosotros te recomendaríamos que no te obsesionaras, que te lo tomaras con calma y si algún día no puedes no te preocupes. Más que un proyecto que tienes que cumplir a rajatabla debería ser un propósito, disparar a diario, para aprender y disfrutar de la fotografía. Tampoco desdeñes comenzar algún otro tipo de proyecto fotográfico (como los que te contamos aquí).

Prueba con cualquier tipo de cámara

Foto de Luca Bravo

No nos cansamos de decir que la cámara no es lo más importante, así que otra buena costumbre es intentar hacer fotos siempre que puedas y sea con la cámara que sea. Probar distintos modelos de cámara siempre es interesante para evolucionar, y si no siempre tienes el móvil a mano para practicar e intentar hacer buenas fotos con él (es decir, no limitarnos al apunta y dispara).

Por supuesto, otro buen hábito es llevar una cámara siempre contigo. Si tu equipo es grande y pesado y no quieres cargar con él, piensa en comprarte una cámara pequeña y ligera que llevar siempre encima, como una compacta avanzada.

Prepara bien el material

Foto de Mauricio Mascaro

Antes de lanzarte a la calle a hacer fotos deber revisar bien tu equipo fotográfico y asegurarte de que haya espacio en la tarjeta de memoria y que llevas repuesto, además de que las baterías están cargadas. En este sentido, tal y como te contamos en este artículo, otra buena costumbre a adoptar es poner a cargar las baterías habitualmente e ir alternando la que uses.

Igualmente, teniendo en cuenta que la limpieza del equipo es importante, otro hábito que te interesa adoptar es limpiar la cámara, el objetivo y demás después de cada sesión (incluso aunque aparentemente estén limpios) con el material adecuado, claro.

Pequeñas precauciones al hacer fotos

Foto de Joshua Schnable

Mientras estás fotografiando hay algunas precauciones que te ayudarán a proteger tu equipo (y que si tienes algo de experiencia seguro conocerás). Una puede ser colocar el parasol de forma permanente para proteger el objetivo ante posibles golpes y caídas. Otra buena medida es, para cuando quieras cambiar de objetivo, hacerlo en un lugar donde haya el menor riesgo posible (que no haya polvo en suspensión, ni vapor de agua, etc) y hacerlo siempre con la cámara mirando hacia abajo.

Otra precaución se refiere a la seguridad de tu equipo fotográfico ante un posible interés de los “amantes de lo ajeno”. Para ello, es interesante evitar las casi siempre llamativas correas de las cámaras, donde suelen figurar flamantes logotipos y a veces también el nombre del modelo. Puedes probar a darles la vuelta, aunque es casi mejor comprar una más discreta (yo por ejemplo uso una de neopreno que además me aporta comodidad). La otra recomendación es comprar una bolsa o mochila que también apueste por la discreción.

Toma notas

Foto de Porapak Apichodilok

La costumbre de tomar notas sobre las fotos realizadas era una práctica muy habitual en los tiempos de la fotografía química, cuando no teníamos datos EXIF que llevarnos a la boca y había que apuntar a mano la velocidad, diafragma y demás que habíamos utilizado para hacer una foto si es que queríamos recordarlo posteriormente.

Pero incluso ahora que estos datos los tenemos fácilmente, no es para nada mala idea, sobre todo porque no todo son datos de exposición, sino que es interesante apuntar detalles sobre la situación en que se hizo la fotografía, el clima reinante, la hora y ubicación, etc. Todo esto tiene mucho que ver con uno de los malos hábitos que comentamos en la entrega anterior, el de hacer fotos atropelladamente (ya sabes, la ráfaga sólo para cuando sea necesario) y sin pensar.

Por cierto que este libro de notas no tiene porqué quedarse guardado con la cámara a la hora de editar las fotos sino que también puede ser muy útil para apuntar cosas relacionadas con el postprocesado para recordarlas posteriormente (como los pasos dados en Photoshop con determinada fotografía).

Hazte un “inspiration book”

Foto de Ben White

Osea un libro donde inspirarte a la hora de hacer tus próximas fotografías o donde tomar ejemplo para practicar determinada técnica. Puede ser físico, por ejemplo con recortes de fotografías, o virtual (quizá más adecuado para los tiempos que corren). Por ejemplo con pines guardados de Pinterest, o “Me gusta” de Instagram, incluso una carpeta en tu móvil donde guardes fotos que vayas recopilando. Sea como sea, este hábito seguro que te ayuda a desarrollar tu creatividad.

Dispara sin miedo

Foto de MichaelGaida

Sí, evidentemente este hábito no deja de ser una “vuelta a la tortilla” del malo que ya dimos en el anterior artículo con el título “Dudar demasiado”. La cuestión es que es conveniente acostumbrarse a hacer fotos sin importarte lo que piense la gente alrededor, algo que suele costar cuando no tienes mucha experiencia.

Piensa que es natural que te miren cuando estás haciendo fotos a, por poner un ejemplo, un arbusto (esas “cosas raras” que sólo hacemos los fotógrafos), lo que no significa que les moleste. Así que no te cortes al disparar, ni siquiera si se trata de retratar a desconocidos, que luego siempre habrá tiempo de pedir permiso o, en el peor de los casos, borrar las fotos.

Descarga las fotos y haz backups

Foto de PublicDomainPictures

No suele suceder pero a veces las tarjetas de memoria se estropean y provocan que perdamos la información que albergue. Por eso, una buena práctica es acostumbrarse a descargar las fotos en cuanto llegues a casa. De esta manera siempre estarás seguro de tener las imágenes en el ordenador y no correrás el peligro de perderlas por haber tardado en volcarlas y sobrescribir en la memoria.

Al hilo de lo anterior, es una estupenda práctica acostumbrarnos a realizar periódicamente copias de seguridad de nuestros datos, fotos incluidas por supuesto. Porque nadie está libre de que se le estropee el disco duro y, por tanto, pierda todo lo guardado, es un hábito que más que recomendable debería ser obligatorio.

Para hacerlo tienes varias alternativas, empezando por usar un disco duro alternativo que utilices para el backup (por ejemplo un disco duro externo). Otra posibilidad está en grabar los datos en discos físicos DVD o BluRay, y la tercera sería hacer copias de seguridad en la nube. Estas dos últimas son menos recomendables para fotógrafos dada la cantidad de datos que se necesitan, pero en cualquier caso lo importante es hacerlo.

Limpia las imágenes a menudo

Foto de picjumbo.com

Incluso aunque no abuses de la ráfaga y pienses bien cada foto que haces, es más que posible que acabes con tus discos duros abarrotados de imágenes. Por eso una buena práctica es que, una vez volcadas las imágenes, dediques algo de tu tiempo a borrar las tomas fallidas o que no te interesen para evitar su acumulación excesiva.

Si utilizas Lightroom, puedes ver las imágenes y decidir las que no valen de una forma bastante sencilla: Con una mano prepárate para pulsar la “X” de tu teclado cuando quieras rechazar una foto, y con la otra ve pasando las fotos con las teclas de dirección. Cuando acabes, sólo tendrás que pulsar la tecla Suprimir para eliminar todas las que hayas marcado como rechazadas.

Cultiva tu mirada

Nuestro último consejo es algo que siempre solemos decir. Para mejorar nuestra creatividad nada como cultivar nuestro espíritu viendo fotografías, leyendo libros del ramo, visitando páginas web especializadas, asistiendo a exposiciones, congresos, workshops... Y por supuesto no se trata sólo de fotografías, también de pintura, de escultura, de cine o de cualquier tipo de arte.

Cualquier clase es válida (cuanto más mejor), aunque es interesante no limitarse a ver cosas de nuestros géneros preferidos, ni tener miedo a experimentar o a copiar lo que veamos, ya que también es una forma de aprender (y siempre puedes aportar tu propio estilo personal). Piensa que se trata de absorber imágenes para aprender, inspirarse y desarrollar tu propia creatividad, ya que en el fondo estamos hablando del arte de crear imágenes.

Foto de AOMSIN

Y así acabamos esperando que, como siempre, nuestros consejos os sean útiles. Una vez más, tal y como hicimos en la primera entrega, os agradecemos que nos hagáis llegar vuestras propias aportaciones sobre buenos hábitos a adoptar.

En Xataka Foto | Buenos y malos hábitos fotográficos que deberías adoptar o rechazar (I)

Foto de portada | Rawpixel

Seamos el tipo de fotógrafo que seamos y llevamos el tiempo que llevemos, es muy posible que tengamos ciertas costumbres a la hora de hacer fotos que a lo mejor no nos están ayudando precisamente. Del mismo modo, seguramente nos interesa conocer otros hábitos que nos vendrían muy bien incorporar a la rutina de trabajo. Vamos a hablar de ambos casos pero empezamos con los malos hábitos que deberíamos desterrar.

Son cosas que a veces haces sin querer, porque no te das cuenta, y otras veces son fruto de algún conocimiento erróneo o de tener asimilado inconscientemente alguno de esos mitos alrededor de la fotografía que circulan por ahí. En cualquier caso, son hábitos que estás a tiempo de corregir en tu forma de hacer fotos.

Dudar demasiado

Foto de Gabriel González

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Buenos y malos hábitos fotográficos que deberías adoptar o rechazar (y II)

Un hábito muy común es el que tiene que ver con la vacilación. Dudar demasiado tiempo en un momento dado puede ser la causa de que pierdas la foto perfecta. Y esto puede producirse por variadas razones, por ejemplo por tener vergüenza a lo que la gente piense de ti por hacerles una foto. Por ejemplo al retratar a un desconocido por la calle situación que suele ser incómoda para muchos, sobre todo en el caso de principiantes. Si encima hablamos de captar un momento más o menos “íntimo” de un desconocido, como por ejemplo el llanto de una mujer, la cosa puede complicarse aún más y hacer que la duda nos bloquee y no seamos capaces de disparar.

Otra razón que puede hacer que dudemos al tomar fotos se debe a que no tengamos la cámara siempre lista para disparar. De esto los fotógrafos callejeros suelen saber un rato y por eso dan varios consejos, entre otros preenfocar y llevar seleccionado un diafragma cerrado que permita tener bastante profundidad de campo, así como disparar en RAW para tener una mayor flexibilidad en el posterior procesado. También es recomendable usar la cámara en modo automático o semiautomático, de manera que no perdamos la foto por tener que ajustar la exposición a mano.

Disparar sin pensar

Foto de Gallila-Photo

Sin dudad, la instantaneidad y el bajo coste de la fotografía digital han sido algunas de las causas de que actualmente se hagan las fotos de otra manera, sin pensarlas tanto como se hacía con la fotografía química. En aquellos tiempos un carrete de fotos no solía dar más allá de 36 fotos, y obtenerlas costaba un dinero, y por ello cada una se cuidaba de forma mucho más especial que ahora.

Así, hoy día parece que a veces es cuestión de hacer muchas fotos y esperar que con suerte alguna sea buena, cuando lo realmente importante es pensar bien qué es lo que quieres conseguir. Por eso, nuestro consejo es que te tomes con calma los pasos básicos que hay que dar antes de disparar.

Abusar de la ráfaga

Al hilo del punto anterior, hay que recomendar también no pasarse con el disparo en serie, algo muy habitual hoy día a la hora de hacer fotografías. Disparar en ráfaga puede que sea necesario en determinadas circunstancias, pero en la mayoría no lo es y tiene sus consecuencias negativas: No sabrás realmente cómo conseguiste esas imágenes y tus discos duros rebosaran de fotografías (a menos que le dediques mucho tiempo a seleccionar y eliminar las tomas que no sirvan).

Poner el ISO demasiado bajo

Foto de ShareGrid

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Compartir nuestros procesos de trabajo: una herramienta más para el desarrollo de nuestro estilo fotográfico

Otro hábito que deberíamos desterrar de nuestra práctica es la de disparar siempre con valores ISO bajos, en un afán de tratar de evitar el ruido a toda costa. Hoy día, cuando la gran mayoría de cámaras ya están preparadas para hacer fotos en 1.600 y 3.200 ISO sin que el ruido apenas se aprecie, debemos desterrar el miedo a las altas sensibilidades.

Tenemos que pensar que una foto trepidada es mucho peor que una foto ruidosa, así que en este sentido lo fundamental es que tengamos claro hasta que valor podemos exprimir nuestra cámara en particular sin que el ruido resulte molesto. Una vez hecho, si acaso podemos ajustar la cámara para que no se pase de ese listón. Con ello, podremos disparar con sensibilidades altas sin miedo.

No vigilar los ajustes

Foto de JESHOOTS.com

Sin embargo, si por ejemplo estamos disparando con ISO 1600 en un interior y después pasamos a un exterior y no nos fijamos en los ajustes seleccionados, es posible que sigamos haciendo fotos con esa elevada sensibilidad cuando realmente no nos hace falta (¿verdad que te ha pasado alguna vez? A mí unas cuantas) provocando ruido innecesario. Por eso, es importante vigilar los ajustes seleccionados en todo momento para que no te pase algo similar, sobre todo si estás disparando en modo manual y utilizas una réflex (en la que el visor no te mostrará si la foto sale oscura).

Disparar siempre a la misma altura

Foto de Kaique Rocha

Es un error muy típico que cometemos todos en algún momento. Tomar las fotos siempre desde la misma altura, puede hacer que nuestras fotografías pequen de monótonas al tener un ángulo muy similar. Por eso debemos desterrar la comodidad que supone hacer las fotos siempre de pie y buscar la perspectiva más adecuada para la toma en cuestión.

Limpiar el objetivo con nuestra ropa

Foto de The Preiser Project

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Trucos y consejos para cuidar nuestra salud como fotógrafos

Cambiando de tercio, otro mal hábito que se suele ver por ahí es limpiar el equipo con un material inadecuado. En concreto usar nuestra propia vestimenta para limpiar la lente frontal del objetivo, algo que no es muy apropiado porque nuestra ropa suele atraer la suciedad. Así, siempre debemos llevar un paño de microfibra en la bolsa de fotos (o incluso en el bolsillo) para realizar esta tarea adecuadamente.

Creer que disparar en RAW es un salvavidas

Sí, efectivamente siempre decimos (en este mismo artículo lo hemos mencionado) que utilizar el formato en crudo sirve para poder modificar ciertos ajustes (como el equilibrio de blancos) en postproducción, pero al mismo tiempo debemos tener cuidado de no confiarnos demasiado pensando que por disparar en RAW todo podemos solucionarlo después.

De hecho, como norma general, deberíamos pensar en ajustar todos los parámetros de exposición, balance de blancos y demás como si fuera una toma única, porque esa será la mejor manera de asegurarnos la máxima calidad posible en la fotografía.

Dejarse el trabajo para el postproceso

Foto de picjumbo.com

Al hilo de lo anterior, es muy habitual hoy día dejar para después ciertas correcciones que deberían realizarse in situ. Por ejemplo la composición, que es muy habitual corregir en el postprocesado cuando es algo que debería dejarse establecido y cuidarse mucho en la propia toma.

Una buena composición es algo fundamental y no puede dejarse para después, donde lo más que se puede es corregir pequeños errores o eliminar elementos molestos que aparezcan en los márgenes de la imagen.

Fijarse demasiado en el detalle

Foto de Olli Henze

Otro mal hábito de muchos fotógrafos es el de querer ver todas las fotos al 100% en el ordenador y obsesionarse demasiado con el detalle de las imágenes. Puede suceder que, vista de este modo, una foto deje que desear, ya sea por tener ruido o poco detalle, pero esto no invalidará una buena toma si todo lo demás (composición, exposición, etc, etc) es perfecto.

Además, es posible que a pesar de todo la imagen se vea perfecta una vez impresa (siempre que no queramos un tamaño exagerado claro), y no digamos ya si sólo va a usarse para una página web. Por ello no hay que obsesionarse con el detalle al 100% y fijarse más en la imagen en su conjunto y en lo que transmite (y tampoco sobreajustar la nitidez en busca del mayor detalle posible).

Compartir todas tus fotografías

Foto de Wokandapix

Por último, un mal hábito relacionado con las redes sociales y la costumbre de compartir fotografías en ellas. Por supuesto no decimos que no compartas nada, porque hacerlo es una buena manera de darse a conocer y lograr feedback sobre nuestro trabajo, pero es importante no pasarse.

Si publicamos en exceso o compartimos muchas imágenes similares podemos llegar a ser pesados y conseguir el efecto contrario del que buscamos. Por eso, es importante seleccionar bien lo que se comparte y enseñar sólo lo que sea realmente bueno, de manera que pueda ayudarte a mejorar tu reputación como fotógrafo o conseguirte nuevos clientes.

Foto de Andrew E Weber

Y con esto terminamos por hoy pero, como siempre, os agradecemos vuestra aportación a través de los comentarios; en este caso para que nos contéis si os habéis visto reflejados en algunas de las malas costumbres que hemos comentado o si conocéis otras que merezca la pena comentar. Además, como hemos comentado al principio, el artículo continúa con este otro dedicado a los buenos hábitos que merece la pena adoptar.

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Cinco libros para aprender a mirar y pensar como fotógrafos

*Foto de portada | Benjamin Combs en Unsplash

Habitualmente, a la hora de procesar nuestras fotografías suele ocurrir que no tenemos mucho tiempo y tenemos que recurrir a un trabajo rápido y “sucio” pero que nos da resultados aceptables en un plazo muy corto. Para eso, es muy útil utilizar un programa “todo en uno” como Adobe Lightroom o cualquier otro similar (su más directo rival era Aperture desaparecido hace ya casi dos años).

Sin embargo, cuando nuestro propósito es obtener la mejor imagen posible, es interesante aplicar un flujo de trabajo mucho más pausado con una serie de pasos que debemos realizar correctamente, sin prisas y añadiendo además Photoshop al flujo de trabajo. El trabajo es similar pero la forma de tomar las decisiones y el tiempo que se dedica a ello no tienen nada que ver. Por eso es importante conocer cuál sería el mejor postprocesado fotográfico posible y cómo realizarlo de forma correcta y ordenada.

Por supuesto en Internet existen multitud de tutoriales (nosotros mismos os ofrecimos hace ya unos años un curso sobre Lightroom 4 que os recomendamos revisar) pero en esta ocasión nos hemos fijado en este tutorial de Tutsplus al que hemos añadido nuestros propios consejos.

Foto de Pexels

Antes de comenzar, el tutorial nos propone una serie de consejos previos. Lo primero es que deberíamos tener a mano una libreta para ir tomando notas sobre el proceso. Serviría también una app para tomar notas pero estar cambiando constantemente del programa editor de fotos al de notas puede ser un engorro y conviene estar centrado en las imágenes.

Por otro lado, si el trabajo se refiere a un lote de imágenes deberíamos realizar al mismo tiempo cada uno de los pasos con todas las fotos antes de continuar. Esto nos permitirá mantener la eficacia en el trabajo y nos ahorrará el quebradero de cabeza que puede ser intentar igualar el resultado de una imagen ya acabada con otra sin tocar.

1. La preparación de los archivos

El primer paso para un correcto postprocesado sería la preparación de nuestro archivo de fotografías, un trabajo mecánico y que puede resultar pesado pero muy necesario para que nada altere la oportunidad de desarrollar y expresar nuestro propio estilo fotográfico personal.

Para estos pasos os remitimos a artículos propios en los que tratamos la selección y organización de fotografías, además de consejos para optimizar Lightroom, y cómo actualizar metadatos y presets de versiones antiguas del programa.

Procesado de los archivos RAW

Los pasos clave en el postprocesado de archivos en crudo utilizando Adobe Lightroom y en el orden correcto serían (según este método):

• Ajustes predeterminados. Los que se aplican a todas las imágenes de forma predeterminada, incluyendo la calibración de la cámara y del objetivo y el perfil de color. Recuerda que al realizar la importación a Lightroom es posible hacerlo aplicando a las fotos unos ajustes previos que se aplicarán a todas las imágenes. Una posibilidad que puede ser muy interesante si utilizamos perfiles de nuestra cámara y/o objetivos que hayamos personalizado previamente.

• Balance de blancos. Como sabéis, este apartado se refiere al balance de color adecuado para la imagen. Y aunque hace tiempo os recomendamos que no conviene dejar de lado esta tarea en la toma de fotografías, muchos son los que no se preocupan de ello y dejan la tarea para la edición. Sea o no tu caso, siempre hay que mirar este apartado para asegurarnos unos blancos lo más reales posibles. Para ello, conviene utilizar el selector de balance de blancos (tecla W) para elegir un área de la imagen que debería ser neutra. Pero ojo que nuestra percepción nos engaña y a veces incluso podemos ajustar una imagen deliberadamente mal para conseguir un efecto más atractivo a la vista.

• Balance de color. Los colores de un tono medio son en realidad mucho más importantes para nuestra percepción de una fotografía que los blancos. Modificar el balance de blancos normalmente corrige estos tonos medios de color, pero si hubiera que ajustarlo, quizá es un trabajo más conveniente para realizar en Photoshop.

• Corrección de la exposición. De partida, ninguna imagen está perfectamente expuesta. Por eso, para mantener la mayor cantidad de información posible en la imagen hay que establecer el punto blanco y el punto negro de ésta. Para el blanco, hay que mantener pulsado Alt y arrastrar el control deslizante de Exposición (la imagen se volverá negra) hasta justo antes de que aparezca la imagen.

• Balance Negros. Del mismo modo, para establecer el punto negro, hay que mantener pulsado Alt y arrastrar el control deslizante de Negros (la imagen se volverá blanca) hasta justo el punto en que la imagen se vuelva totalmente blanca. Los apartados Recuperación y Relleno influyen también en la saturación, por lo que de momento no los vamos a tocar.

• Corrección de brillo y contraste. Las luces altas usualmente necesitan que les aplique algo de tono y a las sombras algo de separación. Los controles de Brillo y Contraste son formas perfectamente legítimas de trabajar, combinándolas con Exposición y Negros pero recomendamos utilizar mejor la Curva de Tonos que permite afinar el contraste utilizando un gráfico. Claro que de momento no la vamos a tocar tampoco en esta primera etapa.

• Claridad. La herramienta Claridad utiliza una cantidad baja de enfoque en un radio amplio, lo que hace que las luces sean más claras y las sombras más oscuras. Por eso si lo vemos necesario debemos utilizarlo con cuidado porque puede causar halos.

• Vibración y Saturación. Saturación afecta a todos los colores de la foto mientras que Vibración afecta más a los colores menos saturados. Juntos pueden usarse para dar color a una foto. Si buscamos un resultado uniforme recomendamos bajar un poco la Saturación y subir un poco la Vibración; si queremos un resultado “diferente” justo al revés.

• Detalle. Aplicar enfoque a una foto es sin duda algo necesario para lograr un buen resultado final pero es algo que se debería hacer localmente y teniendo en cuenta el destino final de la foto. Por eso, en Lightroom en principio no es recomendable tocarlo.

• Reducción de ruido. Dentro del apartado dedicado al detalle tenemos la reducción de ruido, algo que sin duda Lightroom sabe hacer bastante bien. El apartado Luminancia permite corregir los píxeles que han reaccionado mal al tono equivocado (percibido en las sombras como grano) y el Color corrige los píxeles que han reaccionado mal al color incorrecto, (típicamente percibido como manchas). Lo más recomendable es ajustarlo pero levemente para envitar excesos que luego pudieran notarse.

• Dividir tonos. Este ajuste controla el matiz y la saturación en las luces altas y en las sombras normalmente para agregar tonos más cálidos o fríos en estas zonas. En general no es un elemento que se deba tocar porque para resaltar un color es mejor usar el balance de blancos.

• Conversión Blanco y Negro. Hay varias formas de convertir una foto en color a una imagen monocroma. Algunas personas les gusta hacer la conversión en blanco y negro desde el comienzo pero quizá es un proceso que se debería dejar para una fase posterior (cuando decidamos si realmente queremos virar la imagen). En cualquier caso, si lo hacemos es conveniente utilizar la pantalla dividida de Lightroom (Mayúsculas+Y) para ver el antes y el después y así poder tener una conversión más acertada.

2. Evaluación de la imagen

Realizados los ajustes previos de las fotos, pasamos a una segunda fase de previsualización o evaluación de la fotografía con el fin de decidir qué vamos a hacer con ella y qué look le queremos dar. Como podéis imaginar, no es nada fácil ser capaz de imaginar el potencial innato de una imagen y saber qué le va a ir mejor. Esto es algo que se va aprendiendo con la práctica a lo largo de toda la vida en un proceso de aprendizaje permanente.

Foto de Pixabay

La cantidad de tiempo que se gasta en esta fase depende de cuánto tengamos y de la importancia de la imagen, pero cada minuto gastado es generalmente útil en comparación del tiempo que se puede perder realizando un retoque equivocado que al final desechemos.

Definir la imagen

Hacer una descripción conceptual y verbal de la imagen nos debería ayudar a entender y comunicar las ideas y emociones contenidas en la imagen. Para ello podemos recurrir a describir la foto pensando en nuestra posible audiencia y hacerlo como si la estuviéramos explicando a un niño de cinco años, empezando por el contenido y los elementos concretos del cuadro.

A continuación deberíamos describir los elementos abstractos de la imagen (estado de ánimo, sentimientos, relaciones psicológicas de personas y objetos en la fotografía…) y decidir qué es lo que hace a la imagen interesante. Por lo general, hay algo que hace que la imagen sea única, incluso aunque no fuera esta nuestra primera intención (las cosas casuales pueden ser las mejores) e identificarlo es algo que nos ayuda a enfatizarlo desde el principio.

Foto de Pexels

Decidir cuál será su propósito

Basándonos en lo que contiene la foto, es interesante identificar su potencial audiencia. Por ejemplo ¿la foto podría ser usada por una persona, un periódico, una revista o expuesta en una galería? En este punto tampoco deberíamos olvidar el contexto en el que la imagen puede llegar a figurar.

Decidir qué cambios hacer

En base a lo anterior, ya estaríamos listos para identificar qué es lo que queremos potenciar para conseguir una mejor foto. Así, éste sería el momento de decidir si hay que hacer ajustes adicionales en el brillo, el contraste, la saturación, la nitidez, etc.

3. Proceso de creación

Llega el momento de “construir” nuestra imagen. Para ello, por cierto, conviene marcarse los pasos que hay que realizar, empezando por los ajustes más generales y acabando por lo más fino, e incluso planear nuestros descansos. Teniendo en cuenta que trabajar en postproducción más de 20 a 30 minutos seguidos suele resultar improductivo porque el ojo es un músculo que se fatiga (por cierto, en los descansos nada de usar otras pantallas como la del móvil).

Foto de João Silas

La creación requiere de control y ajuste fino, pero es un trabajo que si se han hecho bien los procesos anteriores puede resultar muy gratificante. Es el momento de pasar a Photoshop (Control+E) para terminar de mejorar las fotos a través de dos herramientas principales: Las capas y los modos de fusión.

Capas

Las capas nos permiten construir la imagen final sin tener que alterar ninguno de sus píxeles originales y son la base del flujo de trabajo no destructivo de Photoshop. Hay varios tipos importantes de capas y herramientas relacionadas, algunas de la cuales vamos a citar a continuación. Por ejemplo las capas de ajuste que son realmente potentes porque con la combinación de sólo dos de ellas, como Curvas y Tono/Saturación, se puede cambiar totalmente el aspecto de una imagen.

Las capas de Curvas merecen una mención aparte porque con ellas se pueden modificar rangos específicos en los tonos de las fotos, lo cual es muy útil. Después de haber realizado la mayoría de los cambios globales en Lightroom, las curvas de Photoshop se utilizan mejor para aplicar ajustes selectivos a áreas particulares usando máscaras de capa. Además, los cambios de color también se pueden hacer con curvas, trabajando en los canales de color individuales.

Las capas de mapa de bits, como la de la propia foto, están basadas en píxeles y tienen un tamaño fijo pero las capas vectoriales son independientes de la resolución y por tanto poseen algunas posibilidades muy potentes para el retoque. Por otro lado, la posibilidad de agrupar las capas permite combinar y actuar sobre un conjunto de ellas como si fueran una sola (además de para ayudar a mantener nuestro trabajo organizado).

Por último, las máscaras de capa controlan selectivamente qué partes de una capa tienen efecto sobre la foto. Pintando sobre ellas con el pincel en blanco o negro podemos revelar u ocultar (respectivamente) partes de la imagen, y por supuesto también se pueden usar grises y filtros con las máscaras de capa.

Modos de fusión

Los modos de fusión controlan cómo se mezcla cada capa respecto a las que se encuentran debajo y, como sabréis, hay un montón de posibilidades englobadas en varias categorías. Los modos de fusión cambian la tonalidad mediante la interpolación de los valores de la imagen. Pueden ser complicados, pero conservan las relaciones tonales en la imagen de una manera que otros métodos no consiguen. Así, son una forma eficaz de compensar los cambios no deseados introducidos por otras capas de ajuste.

La forma más fácil de empezar a usarlas es simplemente ajustar la opacidad de la capa que, como sabréis, puede variarse desde el cero hasta el 100% y es una excelente forma de hacer ajuste fino con los efectos aplicados a las fotografías.

Como hemos apuntado en el caso de Lightroom, os remitimos a otros artículos para aprender a utilizar Photoshop con soltura.

4. La pre-impresión

Se trata del proceso necesario para obtener un archivo listo para la salida. La parte creativa del proceso da paso a un remuestreo y redimensionado, al ajuste fino local, a la adición de grano o a cualquier toque final necesario para hacer que la imagen funcione con el formato de salida final.

Para impresión, estos toques finales suelen ser ajustes de contraste y nitidez para adaptarse a las cualidades del papel y la tecnología de impresión que se utilizará. Para la web, normalmente implica la optimización y la compresión de un archivo grande para que no pese en exceso o se ajuste a los colores limitados que se usan en la Red.

Y aunque la preimpresión es una parte bastante rápida del proceso de postproducción general, es importante hacerlo bien y prestar atención al detalle ya que, sin duda, tiene un gran impacto en la calidad final de la imagen.

5. Salida

Como etapa final en la postproducción, la impresión es, en muchos sentidos, un proceso completo en sí mismo. Por supuesto no es lo mismo si las fotos van a ser utilizadas en Internet que si van a tener un soporte físico en papel. Si éste es el caso, hay que tener en cuenta que hay muchas maneras de imprimir, cada una con cualidades y desventajas (demasiadas para enumerarlas), pero cualquiera que sea el medio la impresión tiene unos mismos pasos generales:

• Conocer el medio de impresión. Ya sea una impresora de inyección de tinta casera o una que imprima carteles gigantes, cada proyecto tiene unas características diferentes que debemos conocer.

Foto de Masahiko OHKUBO

• Prueba de impresión. Como sabéis, la pantalla del ordenador no es nada fiable respecto a lo que realmente se verá cuando se imprima la imagen final. Por eso, la única manera de saber realmente el resultado es probarlo en su tamaño final y en el medio elegido.

• Evaluación de la prueba. Una vez realizada la prueba, es necesario analizar el resultado, a ser posible bajo las condiciones en las que se verá o expondrá. A partir de aquí podemos decidir si hay que hacer correcciones.

Foto de Pixabay

• Reimpresión. Si efectivamente había que hacer correcciones será necesario realizar una nueva prueba de impresión. Eso sí, depende del caso podríamos limitarnos a imprimir sólo la parte de la imagen en la que fuera necesario realizar los ajustes.

• Impresión. Una vez satisfechos con los resultados de las pruebas, llega el momento de mandar a imprimir, por fin, la imagen definitiva.

Volver a repetir el proceso

Y con esto hemos acabado aunque, como imaginaréis, el proceso nunca termina y siempre hay que volver a empezar para hacer lo propio con más fotografías. De hecho, este es un proceso que requiere de un largo aprendizaje pero que, a base de repetirlo, debería ayudarnos a desarrollar nuestra magia creativa.

Foto de Pexels

Esperamos que el método os parezca útil, pensando que sería algo así como el mejor método posible de postproducción de imágenes, desde el principio hasta el final, con sus fases de preparación de archivos, evaluación de las imágenes, creación, pre-impresión y salida. A todas ellas debería darse todo el tiempo necesario para obtener la máxima calidad posible en la imagen final.

¿Qué os ha parecido? ¿Creéis que sobra algún paso? ¿Quizá que falta algo? Como siempre, os agradecemos vuestra aportación a través de los comentarios.

En Xataka Foto | Curso: Aprendiendo con Adobe Lightroom 4

Foto de portada | João Silas

La fotografía móvil, le pese a quien le pese, está copando uno de los lugares más importantes en el panorama fotográfico. Las largas luchas acerca de si era un producto o una herramienta seria empiezan a agotarse, y los avances en esta tecnología están comenzando a sepultar teorías apocalípticas sobre ella.

Por todo y por eso, hoy os quiero traer un pequeño resumen de lo que podríamos catalogar como un flujo de trabajo fotográfico con el smartphone. En este caso, voy a intentar traeros el que yo uso y el que considero más eficaz para una gestión apropiada de los archivos, al igual que una buena forma de compartir todas las imágenes junto con su cuidado.

Configuración del formato de disparo

Cuando vamos a disparar una fotografía en un smartphone debemos ser exactamente igual, o más, de cautos con la configuración de nuestro smartphone que si lo hiciéramos con con una cámara normal. ¿Qué significa esto? Pues que, al igual que sucede con las cámaras, existen algunas configuraciones que debemos definir antes de empezar con el proceso fotográfico para que no nos pille por sorpresa. También cabe indicar que, dependiendo del fin de dicha fotografía esa configuración debemos tenerla más presente si cabe.

Un claro ejemplo. En las aplicaciones de disparo tenemos las opciones de configurar el formato de la fotografía a realizar. Pueden ser formatos nativos del sensor, que en este caso dependerá del formato del mismo; o formatos que se realizaran haciendo “recortes” del que lleva el sensor nativo. Porqué debemos tener esto en cuenta. Por dos motivos. El primero de todos es el fin fotográfico y otro el formato de salida.

Elección de proporción o formato en la app de disparo para iOS ProCamera

El fin fotográfico es un aspecto que debemos definir antes de ponernos a fotografiar, y es sin duda la idea que queremos acabar plasmando. En cualquier dispositivo, debemos tener en cuenta esto siempre, pero más si cabe en un smartphone. Si tenemos una idea en la que las composiciones de nuestra toma vayan a necesitar un formato cuadrado para enfatizar la idea o el concepto, sabemos claramente que formato será el elegido. La composición aquí es importante, y el tener la previsualización en pantalla es un aspecto positivo. Aprovechémosla.

En segundo orden se encuentra el formato de salida. Cuando me refiero a esto es que, y aunque parezca casi imaginario, las fotografías de un smartphone se pueden IMPRIMIR. El problema es que se asocia sólo este tipo de fotografías a la pantalla de un mismo móvil; pero esto es quizá uno de los errores que hacen que este tipo de fotografía se tome menos en serio. Ni que decir que, aquí, los megapíxeles nos importan; y es por eso que, dependiendo del tipo de sensor que tengamos tendremos que saber cómo realizar una toma de una forma u otra.

Cabe recordar que, mientras en pantalla para una óptima visualización no necesitaremos de más de 5-6 megapíxeles (a menos que queramos visualizar algo en una nueva y flamante TV/monitor 4K), en papel u otro soporte de similares características estaremos condicionados por el tamaño de impresión en él. Así que, debemos saber muy bien que factores influyen. Ejemplos como si podemos recortar o no cortando pixeles es por ejemplo un buen ejemplo de este punto. Así que sabiendo esto, pensemos en los megapíxeles y los archivos de guardado y la calidad (existen varias apps de disparo que nos permiten elegir la calidad de compresión del JPEG o TIFF al que guardar)

Elección de la proporción y por tanto resolución en la app de disparo para Android Camera FV-5

En otros post, hablaremos de algunas aplicaciones interesantes o que nos ayudan a cumplir este y otras funciones más cercanas a la experiencia del disparo.

Aunque es un tema que puede ser importante, el formato RAW instalado en varios terminales actuales nos da calidad y puede ser una gran opción. Por desgracia, existen aún pocas apps para sacar el mayor partido a la edición de los mismo en los propios smartphones. A pesar de todo, es un punto que si dispones de él y tu fin fotográfico es conseguir la mayor calidad fotográfica, es hora de que empieces a utilizarlo; aunque posteriormente el archivo tenga que ser llevado a un ordenador para conseguir su decodificación y mejor edición.

La edición y factores a tener en cuenta

Aunque la edición fotográfica es un punto que puede realizarse fuera del smartphone (de hecho hay mucha gente que la realiza en Adobe Photoshop u otros programas de de edición fotográfica para ordenador), en este caso vamos a tratar la edición fotográfica en el mismo dispositivo.

Un punto a favor de poder realizar esto es la facilidad que nos da el mismo dispositivo para no tener que mover el archivo a un ordenador y todo el engorro que eso supone. Además de esto nos ayuda a acortar la inmediatez de tener la imagen final (si es que nuestro fin lo requiere).

En esta situación vamos a dejar algunos factores que inciden en la importancia de una edición óptima y los cuidados a tener cuando llegamos a este punto. Además, antes de llegar a la edición, los smartphones, debido a su sensor, pueden conseguir que el ruido sea un problema en sus tomas. Si este ruido a aparecido después de la toma y queremos reducirlo de alguna manera algunas apps como Noise Master para iOS nos pueden ayudar a reducirlo en parte (seamos cautos con esto, esto no hace magia).

En primer lugar, la edición es un punto que marcará mucho nuestro estilo personal o propio. Es obvio que, la composición y otros elementos realizados en el disparo también, pero quizá uno de los más visibles sea este. Es por tanto que, es punto en el que debemos prestar especial cuidado. Sin ir más lejos la elección de una aplicación/es adecuada/s para nuestras pretensiones es muy importante. Aunque en este momento hay una cantidad ingente de apps para editar fotografías en casi todos los sistemas operativos, nos encontramos que no todas se acercan a lo que necesitamos o que pretendemos conseguir para nuestras fotografías en una sóla.

Aplicación de edición para iOS Enlight

Es por eso que, probar varias apps de edición y ver cual se asemeja más a nuestro estilo o fin es la primera de mis recomendaciones. El saber esto es importante porque, a veces, para llegar a nuestra imagen final puede que necesitemos más de una app y conseguir saber cuales son las más indicadas es un trabajo que depende más de un sentido propio y personal orientado a cada tipo de fotografía.

En este caso, el mayor consejo es probar varias apps que realicen lo mismo y ver cual de ellas lo realiza más a nuestro gusto. Aunque lo mejor de todo es conseguir una app que tenga la mayor de las opciones para conseguirlo y no tener que guardar un archivo JPEG y tener que volverlo abrir en otra. En iOS y Android comienzan a aparecer apps con estas características, a pesar de ser algo más complejas (aquí es donde quizá está el reto de los desarrolladores, conseguir la sencillez con las mayores opciones posibles).

Un factor muy importante es tener en cuenta según el fin de nuestras fotografías, y que debemos tener muy en cuenta, es la degradación de la imagen. Recordemos que, un JPEG cuanto más y más se edite más se degrada y más píxeles de imagen rompemos; sobre todo por el factor de compresión del mismo.

Con la incursión del RAW, en algunos terminales, esto comienza a ser menos problemático; aunque sucede igualmente. Yo, actualmente, no uso el RAW en ninguno de mis disparos, pues mi flujo de trabajo suele requerir de calidad pero también mucha rapidez. Este punto aún no da una experiencia muy fluida para determinados flujos de trabajo o edición, pero si puede ser muy bueno para otros.

Interpolación de imagen en la app de Android Photo Editor

Igual que ocurre con el disparo, el fin de la fotografía debe marcarnos nuestro tipo de edición y nuestro cuidado con ella. Es por eso que, debemos entender que, además de la degradación de la imagen con la edición, el recorte de imagen nos hará perder píxeles. En este proceso, existen algunas aplicaciones de edición de imágenes que nos permiten redimensionar interpolando imágenes, como por ejemplo puede ser el caso de Photo Editor para Android.

En siguiente punto trataré sobre las maneras de guardar y gestionar las fotografías que ya hemos realizado. Es importante deciros que el punto de guardar y gestionar puede ir, muchas veces incluso antes de la edición de las mismas. Todo ello dependerá del momento y situación.

Fotografías e imágenes | Rodrigo Rivas

En Xataka Foto | Cinco puntos menos comunes, pero importantes, a tratar para elegir un smartphone fotográfico

Wacom presenta la nueva Cintiq 13HD Touch manteniendo su filosofía de tener un diseño compacto. Esta nueva Cintiq 13HD touch combina la función multitáctil y el reconocido rendimiento del lápiz de Wacom para ofrecer una experiencia creativa digital que agrade tanto a creativos como a fotógrafos.

Esta última incorporación, Cintiq 13HD touch, a su gama de creative pen displays está diseñada para ofrecer una experiencia natural a diseñadores, artistas y fotógrafos, tanto al utilizar la función táctil como al trabajar con el lápiz. De esta manera, permite desarrollar un flujo de trabajo digital que simula el dibujo o la pintura en papel o lienzo, permitiendo trabajar técnicas avanzadas de retoque como puede ser la conocida técnica de retoque digital de Separación de Frecuencias.

Características principales

La Cintiq 13HD touch, además de seguir la línea de diseño habitual, puede conectarse fácilmente a ordenadores Mac y PC. En cuanto a diseño, mejora algo para ofrecer la mayor comodidad al usuario, ya sea que la utilice en el escritorio como en su regazo del usuario, el soporte ajustable de la Cintiq 13HD touch está optimizado para usarse en cuatro posiciones: plana, a 22°, a 35° o a 50°.

Cuenta con una pantalla táctil de de 16,7 millones de colores, que asegura una calidad de color nítida, y la hace perfecta para el retoque profesional, diseñadores gráficos y fotógrafos. Además, el gran formato de pantalla HD LED, con un ángulo de visión de 178° y una resolución de 1920x1080, es buen detalle a tener en cuenta.

Cuenta con un lápiz Pro Pen, con 2.048 niveles de sensibilidad a la presión y reconocimiento de la inclinación, que es el encargado de llevar la batuta de toda la experiencia creativa en la Cintiq 13HD touch. Además, la nueva integración multitácil permite al usuario navegar por el escritorio, rotar, y hacer zoom en una imagen o ilustración de una manera bastante intutiva, según el fabricante. Por tanto, mediante la combinación del lápiz digital y la función táctil, los usuarios descubrirán un flujo de trabajo prácticamente constante que se siente natural y que incrementa la velocidad de la producción.

Como herramienta, pensada para mejorar el flujo de trabajo y la productividad, los comandos para los atajos más utilizados están disponibles al alcance de los dedos a través de las cuatro ExpressKeys personalizables y específicas para cada aplicación, y el Rocker Ring. El uso de estos atajos genera un ahorro de tiempo considerable, al minimizar la dependencia del teclado.

Precio y disponibilidad

La nueva Cintiq 13HD touch tiene un precio de 999,90 euros (IVA incluido). Está previsto que esté disponible a principios de marzo en la eStore de Wacom y otros puntos de venta seleccionados.

Sitio Oficial | Wacom