A la hora de hacer una fotografía podemos tomar dos caminos: el de Cartier Bresson, donde todo está medido y calculado; o el de Robert Frank, donde te puedes guiar por los impulsos y romper todas las reglas. Ellos han marcado a más fotógrafos que todos los demás maestros juntos. Lo más curioso de todo es que, según cuentan las crónicas, no se llevaban especialmente bien.

Creo que son los dos fotógrafos que más han influenciado a los que vamos siempre con una cámara al hombro. Y si no son ellos directamente, seguro que estamos inspirados por alguno de sus discípulos. Son dos formas de fotografiar, dos formas de ver la vida radicalmente distintas para conseguir lo mismo.

Robert Frank

En mi caso empecé con Cartier Bresson pero con el tiempo quise ser Robert Frank. No es fácil ser perfecto desde el punto de vista formal. Mucho más complejo es mirar con la profundidad de Frank. Uno parece apostar más por las reglas de la composición y otro prefiere dejar libre el pensamiento. Y es muy difícil alcanzar a ambos.

En la sociedad actual siempre será más respetado y comprendido Henri Cartier Bresson que Robert Frank. El primero entra por los ojos, el segundo te obliga a pensar. Los dos son muy buenos pero no pueden ser más distintos. El cerebro contra el corazón.

Cartier Bresson

La enemistad entre los dos grandes fotógrafos de la historia

En mis clases de iniciación de historia de la fotografía siempre he dicho que Cartier Bresson es el fotógrafo que tu familia querría que fueras. Y que Robert Frank hace las fotografías que siempre borrarías del móvil cuando quieres vaciarlo.

Con el tiempo, y si la fotografía te engancha, te das cuenta del camino que quieres seguir. Ninguno es fácil. Uno está más comprendido por la sociedad y el otro permanece un poco en la sombra. Pero si excavas un poco en su trabajo te das cuenta de que la realidad es como el mito de Platón y no tiene sentido que todo sea perfecto porque la realidad no es así.

En Xataka Foto

Cómo hacer la copia de seguridad de nuestro catálogo de Adobe Lightroom

Henri Cartier Bresson era mayor que Robet Frank. Publicó su libro más importante, 'The decisive moment' en 1952. Solo seis años más tarde apareció 'The americans' de Robert Frank. Y se llevaban 16 años. Y llevaban la misma cámara, una Leica que no hace al fotógrafo, eso está claro.

Robert Frank

No creo que los dos tuvieran una vida como la de la película 'Los duelistas' de Ridley Scott. Cada uno seguiría su camino a lo largo de su vida. Pero es verdad que coincidieron en pocas exposiciones. Después de rebuscar por las redes he encontrado una que montaron en la Galería Danziger: 'El corazón y el ojo', remarcando la frialdad de uno y lo emocional del otro.

No hay nada claro pero parece que el propio Cartier Bresson, uno de los fundadores de la agencia Magnum, no quiso que Robert Frank entrara en la agencia, cuando era uno de los mejores fotógrafos de la historia. Hay que rebuscar para verificar si este rumor es cierto. Estoy convencido de que el propio Robert no quería ni de lejos entrar en algo tan cerrado como una agencia.

Henri Cartier Bresson

En una entrada reciente del grupo Full Frame de Facebook (y que ha desencadenado este artículo) he encontrado esta frase:

Cartier-Bresson, sobre todo si tenemos en cuenta su obra temprana, no debería haber trabajado durante los últimos 20 años, o yo al menos lo habría preferido así. Puede sonar muy duro, pero siempre he pensado que es enormemente importante tener un punto de vista. Con sus fotografías quedaba siempre levemente decepcionado porque nunca encontraba en ellas ese punto de vista. Ha viajado por todo el maldito planeta, pero nunca sientes que nada de lo que ocurría ante él le conmoviera, más allá de la belleza o la composición

Dejaba claro que para él, aquello del instante decisivo no era más que una pose forzada de la realidad. Marcada por la geometría y la perfección que en el mundo no termina de existir de una manera tan clara. Nuestras vidas no son siempre hermosas. Y quizás ese es el problema de Bresson y sus seguidores.

Es famosa la frase del francés sobre cómo hacer una fotografía:

Robert Frank

Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje.

Pero lo que pocos saben es que el suizo decidió responder con otra frase mítica mucho menos conocida pero cargada de razón:

Solo con el corazón se puede ver correctamente; Lo que es esencial es invisible a los ojos.

Henri Cartier Bresson

Una frase que nos lleva directamente a 'El principito' pero que es perfecta para definir los momentos más inoportunos que él nunca se olvidaba de registrar. Como podemos leer en un fabuloso artículo de The New Yorker Cartier Bresson es la mezcla perfecta entre el clasicismo estético y la noticia de última hora. Satisface al ojo pero duerme al corazón.

En Xataka Foto

Cómo utilizar los filtros radiales en Camera RAW para transformar la luz de nuestras imágenes

Son dos formas de ver la vida. Y los dos fueron los genios del siglo XX. Pero de nosotros depende el camino que debemos escoger para desarrollar nuestra afición o nuestro trabajo. ¿Con cuál te quedas tú?

Hace más de quince días empezamos a hablar de los proyectos fotográficos. Para llegar al final tenemos que recorrer tres pasos, tres puntos. Uno detrás de otro hasta llegar al final, sin saltarse el orden y sin abandonar uno sin haberlo acabado previamente. Hoy vamos a analizar con más profundidad el primer paso de un proyecto: la idea.

Se está acercando el fin de año. Y todavía no sabemos qué hacer con nuestra vida fotográfica. Llevamos la cámara encima, la sacamos cuando vemos algo que nos gusta. Los fines de semana hacemos lo que podemos. Al final solo hemos conseguido unas fotografías bonitas del pueblo que hemos visto, del otoño que hemos fotografiado. Y algunas que otras que están bien y no sabemos qué hacer con ellas. El problema es que no tienen relación alguna entre ellas. O no hemos sabido verla.

Como ya hemos adelantado en el primer artículo dedicado al proyecto fotográfico, es importante trabajar con sentido. Disparar con un objetivo, con una idea. Es la que nos llevará a conseguir imágenes con sentido y sobre todo nos permitirá avanzar como fotógrafos. Esta es una de las claves, además de dedicarle tiempo y gastar muchas zapatillas.

En la ciudad @ferfoto

La idea es lo que se sustenta todo nuestro trabajo. Es la base fundamental del proyecto. No es algo baladí. Cuando comenzamos en este mundo puede que nos sirvan esos proyectos que todos conocemos: una fotografía por semana, 365 disparos en un año, retratos de nuestros amigos y conocidos... Es algo perfecto para practicar. Y si no lo habéis hecho nunca lo recomiendo. Es un ejercicio perfecto para nosotros, pero realmente no aporta nada a la comunidad. No es original. Pero podemos hacerlo personal.

La idea original del proyecto

Hay muchas formas de llegar a una buena idea. En el fondo todo depende de cómo la afrontemos. Al fin y al cabo lo importante es nuestro estilo fotográfico. Pero siempre hay que saber contar las cosas de una forma diferente. Si la gente pensara solo en cosas nuevas jamás hubiera existido 'La regenta' después de 'Madame Bovary', por poner un ejemplo literario.

Las buenas ideas no son complicadas. No hace falta adornarlas de falsas promesas de intelectualidad. Cada vez hay más gente contraria a las banalidades en nombre de la fotografía. En contra de ideas vacías adornadas con palabras ampulosas. El ejemplo perfecto es fijarse en H. Sugimoto, como ya vimos.

No es fácil saber qué contar si no tenemos una buena base o una vida que nos estimule mentalmente. Siempre se acude a la cultura. Pero siempre se asocia con los libros y el arte. Para muchos nos es fundamental. Pero hay otras formas de cultura, de vivencias personales que te pueden llenar más de los que nos identificamos con libros o museos. Hay que ser capaz de emocionarse en la calle, en el profundo bosque o la pura vida de los bares.

En la ciudad @ferfoto

Lo que sí es importante es conocer lo que han hecho otros fotógrafos con ideas similares, para no repetirse. Para ser capaces de dar un nuevo giro que nada tenga que ver con todo lo que han contado ya. Sin embargo, como vamos a ver a continuación, puede que incluso repetir un concepto sea una buena idea para algunos.

Los proyectos se pueden dividir de muchas formas según las ideas propuestas, pero yo prefiero ceñirme a tres tipos de proyecto en función del tipo de idea.

Los tres tipos de proyecto

Es duro pero las ideas también hay que clasificarlas. Más que nada para conocer los terrenos en los que nos movemos. Y no confundirnos o saber de antemano a dónde tenemos que ir en el siguiente punto:

• Formal: es el clásico proyecto en el que el autor solo busca contar una idea, similar a una novela realista en la que se describe todo lo que pasa delante de nuestros ojos. Podemos encontrar muchos ejemplos pero quizás un buen proyecto modelo es el trabajo de Shizuka Yokomizo 'Strangers through the window' en el que simplemente retrataba a la gente que accedía a través de las ventanas de sus hogares.
• Emocional: aquí el fotógrafo se implica de una forma más personal si cabe en lo que está contando. Corre peligro de caer en un conceptualismo exacerbado, pues es fácil caer en la banalidad o en el estereotipo. Si viéramos una película de Andrei Tarkovsky sería lo más parecido a un proyecto emocional. Quizás es el proyecto en el que el autor queda más desnudo frente a los espectadores. Un buen ejemplo sería el trabajo de Robert Frank en 'Los americanos'. Aquí no solo cuenta lo que ve, sino también lo que siente ante el país que le acogió.
• Experimental: Es un tipo de proyecto en el que el fotógrafo necesita contar su sensación ante el mundo de una forma imposible en la realidad. Puede que el espectador sea incapaz de reconocer lo que ve si no tiene un texto que se lo explique previamente. En algunos casos llegará a provocar rechazo o dejar sin palabras a aquel que lo contemple. Aquí no queda más remedio que recordar el proyecto After Sherrie Levine en el que Michael Mandiberg (2001) se apropió de la idea de Sherrie Levine de copiar las imágenes de Walker Evans para venderlas como propias.

En la ciudad @ferfoto

Nosotros solo tenemos que pensar en la idea y empezar a crear un esquema con los pros y los contras. Con todas sus posibilidades y su mayores problemas. Si lo dibujamos en la libreta o con una tableta gráfica en nuestro ordenador nos daremos cuenta de nuestras capacidades y limitaciones para ser capaces de llevarlo a buen puerto o no. El viaje continuará.

En Xataka Foto

Cómo enfrentarse a un proyecto fotográfico

Es posible que la palabra os suene a chino, y de hecho nuestro diccionario de la Real Academia no recoge el término (sí que lo hace la Wikipedia), pero seguro que rápidamente entiendes qué es la pareidolia. Ni más ni menos que ese fenómeno por el que reconocemos algo familiar, como una cara, en un objeto inanimado. Osea cuando, por ejemplo, vemos en una pared o en el frontal de un coche elementos que nos hacen parecer que hay un rostro que nos mira.

Seguro que lo has visto cientos de veces, porque puede darse con toda clase de objetos y en muchas situaciones como nubes de formas caprichosas, o rocas erosionadas que identificamos con formas conocidas. Se trata de algo psicológico, cosas de nuestro cerebro que tiende a asociar elementos que encuentra desestructurados (líneas, formas, colores, superficies…) con otros reconocibles por nosotros, almacenados en nuestra memoria a través de la experiencia.

Foto de Wikimedia Commons

Tal y como nos cuentan los compañeros de Xataka Ciencia, no tiene una clara explicación pero se cree que está relacionado con la evolución del hombre, como una ventaja adquirida para asegurar nuestra propia supervivencia. Para entenderlo debemos retrotraernos a miles de años atrás, cuando el hombre de las cavernas se movía en un entorno lleno de animales salvajes que amenazaban con comérselo a la mínima, por lo que fueron desarrollando la capacidad de reconocer éstas y otras amenazas acechando entre la maleza (por ejemplo).

En cualquier caso, cómo no, este fenómeno tan curioso puede ser utilizado en el ámbito de la fotografía para conseguir imágenes que a veces se quedan en lo curioso pero pueden ir más allá si sabemos aprovecharlo adecuadamente. De hecho, los fotógrafos por esa particular forma de fijarnos en cosas que otros no miran seguro que podemos encontrar más fenómenos de este tipo.

Foto de prof.bizzarro

Cómo sacarle partido

Seguro que más de una vez has estado observando las nubes u algún otro objeto tratando de reconocer unas formas. Sin duda puede ser una buena manera de relajarte, pero además también puede ser un reflejo del funcionamiento interno de tu creatividad que siempre está a la caza y captura de inspiración.

Porque, como fotógrafos, lo normal es que siempre estamos “ojo avizor” buscando la belleza en temas que no se suelen ser perceptibles para los no iniciados. Así que para capturar este tipo de situaciones sólo debemos estar muy atentos, abrir nuestra mente e ir “con los ojos bien abiertos”.

Foto de Daniel Oines

Gracias a ello no será raro que encontremos la pareidolia en muchas ocasiones, lo que nos brindará la oportunidad de lograr fotografías cuanto menos diferentes. Podemos encontrarlo en muchos de los ejemplos que ya hemos citado (coches, paredes, nubes y rocas) pero también en objetos domésticos, en plantas y árboles, en las sinuosas formas que surgen del humo o el fuego, en las señales de tráfico y demás carteles urbanos, o incluso en los cráteres de la luna.

Pero ojo porque si nos quedamos simplemente en la similitud puede que la imagen no pase de la curiosidad, y evidentemente nuestra intención es ir algo más allá. Por ello, tenemos que ser capaces de utilizarlo con mucho tino, buscando traspasar la mera coincidencia de formas con una imagen que diga algo más.

Foto de JotaCartas en Wikimedia Commons

Para ello podemos aprovechar algunas de las cualidades de este tipo de imágenes, sobre todo la capacidad de evocar que produce en el espectador. Porque cuando alguien reconoce rasgos “familiares” en algún objeto inanimado, sin duda éste gana mucho interés. Y es que, ciertamente, el hecho de encontrar una pareidolia en cualquier elemento cotidiano supone que un objeto que en teoría no tiene especial atractivo se convierte en algo con personalidad propia.

Por otro lado, este tipo de fotografías tiene la particularidad de que suele ser interpretado de diferentes formas según la persona que la ve. Es decir, la percepción que tiene alguien de una pareidolia puede ser muy diferente a ojos de distintos espectadores, que pueden ver cosas distintas en una misma imagen. Por supuesto esto ocurre más comúnmente cuanto más abstracto sea el fenómeno, por ejemplo en el caso de las nubes que ofrecen formas que son más abiertamente interpretables.

Foto de Dmitri Popov

Así que ya sabes, ten los ojos muy abiertos y busca pareidolias por todas partes, ya sea en objetos pequeños o en cosas grandes como las fachadas de los edificios. Y cuidado, porque nunca se sabe quién te puede estar mirando.

En Xataka Foto | Esas "cosas raras" que sólo hacemos los fotógrafos...

Foto de portada | Wikimedia Commons

El fotógrafo vasco Jon Cazenave expone OMAJI en la Galería Punta Begoña con motivo del festival Getxo Foto, un trabajo que ha llevado al artista a vivir en Japón y perderse por sus parajes naturales. Hablamos con él para conocer como fue el proceso de desarrollo de este trabajo en el que se combinan prácticas fotográficas tradicionales y el uso de imágenes pertenecientes a dispositivos modernos como Google Maps.

De tu experiencia en Takamatsu, una ciudad ubicada en la isla de Shikoku y en la que resides durante dos meses, nace un cuerpo fotográfica que se mueve por unas coordenadas estéticas muy concretas que casi lindan con un trabajo que se podría considerar escultórico. El cuerpo y su volumen así como la textura, son los protagonistas absolutos de este trabajo, donde no hay resquicios humanos (al menos de forma directa) y una voluntad clara por no contextualizar en exceso el espacio.

¿Cómo fue el proceso de llegar a esta decisión estética?

Llego a Takamatsu después de cerrar un proyecto de 9 años llamado Galerna y creo que esto hace que OMAJI suponga la apertura a una nueva estética. Decidí trabajar sobre esta idea: la isla como Concepto. El aislamiento es algo que marca profundamente a la sociedad japonesa y también es una constante en mi forma de trabajar, en todos mis trabajos busco la soledad y el silencio como herramienta creativa, como un camino para llegar a lo profundo.

La textura y lo táctil era algo que ya trabajé en el trabajo AMA LUR, tanto en lo fotográfico como en las características del fotolibro publicado con Dalpine. Espacio, cuerpo o volumen son ideas que pasaron a un primer plano en mi trabajo tras pasar por la cueva y quizás Japón me haya permitido seguir desarrollando mi interés por estos conceptos liberado de la herencia estética presente en Galerna.

Quizás sea por el origen volcánico de la isla o por la constante amenaza de fenómenos naturales violentos, pero puedo afirmar que en Japón todo parece estar tocado por la mano del hombre.

La toma de decisiones para este proyecto ha sido arriesgada ya que visité Japón para participar en la 18 edición de un programa llamado European Eyes on Japan donde el objetivo es hacer un trabajo fotográfico documental en una prefectura asignada. Debo estar agradecido a la organización del programa por haberme permitido llevar a cabo un trabajo en el que la fotografía se plantea de una manera más experimental.

No tienes una preferencia o una herramienta clara en este trabajo a la hora de tomar las imágenes. Y es que no solo te basas en el registro a través de la cámara, sino que para desarrollar este proyecto te sirven también imágenes producidas por las cámaras de la empresa Google dentro de su servicio Maps o la cianotipia sobre papel tradicional japonés.

En este proyecto rompes con la continuidad en el formato, algo que seguías a rajatabla en tu proyecto Galerna. ¿A qué se debe?

Cioran dijo que cuando se emprende una búsqueda, sea en el terreno que sea, el signo de que se ha encontrado, de que se ha llegado al final, es el cambio de tono.

En este sentido, la oscuridad de la cueva generó en mí una iluminación que hizo transitar mi trabajo hacia un lugar donde la creación artística se halla en el origen del conocimiento espiritual y en la que el símbolo toma fuerza por su cercanía con lo sagrado.

Aunque suene contradictorio, comencé a interesarme por la cianotipia y el color azul gracias al color ocre presente en las pinturas rupestres y que conocí desarrollando trabajos fotográficos previos. Aquel óxido férrico me llevó a la sal férrica presente en la emulsión que se utiliza para realizar la cianotipia. En un principio busqué un encuentro entre el mundo mineral y químico mediante intervenciones de ocre sobre cianotipia pero todo surgió de manera accidental tras caer un papel emulsionado al mar. El agua salada comenzó a oxidar la emulsión generando un color ocre muy vivo de manera natural. Sentí que ahí había algo a lo que debía que prestar atención.

Estas cianotipias son copias únicas sobre papel washi elaborado de manera artesanal por Akari Kataoka. Consideré interesante cuestionar esa idea de infinita reproductibilidad de la imagen fotográfica generando piezas únicas en las que es el propio mar con ayuda del sol genera una imagen abstracta y puramente orgánica de sí mismo. Ha sido una manera de tomar contacto con formas de creación más artesanales.

Intento trabajar siempre en busca del equilibrio así que decidí incluir en el proyecto 40 imágenes realizadas mediante el procedimiento de captura de pantalla utilizando Google Maps. El mar de Seto está repleto de islas así que el satélite fotografía secciones de mar que después intenta ensamblar para conseguir el mapa completo. Sucede que el mar nunca es el mismo, siempre cambia, haciendo que el programa cometa errores a la hora de construir una imagen del agua. Algunos de estos errores producen imágenes interesantes, tanto por su belleza plástica como por la capacidad que tienen de poner sobre la mesa ciertas deficiencias técnicas del entorno digital en el que nos movemos.

El hecho de haber incluido cianotipias y “pantallazos” en OMAJI hace que se produzca un diálogo entre lo tradicional y lo contemporáneo que remite a la evolución del medio fotográfico, pero que también trata de ser un acercamiento a la sociedad japonesa, vertebrada por lo ancestral pero volcada a su vez en las últimas tendencias.

En estos dos procesos no existe acción fotográfica propiamente dicha

Un vasco en Japón es un enunciado que de primeras choca mucho. No sé qué relación tienes con este país antes de ser seleccionado para el proyecto European Eyes on Japan y como de "limpio" fuiste a Takamatsu en lo que a documentación y conocimiento de la ciudad se refiere.

En muchos casos, el desconocimiento absoluta o la documentación intensiva son los responsables del rumbo que toma un proyecto fotográfico ¿Cual fue tu caso?

Nunca antes estuve en Asia y la documentación pudo servir de ayuda pero doy más importancia a la preparación emocional y mental a la hora de abordar un proyecto de este tipo. En este sentido, el proceso de “limpieza” si que fue realizado a conciencia y considero que llegué a Japón muy libre de cargas y en un estado de apertura total a nuevos estímulos.

Jorge Oteiza hablaba de la sensibilidad del hombre vasco hacia el espacio vacío. No diré que el hecho de ser vasco sea una ventaja a la hora de explorar Japón pero si que ciertas características me resultaron muy familiares. La austeridad formal, el gusto por el silencio, el respeto a las tradiciones o la relación que tienen la naturaleza son aspectos de la cultura japonesa que pude sentir de manera muy cercana.

Japón ha llegado después de un proyecto desarrollado en el País Vasco con un marcado tinte autobiográfico. El filósofo catalán Eugeni D´Ors sugiere que cuando uno se busca a sí mismo adecuadamente, lo que acaba encontrando es el mundo. Supongo que esta frase también contextualiza la idea de un vasco fotografiando en Japón.

La naturaleza es un elemento básico para tí como fotógrafo, muy presente en tu trabajo alrededor de la comunidad vasca y protagonista absoluta en este nuevo proyecto.

¿A qué se debe este interés y cómo es tu relación con ella?

Siento de manera muy intensa el paisaje, lo contemplo con veneración e intento introducirme en su misterio para vivir ese movimiento oculto tras la forma exterior. Van Gogh decía que veía en toda la naturaleza – en los árboles por ejemplo- expresión y hasta alma. Existe en ella un dinamismo, una idea de regeneración constante y un equilibrio armonioso de energías opuestas (formación/destrucción) que he tratado de recoger siempre en mi trabajo y que confiere una especial potencia a la belleza natural.

En mi caso particular, subyace una actitud religiosa ante el paisaje y la necesidad de una más profunda comprensión de uno mismo.

La geometría está muy presente en este proyecto, la cual se relaciona con la filosofía Zen y con cierta mentalidad que hay en oriente

Esto es algo que para mí y seguramente para muchos lectores no es visible en un primer momento por puro desconocimiento y que me gustaría conocer con mayor profundidad.

Antes de viajar a Japón llegó a mis manos el libro Cuestiones simbólicas del profesor Raimon Arola en el que se reproduce una conocida caligrafía de Sengai Gibon, un maestro zen. La obra se titula El universo o el círculo, el triángulo y el cuadrado.

Estas tres formas básicas ya despertaron mi interés mientras trabajaba en las cuevas ya que la presencia de estos signos es generalizada en multitud de paneles paleolíticos.

Según Carl Jung, estas formas se encuentran firmemente ancladas en el subconsciente colectivo así que podríamos decir que, además de tener una relación con la filosofía zen, son estructuras básicas compartidas por el conjunto de la humanidad.

OMAJI comienza interpretando el círculo como forma inicial primigenia relacionada con la idea del vacío primero para terminar con el cuadrado y el ángulo recto asociados a la creación humana. El triángulo es el encargado de poner en relación ambas formas y está representado por la montaña. He intentado que estas formas y su interpretación simbólica interactúen de forma dinámica y sean percibidas como una unidad.

Exposición | Hasta el 31 de Julio, Getxo Photo

Página oficial | Jon Cazenave

Hoy nos aventuramos a hablar de un elemento invisible cuando solemos trabajar: los escenarios, los fondos, las localizaciones en las que realizamos nuestras fotografías en exteriores. Se ha escrito literatura que pasa desapercibida para muchos fotógrafos e incluso el mismo Robert Doisneau hablaba de él en una de sus citas más célebres. Con estas claves intentaremos establecer un procedimiento para escoger los fondos más interesantes para nuestras fotos.

Robert Doisneau fue el primer fotógrafo que me inspiró, y entre todas sus citas célebres me quedaría con una de las más famosas que decía "París es un teatro en el que se paga con tiempo perdido". En el subtexto, Doisneau nos transmitía su forma de trabajar (y la de otros muchos coetáneos): encontrar un buen fondo, y esperar a que la acción apareciera para apretar el disparador.

No parece una gran revelación, pero debemos ser capaces de deconstruir esta frase para encontrarnos que el fondo no podía ser casual. La fotografía urbana no consiste en la búsqueda de la acción, sino en la búsqueda de un marco en el que encuadrar de forma perfecta lo que pasa en la ciudad. Con mucha más frecuencia funciona una acción mediocre en un escenario perfecto que a la inversa.

El concepto

Para mí, el fondo es un elemento con el que debemos trabajar tan importante como las poses, el encuadre o la gama cromática que queremos para esa sesión. Para ello, me gusta fijarme en algo tan importante como el concepto, es decir, observar si nuestro modelo y el fondo se entienden y comulgan en la temática y tipo de fotografía que queremos conseguir.

Por poneros un ejemplo, podríamos realizar una sesión con un estilismo de fantasía y ciencia ficción usando prendas metalizadas de corte geométrico, pero este tipo de ropa no encajaría en un fondo como un parque lleno de árboles, formas orgánicas y que tiene el concepto elemental de naturaleza. Si queremos una fotografía de corte fantástico, todas las partes de la fotografía deberían compartir total o parcialmente el mismo concepto básico.

Fotografía de [Pixabay](http://www.pixabay.com)

Técnicas creativas

¿Cómo hacemos que en una fotografía se comparta el mismo concepto? Mediante lo que yo llamo las técnicas creativas para gestión de fondos. Se resumen en cuatro palabras: parcialidad, semejanza y oposición.

• Parcialidad: Como bien indica su nombre, el fondo y la figura comparten de forma parcial el concepto. Si necesitas un sitio natural, puedes optar por unos árboles en primer plano con una capa en el fondo en el que se vea alguna forma geométrica como un edificio o unas escaleras.

• Semejanza: El sujeto y el fondo comparten la totalidad del concepto. En una sesión fotográfica en la que queramos sacar a la modelo de la forma más natural posible, optar por un paraje natural hace que todo se relacione de forma directa. En el caso de necesitar un fondo para una sesión elegante, tal vez nos interese acudir a edificios de principios del siglo XX con un corte clásico o aristócrata.

• Oposición o contraste: Por lógica, si existen formas de hacer que todo se interrelacione y encaje, deben existir procedimientos para aunar dos conceptos diferentes para hacer saltar que la imagen tenga un punto extraño, y atraiga. Aquí podríamos hablar, por ejemplo, de usar un estilismo y un maquillaje de cortes metálicos y geométricos en un sitio tan natural como una playa, pero cambiando el color del fondo para incidir en el carácter enrarecido del emplazamiento.

Con esto, podremos ser capaces de darle a nuestras fotografías algo así como un subtexto que quien tenga el ojo y las ganas de ver tras el primer impecto visual, sabrá descifrar.

Fotografía de [Pixabay](http://www.pixabay.com)

¿Qué formas predominan?

En el apartado anterior hemos mencionado las formas. Por ejemplo, aunque dos edificios tengan un carácter vanguardista, las formas y simbolismo pueden ser diferentes. Por ejemplo, la Ópera de Sydney tiene una forma curva y puntiaguda a la vez que transmite una cierta agresividad, todo lo contrario que el 'Dancing Building' de Praga, en el que predominan las formas completamente curvas, o la Casa Batlló con sus motivos florales y orgánicos típicos del Art Nouveau.

Cada forma tiene su simbolismo porque llega directamente al ojo transmitiendo una sensación. Lo mismo pasa con los colores, el tipo de luz, la tipología de plano, la distancia focal e incluso la elección del diafragma. Cada detalle cuenta y suma, por lo que hay que planificar y trabajar para que todos los elementos aporten una pequeña parte al resultado final.

Fotografía de [Pixabay](http://www.pixabay.com)

Atrezzo

Una vez tenemos resueltas todas las anteriores incógnitas, ¿cómo va a interactuar la modelo con el fondo? ¿existe algún tipo de atrezzo con el que la modelo juegue?

Lo más normal es hacer uso de escenarios que nos permitan posibilidades compositivas para ordenar los elementos en el visor con una cierta calidad, pero si el fondo se queda como un elemento lejano, la fotografía puede perder potencia. El uso de bancos, tocones o piezas donde la modelo pueda sentarse no sólo le permite un abanico de poses diferente, sino que también nos permite integrar a la figura en el fondo.

Si nos encontramos en un lugar muy abierto como el claro de un bosque, tal vez usar elementos artificiales como el capó de un coche puede ser una buena elección de atrezzo, según el tipo de fotografías que estemos realizando.

Fotografía de portada | [Pixabay](Fotografía de Pixabay)

Gianni D

El estrés del día a día quizá no nos ha dejado disfrutar de nuestro entorno , pero si detenemos el tiempo por un momento, miramos a nuestro alrededor y analizamos el paisaje urbano, nos daremos cuenta que miremos dónde miremos, está lleno de formas geométricas.

Una de las mejores formas para hacer una buena geometría urbana es contemplar el paisaje de una forma diferente. Cambiar nuestro chip e intentar no ver el todo como un conjunto sino profundizar en los grandes objetos. De esa forma nos sorprenderemos viendo que hay vida más allá del edificio que tenemos delante nuestro.

chainsawriot

Podemos jugar desfragmentándolo hasta conseguir miles de formas geométricas. Además también es muy interesante ver los juegos ópticos que se crean y observar las miles de formas abstractas que podemos extraer de nuestra urbe.

Una de las partes más importantes de la geometría urbana es la composición, ya que una buena disposición de nuestras fotos nos puede llegar hacer que veamos algo totalmente diferente a lo que es en realidad.

Josean Prado

Simplemente abriendo nuestra mente y viendo las cosas desde otro punto de vista. Fijándonos en los pequeños detalles y dándole la misma importancia a un pomo de la puerta como a un edificio entero podremos descubrir pequeños tesoros en grandes ciudades.

Gianni D

Josean Prado

Josean Prado

Ya lo dijo nuestro admiradísimo Robert Capa:

Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente

Y como veréis no es una cita en vano, pues lo vamos a utilizar para ejercitar nuestra práctica fotográfica. Hoy nos acercamos mucho a aquello que fotografiamos. Y no hablamos de fotografía macro...

Buscar detalles

Como los de la fotografía que encabeza este post, titulada She Has Gotten Me A Gift de Daniel Lobo. Lo interesante y básico del ejercicio es intentar reparar en elementos que acostumbren a pasarnos inadvertidos, aquellos a los que nuestro sistema perceptivo visual no suele prestar atención. El hecho de hacer fotografías de este tipo le da un plus a nuestra toma, ya que podemos lograr sorpresa a los ojos de la persona que mira nuestra foto. Y si como en este mismo ejemplo, la fotografía es sugerente, desde luego que vamos para nota... Otro ejemplo sería el siguiente:

Atención a como cada color, cada arruga y la postura de las manos toman el protagonismo de la fotografía. Las manos como motivo fotográfico dan muchísimo juego, especialmente las de personas mayores, las de niños y bebés y las de éstos junto a las de adultos. Aprovéchalo. La foto es de algo y se titula Holding on.

Ojos

Quizás este ejemplo te resulte más familiar, pues existen multitud de fotografías de ojos, ya sean de personas o animales, y es muy probable que incluso tú lo hayas probado ya. Pero no por ser un motivo recurrente es menos interesante, pero ten en cuenta que para que tu foto destaque sobre las demás deberá ser original. Pero eso lo dejamos en tus manos.La fotografía sobre estas líneas es de Lá caitlin y se titula the kid of all kid's.

Buscar formas

Si te acercas lo suficiente a lo que te rodea, seguro que descubres formas y composiciones que te llamen la atención. Por ser regulares, por ser extrañas, por ser originales, por parecerse a otras cosas... Uno de los mejores sitios para buscar formas es el mobiliario urbano, repletito de pequeñas obras de arte camufladas, como podemos ver en este ejemplo, una fotografía de eduardsb llamada blue 6.

Quizás otro ejemplo te sirva para ver el potencial de las formas y patrones. Esta fotografía se llama Cuerdas vocales de un piano y es de Carlos Madrigal.

Buscar texturas

En lo que respecta a las texturas, para ordenarme la cabecita y no inducir a errores, esta es la definición vía wikipedia:

La textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos, así como las sensaciones que causan, que son captadas por el sentido del tacto. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir sensaciones no táctiles.

¿Sí? Pues las fotografías con texturas llamativas, y especialmente si tienen algún elemento añadido que las rompa, son de lo más interesante. Fíjate en la sensación que te produce la siguiente fotografía. de Lili Vieira de Carvalho, titulada Buzios Textures and Chains.

Otra fotografía de Lili como ejemplo sería la siguiente:

Consideraciones finales

Destacaremos dos cosas. Al igual que hicimos cuando te propusimos cambiar la perspectiva para hacer fotografías, este ejercicio requiere un importante esfuerzo de concentración. Exige que estés en modo búsqueda de fotos. Si quieres automatizar tu ojo cazador de detalles, formas y texturas deberás practicar y dedicarle su tiempo. Almenos en un principio. Y luego te resultará más sencillo hacerlo de manera automática y natural.

Y finalmente debes saber que por mucho que te acerques a detalles que normalmente pasan inadvertidos, por mucho que encuentres formas curiosas o texturas apasionantes, hay algo que debes cuidar para que tu fotografía sea interesante. Que no se te olvide nunca cuidar la composición, o estarás tirando por la borda el trabajo de haberte percatado de donde había una fotografía por hacer. Y sería una lástima, porqué dar con la foto es la parte más complicada...

Y si no sabes demasiado acerca de la composición no te preocupes. Justamente la siguiente entrega de nuestro curso tratará sobre ella.

Como hoy estoy generoso (...) os dejo con el grupo Get closer (acércate) de flickr... ¡Buen provecho!