Fotografía Analógica o Química

Después de la gran acogida (a tenor del número de comentarios) del anterior artículo, que contenía las primeras cinco razones, volvemos a la carga con las siguientes, ya menos técnicas y más centradas en la experiencia de uso, y por tanto bastante más subjetivas.

Quiero aclarar, en cualquier caso, que no tratamos de convencer a nadie de que deje completamente lo digital y se centre en lo químico: mi propósito es animaros simplemente a probarlo durante un tiempo, con el convencimiento de que cuando volváis a vuestro equipo actual (si es que lo hacéis) habréis evolucionado como fotógrafos.

Al fin y al cabo, localizar una cámara de carrete, tirar un par de ellos, y obtener algunos resultados es algo que está al alcance de prácticamente cualquiera, pero no quiero adelantarme porque vamos a ver esto con más detalle dentro de unos pocos párrafos.

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Después de muchos años, la fotografía digital se ha establecido hasta un nivel en que a la mayoría de la gente le resulta extraño ver a alguien con una cámara de carrete al cuello. En todo este tiempo, miles y miles de fotógrafos de toda la vida han hecho un esfuerzo en migrar sus equipos químicos en electrónicos, adaptando flujos de trabajo y haciendo a veces enormes inversiones. ¿Tiene sentido entonces plantearse la vuelta atrás?

Para los que ya somos nativos digitales, comprar una cámara de carrete (o desempolvar la de nuestros padres o abuelos) puede resultar una jugada complicada, pero es algo que perfectamente se puede conjugar con nuestro sistema actual, especialmente si comparten la misma montura.

Como sé que no soy el único que se ha planteado esta vuelta a los orígenes, voy a intentar responder a la pregunta que me llevan haciendo los últimos meses, en los que me he embarcado en esta aventura de hacer fotos “como se han hecho toda la vida”: ¿por qué molestarte en andar peleándote con carretes?

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Tengo que reconocer que, como muchos usuarios presentes en redes sociales, a veces tengo cierta tendencia a lanzar mensajes que sé que pueden ser polémicos, tratando de cazar reacciones de entre mis seguidores. Estos días, uno de ellos hablaba de la veracidad o no de una expresión que he escuchado de muchas bocas, y de muchas maneras: “Una fotografía sólo es una fotografía si está en papel”.

Admitiendo antes que nada que no estoy en absoluto de acuerdo con esa afirmación, sí puedo decir que entiendo a los que defienden la teoría: el papel le da a las imágenes una textura completamente distinta que el monitor, despertando matices y emociones que no siempre son fáciles de apreciar en el mundo digital.

Lo mismo podríamos decir del revelado, de las capturas manuales, de la química y de la mecánica: como seres humanos, nos resulta más fácil identificarnos con elementos que podemos tocar, y procesos en los que somos partícipes. Al fin y al cabo, ¿no imitan las cámaras actuales el feeling, el resultado y hasta el sonido de las tradicionales?

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Después de muchos comentarios a favor y en contra del movimiento lomográfico decidí comprobar por mí mismo cómo lo viven sus aficionados. La ocasión perfecta fue un taller organizado en Sevilla (en plena feria, ¡ahí es ná!) por la comunidad Lomography española. En él, además de aprender los fundamentos técnicos de la lomografía, tendría la oportunidad de probar algunas de sus cámaras y, sobre todo, de compartir experiencias con el resto de alumnos.

Nuestro profesor fue Pasquale Carpile, embajador lomográfico en España, y uno de los mejores conocedores de la lomografía a todos los niveles.

Durante el curso tuve la oportunidad de charlar con él, y desmentir el principal mito sobre los analógicos: su afición a estas cámaras no viene ni mucho menos del desconocimiento de lo digital o de una resistencia al cambio, sino por elección personal tras muchos años de fotografía a sus espaldas.

Durante el taller tuve asignadas una Diana F+, un clásico del formato medio, y su versión Mini, con carretes de 35mm, y la posibilidad de trabajar a menores formatos para estirarlos hasta las 72 fotos. Entre las cámaras del resto de compañeros pude ver un poco de todo:

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En este loco mundo de la fotografía digital en el que cada vez se incorporan nuevos adelantos tecnológicos impensables hace muy poco tiempo, hay mucha gente que quiere seguir sintiendo la magia de la fotografía analógica. Marcas mítico-plásticas como Diana, Holga o Lomo representan el lado totalmente opuesto a lo tecnológicamente perfecto.

La sencillez de estas cámaras-juguete unidas a la gran personalidad de sus fotografías, provocadas en gran medida por sus propias deficiencias de construcción, han hecho que éste sea un mercado cada vez más demandado entre los aficionados que quieren una fotografía sencilla y con sorpresa final.

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Es curioso que en pleno auge de la fotografía digital (y con la avalancha de los fabricantes por colapsar el mercado con más y más modelos nuevos) surjan modas “retro” de hacerse con viejas cámaras de carrete, las analógicas de toda la vida. Evidentemente, está motivada porque la fotografía, en general, se está expandiendo y cada vez más gente se aficiona.

Me parece una gran idea que aparezcan iniciativas y tendencias para retomar viejas cámaras que estaban destinadas a desaparecer del mercado (y algunas lo están) y prácticamente en desuso. Con ello, y de forma complementaria, podemos probar a hacer fotos a la vieja usanza, con película de carrete, con resultados curiosos y que nos puede ayudar sobremanera, tanto a aprender como fotógrafos sin tener tan en cuenta la cámara, como para experimentar y divertirnos un poco.

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Hace unos meses vimos un tutorial para realizar una conversión al blanco y negro por el método de Rob Carr con Photoshop. Ya os comentaba que el método buscaba conseguir en las fotografías un aspecto lo más parecido al que se conseguía en fotografía analógica.

Y que Greg Gorman desarrolló una variante del mismo método, que con una leves mejoras da unos notables resultados. Es más manejable permitiendo modificar opciones una vez aplicado y seguir trabajando en la fotografía una vez aplicada la conversión.

Voy a usar la misma fotografía que usé de ejemplo con el método Rob Carr, porque pide el dramatismo del blanco y negro, y porque soy así de perezoso.

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Hacía tiempo que tenía ganas de escribir acerca de un tema tan apasionante y a la vez polémico como el de si la fotografía digital ha superado a la fotografía tradicional, o también denominada analógica. Y es que después de unos primeros años de irrupción de la era del megapíxel, en el que la tecnología ha avanzado a pasos agigantados, muchos fotógrafos, acostumbrados a la película fotosensible, se mostraron reacios a cambiar sus máquinas y objetivos.

Es lógico, ya que son cámaras contrastadas durante mucho tiempo y en las que se había alcanzado un nivel técnico y óptico muy alto. Pero esta aceleración digital ha llevado a los grandes fabricantes a percatarse de que el futuro pasaba por las máquinas digitales y sus inversiones en investigación se volcaron para dar un paso de calidad que se acoplara a los tiempos. Como consecuencia, las cámaras han ido incorporando cada vez nuevos avances y tecnologías que ha ido perfeccionándose. A día de hoy surge esa duda flotando en mi cabeza, pero con la conciencia de que la fotografía digital ha llegado a un punto en el que puede mirar atrás sin complejos.

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Estaba leyendo que desde hace poco es posible manejar curvas de color con Picnik, aunque sólo para usuarios de pago. Fuí a probarlo y lo primero que se me ocurrió fue hacer un proceso cruzado a una de mis fotos, y caí en la cuenta de que en Xataka Foto aún no me hemos hablado de ello. ¿Qué es un proceso cruzado?

En fotografía analógica, cuando se revela un negativo de color hay que seguir un proceso químico llamado C-41, y cuando se revela una diapositiva se hace según el C-6 E-6. Pues bien, no sé sabe si fue alguien que se confundió o alguien muy creativo el que cruzó esos procesos. Para un negativo de color una diapositiva usó el proceso de revelado destinado a una diapositiva un negativo y los resultados fueron más que vistosos. Aumenta el contraste, las sombras se vuelven azuladas, los cielos claros se vuelven amarillentos, y aumenta el grano.

También se puede hacer el proceso contrario. Pero el proceso cruzado más usado es el resultante de “confundir” el C-41 como el E-6, o revelar un negativo con el proceso químico de una diapositiva o revelar una diapositiva con el proceso químico de un negativo.

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