Como todos los años por estas fechas, la plataforma artística Lens Culture ha dado a conocer el resultado de uno de sus populares concursos de fotografía; en este caso del Street Photography Awards, dedicado como su nombre indica al pujante género de la fotografía de calle. Y estamos de enhorabuena porque en una de las dos categorías principales ha vencido una española: Bego Amaré.

Si ya el año pasado comentábamos la importante influencia que la pandemia del COVID-19 tuvo en el concurso, este año, en su 42ª edición, se planteaba con la duda de cómo serían las imágenes presentadas: si mostrarían la alegría por poder por fin salir libremente a las calles después de tanto encierro, o si los fotógrafos seguirían apostando por imágenes donde reinara la soledad y el silencio.

De la serie 'Águas de Ouro' de Sandra Cattaneo Adorno. Juror picks en los Street Photography Awards 2021

Y el resultado, según la organización, es "un mundo muy extenso atrapado en algún lugar entre el antes y después de la pandemia con cientos de imágenes que revelan el ajetreo y el bullicio de la vida diaria como antaño pero en espacios nuevos, a menudo socialmente distanciados [...] De Seúl a Sydney, de Río a Manhattan, de Estambul a Yangoon City, fotógrafos talentosos nos enseñan su hábitat diario capturado brillantemente con luz, sombra, color, drama, serendipia y, a menudo, sentido del humor".

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Traducido a números, 38 fotógrafos provenientes de 19 países se llevaron algún premio, y se eligieron a 25 finalistas adicionales. De todos ellos seis son los ganadores principales, los tres primeros de las dos categorías que estructuran el concurso: ‘Single Images’ y ‘Series’, que premian a fotos únicas o a cuerpos de diez fotos (respectivamente).

In the Shadow. Madrid, Plaza Mayor © Bego Amaré

Pues bien, como hemos adelantado, el primer premio en imagen única es para una fotógrafa española. Su foto no la hemos puesto en portada porque, por su formato vertical, hubiera desmerecido totalmente; pero la tenéis aquí arriba y, como podéis ver, es una imagen muy original y llamativa. Se titula ‘In the Shadow’ ("A la sombrica" en su versión española) y muestra a dos camareros en una pausa de su trabajo, cobijándose (a medias) gracias a un toldo amarillo de uno de los bares que hay en la conocida Plaza Mayor de Madrid.

En cuanto a la categoría que premia series de fotografías, el ganador ha sido el surcoreano Argus Paul Estabrook por 'Reflections Inside the Seoul Metro', una recopilación de brillantes instantáneas en blanco y negro realizadas (como su nombre indica) en el metro de la capital coreana.

'Woman in Retro Red Dress' de la serie 'Our Encounters' de Shane Gray. Juror picks en los Street Photography Awards 2021.

Como siempre, felicitamos a los ganadores (especialmente a Bego Amaré) y os dejamos con algunas de las fotos ganadoras pero os emplazamos a visitar la web del concurso porque allí encontraréis muchas más interesantes imágenes de este atractivo género.

Ganadores LensCulture Street Photography Awards 2021

Categoría Series

Primer premio: ‘Reflections Inside the Seoul Metro’ de Argus Paul Estabrook (Corea del Sur)

Jangam to Sangbong © Argus Paul Estabrook

Gangnam-gu Office Station 1 © Argus Paul Estabrook

Seolleung Station © Argus Paul Estabrook

Samseong Station © Argus Paul Estabrook

Segundo premio: ‘In Visible Light’ de Sam Ferris (Australia)

Foggy Morning, Circular Quay © Sam Ferris

Corner of King and George © Sam Ferris

Untitled © Sam Ferris

Light Rain on George Street © Sam Ferris

Tercer premio: ‘Out of the Shadow’ de Anna Biret (Francia)

Out of the Shadow. India © Anna Biret

Out of the Shadow. Morocco © Anna Biret

Out of the Shadow. India © Anna Biret

Out of the Shadow. Turkey © Anna Biret

Categoría Individual

Primer premio: ‘In the Shadow’ de Bego Amaré (España)

In the Shadow. Madrid, Plaza Mayor © Bego Amaré

Segundo premio: ‘Social Distancing’ de Jason Au (Hong Kong)

Social Distancing © Jason Au

Tercer premio: ‘Goat Auction in Nizwa’ de Maude Bardet (Holanda)

Goat Auction in Nizwa © Maude Bardet

Juror´s Picks

Serie ‘Águas de Ouro’ de Sandra Cattaneo Adorno (Reino Unido)

© Sandra Cattaneo Adorno

© Sandra Cattaneo Adorno

Serie ‘Independen Mysteries’ de Michael Magers (EE.UU)

Untitled - From the Series, Independent Mysteries © Michael Magers

Untitled - From the Series, Independent Mysteries © Michael Magers

Serie ‘Our Encounters’ de Shane Gray (Reino Unido)

Westside Wonder © Shane Gray

Storm Preparations © Shane Gray

Serie ‘What Was Lost to 2020’ de © Alana Colville (EE.UU)

© Alana Colville

© Alana Colville

Serie ‘Ordinary Place’ de Sittichai Maikupandin (Tailandia)

Ordinary Place 1 © Sittichai Maikupandin

Ordinary Place 1 © Sittichai Maikupandin

Serie ‘Tactile’ de Li Chen (China)

Tactile © 立 陈 Li Chen

Away © 立 陈 Li Chen

Serie ‘In Search of it’ de Murat Harmanlikli (Turquía)

© Murat Harmanlikli

© Murat Harmanlikli

Más información | LensCulture

Foto de portada | 'Untitled' de la serie 'In Visible Light' © Sam Ferris. Segundo puesto en categoría Series de los LensCulture Street Photography Awards 2021

Ricoh ha anunciado el lanzamiento de una nueva versión de su familia GR (que lleva más de 20 años en el mercado); pero no, no es una GR IV sino la Ricoh GR IIIx, una versión casi calcada de la GR III que mejora en su autoenfoque y, sobre todo, "aporta otro punto de vista para la fotografía callejera". Y lo hace cambiando su habitual objetivo fijo de 28 mm por uno de 40 mm (en ambos casos focales equivalente en 35 mm), más cercano al campo de visión del ojo humano.

Por lo demás, la Ricoh GR IIIx apenas se diferencia con su hermana de gama (que pudimos ver por primera vez en la Photokina de 2018 y se lanzó a principios del año siguiente), manteniéndose la idea de ofrecer una compacta de alta calidad especializada en street photography.

Para ello el nuevo modelo sigue apostando por el mismo sensor CMOS APS-C de 24 Mpíxeles (sin filtro de paso bajo) y el procesador GR Engine 6, el estabilizador SR y todas las especificaciones que hacen de la GR III una de las compactas avanzadas más interesantes del mercado.

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Una nueva óptica

El nuevo objetivo 26.1 mm f2.8 "brinda un ángulo de visión estándar que proporciona imágenes con una perspectiva más natural y una sensación de profundidad más fiel para una fotografía callejera completamente diferente". A nivel técnico, la óptica incorpora dos elementos asféricos pensando en "reducir la distorsión y la aberración cromática al mínimo, al tiempo que minimizar de forma eficaz la generación de destellos e imágenes fantasma en los contraluces".

Otras características interesantes del objetivo son su distancia mínima de enfoque de sólo doce centímetros (que o hacen apto para fotografía macro) y la inclusión de un filtro de densidad neutra "que cierra la apertura en dos pasos para capturar imágenes de alto contraste y resolución".

Su luminosidad se mantiene en el mismo valor (ƒ2.8) que permite, gracias al diafragma de nueve aspas, crear "un efecto bokeh natural y una verdadera sensación de profundidad con aperturas más grandes".

La otra novedad de cierta importancia de la Ricoh GR IIIx es su renovado sistema de enfoque, un "sistema AF híbrido de alta precisión y velocidad [...] que combina un mecanismo de autofoco por contraste, superior en precisión, con un AF por detección de fase que asegura una operación de enfoque de alta velocidad". Gracias a este sistema, ahora la cámara contará con detección de rostros y ojos.

Esta característica, que también llegará a la GR III a través de una actualización de firmware, funcionará "con precisión" y será capaz de discriminar el sujeto principal de los secundarios cuando haya varios en un mismo plano.

Además, también hay otras novedades menores, como la nueva función Prioridad DOF para priorizar la apertura, la función de corrección del efecto del muaré en la reproducción de imágenes, un nivel electrónico para comprobar la inclinación de la cámara y un modo de composición por intervalos, "efectivo para capturar paisajes con la estela de la Luna y las estrellas".

Por lo demás, la Ricoh GR IIIx utilizará la misma batería recargable que la GR III y apenas se diferencia por un grosor dos milímetros mayor (sus medidas son 109,4 x 61,9 x 35,2) y un peso que sube en cinco gramos (para un total de 262 gramos). Por último, la cámara llegará con nuevos accesorios diseñados para ella; entre otros una lente de conversión que extiende la focal a 75 mm en paso universal y 107 mm con recorte y el minivisor GV-3, con una guía adaptada a la nueva distancia focal de 40 mm.

Precio y disponibilidad

Los dos modelos uno junto a otro para comprobar que son prácticamente iguales.

La Ricoh GR IIIx estará disponible a finales de este mes de septiembre con un precio recomendado de 999 euros (cien euros más que la GR III).

Más información | Reflecta/ Ricoh

Madrid es una de las ciudades más fotogénicas del mundo. La luz que tiene ya enamoró a los grandes pintores de la corte, entre ellos Velázquez. Hay que buscar la historia de los fotógrafos en su mapa, pero una de las historias más curiosas es el origen de la calle dedicada a Alfonso en pleno centro de la ciudad.

En Madrid hay una calle que se llama Escalinata del Fotógrafo Alfonso. Está en la margen izquierda de la calle Segovia, bajando por la calle Sacramento, al final de la calle Mayor. Desde esta escalinata podemos contemplar una vista única del famoso viaducto de Segovia, un lugar tristemente conocido por la historia de los suicidas.

Casi soy un gato por los cuatro costados. Y desconocía la existencia de esta calle (por favor, visitarla solo de día) hasta que me la descubrió la autora del blog Viajando tranquilamente por Madrid y su Comunidad. No me podía creer que existiera una calle dedicada a uno de los 'Alfonso', una de las familias fotográficas más importantes de principios del siglo XX.

Durante mucho tiempo he estado buscando por qué dedicaron esta calle a Alfonso Sánchez Portela, el hijo de Alfonso Sánchez García, el que inició la saga. Cuando vemos las fotografías firmadas por Alfonso, tenemos que saber que comprende a los dos y a todo su equipo.

Las vistas desde la famosa calle

Fue un fotógrafo importante en los tiempos de la república, pero su posicionamiento político provocó que no pudiera trabajar libremente durante los años de la dictadura. Estaba siempre al lado de los políticos y los intelectuales y al final de sus días tuvo que centrarse más en el mundo del retrato. De hecho encontramos una placa en el lugar donde estuvo el estudio, en plena Gran Vía.

Y no podemos olvidar que fue el secretario de la Unión de Informadores Gráficos de Prensa, una asociación creada en 1934 por los fotógrafos para defender sus derechos, entre los que destacaba la necesidad de reconocer al autor de las imágenes y reconocer su procedencia.

El origen de la calle dedicada a Alfonso Sánchez Portela

Según he visto en las crónicas, decidieron darle el nombre del fotógrafo a esta escalinata en 1991, cuando era alcalde de Madrid Álvarez del Manzano. Cuando me contaron la historia creía firmemente que era por una de las fotografías más bonitas que existen del viaducto.

¿Desde dónde tomó la fotografía? Google Maps

Mi gran error era que esa fotografía de la que hablo era del gran Catalá Roca, otro de los grandes del siglo XX. Así que no entendía el motivo. Ahí no estaba su estudio, ni su casa, pero nació en el barrio.

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Así que tocaba buscar el motivo. No puede ser que un fotógrafo reciba ese honor, en ese lugar, sin motivo alguno. Hasta que por fin di con un texto donde explican todo. Está firmado por Alejandro Riera Guignet, Doctor en Filología Hispánica y Juan Miguel Sánchez Vigil.

La famosa fotografía de Catalá Roca del viaducto

En dicho texto nos cuentan la relación entre el periodista Emilio Carrere y los fotógrafos Alfonso Sánchez García y Alfonso Sánchez Portela. Emilio Carrere era un escritor de los años 30 que firmaba una serie de artículos bajo el seudónimo El Barbero Lamparilla en el periódico 'La libertad'.

Y para el artículo 'El Madrid que desaparece. Elegía por el Viaducto' solicitó al primogénito de los Alfonso una fotografía del viaducto. Eligió un punto de vista alto, con un aire apocalíptico. Y el texto que lo acompañaba era el siguiente:

El viaducto se desvencija. (…) Los suicidas ya no le dan importancia. Lo han substituido por los túneles del “Metro“, donde hallan un final obscuro de topos. Ha dejado de ser el gran balcón sobre la Eternidad.

Leemos en las crónicas que el viaducto original de 1874 (de madera y hierro) se derribó en 1932 porque ya no aguantaba el tráfico rodado. Y el nuevo se inauguró en 1934.

El artículo se publica en 1933, así que la fotografía retrata el original y debía formar parte del archivo de la familia. Estamos viendo el viaducto original desvencijado sin las grandes arcadas.

La fotografía de Alfonso que ilustra los artículos citados

Esa fotografía bastó para darle el nombre de la calle a Alfonso, un fotógrafo que con solo 19 años fotografió la locura de la guerra tras el desastre de Annual, que habréis leído en los libros de historia.

Es una pena que, a un fotógrafo de la talla de Alfonso, se le reconozca con una calle por una de sus fotografías más oscuras y siniestras.

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La imagen más bonita del viaducto es de Catalá Roca, y quizás ese honor debería ser para él. O quizás sea un acierto porque los fotógrafos están para documentar la realidad y no hay nada tan duro como reconocer un lugar en el que tanta gente decidió terminar con su vida.

Hace dos años ya que os presentamos a Antonio E. Ojeda, un fotógrafo andaluz totalmente autodidacta con un excelente ojo para la street photo. Hoy volvemos a hablar de él para enseñaros esta serie de imágenes que ha llamado ‘Deconstrucción’ y en las que demuestra su gran talento.

"Es una serie de fotos que he ido haciendo desde hace algún tiempo de forma ailsada —nos cuenta— El nombre surgió porque en ellas hay mucha geometría, perspectiva y parecen que están construidas con piezas, como un puzzle. Están realizadas en Lisboa, Oporto, Sevilla, Mairena del Alcor y El Viso del Alcor".

En el artículo mencionado ya nos contaba que en sus fotos intenta "jugar con la luz, con las sombras, con la geometría y con diferentes planos” y sin duda en esta serie lleva esta idea a su punto más álgido. Cada encuadre se convierte en una especie de juego geométrico, en donde los volúmenes se equilibran perfectamente y el color saturado consigue dar el toque perfecto a la composición.

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A eso añade una figura protagonista que queda perfectamente enmarcada en los volúmenes de la imagen; además, la introducción de ese elemento humano consigue atrapar la atención del espectador y que cada foto sugiera una historia, algo bastante frecuente en sus imágenes pero que no es fácil de encontrar.

Por todo ello, y confesando que hemos seguido su trayectoria, no nos cabe la menor duda de que en este tiempo la fotografía de Antonio ha ido claramente in crescendo. De modo que si en aquel artículo le animábamos a que siguiera haciendo fotos, ahora sólo podemos desearle lo mejor para que sea cada vez más conocido por el gran público (porque se lo merece).

Antonio E. Ojeda | Instagram | Facebook

Fotografías de Antonio E. Ojeda reproducidas con permiso del autor para este artículo

No es que sea un regla establecida, digamos... “académicamente”. De hecho, su origen es muy curioso y muy poco formal. Por eso quizá deberíamos decir que más que una regla es una recomendación. El caso es que utilizar un diafragma f8 de forma habitual si practicas fotografía callejera, de viajes, documentalista o similar es un buen consejo como os vamos a contar.

Por supuesto, como siempre decimos, las reglas en fotografía están para conocerlas, usarlas cuando nos puedan ser útiles y romperlas cuando lo que hagan es coartarnos. Más en un caso como éste en el que, como ya hemos adelantado, más que una regla es una recomendación.

Foto de Sandor Somkuti

¿En qué consiste?

Se trata, como ya habéis podido imaginar, de utilizar una apertura de diafragma fija de ƒ8 de forma intensiva. Una técnica que ya hemos apuntado otras veces porque, de hecho, es uno de los consejos básicos que dábamos en la segunda parte de nuestro especial sobre fotografía callejera. Se trata, efectivamente, de tratar de buscar una profundidad de campo bastante amplia para asegurarnos de que la toma va a estar enfocada en un margen muy amplio.

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Esto nos viene muy bien para realizar fotos que surgen de forma rápida sin que tengamos tiempo apenas de enfocar y lo podemos combinar con el uso de un modo de disparo semiautomático (porque disparar en modo manual no te hace más profesional), en este caso lógicamente del conocido Modo A de prioridad al diafragma.

Así, una vez fijado el valor de ƒ8, la cámara debería encargarse de elegir la velocidad y permitirnos un trabajo rápido sin problemas. En cuanto al ISO, dependiendo de las condiciones de luminosidad sería conveniente fijarlo con antelación (siempre teniendo en cuenta que el valor elegido esté dentro de los que nos ofrecen buenos resultados).

Foto de Jan Kroon

Por otro lado, un valor de ƒ8 normalmente siempre va a estar cerca del punto dulce de nuestro objetivo (es decir de la apertura con la que se consigue la máxima calidad), y en cualquier caso no es un valor lo suficientemente alto como para que perdamos nitidez a causa de la difracción.

Pero, como decimos, no tiene porqué ser una regla para seguir el pie de la letra, sino más bien un punto de partida para iniciarse en esta práctica con la seguridad de que nos permitirá un enfoque correcto. De esta manera, podremos estar más pendientes de otros temas como puedan ser la composición para lograr buenas fotos.

¿De dónde viene esta regla?

Su origen es ciertamente atípico ya que su inventor fue el mítico fotoreportero Weegee. Puede que así de nombre no os suene mucho pero os aseguro que alguna vez le habéis visto o habéis oído hablar de él, incluso se hizo una película de Hollywood inspirada en su historia. Así que no nos vamos a extender, pero os recordamos que fue un fotoperiodista que se hizo famoso en el Nueva York de los años 40 del siglo pasado por llegar al lugar del crimen antes que la propia policía.

Weegge mostrando su cámara. Foto de Retrogasm

Lo más curioso es que este fotógrafo era totalmente autodidacta y fue con la experiencia como desarrolló una técnica que le permitía una práctica fotográfica muy veloz. El caso es que en cierta ocasión alguien le preguntó que cuál era su secreto para conseguir sus fotografías y él contesto “ƒ8 y estar allí”. Así de simple y de efectivo… aunque tenía su truco claro.

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El triángulo de exposición explicado gráficamente

Lo primero ya lo hemos explicado: Usar este diafragma, que combinaba con una velocidad fija de 1/200 seg y el uso de un flash (utilizaba una vieja Speed Graphic 4×5), le aseguraba que la foto estuviese enfocada en prácticamente cualquier situación sin tener que tocar ningún ajuste. Lo de “estar allí” ya era otro tema, pero parece que tenía mucho que ver con el hecho de moverse con una furgoneta en la que llevaba una emisora de radio para escuchar a la policía y un pequeño laboratorio para revelar sus fotos rápidamente y ofrecérselas a los periódicos antes que nadie.

Fotografía de Weege publicada por Foto de Retrogasm

Todo un personaje que forma parte de la historia de la fotografía y que además de ingéniaselas para “estar en el lugar correcto en el momento justo”, no se sabe muy bien cómo pero dio lugar a esta regla fotográfica que, por supuesto, hoy sigue teniendo su utilidad.

Foto de portada | Valentin Salja

La fotografía de calle, callejera, street photography... como queramos denominarla es tan antigua como la primera imagen que se hizo... Hay autores que aseguran que la fotografía está ligada a la vida callejera. Así que vamos a hacer una pequeña introducción a esta especialidad para descubrir todo lo que podemos hacer con una cámara al hombro mientras paseamos.

La fotografía de calle existe desde el principio de los tiempos fotográficos. El disparo de varias horas que hizo Niepce desde la ventana de su finca es fotografía callejera porque representa la presencia humana, la vida. Ese disparo data de 1826.

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Una de las primeras dudas que surgen cuando hablamos de la fotografía de calle es cómo definirla… Si leemos esa joya llamada 'Bystander: A History of Street Photography' de Colin Westerbeck y Joel Meyerowitz (qué pena que no esté todavía traducida) descubriremos lo difícil que es. El concepto cambia a lo largo del tiempo y pocos autores se ponen de acuerdo. Ellos mismos recuerdan que los fotógrafos callejeros eran los que te hacían una foto por unas monedas en la calle. Ahora los llamamos minuteros, por ejemplo.

Bystander: A History of Street Photography

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La definición más aceptada hoy en día dice que son las imágenes que hacemos en la calle. Pero seguro que se puede profundizar y especificar más. Así que vamos a ir de la mano de Colin Westerbeck y Joel Meyerowitz para descubrirlo.

¿Qué es la fotografía de calle?

La fotografía de calle nace de la falta de previsión, al contrario que la documental, con la que se puede confundir algunas veces. El fotógrafo no sabe lo que se va a encontrar cuando pisa su escenario. Solo sale a buscar y a esperar que algo suceda.

Sin embargo, está claro que dentro de la fotografía de calle el autor puede recrear la escena porque ha perdido el momento o simplemente porque quiere hacer una recreación. Depende de muchas cosas.

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“Creo que lo más importante de todo es tu paciencia, mucha paciencia y una pizca de suerte”, Stan De Zoysa, street photographer

Un motivo puede ser la tecnología. Solo hay que recordar que para el primer libro de fotografía de calle ‘La vida en las calles de Londres’ de John Thomson, el autor tuvo que hacer posar a todos los que salían porque los colodiones tenían muy poca sensibilidad.

Como nota curiosa hay que señalar que la primera fotografía en la que sale una persona que no esté posando era un caballero que estaba limpiándose los zapatos en una escena del Boulevard du Temple de París, visible desde la ventana de su estudio. Es una fotografía de Daguerre de 1838, antes de presentar al mundo el daguerrotipo.

Así que podemos decir que la fotografía de calle es aquella que está hecha en un entorno social y que muestra tanto la vida como el efecto de la presencia humana. Y se puede dividir en dos vertientes tal como proponen algunos autores:

1. Consentida, el fotógrafo delata su presencia en el momento del disparo, incluso antes.
2. Escondida, el modelo no se percata en ningún momento o desconoce la intención del fotógrafo.

Lo que sí es verdad es que muchos admiramos más la fotografía que nace de la improvisación. Creo que era Joel Meyerowitz quien decía que el fotógrafo tiene un estilo propio pero no sabe las notas que se va a encontrar. Es buen jazz. Sabes cómo empiezan los primeros compases pero es imposible adivinar cómo acaba.

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A partir de estas puntualizaciones podríamos clasificar a los fotógrafos callejeros a lo largo de la historia. Pero hay que señalar que también depende mucho de la evolución de la tecnología.

Los tipos de cámara y los fotógrafos de calle

La tecnología ha marcado a la fotografía de calle. De hecho el boom que estamos viviendo estos años es por la evolución técnica. Nada tienen que ver los primeros años con cámaras grandes y pesadas con los modernos teléfonos móviles de la actualidad.

Los grandes maestros son capaces de adaptar la cámara a su estilo, mientras que los demás tratamos de hacer exactamente lo contrario. O simplemente elegimos una por la imposición del mercado o por algo tan peregrino como los fetiches (todos queremos trabajar con una Leica o una Hassel).

Eugene Atget y la cámara de placas

El fotógrafo fundacional de la fotografía de calle fue Eugene Atget. No destacan las personas en su obra pero fue el primero que vio el efecto de la presencia humana en el paisaje. Sus fotografías de las calles del París que desaparecía han marcado a muchos fotógrafos.

Nunca pensó en que iba a llegar a ser fotógrafo. Incluso dudo que pensara remotamente que hoy sería famoso. No veía la fotografía como un oficio pero tenía una forma de mirar, de componer y colocar la cámara que llamó la atención a los artistas surrealistas de los años 20. Era capaz de dotar de vida hasta el elemento más insignificante. Ya no hacía falta ser hermoso, nuevo o grandioso para llamar la atención.

Trabajaba con una cámara de madera de la que nunca se desprendió. Fue una de las cosas que llamó la atención a Berenice Abbot, la fotógrafa que le descubrió y que compró todo su archivo para llevarlo a los EEUU. Ella misma siguió su estilo y técnica para retratar la ciudad de Nueva York.

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Esa forma de mirar se puede reconocer incluso en el trabajo de Walker Evans, aunque él llegó a negar su influencia en sus últimos años de vida. Los dos hicieron el mismo trabajo en EEUU que Atget en París.

Lo más curioso es que estos autores cambiaban de cámara según el proyecto. Y seguían siendo ellos. Uno de los trabajos más interesantes de Walker Evans, es ‘Subway passengers’ (1938) donde escondió su cámara de 35 mm y se dedicó a fotografiar a los pasajeros sin que ellos se dieran cuenta. De hecho iba acompañado de su amiga Helen Levitt para disparar sin ser visto.

El boom de la cámara Leica

La Leica supuso una auténtica revolución en todos los ámbitos de la fotografía. Fue crucial para la fotografía de calle. Permitía trabajar sin ser visto si querías. Y sobre todo permitía moverse libremente durante largos periodos de tiempo sin tener que cargar película nueva.

La cámara Leica original se presentó en 1925, pero la revolución vino de la mano de la Leica II de 1932; fue la primera con telémetro para enfocar con precisión. Esta cámara entró por derecho propio en el imaginario colectivo como la máquina por excelencia.

Todos los grandes fotógrafos de los años 30 en adelante llevaron una y documentaron su momento presente quizás con la idea de convertirlo en un documento histórico. Esto es una de las ideas principales:** la fotografía de calle se convierte con el paso de los años en un documento histórico**. La anécdota se hace historia.

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Y aquí es donde entra de lleno una de los fotógrafos de calle más famosos, quizás el más reconocido: Henri Cartier Bresson (1908-2004).

El genio de Cartier Bresson

Es uno de los fotógrafos más estudiados, más copiados y quizás más sobrevalorado por unos y menospreciado por otros. Él, gracias a su libro 'Images à la Sauvette' (1952), cambió para siempre las reglas del juego. Y su forma de mirar marcó a más aficionados que ningún otro profesional de la cámara.

¿Qué hizo? Demostrar que la buena fotografía solo sale cuando el fotógrafo está preparado, cuando es capaz de mirar sin cesar y cuando descubre que algo inevitablemente va a pasar. Solo tienes que ver el momento y no es fácil. Es un trabajo complicado en el que la culminación es apretar el disparador.

Escribió las normas de la fotografía de calle con su famoso libro, publicado antes que ‘Los americanos’ (1958) de Robert Frank o ‘New York’ (1956) de William Klein de los que hablaremos más adelante.

Para empezar demostró que el fotógrafo de calle se hace en las hojas de contacto, cuando puedes estudiar la secuencia que nos lleva hasta la foto elegida. Ahí es donde se ven las cualidades del autor.

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No habla de un instante decisivo, sino de todo un trabajo hasta llegar al momento final. Insiste en que la clave es trabajar sin descanso, sin despistarse, con una tensión basada en la observación hasta lograr lo que se busca.

Decía que una buena fotografía de calle es aquella en la que se observa tensión a través de la yuxtaposición de dos elementos, dando lugar a interpretaciones distintas entre los espectadores por la ambigüedad.

Cartier Bresson huía de lo cotidiano, de lo mascado. Otra de sus señas de identidad era componer sus fotografías con la Geometría que aprendió al lado del pintor André Lothe. Todo se puede resumir en las líneas imaginarias de la composición.

Y sobre todo, a la hora de hacer una fotografía no hay que pensar, solo antes y después. La clave es saber moverse sin ser visto.

La Leica siguió siendo la cámara más importante para los fotógrafos de calle. Supuso en su momento lo que hoy en es el teléfono móvil, la última gran revolución de la fotografía de calle.

Lo más curioso es que la forma de enfrentarse a la calle cambió en muy pocos años después de la presentación del famoso libro de Cartier Bresson que hemos mencionado.

Otra forma de hacer fotografía de calle

Apenas cuatro años después de la obra magna de Cartier Bresson, dos fotógrafos demostraron, en los EEUU, que era posible hacer la fotografía de calle de otra forma. William Klein en 1956 y Robert Frank en 1958 abrieron una segunda vía a la hora de hacer fotos.

Donde todo estaba medido y calculado, donde el fotógrafo era poco menos que un fantasma, un personaje omnisciente, que aprovecha el oportunismo laboral como dice Oscar Colorado, se cambia por un observador más de la imagen, por alguien que es capaz de robar el protagonismo de lo que se está fotografiando.

Tema, tiempo y composición contra Naturalidad, anarquía y realismo. Cartierbressonianos contra roberfrankianos.

De fantasma a protagonista, de pictórico a plenamente fotográfico. La obra de Klein y Frank abre una nueva vía en la fotografía de calle. La diferencia es el protagonismo del que lleva la cámara en el caso de William Klein y el arte de mirar como una persona de Robert Frank.

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El primero trabaja con grandes angulares, alertando a los viandantes, sintiéndose protagonista de todo lo que pasa delante de la cámara. Robert Frank dispara como andamos. No hay necesidad de componer las imágenes hasta las últimas consecuencias, solo hay que plantear preguntas y dejar las respuestas en el aire con la única ayuda de la cámara.

En apenas una década prodigiosa se crearon los dos caminos principales de la fotografía de calle. Por un lado el camino de la perfección y por otro la senda humana llena de curvas, contrastes y aparentes indecisiones.

Todos comparten la misma cámara, el mismo formato de 35 mm. Pero se enfrentan a la realidad de una manera distinta. Cada uno con su forma de ser, algo que se suele olvidar a la hora de trabajar en la fotografía de calle.

Cuando el color entró en la fotografía de calle

La penúltima gran revolución de la fotografía de calle fue la entrada del color. Se puede hablar de los orígenes, de su entrada en el mundo del arte y del rechazo inicial por parte de los clásicos y las galerías de arte.

Una de las figuras de la fotografía de calle más importantes es Joel Meyerowitz que en los años 70 apostó por la película en color. Estaba acostumbrado a la rápida película en blanco y negro de aquellos tiempos. Y se pasó al 25 ISO de la época.

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Esto le invitó a ir más despacio a la hora de trabajar y ser capaz de describir más cosas:

Realmente me refiero a la sensación que tengo de las cosas —su superficie y color—, mi recuerdo de ellas en otras condiciones, así como sus cualidades connotativas. El color se manifiesta a lo largo de una franja más rica de sentimientos: más longitudes de onda, más resplandor, más sensación . Quería ver más y experimentar más sentimientos a partir de una fotografía, y quería imágenes más grandes que describieran las cosas de forma más completa y coherente. La película en color de baja velocidad proporcionó eso.

A pesar de todo siempre advierte que no hay que ser reflexivo a la hora de disparar. Te tienes que dar cuenta de que el mundo está más allá del encuadre que has elegido. Es un punto importante para darte cuenta de cómo tienes que mirar. Hay que relacionar siempre todo y valorar que lo que enseñas es lo que tú relacionas. Seguro que dos personas que pasan no tienen nada que ver, pero tú les das un contexto común.

Gracias a su apuesta (seguro que mucho tuvo que ver William Eggleston) y a la de otros que le siguieron hoy día tenemos esta tercera vía que cultivamos hoy.

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Nuestro trabajo es aprender a mirar y darse cuenta de que dentro de la fotografía de calle hay muchas formas de enfrentarse. No tenemos que seguir reglas sino tener fuentes para inspirarse. Y que la única forma es salir a la calle con una cámara colgada y buscar lo que te llama la atención.

Hemos hablado de él a propósito de un par de concursos porque Stan de Zoysa podría ser uno de los fotógrafos callejeros más prometedores del momento. Así lo demuestra el puesto obtenido en los Sony World Photo Awards de 2019 o su primer premio en el San Francisco Streetfoto festival de ese mismo año gracias a la foto de portada; y así lo demuestran las imágenes que ha compartido con nosotros y os teníamos que enseñar.

La historia de este fotógrafo es curiosa porque nació en Sri Lanka pero lleva veinte años viviendo en Barcelona: "es una larga historia —nos cuenta— mi expareja, a quien conocí en Londres estudiando, es de un pueblo cerca de Barcelona. Digamos que vine aquí de vacaciones a finales de octubre de 2001 y decidí quedarme porque hacía buen clima. 20 años más tarde, sigo estando de vacaciones".

También resulta peculiar que sólo lleve unos pocos años haciendo fotos: "Aunque siempre me ha gustado la fotografía, empecé bastante tarde. Era finales de 2016 y un día hablando con mi suegro que es fotógrafo empezó a enseñarme fotografía de calle hecha en los años 80 en Hungría. Eran tan impactantes que al instante supe que esto era lo que quería y hacer del mundo mi estudio…. Desde este día, empecé a estudiar a los maestros y poco a poco me obsesioné a mejorar mi fotografía".

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“Es muy difícil vivir exclusivamente de este tipo de fotografía, pero yo lo estoy intentando”, Pau Buscató, fotógrafo callejero

En sus comienzos, Stan se decantó por el blanco y negro, "influenciado del trabajo de mi suegro y de grandes maestros como Elliott Erwitt, Tony Ray-Jones, Diane Arbus entre otros. Pero con el tiempo me pasé a fotografiar en color y ya apenas trabajo en blanco y negro."

Como la gran mayoría de streets photographers no se dedica profesionalmente a la fotografía (es ingeniero logístico en el sector de la automoción), aunque evidentemente le gustaría "pero no es una modalidad con la que puedas generar un ingreso estable. También pienso que si tengo que utilizar la fotografía como un fuente de ingreso, afectaría la manera en como trabajo. Eso al final añadiría una presión adicional por traer dinero cada mes y no lo veo. Sobre todo teniendo en cuenta que soy padre de familia."

Preguntado sobre qué le parece el auge que la foto callejera está teniendo en los últimos años, nos cuenta que "tradicionalmente el arte, sobre todo la fotografía street/documental, solo lo practicaban personas con un alto poder adquisitivo. Robert Frank, por ejemplo, disparó casi 800 rollos durante su año de viaje en EE.UU. Más de 2700 imágenes impresas para elegir su famosa obra maestra The American que tenía 83 fotografías. Aun hoy en día, muchos no se pueden permitir este tipo de trabajo ni siquiera trabajando en digital".

"Con todo esto —continúa— lo que quiero decir es que historicamente el mundo ha sido documentado (mayormente) por personas de clase-media alta. Me pregunto cómo sería la historia que vemos hoy si también la hubiera fotografiado gente de clase obrera. Así que es bueno que haya un auge en street… La era digital ha ayudado que haya más personas que se puedan permitir fotografiar".

Cambiando de tercio, Stan nos habla de su receta para conseguir fotos como las que estáis viendo: "Creo que lo más importante de todo es tu paciencia, mucha paciencia y tener una pizca de suerte. Son muchas horas andando, buscando y fallando. Pero cuando finalmente encuentras el momento, tienes que estar preparado para capturarlo. Yo cuando trabajo en la calle quiero estar concentrado y no distraerme mirando opciones de configuración de la cámara. Trabajo con un objetivo de 28 mm pre-enfocado a dos metros aproximadamente y con la apertura mínima de F8, y cambio la velocidad según necesidad".

Este fotógrafo es de los que siempre lleva su cámara consigo "ni siquiera tengo que pensar en coger la cámara cuando salgo de casa. Es como si fuera la cartera. Tengo una camara que me cabe en una bandolera (una Leica Q2) y allá donde vaya siempre está conmigo".

Buena parte de las fotos que estáis viendo pertenecen a su trabajo realizado en Etiopía, un destino diferente a lo que solemos ver en proyectos de fotografía de calle. En este sentido, Stan nos cuenta que fue a Etiopia "para fotografiar el pueblo viejo de Harrar, un laberinto de murales coloridos y cuando lo vi la primera vez quise ir a explorarlo y verlo con mi propios ojos".

Sobre su experiencia haciendo fotos allí nos cuenta como "es muy diferente la manera que debes actuar/fotografiar en diferentes ciudades. Cada ciudad es un mundo y con experiencia vas aprendiendo la mejor manera de fotografiar en diferentes ciudades. Por ejemplo en Etiopia alguna persona se puede ofender a la hora de hacerle fotos pero si eres abierto a dialogar y explicar lo que haces, y porqué lo haces, te entienden perfectamente. En cambio en Nueva York a nadie le importa que le hagas fotos, ni siquiera tienen tiempo para pensar porqué has hecho una foto. Al fin y al cabo, si vas con la verdad por delante puedes fotografiar en cualquier punto del mundo…"

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Una interesante reflexión con la que queremos terminar, no sin antes felicitar a Stan por su trabajo, agradecerle que lo haya compartido con nosotros y desearle suerte para el futuro.

Stan De Zoysa | Página web | Instagram

Fotografías de Stan De Zoysa reproducidas con permiso del autor para este artículo

Se cumplieron los pronósticos y, tal y como decían los rumores, el Fujifilm X Summit ha traído dos novedades en cámaras y tres en forma de ópticas. En el caso de la familia Fujifilm X, de cámaras sin espejo con sensor APS-C, las novedades son la Fujfilm X-E4 y los objetivos Fujinon XF 27mm F2.8 R WR y XF 70-300mm F4-5.6 R LM OIS WR. Vamos a repasar las novedades de los tres:

Fujifilm X-E4

La nueva cámara es, lógicamente, sustituta de la Fujifilm X-E3 (presentada en 2017) y se sitúa como la cámara más pequeña y portátil de la Serie X (con visor y ópticas intercambiables). Para ello se ha rediseñado apostando por los ángulos rectos y desechando el pequeño grip que tenía su predecesora; la idea es crear una especie de X100 pero con la posibilidad de cambiar de objetivos.

De todos modos, tal y como se rumoreó, la mayor novedad está en su pantalla trasera que por fin es abatible. De hecho, se puede voltear hacia arriba hasta 180º lo que permite su uso para selfies así como para vlogs, ya que (como era de esperar) se ha pensado en una utilización tanto para fotografía como para vídeo.

En cualquier caso, por lo que hemos podido ver (dadas las actuales circunstancias de pandemia) la integración está muy bien realizada y con la pantalla en su sitio apenas sobresale de un cuerpo muy clásico que desde luego recuerda a la última versión de la compacta premium de Fujifilm y encima tiene un tamaño muy compacto (más pequeña incluso que una X-T30).

De hecho desde la casa confirman que su aspecto está inspirado en el diseño de las cámaras de película clásicas, por lo que tanto la parte delantera como la trasera son planas "para darle una estética clásica, mientras que la placa superior del cuerpo de la cámara está cuidadosamente moldeada con extrema precisión a partir de magnesio pulido para ofrecer una bonita apariencia clásica".

Respecto a los controles, la parte trasera se ha "limpiado" reduciendo al máximo el número de botones "para brindar espacio adicional para el pulgar y ofrecer mayor comodidad". Eso incluye el traslado de algún control (como el habitual botón Q) a la placa superior donde se incluye el típico dial de velocidades de obturación con una novedad: además de permitir (lógicamente) configurar manualmente este ajuste, la posición P incluida hace que, rápidamente, se pueda poner la cámara en modo completamente automático.

Cambiando de tercio, la apuesta por la ligereza es la principal causa de que, como también se esperaba, la cámara no incorpore finalmente el estabilizador de imagen que sí tienen ya los último modelos de la casa como la Fujifilm X-S10 y X-T4. Lo que sí tiene, como éstas, es el mismo sensor de 26,1 Mpíxeles X-Trans 4 y el motor de procesamiento de imágenes X-Processor 4, hoy por hoy lo más avanzado de la casa en este terreno.

Pensada (sobre todo) para enamorar a los fotógrafos callejeros, su sistema AF (basado en puntos de enfoque de detección de fase en casi el 100% del sensor) es también compartido con la X-T4 con lo que promete enfocar en solo 0,02 segundos y rastrear sujetos en movimiento gracias a sus avanzados algoritmos de seguimiento. Y, por supuesto, no falta tampoco "la última tecnología de detección de rostros y ojos para rastrear sujetos con precisión, incluso en niveles de luminancia tan bajos como -7.0EV".

Por lo que toca al vídeo, como era de esperar promete "amplias funciones de grabación de video". En concreto es capaz de grabar vídeo 4K 30P 4:2:0 de 8 bits internamente o 4K 30P 4:2:2 de 10 bits a través de su puerto HDMI. Además, puede grabar vídeo Full HD de alta velocidad a 240 fps y sobremuestrea las imágenes desde una resolución 6K para una mejor calidad.

Por supuesto no podían faltar las habituales simulaciones de película de la casa que en este caso llegan a la cifra de 18 posibilidades. Ya hemos hablado del pequeño tamaño y ligereza de la cámara pero os interesará saber que sus medidas son de 121,3 x 72,9 x 32,7 mm y su peso de 315 gramos (sin tarjeta ni batería).

Junto a la cámara se pondrán a la venta varios accesorios como la funda de piel BLC-XE4, diseñada para la X-E4 (y que permite extraer la batería y la tarjeta SD), la empuñadura de mano MHG-XE4, pensada para hacer que sea más cómodo sostener la cámara con lentes grandes, y el soporte para el pulgar TR-XE4, que se coloca en la zapata y brinda mayor comodidad al sostener la cámara.

Fujinon XF 27mm F2.8 R WR

El primero de los objetivos de los que vamos a hablar no es (como ya saben sus usuarios) un objetivo estrictamente nuevo sino una versión renovada de una lente tipo pancake ya conocida. El Fujinon XF 27mm F2.8 R WR es un objetivo fijo muy compacto que, aunque ópticamente no trae cambios, sí algunas novedades interesantes. Básicamente que ahora está sellado contra los elementos, que incluye anillo de diafragmas con bloqueo de posición automático (A) y que viene con un pequeño parasol en forma de cúpula.

Por supuesto se mantiene un diseño muy compacto sin sacrificar la calidad de imagen, 62 mm de diámetro por 23 mm de fondo y un peso de 84 gramos, que lo hace ideal para llevarlo montado habitualmente en cámaras ligeras como la recién presentada X-E4. Su distancia focal de 27 mm es equivalente a unos 40 mm, con lo que ofrece un ángulo de visión similar al ojo humano lo que lo hace adecuado para una amplia gama de usos "desde el uso general diario hasta la fotografía de retrato, calles y paisajes".

La nueva óptica en una Fujifilm X-S10

Fujinon XF 70-300mm F4-5.6 R LM OIS WR

La otra óptica presentada para las Fujifilm X es un teleobjetivo zoom que se anuncia como "compacto y ligero". El Fujinon XF 70-300mm F4-5.6 R LM OIS WR ofrece una gama de distancias focales entre 107 y 457 mm (equivalentes en 35 mm y que pueden llegar a 914 mm con los teleconvertidores de la casa) dentro de un cuerpo liviano, sellado contra la intemperie, con un motor AF lineal que promete un enfoque rápido y silencioso y estabilización óptica de imagen de hasta 5,5 pasos.

Construido con 17 elementos ópticos distribuidos en 12 grupos, incluye una lente asférica y dos elementos ED y su diafragma consta de nueve palas. Su tamaño es de 132,5 mm de largo por 75 mm de diámetro (en la posición más compacta), con un peso de 580 gramos, la distancia mínima de enfoque es de 83 cm (y permite una relación de aumento de 0,33x) y el diámetro de filtro 67 mm.

La nueva óptica montada en una Fujifilm X-T4

Precio y disponibilidad

La Fujifilm X-E4 saldrá a la venta en dos colores el próximo cuatro de marzo con un precio recomendado de 899 euros para el cuerpo (misma cifra que costaba la X-E3) o 1.049 euros en el kit con el nuevo objetivo XF 27mm F2.8 R WR. Además, habrá un tercer kit que incluirá el cuerpo más la empuñadura de mano MHG-XE4 y el soporte para el pulgar TR-XE4 por 999 euros.

En cuanto a los objetivos, ambos se pondrán a la venta un poco después (18 de marzo) y tendrán un precio de 449 euros para el Fujinon XF 27mm F2.8 R WR (mismo precio que la lente a la que sustituye), y 799 euros para el Fujinon XF 70-300mm F4-5.6 R LM OIS WR.

Más información | Fujifilm

La han calificado la nevada del siglo porque ni los más viejos del lugar recuerdan un hecho semejante. La nieve ha cubierto por completo la capital española y, aunque haya esto haya traído muchos problemas (que arrastraremos bastante tiempo), ha dejado estampas inauditas que quedarán para la historia. Y, claro, ante esto muchos han salido a las calles a retratar la insólita visión de las calles madrileñas cubiertas por la nevada que nos dejó Filomena.

Esquiadores por el centro de Madrid.

Uno de ellos es el fotógrafo (y diseñador gráfico) especializado en foto urbana Juanma Jmse, a quien os presentamos hace tiempo y quien en plena cuarentena por coronavirus nos demostró su amor por Madrid, su ciudad. Ahora, Juanma nos ha hecho llegar estas increíbles fotos de algunas de las zonas más céntricas de la capital que reflejan parte de lo que se vivió.

Algunas de estas fotos las ha compartido en su cuenta de Instagram donde describe la situación de una manera muy certera: "sigo sin creerme lo que está pasando, pero no puedo parar de salir con la cámara y recorrer la ciudad". Y es que, como él mismo dice, "hay momentos que creo que jamás volveré a repetir. Gran parte de mi trabajo personal gira entorno a Madrid y nunca imaginé retratarla así".

En Xataka Foto

Ahí fuera está nevando: consejos para proteger nuestro equipo fotográfico de la nieve y el frío intenso

Seguro que muchos de vosotros opináis lo mismo (sobre todo los madrileños), así que simplemente os dejamos con algunas fotos más de Juanma que documentan este hecho histórico que, más allá de la pandemia, marcará el recién estrenado 2021. Ah y, por supuesto, le damos las gracias por compartirlas con nosotros y os recordamos que nuestro buzón

está abierto 24/7 para recibir propuestas y/o sugerencias.

Juanma Jmse | Instagram | Página web

Fotografías de Juanma Jmse reproducidas con permiso del autor para este artículo

La noticia saltó hace tiempo en las redes sociales. Un fotógrafo publicó una imagen de su cara ensangrentada y de su cámara destrozada. Según parece estaba haciendo fotos un día de agosto en el carnaval de Nothing Hill y encontró a una pareja besándose. Les hizo fotos y la respuesta fue muy violenta. Math Roberts se quedó sin cámara y con uno de los mayores sustos de su vida por hacer una fotografía.

Los tiempos han cambiado. El fotógrafo urbano ya no es bien recibido en la cultura occidental. Ahora que todos llevamos una cámara nos hemos convertido en sospechosos habituales. Ya no podemos trabajar donde queramos. Los gobiernos cada vez ponen leyes más estrictas y los fotógrafos no gustamos en muchos lugares.

La sociedad es otra y más desde que hemos entrado en los tiempos de la pandemia. Antes un fotógrafo documentaba la realidad; ahora es un voyeur que se enriquece a nuestra costa y que hace fotos para saber qué perversiones ocultas. Ya no cuenta historias, sino que seguro que almacena todo en discos duros para aprovecharse de la gente que encuentra por la calle o para apoyar a su partido político.

Así que parece que cada vez será más frecuente encontrarnos en la misma situación que Math Roberts. La justicia implacable caerá sobre nosotros.No tenemos derecho alguno a fotografiar a la gente que pasea por la calle. Ni siquiera si estamos en medio de una fiesta pública. Los fotógrafos nos hemos convertido en malditos.

¿Es tan negra la realidad fotográfica?

El derecho a la intimidad y el derecho a la imagen han irrumpido con fuerza en las sociedades occidentales. No podemos fotografiar a nadie sin su consentimiento. Se acabaron los argénticos días de vino y rosas. Lo nuestro será una aberración del pasado que recordarán con vergüenza por lo que nuestros antepasados llegaron a hacer con algo tan hiriente como una cámara de fotos.

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Siempre recuerdo una clase magistral en la que el profesor, abogado para más señas, nos advirtió de que si no queríamos problemas nos dedicáramos a fotografiar a los árboles. Nada de personas desconocidas que atraviesan la calle. Prohibido.

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Mustafah Abdulaziz es el vencedor de este año del premio Leica Oscar Barnack

Si queremos fotografiar a una persona, sin riesgo alguno, tendremos que llevar un formulario para que lo firme y nos autorice utilizar su imagen. O mejor aún, ir siempre con un amigo, familiar o modelo para contar cómo es la calle pero actuando, a la manera de algunos fotógrafos clásicos.

@ferfoto.es

Hace dos veranos fui a la playa (qué buenos tiempos cuando se podía viajar), al Mediterráneo y al Cantábrico. Y lo pasé mal con la cámara. No me sentí cómodo y casi no pude sacarla. Ni siquiera para fotografiar a mi familia. Tenía miedo de que alguien se sintiera molesto y montara un escándalo. Ya no es un mundo para fotógrafos.

En uno de los pueblos en los que estuvimos vimos el girasol más grande de nuestras vidas. Asomaba desde un patio a la calle. Era de noche y comenté con mi mujer las ganas que tenía de fotografiarlo al día siguiente. Por la mañana ya no estaba. Siempre he creído que el señor que estaba paseando era el dueño de la casa y no le gustó que un fotógrafo rondase su tesoro vegetal. No parecemos gente de fiar.

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Ya me han dicho que pensar así es arcaico y que no lleva a ninguna parte. Que si creo que soy un privilegiado y que quién me creo que soy para fotografiar a quién quiera. No soy nadie y a nadie obligo.

Pero me encanta reflejar cómo es la vida en la calle y me gusta pensar que en el futuro mi familia, o más gente, podrá conocer cómo éramos realmente cuando salíamos a pasear, cuál era la moda o los peinados que triunfaban. Y si puedo contarlo con mis fotos seré feliz. Me gusta, es mi profesión.

La historia de la fotografía sin gente

La historia de la fotografía es la historia de la gente. El increíble valor antropológico de la fotografía. Desde la primera imagen callejera, en la que se ve a un caballero atendido por un limpiabotas en la calle hasta la actualidad, congelar con un disparo a la gente nos ha permitido conocer más de nosotros mismos.

Sería difícil comprender cómo fue la Gran Depresión sin la Farm Security. Imposible conocer los años después de la guerra sin las imágenes de los fotógrafos humanistas. Nunca recordaríamos las fiestas tradicionales sin Cristina García Rodero... Es el comienzo de una lista que puede ser interminable.

Es la mejor forma de conocernos, de saber cómo fuimos. No sonreímos siempre como hacemos en las redes sociales. Nunca en la historia se había visto tanto a la gente de la calle. A ti y a mi. Durante siglos solo podíamos ver a los que creían tener la sangre azul o a los señalados por la divinidad. Y la fotografía rompió con esta injusticia. Todos somos dignos de ser recordados.

Creo que ya lo hemos comentado aquí. En una exposición reciente sobre el bicentenario del museo del Prado podíamos ver cómo eran los visitantes del museo desde su inauguración hasta los años 80. No hay fotografía alguna de los años recientes. No sabemos si íbamos con pantalones rotos, con gafas de 'Matrix' o llevábamos móviles pesados. Es algo que se ha perdido. Conocemos más de los visitantes de los años 50 que los de hace diez años.

El problema de la fotografía callejera

Todavía no conozco a ningún fotógrafo millonario por trabajar ocho horas diarias con la cámara al hombro para buscar una expresión. No es una especialidad con la que te hagas rico. Así que no lo hacemos por dinero, nos movemos por pasión. Y es verdad que unos pocos han hecho el mal y se han aprovechado de las personas retratadas. No merecemos pagar justos por pecadores. Me niego a pensar que somos una amenaza. Solo contamos historias. Con una mera herramienta.

@ferfoto.es

Y el pecado más grande que podemos cometer es equivocarnos de contexto. No me gustaría encontrar una foto de mi familia en una revista de ultraderecha con un pie de página señalando cómo se divierten las familias arias. Pero no me importaría verla en un libro de Navia o en un periódico en el que se ilustre cómo se divierten los madrileños.

Eso es lo que cambia las cosas y lo que debería preocupar a la sociedad. No prohibir y culpabilizar por sistema. Todos tenemos derecho a nuestra imagen. Hemos pasado del blanco al negro. Y es un tema delicado. Lo sé.

Pero no entiendo la doble moral. En el mundo occidental no debemos osar levantar la cámara. En el oriental muchas veces te buscan para ser fotografiados. Y mucha gente viaja y retrata sin problema a los habitantes del tercer mundo. Eso sí. Y a la gente que duerme en la calle.

Nadie se acuerda de los derechos de imagen cuando vemos a los niños pobres con títulos intensos. Ni de los que posan por una perra gorda en los templos budistas con paraguas que nunca llevarían. Hay quien utiliza estas imágenes como trofeo, incluso lo disfrazan de denuncia.

No todos somos así. Afortunadamente hay más fotógrafos que solo quieren contar una historia que los que buscan alabanzas. Muchos huyen de esa teatralización y buscan con la fotografía su propia forma de ver las cosas. Y sin aprovecharse de nadie.

@ferfoto.es

Sabemos que es un tema complicado. Que a lo mejor el niño francés que llevaba una barra de pan no quería salir en un libro. Que la señora castellana que grita en las fiestas de su pueblo no deseaba ser recordada así...

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Igual todo consiste en preguntar y pedir permiso. A lo mejor todo terminaría si la fotografía callejera se llamara teatralizada, al estilo del genial Doisneau. Así se terminan los problemas y empiezan las fotografías idealizadas de muchos instagramers... A los fotógrafos no nos quedará nada más que inventarnos los disparos para contar algo parecido a la realidad. ¿Vosotros qué pensáis?