En muchas ocasiones hemos hablado de cómo lograr buenos retratos, una disciplina muy popular entre todo tipo de fotógrafos y en la que hay que tener muchas cosas en cuenta. Una, por ejemplo, bien puede ser la posibilidad de echar mano de distintos objetos y/o accesorios para conseguir imágenes más interesantes.

Por supuesto también tenemos que tener en cuenta muchos otros aspectos clave en un retrato, como el tipo de óptica a usar, la elección de los ajustes, la importancia del fondo o, sencillamente, tratar de evitar errores comunes, pero el uso de accesorios puede ayudarnos a que el/la modelo se relaje y tenga mayor confianza al ser fotografiado, y también puede servirnos para caracterizar al sujeto.

Foto de Keenan Barber

En definitiva, puede ser una buena ayuda para obtener retratos más interesantes, y además puede hacerlo de distintas formas. Pero, antes de seguir, vamos a definir qué entenderíamos entonces por accesorio. Por supuesto no nos referimos a flashes, trípodes, bolsas, correas, etc, etc, sino a esas cosas que podemos utilizar introduciéndolas en la escena junto a la persona (o personas) retratadas.

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Trece ideas y consejos para hacer retratos diferentes (o al menos más originales)

Serían, por tanto, objetos que agregamos a una fotografía y que aportan interés o significado adicional al sujeto y a la imagen que estamos creando. Los elementos que se pueden usar son prácticamente infinitos y el límite sólo depende de nuestra imaginación; lo cual no significa que convenga recargar una foto de accesorios (más bien al contrario), sino que los accesorios pueden ser casi cualquier cosa, desde una silla donde se siente el modelo, hasta un bocadillo que pueda estar comiéndose.

¿Qué aportan?

El uso de accesorios en los retratos puede agregar humor, misterio, ternura, sensualidad... Pueden ser muy útiles para evitar el nerviosismo de un modelo novato, pueden servir para retratar el carácter de casi cualquier persona, pueden ayudarnos a contextualizar la escena y a estimular la imaginación del espectador.

Foto de Ashkan Forouzani

Cuanta más información visual (que es la más efectiva) podamos incluir, más interesantes serán nuestros retratos. Un simple accesorio introducido en uno puede hacer que adquiera un significado completamente nuevo, ya que nos permite añadir información sobre la persona: a qué se dedica, cuáles son sus aficiones, cómo es su carácter y, si así lo queremos, la ubicación.

Por ejemplo, un retrato de una persona en medio de la calle de una gran ciudad puede estar bien pero no decir gran cosa; sin embargo, si el sujeto lleva una mochila a la espalda ese sencillo accesorio nos estará diciendo que se trata de un viajero y, por tanto, darle un interés nuevo a la imagen ya que, posiblemente, entenderemos esa foto como parte de un relato.

Foto de Guilherme Stecanella

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Famosos que también practican fotografía (y quizá no lo sabías) (I): Internacionales

En estudio o sobre el terreno

Por supuesto todo esto que estamos contando se aplica a todo tipo de retratos, tanto los más casuales y/o improvisados que podríamos hacer en exteriores, como los retratos de estudio. Por supuesto en este segundo caso todo debe estar más pensado y planificado, pero el efecto que se consigue en principio es el mismo.

Foto de Khanh Steven

Eso sí, en el caso de los retratos de estudio cobra especial interés el tema de la confianza del modelo, muy importante en el caso de novatos o determinados sujetos como los bebés. Así, permitirles tener algo en sus manos e interactuar con algún tipo de objeto puede ayudar a que el retratado se distraiga, se relaje o pierda el miedo a la cámara y ofrezca una expresión mucho más favorecedora.

Por supuesto en el otro lado, el del fotógrafo, esta estrategia puede ayudar a que la foto cobre interés y a caracterizar al sujeto, algo que no suele resultar fácil en un retrato (sobre todo para los menos iniciados). Además, si queremos realizar más de una toma de una misma persona, introducir algún tipo de accesorios nos ayudará a que los resultados sean mucho más variados.

Foto de Ramiz Dedaković

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Famosos que también practican fotografía (y quizá no lo sabías) (y II): Españoles

¿Qué utilizar?

Ya decimos que la variedad es enorme y que no prácticamente no hay límites, por eso más que hablar de qué podemos utilizar (una piruleta, un libro, unas gafas, un instrumento musical, una joya, una flor, un cigarrillo, una bebida, un peluche, incluso una mascota o, por qué no, un arma…) es interesante pensar de dónde debe venir el objeto en cuestión.

Foto de Apostolos Vamvouras

Es decir, hay que tener en cuenta que podemos utilizar lo que tengamos a mano (o sea, improvisar), planificar algo en concreto para una determinada toma, tener en el estudio una serie de accesorios que usemos de forma recurrente o pedir al sujeto que use/ traiga los elementos que considere (como los juguetes preferidos de un niño).

Todo sirve para añadir interés al retrato, pero es evidente que introduciendo un elemento que tenga un significado especial para la persona el resultado será más genuino, ayudará más a que se sienta relajado y, muy probablemente, a caracterizarle más profundamente.

Foto de KAL VISUALS

Claro que esto se puede entender de una forma bastante abierta porque, puede que al hacer un retrato no tengamos a mano nada especial de una persona, pero si resulta que le encanta el helado y le fotografíamos comiéndose uno, seguro que el resultado ganará enteros.

Si hablamos de retratos de estudio, es habitual que los fotógrafos que se dedican a ello tengan en el lugar una serie de accesorios que utilizan repetidamente en sus trabajos. Una recomendable práctica que será mejor cuanto más variada sea la selección de accesorios para que todos los retratados puedan encontrar algún objeto que les guste y/o inspire.

Foto de Ben White

De cualquier modo, un simple libro puede ser un accesorio que permita que una persona que puede verse menos intimidada por la cámara y las luces, de manera que se sienta mas a gusto y nos brinde una sonrisa de forma más sencilla. Y, con ello, seguro que lograremos un mejor retrato.

Foto de portada | Vinicius Amano

En la pasada entrega de premios de los Sony World Photography Awards 2019 la representación española, en las categorías profesionales, recayó en Álvaro Laiz que se alzó con el máximo galardón en la categoría de retratos. Unos retratos nada convencionales con una interesante historia antropológica detrás que llamó la atención, no solo del jurado, y que hemos querido conocer con más detalle.

En la visita a la exposición en la Somerset House de Londres, pudimos ver algunas de las fotos de la serie ‘The Edge’, que es como se titula el trabajo de Laiz con el que ha ganado el premio en la categoría de retratos. Y también tuvimos la oportunidad de conversar unos minutos para que nos contara más en detalle este trabajo.

Dos de las imágenes del proyecto 'The Edge' de Álvaro Laiz expuestas en la Somerset House de Londres, con motivo de los Sony World Photography Awards 2019.

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Un explorador entre el pasado y el presente

Álvaro Laiz (León, 1981) es un fotógrafo que ha centrado su trabajo en temas relacionados con la cultura tradicional, la naturaleza y el desarrollo industrial. Así, desde 2014 está sumergido en explorar los vínculos entre nuestro lejano pasado y nuestro futuro cercano a través del estudio de poblaciones remotas, que cuentan con gran conexión entre el mundo natural.

En 2017, publicó ’The Hunt’, su primer libro donde presentaba la reconstrucción de una historia similar a Moby Dick, del hombre contra el depredador más temible y eficiente de la naturaleza en la Selva Boreal: el tigre siberiano. Fue presentado en el certamen de Les Rencontres d'Arles en 2017 y seleccionado por el British Journal of Photography como Mejor Libro de 2017.

El actual trabajo, titulado ‘The Edge’ forma parte de un una beca de National Geographic de Exploración, donde ha seguido los pasos de poblaciones paleosiberianas que hace 20.000 años cruzaron el estrecho de Bering, para convertirse en los primeros pobladores de América.

'The Edge'

© Álvaro Laiz, España. Primer premio en categoría Profesional, Retrato. 2019 Sony World Photography Awards

Hablamos con Álvaro Laiz para que nos contara más detalles de este interesante trabajo fotográfico, no solo por esa historia antropológica que subyace, sino por el modo de afrontarlo, con una estética nada convencional.

¿Cuál es el origen de ‘The Edge’?

He viajado en varias ocasiones al estrecho de Bering, en concreto a Chukotka, situado por encima del Círculo Polar, el hogar de los Chukchis, una tribu paleosiberiana, donde han habitado desde hace miles de años y que están relacionados genéticamente con todas las tribus nativoamericanas. Es decir, que tienen un ancestro común, como han confirmado varias investigaciones. Ya que parte de este trabajo para National Geographic Explorer, cuenta con una parte visual, que son las imágenes realizadas, y otra, genética, que ha investigado los orígenes genéticos de estos pobladores.

Cuando llego allí mi idea era documentar a estos habitantes y su relación con su hábitat. Ya que la situación es muy extrema, por el clima.

Eso es una de las claves, porque viven en una zona muy aislada con duras condiciones ¿no?

Así es. Es una zona muy aislada, fronteriza con Alaska, pero que pertenece a Rusia y está militarizada. Su modo de vida es pura subsistencia, son cazadores, los que viven más cerca de las costas, pues cazan ballenas, focas y mamíferos marinos y, los que habitan más en el interior se dedican a la cría de renos.

Como cuento, este trabajo consta de dos partes, una más documental y visual, que como se aprecian en los retratos están inspirados en las pinturas rupestres y en la identidad “líquida”. Ya que hablando con ellos, su identidad no la conciben igual que nosotros, sino que ellos creen que los ancestros se perpetúan y que nosotros somos una copia de una copia, de una copia… de nuestros ancestros. Eso fue lo que me dio la clave para buscar una fórmula que pudiera representar visualmente este concepto y de ahí estos retratos en blanco y negro con movimiento y con un contraste elevado, ya que el paisaje de allí es eso, todo blanco por la nieve. Así como intentar reflejar estas capas y estados de tiempo y profundidad de identidades. Mezclando lo que por un lado es puramente científico y práctico, de lo comentado con los estudios genéticos, con algo más etéreo y político.

© Álvaro Laiz, España. Primer premio en categoría Profesional, Retrato. 2019 Sony World Photography Awards

Entonces, ¿tenías en mente que ibas a documentarlo con retratos o pensabas realizarlo de forma más documental y tradicional?

Es una combinación, cuando estás allí vas evolucionando, tienes una idea que va progresando a lo largo de los viajes realizados.

¿Cuánto tiempo has permanecido allí?

He estado en total unos cinco meses en dos viajes, por ser una zona militarizada no podía permanecer más de dos meses o dos meses y medio por temas de permisos.

¿Te resultó fácil acceder a esta zona tan remota y poder trabajar?

Bueno, allí no puedes viajar por tu cuenta, necesitas un “fixer” que se haga cargo de ti, que se responsabilice ante la policía fronteriza, la de aduanas, etc. Cada cierto tiempo estás obligado a reportar a los militares y es una zona compleja para moverse.

Pero merecía la pena, porque me resultaba muy interesante descubrir esta conexión. Como un grupo muy pequeño de estos pobladores (cazadores-recolectores) cruzaron el estrecho hace 20.000 años y pueblan un continente entero.

¿Son muchos habitantes en la actualidad?

No, son muy pocos y están muy repartidos, desde Anádyr, que es la ciudad más grande, a diferentes asentamientos, donde suele haber unos 300 habitantes. La mayoría son clanes familiares.

¿Cómo afrontaste los retratos? ¿Te resultó fácil acceder a ellos?

Pues hablo muy poco ruso, así que Misha, mi fixer, hacía las labores de traducción, tanto lingüística como cultural, porque hay muchos aspectos a tener en cuenta a la hora de acercarte a ellos. Aprendí muchas cosas, especialmente, me llamó la atención el valor de las buenas maneras y educación.

Ver a un forastero que quiere realizarle fotos… ¿Cómo se lo tomaron?

No era nada fuera de lo común, porque en realidad Internet llega a todos sitios. También allí, entonces, aunque estén aislados, no están desconectados, aunque nada que ver con otras zonas. Pero sin duda, llamaba la atención. Llegas un día, te presentas, hablas con ellos, les cuentas lo que quieres hacer, y tras dos o tres semanas, pues quien quiere participar pues vas realizando las fotos, con algunos resultó más fácil pero con otros no tanto.

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¿Dedicabas mucho tiempo a cada retrato?

Pues depende de cada uno. Cada uno tenía su historia, a lo largo de las semanas, algunos sabes que lo tienes rápido y otros cuesta mucho más tiempo y dedicación.

¿Este proyecto lo veremos publicado?

Así es, esto forma parte de un proyecto multimedia, que cuenta también vídeo, investigación genética y la fotográfica… y que publicará National Geographic.

¿Dedicabas mucho tiempo a cada retrato?

Pues depende de cada uno. Cada uno tenía su historia, a lo largo de las semanas, algunos sabes que lo tienes rápido y otros cuesta mucho más tiempo y dedicación.

¿Este proyecto lo veremos publicado?

Así es, esto forma parte de un proyecto multimedia, que cuenta también vídeo, investigación genética y la fotográfica… y que publicará National Geographic.

¿Lo tienes ya cerrado o continúa?

No, de hecho estoy continuando. Ahora estoy trabajando en el otro lado, siguiendo el origen de estos ancestros con el pueblo Navajo, de ahí a Perú, Ecuador, Chile… En realidad lo que estoy siguiendo es lo que se ha demostrado con las investigaciones genéticas de la conexión de estos pueblos, así que lo estoy haciendo es poner imagen a esas conexiones. Algo que me parece fascinante poder viajar en el tiempo a través de la imagen y de la investigación genética y documentar una migración que ocurrió hace 20.000 años.

¿Qué te llevó a presentar este trabajo a estos premios Sony? Porque no es una resolución muy convencional para este tipo de trabajo.

Efectivamente, no lo es, no es convencional, pero aposté por ello precisamente por ese motivo. He creído que necesitaba apostar por esta historia interesante y que era una forma de expresarme y que, sobre todo, llega y se entiende.

¿Algún otro trabajo en mente?

Como digo estoy metido de lleno en esta continuación, que va desde Bering a Tierra de Fuego, pero cada uno de esos capítulos, tendrá su propia filosofía y su propia imaginería. Es decir, estas fotos están protagonizadas por mucha nieve, frío,… pero las fotos que se verán de Arizona es muy distinto, más matriarcal, más basada en los objetos… es diferente, cada uno tendrá su personalidad. Son como capítulos de un libro.

Agradecemos a Álvaro por su tiempo y dedicación para realizar esta entrevista y os animamos a seguir este fascinante trabajo a través de su web y también seguir su Instagram donde poder ver más detalles.

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Estos son los ganadores de los Sony World Photography Awards 2019 en las categorías Open y National

Como sabéis, los polarizadores son uno de esos filtros imprescindibles en ciertas disciplinas, especialmente en fotografía de paisaje. Y lo son, entre otras cosas, porque son de los pocos filtros cuyo efecto aún no se puede conseguir posteriormente en el postprocesado. Claro que ¿usarlos para retratos? Pues sí, una pareja de fotógrafos rusos, los Koldunov Brothers, nos demuestra de forma práctica sus ventajas en la fotografía de retrato.

Cuando os contamos cómo funciona un polarizador explicábamos cómo este filtro actúa como una especie de rejilla que sólo deja pasar la luz proveniente de una dirección, eliminando las luces parasitarias que llegan desde otras direcciones. Gracias a ello, el polarizador permite eliminar los reflejos de muchas superficies como el agua, los cristales y determinadas superficies metálicas. Además, en fotografía de paisaje permite oscurecer el azul del cielo y mejora la saturación y el contraste general.

Pero en la disciplina de retrato suena un poco raro aconsejar su utilización, aunque quizá alguna vez hayáis oido hablar de su uso para fotografiar a personas con gafas eliminando los reflejos en éstas. El caso es que, dado que son muy útiles para retratar superficies brillantes eliminando los brillos indeseados, a estos fotógrafos se les ocurrió que podían serlo también para eliminar los típicos brillos de la piel que se producen al retratar personas. Así que se pusieron manos a la obra para demostrarlo con este vídeo:

Como habéis podido ver, gracias al uso de un polarizador efectivamente matizan el brillo en la cara del modelo, al eliminar los reflejos especulares de las altas luces, y logran un menor contraste, haciendo que la piel parezca más tersa. Incluso logran mejorar ligeramente la saturación del pelo del sujeto. Esos sí, el uso del polarizador también tiene algunas desventajas.

Sobre todo, como advierten, el polarizador hace que se pierda un poco de volumen y, por tanto, se aplane el rostro, por lo que aconsejan usarlo con cuidado. Además, como ya deberías saber, al utilizar un polarizador estaremos limitando la luz que llega al sensor de la cámara (la media suelen ser dos diafragmas), lo que obligará a ajustar la exposición al alza. En cualquier caso una buena idea ¿no creéis?

Koldunov Brothers | Página web | Youtube | Instagram

Vía | DIY Photo

En Xataka Foto | Cómo posar las manos de los modelos para lograr buenos retratos

Sin duda hacer retratos en la calle de gente que no conocemos (por supuesto no hablamos de “fotos robadas” sino de pedir permiso a una persona desconocida para retratarla) es algo que puede resultar violento para cualquier fotógrafo. No es el caso de Matt Higgs, fotógrafo y periodista especializado en fotografía, que se propuso realizar 30 retratos de desconocidos en dos horas y, de paso, sacar algunas conclusiones sobre cómo perder el miedo a hacerlo.

Para ello ha realizado este vídeo en el que nos muestra cómo se enfrentó al reto y va ofreciendo los consejos que él considera oportunos para que seamos capaces de afrontar un trabajo similar. En primer lugar, Matt sugiere que hay que olvidarse de tener miedo a lo que la gente piense de ti. Para ello, lo mejor es hacerse una pregunta a uno mismo: ¿Qué es lo peor que podría pasar? ¿Que te digan que no? Entonces, ¿por qué tener miedo?

Por supuesto, como él mismo reconoce, es más fácil decirlo que hacerlo por lo que propone otros consejos empazando por acercarse a la gente con una sonrisa y preguntando amablemente si les importa que les hagan una foto. Matt aconseja no inventarse ninguna historia sobre para qué quieres hacer la foto y, simplemente, decir la verdad. En su caso, le dijo a la gente sencillamente que tenía el desafío de fotografiar a 30 extraños en dos horas.

Fotografía de Matt Higgs capturada de este vídeo

Con la verdad por delante, el fotógrafo afirma que aunque la gente puede que no entienda por qué estás haciendo tal cosa, sí que pueden darse cuenta de que es algo importante para el fotógrafo. Así, teniendo en cuenta que la gente es, en general, agradable, normalmente casi siempre aceptan.

Según Matt, el noventa por ciento de las personas a las que pidió un retrato aceptaron sin problema, e incluso las que no lo hicieron fueron muy educadas y casi nadie se molestó por ello. Es cierto que hay mucha gente rara ahí fuera, pero “la gran mayoría de personas son exactamente iguales que nosotros, nuestros amigos y familia: Gente normal que vive su vida.”

Además, la fotografía es una buena manera de conocer gente. Según Matt, pasamos mucho tiempo en las ciudades sin que realmente sepamos casi nada del lugar ni de los miles de personas que pasan por allí todos los días. “El problema de muchas ciudades, sobre todo las más grandes, es que nadie habla entre sí y la fotografía es una gran ayuda para romper esa barrera, aprender algo sobre los sitios, descubrir historias interesantes y hacer nuevos amigos”.

El fotógrafo también destaca de su reto el placer de hacer buenas fotos con un equipo mínimo. Y es que como fotógrafos es habitual cargar con una cantidad de equipo por aquello del “por si acaso”, pero para hacer retratos de este tipo apenas se necesita una cámara y una óptica, “conocer los conceptos básicos y tener buen ojo.”

Fotografía de Matt Higgs capturada de este vídeo

Por último, Matt da un par de consejos más para afrontar este tipo de fotos. El primero hacerlo en algún lugar lejos de casa, donde es mucho más fácil perder el miedo al estar con personas que es probable que nunca vuelvas a ver. Por otro lado, propone asistir a un gran evento al aire libre con mucha gente, como puede ser un festival músical. Lugares donde la gente suele ir predispuesta a pasarlo bien y donde seguro que muchas personas estarán encantadas de quedar inmortalizadas por nuestra cámara.

Vía | WEX

En Xataka Foto | Fotografiar a desconocidos en la calle... primeros pasos

Fotografías capturadas del vídeo de WEX Photographic en YouTube

Hablar de Rafael Roa es hablar, irremediablemente, de retrato, de desnudo, de moda, pero quedarse solamente en eso sería reducir demasiado la ecuación. Nos acercamos al que para muchos es, sin duda, el mejor retratista español y el que tiene una de las colecciones más importantes y relevantes sobre desnudo de este país. Nos ha abierto las puertas a su obra, a su vida y nos ha concedido una entrevista, no se me ocurre una mejor forma para cerrar este 2015.

Rafael Roa nace el 14 agosto de 1955 Madrid, en el seno de una familia obrera. Desde que a los trece años su primo le regalara una Regula Pica CBS que le trae desde Alemania, su pasión por la fotografía ha ido en aumento hasta convertirse en una de las figuras de referencia en España.

Su formación académica poco tiene que ver con la fotografía, ya que se matricula en el CICI y estudia peritaje mercantil y empresariales en la escuela Universitaria de estudios empresariales de Madrid, pero como era habitual esa época, su formación fotográfica es autodidacta y obedece más a un aprendizaje por ensayo y error que al del someterse a un dogma escrito por otros.

Los ochenta, primeros pasos

La muerte de dos seres queridos en 1980 supone un punto de inflexión en la vida de Roa, es un momento que le marca profundamente y en el que decide dar un giro trascendental a su vida, comprarse una Nikon F2 y dedicarse más en serio a la fotografía.

The plane and the tower, 1980 de la serie Reflections

Los siguientes años son, quizá, los más difíciles y determinantes en su carrera y su proyección; en 1981 su participación el Fotomostra de Lleida llama la atención de público y organizadores, un año después funda la galeria IMAGE con Pepe Puga y Rafael Ramírez, ambos miembros del “Colectivo 28” de Madrid. A partir de ahí llegan primeras exposiciones en la Galería Redor de Madrid y Arcomdrid 82. Ya se ha colocado muy cerca del punto sin retorno y todo eso compaginándolo con su trabajo como director de personal en una gran empresa española.

El circuito profesional

Empiezan sus primeros viajes por Europa, sus primeros reportajes como fotógrafo y sus primeras dudas sobre abandonar su trabajo en la administración para dedicarse a tiempo completo a la fotografía, pero no será hasta 1987, cuando, a través de la escritora María Vela Zanetti, empiece a colaborar con Pedro del Hierro y definitivamente entre en el mercado profesional de la fotografía como fotógrafo de moda y de retratos, colaborando con las principales revistas diarios y publicaciones: El País Semanal, Vogue, Elle, Marie Claire, Cosmopolitan.

Experimentación personal con alta costura de PDH, 1990

En 1988 inaugura un estudio de fotografía con Manuel Zambrana aunque ambos trabajan en proyectos independientes por separado. Con Zambrana coincidirá muchos años después, pero esto aún sólo lo sabe éste que escribe. Ese mismo año comienza uno de los trabajos personales más significativos e icónicos de su carrera. “Hidden Desires” es una serie que trata sobre el deseo, los sueños y las pasiones compuesta por aproximadamente 60 imágenes realizadas en blanco y negro, en formato de 6X6 y 10X12 cm.

De la serie "Hidden Desires", 1994

Consolidación

En la década de los noventa se dedica ya íntegramente a la publicidad, la moda y el retrato editorial, ya por entonces es considerado uno de los mejores retratistas españoles y empieza a despuntar como uno de los autores más destacados en la fotografía de desnudo.

También ese año realiza una sesión de fotos con la cámara Polaroid Gigante de formato 50X60cm cuyas imágenes formarán parte de una exposición colectiva en la bienal de Córdoba de 2015

En 1997 monta un estudio propio en Madrid, simultanea su trabajo comercial con el montaje de trabajos personales como “A Void Regard” y participando en exposiciones colectivas e individuales tanto en España como en el extranjero. Cabe destacar la exposición itinerante producida por el Instituto de Cooperación Iberoamericana, de Fotografía Española de los noventa comisionada por Valentín Sama (con Chema Madoz y Carlos de Andrés entre otros)

Uno de los trabajos comerciales con más proyección internacional fue el que realizó con Valentín Sama que se recoge en el libro del 150 aniversario de Loewe

A comienzos de siglo continúa con los trabajos comerciales pero en esta ocasión se interesa por el vídeo-arte y empieza a producir sus primeras piezas en 2005.

En 2007 Gervasio Sánchez le invita a participar como ponente en los encuentros de fotoperiodismo de Albarracín. Allí se proyecta por primera vez la anteriormente citada serie “Hidden Desires”

"Ikarus’ Dauther" Polaroid 50x60, Colección CAF, 1994

Este mismo año Karina Karaeva, directora de programas audiovisuales del Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Moscú, le contacta para proyectar sus piezas de vídeo.

En 2008 gana el premio de vídeo de la Bienal de arte de la Universidad de Chapingo de Mexico DF.

En 2009 forma parte de la exposición colectiva de vídeo arte VIDEOFORMAT, en el NCCA de Moscú, donde proyecta por primera vez “Souls of the Shadows”

En 2010 la pieza “Souls of the Shadows” puede verse por primera vez en España en el Centro Jovellanos de Gijón.

Esta década fue muy ajetreada; exposiciones en el extranjero, no solo en Rusia, sino también en Italia, Argentina y EE.UU. que evidencian la culminación de Roa como uno de los fotógrafos contemporáneos españoles más relevantes.

De la serie Dead Skin, 2015

Roa, el maestro

Durante más de dos décadas de aprendizaje continuo y trabajo por todo el mundo Roa impartió

también talleres, cursos y clases maestras, que es eso que el mundo moderno se empeña en llamar ahora "Master Class"; pero será a partir de 2010 cuando empieza a realizar más actividades docentes, durante el curso 2011/2012 trabajó como profesor en la escuela madrileña "EFTI".

Desde 2010 a la actualidad escribe y produce un blog que ha llegado a convertirse en un referente en la enseñanza de la fotografía online.

La Fábrica publicó en 2013 el "Diccionario de Fotógrafos Españoles" y le podemos encontrar si bajamos hasta la "R", pero desde la fecha de publicación hasta ahora ha seguido trabajando, actualmente profesor titular en la Escuela Internacional de Fotografía PIC.a PhotoEspaña, en Alcobendas, Madrid y es aquí donde ha vuelto a coincidir, como ya os adelantábamos antes, con Manuel Zambrana.

De la serie Nowhere Anywhere, 2015

El año pasado realizó junto a nuestro compañero Jesús León un encargo de la editorial Anaya titulado "Gente de Madrid", un libro de retratos, donde los autores graban para la posteridad el primer documento donde se refleja la sociedad que actualmente vive y sobrevive en la capital española.

De tú a tú

Hablar con Roa es siempre un aprendizaje, a veces su cultura eleva las conversaciones a niveles que pueden dejar en evidencia a quien no haya estudiado la lección así que yo elijo aprender. Escucharle reflexionar sobre política, pintura, música, cine e incluso gastronomía es un ejercicio saludable que tengo el privilegio de practicar habitualmente.

Foto: Rafa Guerra

Soy consciente de que no es fácil sintetizar en una pregunta todo un rosario de cuestiones que se amontonan en mi cabeza, así que ni lo he intentado y lo que ha salido es esto:

Pese a que tu trabajo tiene estilo bastante inconfundible, ¿qué autores crees que son imprescindibles para comprender parte de tu trabajo?

Mis influencias han sido Irving Penn, Richard Avedon, y Robert Frank, los autores que más me influenciaron en mi etapa de aprendizaje. No creo que sean imprescindibles para comprender mi trabajo.

Siempre has defendido la fotografía clásica, ¿crees que la irrupción de Internet y de nuevos dispositivos de captación puede provocar la “muerte de la fotografía” o por el contrario estamos ante una metamorfosis, una evolución natural?

Estamos ante el cambio lógico que produce cualquier avance tecnológico. En los años posteriores a la aparición de la fotografía se la cuestionó como arte. Baudelaire se ensañó con el nuevo invento en un texto titulado “El Público Moderno y La Fotografía”.

El mundo cambia y el uso de nuevos medios tecnológicos abre nuevas formas de comunicación. Lo que está ocurriendo es que hay diferentes tipos de personas que usan de forma distinta la herramienta, pero siempre existirán fotógrafos con una mirada muy personal y un profundo conocimiento del lenguaje que nos ofrecerán trabajos que nos emocionen, interesen o sorprendan. Otros capturaran sus imágenes sólo por el mero placer de compartir instantes en las redes sociales y satisfacer sus egos con los “me gusta” que reciben.

"No way out", Polaroid 50x60, Colección CAF, 1994

La profesión siempre ha sido complicada pero ¿Cómo ves el panorama profesional actual?

La profesión ha cambiado debido a la aparición de la fotografía digital y de la valoración del trabajo de los profesionales que ha hecho el mercado. Vivimos tiempos en los cuales un fotógrafo gana menos dinero que hace 20 años por una foto publicada en un medio. Eso es una realidad, en definitiva tenemos lo que el colectivo no ha sabido defender. He publicado mis opiniones sobre el tema en mi blog y creo que una mayoría conoce mi opinión, hay un post con más de 250.000 visitas.

Lo que sí parece estar muy tocada es la figura del "fotógrafo profesional", ¿cómo podemos luchar ante el nuevo perfil de fotógrafos oportunistas que con tal de ver su foto en un medio son capaces de regalarla?

Esa es una batalla perdida, no hemos podido tener nunca una asociación fuerte, lo ideal sería un colegio profesional como los arquitectos con sus tarifas mínimas y máximas para cada trabajo, pero parece ser que no es posible jurídicamente. Siempre han existido oportunistas e intrusos, gente trabajando sin darse de alta y tirando precios o que les vale que pongan su nombre en una publicación para dejar usar sus fotos gratis.

Azúcar Moreno, 2000

Fotógrafos como Shore han admitido que usan e investigan apps como Instagram, ¿Utilizas Instagram?, ¿Por qué?

Dejé esa red social después de un cambio de condiciones de uso de la misma. Quizás se ha convertido en una buena herramienta para alcanzar popularidad y llegar a más gente. El problema es cuando surgen opiniones propagandistas que en su celo por promocionar la aplicación afirman públicamente que Instagram es el nuevo fotoperiodismo, y esto está grabado por ahí en algún coloquio. Se puede fotografiar con móvil e incluso que esas imágenes formen parte de una noticia publicada en una web o en un periódico impreso porque ocurre algo importante y una persona captura ese hecho. Pero no es la red social la que sustituye al fotógrafo sino una herramienta que captura imágenes con unas características y que produce una estética determinada. Supongo que Shore y otros muchos han visto que el uso de la aplicación llega a mucha gente y han decido usarla.

Pese a que actualmente el flujo de fotografías por los diferentes medios es infinito, parece que el público no ha evolucionado hacia una mirada más crítica y sigue confundiendo "una foto bonita con una buena foto" ¿a qué crees que es debido?.

Creo que muchas personas capturan imágenes de una forma automática, sin ningún tipo de reflexión y careciendo tanto de conocimientos técnicos básicos como de cultura visual. Esto produce un exceso de imágenes que se acumulan en los ordenadores y no se vuelven a ver ni a usar una vez que se han compartido algunas de ellas en las redes sociales. Por lo tanto una exposición a un tipo de imágenes muy similares terminan careciendo de interés para muchos otros. Ocurre igual que con las reflexiones sobre que las imágenes del fotoperiodismo que servirían para concienciar a las masas de los problemas sociales y esto que fue afirmado por Susan Sontag en su ensayo “Sobre la fotografía”. No ha sido así sino todo lo contrario. Las masas olvidan los problemas una vez ocurrido el primer impacto visual, después surgen otros conflictos y parece que los problemas anteriores ya han sido resueltos por arte de magia.

Siguiendo con esto, ¿puede ser contraproducente este exceso de cultura visual actual?

Nunca es contraproducente un exceso de conocimiento, esto nos conduce a la creación de nuestro propio criterio y pensamiento crítico.

De la serie Dead skin, 2015

Moda, retrato editorial, desnudo, mucho estudio, foto corporativa, street foto.... has tocado casi todos los palos fotográficos, ¿con cual te quedas?

Me quedo con todos, he trabajado en todas las especialidades de la fotografía profesional pero está claro que uno es más especialista en unos campos que en otros. El retrato ha formado parte de mi trayectoria editorial y el desnudo forma parte de mi obra personal.

En un momento en que hay más fotógrafos que barbudos por las calles, ¿qué méritos y valores debería tener un fotógrafo para poder ser profesional?

Como mínimo un amplio conocimiento técnico, una amplia cultura visual y un profundo conocimiento del lenguaje fotográfico.

Como docente ¿Cómo pinta el futuro de la foto en España?

Creo que hay fotógrafos y escuelas interesantes igual que existe todo lo contrario, personas que se autodenominan artistas y otros que después de haber recibido un curso se creen con la capacidad de poder enseñar.

Estamos viviendo una burbuja de fotolibros, ¿es el futuro o pasará como tantas otras burbujas?

Es una forma de autopublicarse el trabajo y a unos les funciona y a otros no. No tengo una opinión negativa, en el fondo es un libro de fotografías.

Catálogo PDH, 1998

¿Qué proyectos tienes para 2016?

Acabar lo que tengo en curso y dar a conocer lo que acabo de terminar.

¿Veremos en 2016 una exposición de Roa?

No tengo nada cerrado todavía.

Para acabar me gustaría proponerte un reto, yo he tenido que sintetizar horas de conversaciones y preguntas en unas cuantas cuestiones, te toca sintetizar a ti. ¿Qué tres películas no tenemos que dejar de ver?

Me lo pones muy difícil porque tengo muchas más de tres, pero voy a decir Casablanca por su maravillosa iluminación, Manhattan porque me encanta Woody Allen y sus guiones son geniales, y La Dolce Vita porque Fellini siempre ha sido uno de mis directores favoritos. Las tres son casualmente en blanco y negro pero ya te digo que tendría más de 20 películas imprescindibles.

Todas las imágenes de este artículo son por cortesía de Rafael Roa

Foto de inicio | Raimundo Amador, El Magazine de El Mundo, 1996

Blog | Rafael Roa

En Xataka Foto | Invisibles#Invisibles, de Rafael Roa, fotografiando las injusticias

A la hora de encarar los retratos, ya sea de nuestros seres queridos, familia, amigos o incluso desconocidos, hay que cuidar muchos detalles, pero uno esencial que no siempre se le presta demasiada atención es la composición. Fundamental para transmitir sensaciones, destacar algún elemento o simplemente para reflejar un estado de ánimo, cuidar bien el encuadre ayuda sobremanera a mejorar nuestros retratos.

Aunque el sujeto es el elemento principal, nos solemos preocupar también, a la hora de retratarlo, de aspectos básicos como cuidar la iluminación, elegir un buen entorno o de lograr el momento propicio para capturar una sonrisa o una mirada. Pero, en ocasiones, nos olvidamos que es fundamental examinar con esmero el escenario y seleccionar el encuadre más adecuado según nuestras pretensiones.

Vamos a repasar algunos sencillos consejos para cuidar este detalle y con ello mejorar nuestros retratos. Como veréis, son muy simples y basta tenerlos en cuenta y experimentar para comprobar cómo se logran resultados más óptimos.

• Fijar toda la atención en el sujeto. En ocasiones los elementos del entorno pueden ser una distracción a la hora de observar un retrato, así que cuidemos que no aparezcan ramas de árbol, o cualquier objeto, que tome demasiado protagonismo en nuestra composición. Si en determinadas circunstancias no se puede eliminar del encuadre, pues podemos integrar a nuestro retratado en él, pero siempre dándole el mayor énfasis y tan sólo añadamos objetos o fondos que agreguen interés visual. O también nos puede servir para añadir información sobre el propio sujeto.

• Cuidar el fondo. Es algo muy básico, pero que hay que estudiarlo bien. En ocasiones no encontramos un fondo neutro para lograr un retrato detallado, por lo que debemos usar entonces una apertura de diafragma grande para lograr un desenfoque adecuado. Aún así, no está mal hacer varias tomas, con ángulos distintos para comprobar qué fondo (más o menos desenfocado) se adecua más.

• Probar con distintos ángulos. Como acabamos de comentar, en ocasiones con simplemente mover la cámara a una posición más alta o más baja nos puede ayudar mucho para mejorar el tema. Cuidando la perspectiva, desplazándonos ligeramente y haciendo que nuestro retratado gire el cuello ligeramente podemos lograr mejores resultados y eliminar elementos del fondo que pueden distraer.

• Llenar el encuadre. Es más habitual en los principiantes tomar retratos de cuerpo entero, pero hay que probar a aproximarse y llenar el cuadro con el rostro de nuestro retratado. Es algo a lo que hay perderle el miedo, porque a veces un gran primer plano, con una mirada profunda o una bonita sonrisa puede resultar un magnífico retrato.

• Mantener los ojos en el tercio superior del encuadre (o no). Es una norma habitual, una regla heredada de la pintura, que simplemente sirve para lograr retratos más naturales. Pero, como siempre insistimos, también podemos saltarnos las normas y experimentar. Se pueden conseguir retratos más originales y llamativos si hacemos una excepción a esto.

Y como siempre comentamos, lo importante es poner todo ello en práctica. Probar, disparar muchas fotografías y, no nos olvidemos, que lo más importante en un retrato es el sujeto. Así que intentemos siempre sacar lo mejor de ellos, capturar su esencia a través de su mirada.

Fotos | Mi Flickr | Valiente Verde | Lee Jordan…ockermedia

En Xataka Foto:

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• ¿Qué objetivo utilizar para… retratos?

Lo descubrí hace bastante tiempo en Flickr y siempre le he seguido la pista. Y es que Tommy Ga-Ken Wan es un joven de un talento brillante, pero sobre todo un magnífico captador de atmósferas. Es escocés pero de ascendencia asiática, como se deduce de sus apellidos, y un tipo bastante interesante. Es graduado en literatura y se define como aspirante a filósofo y borracho habitual. Pero más allá de definiciones, es un gran fotógrafo y con apenas 23 años, ya ha logrado exponer y empezar a tener una ganada reputación.

Comenzó muy pronto y ha viajado por medio mundo, pero lo que más destacaría de sus trabajos es su modo de afrontar los retratos. Sabe darle un aire cálido, cercano, captando la esencia del lugar donde se encuentran sus modelos (aunque también son frecuentes sus autorretratos).

La fotografía Tommy es delicada, elegante y usa Flickr como verdadero cuaderno diario donde va exponiendo sus trabajos, y con el que, a la vez, se va descubriendo su pensamiento, su estado de ánimo, etc. También tiene su web, donde expresa con mayor seriedad su excelente galería. Es de los que obvia la tecnología en el sentido de que la usa para conseguir sus fotos, sin prestarle demasiada atención. Echa un vistazo a algunos trabajos suyos:

En Flickr | TGKW

Brian es un fotógrafo neoyorkino, el cual trabaja y vive profesionalmente de la fotografía.

Ha realizado trabajos para empresas tan importantes como American Airlines, Burger King, e incluso para la WWE (la lucha libre). Y se mueve por todo el mundo, desde Thailandia hasta México pasando por Francia.

Sus trabajos denotan una gran nitidez y suavidad en todas las texturas. También evita en exceso los grandes contrastes y las saturaciones. Por lo que la mayor parte de sus fotos transmiten tranquilidad.

Toca varios palos fotográficos, como puede ser la fotografía de paisajes, como la fotografía de retratos y una parte más conceptual. Para terminar mostrando un apartado personal, en el que nos enseña unos trabajos que difieren en gran medida del resto.

Web | Brian Maranan

Continuando con la segunda parte de recomendaciones de focales, hoy quería hablaros sobre el tipo de focal que se suele usar para realizar fotografía deportiva y de retratos.

Como os digo, son focales que se suelen usar, pero que para nada son de obligatorio uso para conseguir buenos resultados en este tipo de fotografías. Suele haber reglas para todo, pero también hay que saber saltárselas para buscar algo original y distinto.

También es lógico pensar que no haya una focal concreta para cada estilo, sino que suelen abarcar determinados rangos focales, ya sea mediante zoom o con una focal fija, ya sea de mayor o menor alcance.

Lo que quiero en parte evitar con esta serie de post, es el uso de todoterrenos para cualquier tipo de evento. Llamamos todoterreno al objetivo que tiene un amplio rango focal, pudiendo empezar en un gran angular para terminar en una focal de gran alcance, como por ejemplo el Tamron 18-200.

Ese tipo de objetivos están "bien" para empezar y para evitar el molesto intercambio de objetivos en situaciones un poco complicadas. Pero en contra, estaréis perdiendo mucha nitidez, en algunas focales notaréis viñeteo o aberraciones cromáticas, y la apertura del diafragma generalmente será mucho menor que en objetivos de focal fija.

Fotografía Deportiva:

En este tipo de fotografía se suelen dar dos condiciones:

1. La zona desde donde vamos a fotografiar suele estar a una distancia considerable del punto en donde se desarrolla el juego.

2. La iluminación suele ser bastante mala, ya que este tipo de acontecimientos suelen darse por la noche o en pabellones cerrados.

Visto el primer punto, llegamos a la conclusión de que una focal de gran alcance debe de ser nuestra prioridad, ya que en este tipo de fotos no buscamos sacar panorámicas del estadio, sino que buscamos inmortalizar momentos de juego entre uno o varios jugadores. Por lo tanto, una buena opción sería contar con objetivos de al menos 200mm. Aunque en este caso concreto, os recomendaría encarecidamente el uso de un zoom (de las pocas ocasiones que lo prefiero), dado que en este tipo de eventos, nuestros movimientos van a ser muy limitados.

También dependiendo del escenario en donde se desarrolle el juego, puede que sea necesario una focal aún de mayor alcance. Incluso un 400mm sería otra buena opción, como podéis ver en la siguiente foto (claro que sus precios no suelen ser aptos para todo el mundo).

Foto de Toksuede.

El segundo punto nos deja claro que necesitaremos un objetivo muy luminoso. No os podéis hacer a la idea, para el que no haya ido a un pabellón cerrado a sacar fotos, de la poca luz que capta un objetivo con el tipo de iluminación que se suele usar en esos centros. Por lo que deberemos intentar conseguir un objetivo con una apertura de al menos f/2,8 (aunque si son algo caros, siempre se puede optar por un f4. Más no.) y así evitar subir el ISO en exceso. Por supuesto, en este tipo de fotos, en las que las distancias son superiores a 9 ó 10 metros, es totalmente desaconsejable el uso del Flash.

Por lo tanto, en función de estos dos puntos podemos llegar a la conclusión de que un buen objetivo para estos casos podría ser un zoom del tipo 70-200 f/2,8.

Con este rango focal tendremos más que suficiente para seguir la acción a las distancias en las que nos solemos mover en esos eventos, y una apertura más que suficiente para conseguir toda la luz posible.

Retratos

Aquí el tipo de focal que se suele usar varía dependiendo del tipo de plano que vayamos a realizar. Para primeros planos puede venir mejor un 100mm, mientras que para fotografías de cuerpo entero puede ser mejor un 30mm ó 50mm (siempre hablando dentro del sector APS-C).

En los sistemas 35mm, era muy común usar la focal 135mm para retratos, mientras que hoy en día se opta por focales algo más cortas.

La máxima apertura en este caso puede ser fundamental para conseguir un mayor o menor desenfoque, ya que en algunos tipos de retratos se tiene la necesidad de evitar el fondo, mientras que en otros se opta por una gran profundidad de campo. Suele ir desde unos máximos de 1.2 o 1.8 en objetivos de 30mm o 50mm y de 1.8 a 2.8 en objetivos a partir de 85mm.

Foto de Herzeleyd.

En este estilo de fotografía no es fácil optar por una u otra focal, porque todas tienen su ventajas e inconvenientes. Pero si quiero dejar claro, que si buscamos hacer retratos de cuerpo entero, debemos ir a focales de 60mm como mucho (de ahí para abajo). Mientras que para retratos de medio cuerpo o más cerrados, un 100mm puede ser una elección totalmente acertada.

Otro aspecto dentro de este estilo fotográfico, es el buscar una mayor o menor nitidez. Hoy en día se busca una gran cantidad de detalle, por lo que no es mala idea hacerse con un objetivo macro, que para reducir la nitidez, ya tenemos nuestros programas de edición (es más fácil restar nitidez que darla, tenerlo en cuenta).

Y cómo os dije en la primera parte, a partir de aquí, la decisión es toda vuestra.

En Xatakafoto:

• Elige la focal que necesitas (I).

Flickr es una de las páginas más importantes a nivel mundial en internet, donde podemos encontrar todo tipo de fotos y fotógrafos. Es por ello, que si nos tomamos un tiempo en buscar alguna foto en concreto o fotógrafos que sólo se dediquen a un estilo en concreto, seguro que acabaremos encontrando cientos.

Pero una cosa es encontrar un tipo de fotógrafo y otra cosa es que sea bueno.

Uno de los estilos que más me gusta ver y practicar, son la fotografía de moda y los retratos. Sobre todo los que se realizan con una buena iluminación, un buen maquillaje y en lugares inusuales. Es más, me encanta mirar las revistas de moda como ELLE o similares, por la cantidad de fotografías de gran calidad que se pueden encontrar.

Por eso, después de muchos meses añadiendo a mis favoritos cientos y cientos de fotógrafos de todos los estilos, ya sean con web propia o simplemente con cuenta en flickr, me veo en la obligación de compartir con vosotros, unos cuantos fotógrafos de retratos y moda que tienen cuenta propia en flickr y que no os dejarán indiferentes.

LJ Me encanta el procesado agresivo de sus fotos, y los colores oscuros tan profundos.

Vitor Shalom

Jackbritboy

Patrick Shaw

Andres Hernandez

Jan Rasmus Voss

Ryan Strong

Hoy hemos empezado por la moda, pero seguiremos realizando más listas con fotógrafos especialistas en otros estilos, ya sea en macro, paisajes o cualquier otra disciplina.

Foto | Herzeleyd