Tras los dos primeros artículos sobre fotografía deportiva y como puente hacia la fotografía de deportes de otro tipo que no estén relacionados como el motor o el mountain bike donde nos centramos hace unos días. Llegar no es fácil. Llegar a vivir de ello, se entiende. Por ello hemos querido contar con Juan Pablo Acevedo con el cual nos pusimos en contacto gracias a Javier Martín que desde el formulario de sugerencias nos puso tras la pista de este gran fotógrafo.

Juan Pablo Acevedo, en España a tenido la gran oportunidad de conjugar sus dos grandes pasiones que son la fotografía y el motocross, haciendo de ambas su medio de vida. Juan Pablo ha cursado en estos años fotografía en el Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña, iniciándose al tiempo en el campo profesional con su relación con la web MXTotal.

Hola Juan Pablo. Bienvenido a Xatakafoto.

Muchas gracias por contactar conmigo, es un placer colaborar con ustedes.

Cuéntanos un poco de sobre tu trayectoria profesional y sobre cómo te decantaste por la fotografía deportiva.

Siempre fui un aficionado al motocross y lo de estudiar fotografía vino uno poco unido a mi afán de tener un trabajo relacionado a este deporte. Primero comencé realizando un curso de fotografía con un fotógrafo de Lleida y al ver que realmente me gustaba decidí mudarme a Barcelona a estudiar en el Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña. Realmente he tenido mucha suerte de siempre conseguir mis objetivos, ya que comencé como sólo un aficionado y gracias a personas como Dani Hernández, Subcampeón de España de Supercross, que me ayudó a viajar por España con él, logré poco a poco ir conociendo y perfeccionando mi trabajo hasta llegar ser el fotógrafo de la revista Solomoto. Actualmente trabajo para cuatro revistas dentro del Grupo Alesport – SoloMoto, SoloMoto 20, SoloScooter, SoloMoto Off-road – además de ser fotógrafo freelance en el Mundial de Motocross.

Llegar hasta aquí no ha sido fácil, creo que he tenido la suerte de estar en el lugar indicado en el momento justo, ya que a Dani Hernández lo conocí gracias a que llamé a un técnico para que arreglara mi aire acondicionado de casa. El técnico tenía un hijo que corría en moto y éste fue el que me presentó a Dani. A partir de ahí, empecé a crecer como fotógrafo y siempre estaré agradecido a él y a su padre.

¿Por qué la fotografía de motor? en especial el motociclismo. ¿Es por la gran tradición motera que tiene nuestro país? ¿Qué tienen fotográficamente hablando estos deportes?

Yo nací en Uruguay y desde muy pequeño me gustó el motocross y el deporte en general. Sin duda, hacer fotografías de motocross es muy emocionante ya que cada vuelta de una carrera es diferente por que el trazado cambia muchísimo por la degradación de la tierra y además hay que contar siempre con el factor riesgo, ya que muchas veces estás muy cerca de los pilotos.

¿Realizas/has realizado trabajos sobre otros deportes?

He tenido la suerte de sacar fotos en muchas disciplinas como en MotoGP, trial, enduro, freestyle, fútbol, automovilismo, atletismo o, incluso la danza. Pero sin duda no cambiaría el motocross por nada.

¿Qué equipo utilizas?¿Sin que parte de tu equipo no podrías vivir?

Uso una Canon Mark III y ahora tambien una Canon 7D para comenzar con los vídeos. Y los objetivos: 300 2.8, 70-200 4, 17-35 2.8, 15 2.8, 50 1.8 de canon todos. No podría vivir sin el 300mm, al que considero el mejor para el deporte, por su calidad.

Algo sobre técnica. Danos 3 recomendaciones para nuestros lectores a la hora de realizar fotografía deportiva en general. Seguro que hay claves comunes a tener en cuenta en todos los deportes.

Cada vez que saco una foto siempre pienso cómo se gustaría ver al piloto en la foto. Creo que es muy importante involucrarte con el deporte que estás fotografiando para de esa manera saber que es lo más importante que se debe transmitir en cada situación. Sin duda en el deporte lo más importante es la acción, pero no hay que dejar de lado reflejar las emociones de la victoria o de la derrota.

¿Cuándo realizas una de tus fotografías en un gran premio, qué buscas, qué pretendes mostrar?¿Lo consigues siempre?

Decir que sí, sería mentir. Muchas veces nuestro propio estado de ánimo hace que consigas realizar un mejor trabajo. Yo personalmente, nunca estoy contento con las fotos que realizo, pero creo que es porque siempre me gusta mejorar. Cuando miro las fotos dos o tres días tras haber realizado el trabajo, siempre encuentro fotos que en un primer momento había descartado y finalmente las puedo utilizar.

Un par de cuestiones técnicas ¿qué ha de tener una imagen desenfocada y/o movida (para mucha gente), algo bastante común en esta disciplina, pero que sí funciona visualmente? ¿Cuál es la clave?

Sobre todo en los deportes de motor es bastante difícil transmitir la velocidad. Sin duda, la mejor manera de hacerlo es con un barrido, que es cuando consigues que el fondo esté movido y el objeto principal perfectamente enfocado. En automovilismo es bastante difícil conseguirlo. Muchas veces estás tan lejos de la acción, por ejemplo en Fórmula 1, que parece siempre que el coche está quieto y realmente va a 300km hora.

Otra, qué tratas de hacer o innovar en un campo, donde a veces las imágenes son muy similares o parecidas en cuanto a composición. ¿Queda algo por descubrir?

Durante una carrera es realmente muy difícil innovar ya que por cuestión de tiempo muchas veces tienes que entregar el trabajo justo al terminar la carrera. Sin embargo, cuando realizas trabajos personales, como por ejemplo con la revista SoloMoto, puedes utilizar flashes que hacen que las fotos sean un poco fuera de lo común.

Hace poco una marca conocida, ha tenido que pedir disculpas por comentarios en su cuenta facebook en relación a que dijo que un fotógrafo es tan bueno como su equipo. ¿Estás de acuerdo con esa afirmación?

Está claro que el material con el que trabajas siempre puede ayudar a realizar mejores fotografías, pero sin duda la fotografía no deja de ser un arte y sin duda el fotógrafo es lo más importante.

Según tu forma de trabajo, ¿es complicado el tema de permisos para acceder como fotógrafo a zonas restringidas?

En el Mundial de Motocross es necesario acreditarte para acceder al circuito. Esta acreditación la da el promotor del campeonato que siempre pide información sobre tu trayectoria profesional al igual que requiere información de cómo vas a cubrir dicho evento. En MotoGP o en F1 es mucho mas difícil acreditarse – por no decir imposible – ya que las exigencias son mucho mayores debido al gran número de medios que se acreditan. Por ejemplo, en la F1 tienes que realizar obligatoriamente todas las carreras de Europa para conseguir una acreditación.

Xataka Foto: Muchas gracias Juan Pablo. Ha sido un placer contar con tu experiencia en este campo.

Juan Pablo Acevedo: Muchas gracias a ustedes, la web está realmente muy bien y es el lugar perfecto para cualquier amante de la fotografía.

Esto ha sido todo. Decir que ha sido un auténtico placer charlar con Juan Pablo, el cual hace notar que respira la fotografía por los cuatro costados y con un puntito de humildad muy bueno. Continuaremos esta serie con otros deportes en próximas fechas. Te esperamos en Xataka Foto y recuerda, que el don está en la mirada del fotógrafo.

En Xataka Foto:

• Fotografía Deportiva: Apunta, dispara y corre (I)

• Fotografía Deportiva: Apunta, dispara y corre (II)

En Motorpasion:

• Cómo sacar buenas fotografías de coches

Más información | Juan Pablo Acevedo

Si en la anterior entrega nos concéntrábamos en cómo realizar correctamente la técnica de panning (seguimiento o barrido), aspecto éste que os sugiero releáis y practiquéis exhaustivamente pues es la clave principal, así como de las diferentes formas de configurar la cámara para obtener distintos efectos de barrido al realizar el disparo, en esta siguiente entrega nos vamos a centrar en otros aspectos que no, por tratarlos más tarde son menos importantes como son la elección correcta de los objetivos y su uso creativo, la composición y la iluminación.

La elección correcta de los objetivos

Uno aspectos de hoy que vamos a tratar son la elección de los objetivos. No me centraré en marcas ni nada por el estilo. Para ver su uso practico echad un ojo a la serie de José Barceló. Me centraré en el aspecto creativo y qué podemos hacer con ellos, entendiendo que cuanto mejor sea el objetivo, mayor calidad óptica y por lo tanto resultados mejores.

Sin embargo quiero aclarar una cosa. Por los comentarios del artículo anterior, tengo la impresión de que algunos fiáis todo al uso de un objetivo. Bien, comparto a medias esa postura. Intentaré explicarme. Como muchos de vosotros sabéis, para mí el aspecto más importante es la mirada del fotógrafo. Con esto quiero decir qué debemos saber, pensar, conocer e imaginar antes lo que querémos hacer. Posiblemente con un teléfono móvil, aún, no podamos hacer “bien” este tipo de fotografías hoy, quién sabe mañanan. Lo que digo, es que para ello hay que dominar la técnica, de nada, por ejemplo, nos servirá tener nuestro flamante 70-200 2.8 ultrasónico, motorizado y super-estabilizado que nos costó más de dos mil euros si no realizamos correctamente el panning porque nuestra postura corporal es débil y giramos mal. O si, no configuramos adecuadamente la cámara. O si, por ejemplo nos vamos al enfoque más clásico que apuntaba con tres tipos de velocidad y solamente probamos “exactamente” esas, y no variamos la profundidad de campo o experimentamos con otras velocidades no conseguiremos más que hacer siempre lo mismo. A eso me refería. Eso sí las pruebas, no las hagas cuando te encarguen un reportaje donde no puedes fallar.

Siguiendo con el tema del motor y el mountain bike como ejemplos de deportes, que suelen ser bastante accesibles para el público en general, una de las posibilidades que sueles tener durante las carreras de motos, motocross, rallyes o mountain bike es que como espectador no hace falta que estés permanentemente en el mismo sitio y puedes ir variando tu posición. Esto te ofrece buscar sitios mejores.

En mi opinión, puedes empezar con el propio zoom estándar que venga con el kit si no tienes otra cosa. No hay problema. No estoy hablando ahora de la calidad óptica tan pobre que, en comparación a otros objetivos superiores dan estos objetivos “kiteros”.

Tal vez en el mountain bike o el motocross probablemente podrás acercarte un poquito más que en los rallyes o en las motos debido a la peligrosidad. Con tu zoom básico puede en su extremo podrás tener un nivel de zoom más que aceptable para muchas de las ocasiones, además siempre puedes recortar la imagen y mejorar la composición. Así que si no tienes otra cosa, no te eches para atrás por el echo de no tener un teleobjetivo. Por el otro extremo podrás cubrir alguna toma más general, así que no es tan mala cosa. En la foto que vemos a continuación vemos una toma más general usando el angular, con un efecto realmente logrado.

Fotografía de Rodcasro en nuestro grupo de flickr realizada con una Olympus E-500, f/4, 1/10”, 7mm, ISO 800 debido a la poca iluminación.

En este tipo de deportes los competidores suelen seguir un recorrido fijo en cada vuelta. Fijo, salvo accidente. Así que por ejemplo, en el mountain bike es relativamente seguro poder realizar tomas “cercanas” con un angular, lo cual te dará unos efectos increíbles debido a la distorsión que suelen dar este tipo de objetivos. No digamos si utlizas un ultra-angular.

La elección de un tele objetivo te ofrecerá varias cosas, pero la primera es: seguridad. Podrás estar a mayor distancia. Aunque por contra perderás los efectos y las posibilidades de los angulares. Este tipo de objetivos te ofrecerá también la posibilidad de poder centrarte en detalles de los participantes y no ser intrusivo con los competidores.

Fotografía de Toni Torres en nuestro grupo de flickr, realizada con una nikon D700, 1/40, f/20, ISO100, 400mm

A vueltas con la composición

No nos engañemos. Podemos tener el mejor equipo del mundo y nuestras fotos ser horribles. La composición es uno de los aspectos fundamentales para que una imagen funcione visualmente. Hemos hablado de la post-producción muchas veces y de si es parte del proceso fotográfico o no. Ya conocéis mi opinión. Al igual que la edición, saber componer es fundamental, saber romper las reglas de composición es exactamente igual de importante.

Algo comentábamos en capítulo anterior sobre el enfoque. Como bien me decía mi compañero José Barceló. Preenfocar al suelo y desactivar el AF continuo….

Ya estás, Alfonso, pensarás, qué tiene que ver el enfoque con componer.

Muchos me diréis que tiene que ver con un tema técnico puro y duro y que así se facilita en lo fallar en la foto porque el enfoque continuo cambie a otro objeto. Pues sí y no. La gran falta de brío compositivo de las imágenes que nos podemos encontrar en la fotografía deportiva de acción es por culpa del autofoco. Todos los tipos de autofocos se encuentran diseñados alrededor del punto central de la imagen, creando la tendencia a centralizar y, por lo tanto, crear imágenes aburridas. Así si quieres mejorar tu composición, preenfoca al suelo o al punto por donde prevees pasarán los competidores, y recompone. Recuerda las diferentes reglas de composición.

Enciendan las luces, por favor

Y, ¿porqué no iluminar? Te has parado a plantearte darle este otro uso a tu equipo de iluminación. No tienes más que reunir a unos amigos (o tal vez tú mismo) fanáticos de la bicicleta, buscar una localización y proponerles una sesión fotográfica mientras dan algunos saltos con sus máquinas. Podrás conseguir grandes resultados. Así, por ejemplo, a última hora de la tarde con baja iluminación y una luz más difusa, es hora de sacar los flashes.

Fotografía de Gustavo Pozo Luque en nuestro grupo de flickr, f/8,1/250”,ISO 200, Flash SB-600 desde la izquierda a 1/1

En resumen, esta técnica no es básica. No pretendas dominarla el domingo que viene cuando te acerques a ver la competición. Pero sí puede ser el comienzo de una gran amistad. Y, recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

En Xatakafoto:

• Fotografía deportiva: Apunta, dispara y corre (I)

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín

Sin embargo, hay deportes de acción como puede ser el Mountain Bike o el Motocross donde esto cambia. Por eso tomaremos como ejemplo estos deportes. Tanto a nivel amateur como a nivel profesional el acercamiento es posible. Por eso, un zoom estandar puede ser suficiente para obtener buenas tomas. Eso sí quizás con el motocross tendrás que tener un poquito más de cuidado, obviamente. Las técnicas que veremos aquí en este artículo son fácilmente aplicables a otros deportes, donde prime la explosividad. Además de que muchas veces competiciones de moto cross o mountain bike suelen darse bastante a menudo por lo que es una buena manera de introducirse a la fotografía deportiva.

Hacer Panning

Es la técnica básica y fundamental para la fotografía de acción de cualquier tipo. El sujeto o motivo de nuestra fotografía se mueve rápidamente pasando delante de nosotros que permanecemos estáticos. Bien, esto puede parecer bastante obvio. La técnica de “panning”, consiste en hacer un seguimiento del sujeto según pasa por delante de nosotros realizando las fotografías (en modo ráfaga normalmente). Utilizar el modo ráfaga te permitirá aumentar las posibilidades de tener una imagne nítida del sujeto así como la de obtener una buena composición.

Oye, Alfonso, pero cuál es el truco. Seguir al sujeto con exactitud a través del visor de nuestra cámara es la clave. Vale, sí, estarás pensando: lo sé, pero no me sale, qué hago mal.

Veamos cómo funciona el proceso. Cuando realizas una toma, el obturador está abierto durante un corto período de tiempo. Durante esa fracción de tiempo las lentes proyectan la imagen del sujeto sobre el sensor. Hasta ahí, es fácil de entender. Ahora viene la miga. Si lo proyectado se está moviendo mientras el obturador está aberto la imagen resultará desenfocada. ¿Entonces? Pues la solución la vais intuyendo ya ¿verdad? Así si lo que queremos es que el ciclista o el piloto aparezcan nítidos según pasan delante nuestro deberemos compensar ese movimiento mientras está aberto el obturador. Así si el movimiento es de izquierda a derecha, como en la fotografía de portada que realicé hace unos años, nosotros giraremos el cuerpo de izquierda a derecha según pasa la moto. Entendido.

Vale. Entendido, Alfonso. Lo he probado pero aún me sale mal.

Bien, probablemente se me olvidaba comentarte: hay que entrenarlo, no suele salir a la primera. Mantén una posición firme con los pies ligeramente ladeados un poquito hacia fuera. Deja la cadera relajada. El movimiento debe ser suave pero firme, como el swing de los golfistas. Cuando pase nuestra presa realiza el movimiento acompasado girando y siguiendo según pasa. Dispara en ráfaga. Una vez haya pasado, revisa las tomas, realiza algo de zoom y verifica la nitidez de las imágenes realizadas. El motivo debe estar nítido y el fondo debe presentar desenfoque de movimiento.

Fotografía de alba-7 en nuestro grupo de flickr

Un pequeño truco. A través del visor no trates de seguir toda la bici o la moto. Concéntrate en una parte concreta, por ejemplo el casco. Esto suele dar mejores resultados además que recuerda que si en los retratos la importancia principal reside en enfocar los ojos, aquí tener bastante enfocado la zona de la cabeza dará imágenes que funcionan visualmente. Eso sí, con una telemétrica a diferencia de una réflex, como me recordaba mi compañero Javier Prieto, no perderás de vista el objeto la vista al disparar las tomas.

Y un consejo, practica la velocidad de rotación. Practica, practica y practica. Esto te dará la técnica correcta para conseguir tanto diversos efectos como imágenes nítidas. Así podremos centrar el enfoque donde queramos. Fíjate en la siguiente fotografía, ¿dónde hay mayor grado de nitidez?

Fotografía de alba-7 en nuestro grupo de flickr

Configurar la cámara para hacer un panning correcto

Si bien hemos visto cómo realizar la técnica, es decir, como realizar el movimiento de forma correcta, es preciso conocer exactamente cómo debemos configurar el setup de nuestra cámara.

• Enfoque continuo es lo más recomendable. Aunque como bien me apunta Jose Barceló, puedes enfocar sobre el suelo por donde pase el sujeto, lo dejas en manual y cuando pase haces el recorrido. Esto lo puedes hacer si tu enfoque continuo no es muy preciso.

• Es recomendable usar ISOs bajos para minimizar el impacto del ruido. Si tenemos ruido sobre el fondo desenfocado el efecto perderá visualmente.

• Configurar una velocidad alta de obturación (1/250” o superior) nos permitirá congelar el sujeto perfectamente, aunque hay que decir con una velocidad de obturación tan rápida nos será más fácil realizar el correcto seguimiento del sujeto pero, a cambio, el fondo tendrá un menor desenfoque de movimiento. Para no fallar y conseguir congelar el sujeto, una velocidad de 1/500” es lo indicado. ¡Ojo, si disparas utilizando el flash! Normalmente la sincronización máxima entre el flash y la cámara en la mayoría de las marcas y modelos suele estar entre 1/200” y 1/250” por lo que si vas a utilizar una velocidad superior no podrás o deberás tener la posibilidad de utilizar HSS o sincronización a alta velocidad.

• Configurar una velocidad lenta como 1/60” te permitirá dos cosas: realizar el seguimiento del sujeto en movimiento es más complicado pero, a cambio, aumentarás la cremosidad del bokeh del fondo. Es decir la sensación de movimiento será mayor.

• ¿Qué velocidad es la correcta? Prueba y practica con ellas no hay una respuesta. Incluso disparar a 1/15” según giras puede darte muy buenos resultados, siempre que en este caso la cara del sujeto quede bien enfocada. Como podéis ver en esta imagen a continuación.

Fotografía de macg5555 en nuestro grupo de flickr disparada a 1/13” y f/22.0

• Un enfoque clásico del tema, como me apunta mi compañero Jose, nos apunta el siguiente truquillo: un coche en ciudad (1/50”), un coche en carretera (1/125”), un fórmula 1 (1/250”). Aunque al final has de calcular y probar para conseguir el efecto deseado.

• Utiliza aperturas cerradas: f/8 f/9 o f/11 o incluso f/16 … disparar con una apertura muy abierta como f/1.8 reduce mucho la profundidad de campo y por tanto la posibilidad de enfocar bien al sujeto en movimiento se hace complicadísima.

Dos últimos apuntes, que no tienen que ver con la configuración: cuida el ángulo de inclinación. Según sea obtendrás diferentes efectos de desenfoque de movimiento. Y, el segundo, antes de disparar: visualiza el sujeto pasando delante de ti y a ti realizando la toma. Esto te ayudará a concentrarte en un punto focal y realizar mejor el enfoque. A mí me funciona. Aunque esto último tiene algo más que ver con la psicología deportiva.

En la segunda parte hablaremos de la composición, la iluminación y la elección de los objetivos adecuados para este tipo de fotografía. Os esperamos en Xatakafoto, y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo.

Fotografía de portada | Alfonso Domínguez Lavín

Si hay una serie de cámaras de foto y vídeo digitales, en alta definición, y asociadas a los deportes de aventura y a las situaciones más espectaculares, es de la GoPro. Ya os hablamos en su momento de sus capacidades en el aire, y hoy las retomamos con cinco vídeos que las han utilizado, encabezados por esta caída a la tierra desde los cielos.

Aunque de por sí la cámara realizó la grabación a 60 tomas por segundo, el vídeo se aderezó convenientemente con Twixtor, uno de los plugin de moda, que crea en postproceso todas las tomas intermedias necesarias para simular velocidades de grabación mucho más altas, y por tanto reproducciones en cámara lenta más llamativas.

Si os ha gustado este primer vídeo, preparad las palomitas, que vamos a ver algunos de los usos más curiosos que hemos encontrado para estos juguetes de alta tecnología.

Después de una dura ascensión, desde lo alto del pico recién coronado, los esquiadores graban el horizonte y se preparan para el descenso. Entre bromas y sonrisas se colocan el equipo, y de repente, un peligroso traspiés desde lo alto de una montaña nevada que está a punto de costarle la vida a su protagonista.

Si os surge la duda, podemos asegurar que el autor sobrevivió sin demasiados daños, porque subió el vídeo por su propia mano.

Cerrando la tanda de vídeos espectaculares, os dejamos con una recopilación de lo mejor del año pasado realizada por el propio fabricante, y que tiene un poco de todo: deportes de nieve y de agua, skate, BMX, motocross, carreras de coches, e incluso wingsuit. La edición y la música hacen que los casi seis minutos se pasen en un suspiro.

Pasando ya a lo curioso, éste es un buen ejemplo de cómo aprovechar la cámara para las situaciones más insospechadas: una cámara, una espada, y un poco de cinta americana son suficientes para crear un vídeo basante resultón.

Una de las maneras más habituales de usar las cámaras GoPro, como ya habréis visto, es acoplarlas a un casco para ofrecer una visión similar a la de la persona que está grabando. Con esta idea, equipación de airsoft, y mucho espíritu gamer, los autores organizaron un auténtico juego de disparos en primera persona. No os perdáis el “como se hizo”.

Si os han gustado estos vídeos, estad atentos, ya que en breve ampliaremos la información sobre estas cámaras con más datos y experiencias de primera mano.

Estos días hemos tenido unas cuantas noticias con respecto a la posibilidad o no de realizar fotografías en los Juegos Olímpicos de Londres en el 2012. El revuelo vino porque en las condiciones de venta de entradas se indicaba la prohibición de acceder al recinto con “equipos fotográficos grandes (incluyendo trípodes)”, lo cual llevó a declaraciones aún más enrevesadas acerca de que se podía tomar también en cuenta la “potencia de los objetivos”, y no sólo el tamaño.

La última aclaración, con fecha de ayer, indica que están estudiando limitar el tamaño total a aproximadamente un pie (algo más de 30cm), con el objetivo de evitar problemas de visión a otros espectadores. Por supuesto, también estará prohibido el uso comercial de las imágenes que se tomen desde las gradas.

En cualquier normativa es complicado contentar a todos, y aquí se cruzan los derechos de los espectadores (que quieren llevarse un buen recuerdo a casa, y disfrutar de su afición en un momento irrepetible), los profesionales (que quieren defender su trabajo y evitar el intrusismo) y la organización (que tiene que contentar a todos, y llevarse su parte correspondiente).

El gran problema viene por el factor usado para determinar los límites. ¿Es realmente el tamaño de la cámara y los objetivos el más adecuado?

Ciertamente, hay factores como la distancia focal, la apertura, o el tamaño del sensor, que son proporcionales al tamaño del equipo, y que entran en juego tanto para eventos deportivos (teles largos y velocidades de obturación rápida) como para otros con poca iluminación como los conciertos (sensores con poco ruido y grandes aperturas), pero no siempre es necesario tener una Nikon D3s con un 600mm, o una Leica M9 con un Noctilux.

Si la organización quiere evitar las “fotos profesionales”, hay que pensar que equipos relativamente modestos (una reflex de iniciación con un fijo luminoso) pueden hacer grandes fotos. Además nos ahorrarán en muchos casos utilizar el flash, que puede ser un verdadero incordio para nuestros compañeros espectadores.

De hecho, es común ver eclipsados muchos grandes momentos de nuestro espectáculo favorito (sea la banda de moda o una procesión por las calles de nuestro pueblo) por una nube de pantallas de móviles y flashes de compactas, mientras el reportero de turno pasa desapercibido sin molestar a nadie con una cámara de gama media.

En algunos casos se esgrime que este tipo de cámaras pueden también ser un problema de seguridad, si es que a alguien se le ocurre utilizar su cámara full-frame con un carísimo y luminoso teleobjetivo como arma arrojadiza. Cabe pensar en este caso si no es más fácil tirar un zapato, o alguna otra cosa que tengamos a mano.

En mi modesta opinión, el verdadero motivo es puramente económico: la gestión de derechos de las fotografías. Esto no es necesariamente malo (puede ser una manera de proteger el trabajo de los profesionales que están a pie de campo, o de garantizar la financiación de futuros espectáculos), pero no me parece ético disfrazarlo tras estrambóticas declaraciones.

Al final, mientras los organizadores de Londres 2012 discuten su postura definitiva, los aficionados seguiremos pasando de contrabando nuestras pequeñas joyas en la entrada de los conciertos, tratando de sacar “la foto” entre una maraña de deslumbrantes móviles de penúltima generación.

Foto | Alex Tamarit, Marco Antonio González Valdés, y Jesús Vallejo, de nuestro grupo de Flickr
Fuente | Amateur Fotographer (primera, segunda y tercera noticia)

Hace poco contacté con Joel Grimes, un fotógrafo del que admiro sus trabajos y al que vengo siguiendo desde hace un año. Incluso hace unos meses me permití el lujo de tratar de imitar su estilo en mi propia galería de flickr con esta fotografía de mi hijo Diego.

Joel Grimes es uno de los grandes fotógrafos de publicidad en el mundo. Joel es un artista que mezcla Realidad y Fantasía. Mucho toque de realidad y esa pizca de fantasía onírica es la gran receta de sus imágenes. Su gran experiencia, su extraordinaria fotografía y su poderosa técnica de retoque fotográfico le han convertido en un gran fotógrafo. Joel se graduó de la Universidad de Arizona 1984 con un BFA en Fotografía, y poco después se mudó a Denver, Colorado para montar una tienda como fotógrafo comercial.

Durante años ha trabajado para algunas de las principales agencias publicitarias de todo Estados Unidos así como para clientes como AARP, AT&T, Best Western, Boston Market, Case Logic, Chimera, Colorado Rockies, Denver Broncos, Discovery Channel, Goldman Sachs, Hewlett Packard, Hyatt, Phillips 66 Aviation, Pentax, Philip Morris USA, National Geographic, Nikon, Qwest, Red Robin, Roper, Ruger, Sony, Trimble, USA Boxing, Village Inn,  Visa, Volvo and Xcel Energy. Sus proyectos de realidad y fantasía le han llevado por todo los Estados Unidos así como por más de 50 países alrededor del mundo.

He decir, antes de dejaros con la entrevista a Joel Grimes, que Joel me ha parecido una persona extraordinariamente cercana y muy humilde. Da gusto encontrar gente como él tan dispuesta a colaborar. Disfrutad que merece la pena.

Xatakafoto: Hola Joel, gracias por tu tiempo

Joel : Hola, gracias a vosotros por vuestro interés en mi trabajo.

Xatakafoto: Cuéntanos un poco sobre ti.

Joel: Bien, he sido fotógrafo profesional desde 1985 y principalmente he trabajado en el sector publicitario. Siempre me he visto un artista y nunca he dudado ver la fotografía como proceso creativo. La fotografía es la mejor representacion de la realidad, y, por lo tanto, me veo a mi mismo como un ilusionista, mezclando dos mundos, entre lo percibido realmente y la fantasía. Me gusta presentar a mis modelos como gente íntegra.

Xatakafoto: ¿Dónde vives?

Joel: Tengo mi hogar en Tucson, Arizona, aunque tengo un estudio en Los Ángeles, California. Trato de pasar 2 semanas al mes en cada lugar.

Xatakafoto: Tus fotografías deportivas me parecen impresionantes.¿Cómo empezaste con ello?

Joel: Los atletas resultan ser grandes modelos, aunque debería decir que desde un principio me atraían sujetos a fotografiar. Así, el esquema de 3 luces que he estado usando en los últimos años es perfecto para este look de fotografía deportiva.

Xatakafoto: ¿Qué diferencias encuentras entre fotografiar modelos y atletas?

Joel: La principal dieferencia al fotografiar modelos y deportistas, es que tiendo a suavizar la luz. Normalmente lo que suelo utilizar es grandes difusores o acerco más los difusores pequeños. Además, en los modelos la piel juega un papel muy importante en el proceso y esto fuerza tu atención hacia la luz y el retoque.

Xatakafoto: ¿Qué tipo de cámaras utilizas?

Joel: Pues actualmente uso una Canon 5D Mark II

Xatakafoto: Usas Canon, entonces. ¿Algún motivo en especial o es una elección personal?

Joel: He utilizado Nikon durante más de 25 años y no he sido más feliz. Pero cuando comenzó a desarrollarse la carrera por la fotografía digital, Canon me pareció un paso por delante de Nikon con sus cámaras de sensor completo y esa fue la principal razón por la que me cambié. Pienso que esa carrera se ha igualado bastante, aunque sigo siendo un fan de Canon. Sin embargo, he de confesar, que la cámara no hace al Fotógrafo.

Xatakafoto: ¿Cuál es el mejor de tus objetivos o el favorito?

Joel: Soy un fanático de los angulares. Muchos de mis retratos deportivos están realizados con un 24mm y la mayoría de los fondos con un 16mm. Me gusta ese look de perspectiva forzada y los objetivos ultraangulares ayudan a conseguir ese resultado. Creo que es la principal cualidad que ha marcado mi carrera.

Xatakafoto: Joel, ¿Nos podrías dar algún consejo para la gente que empieza?

Joel: Por supuesto: “Dispara con lo que tengas”. Que no caigan en la trampa de necesitar una tonelada de equipo para crear. Tú puedes sorprender al mundo con solo una cámara y un objetivo.

Xatakafoto: Cuando estás fotografiando siempre tienes en cuenta la posibilidad de …

Joel: Pues que siempre intento dejar que las tomas sigan su curso natural. No trato de agobiar al modelo. A veces puedo pedir repetir las tomas pero muchas veces dejo que luego me sorprendan.

Xatakafoto: Una de las primeras cosas que me llamó la atención de tu galería de fotos, es el efecto hiper-realístico de tus imágenes. Pero entonces pensé, es solamente técnica, lo más importante es la foto que hay detrás. Sin embargo, cuéntanos un poco.

Joel:  Como ya he mencionado, me veo a mi mismo como un ilusionista. Mis imágenes tienen ese toque realista en cuanto representación de la realidad pero con un toque de fantasía. Durante años, he estado iluminado a los modelos en exteriores y oscureciendo los fondos usando sincronización de alta velocidad. La mayoría de mis imágenes tienen dos partes, los modelos en un estudio con fondo blanco y los fondos exteriores procesados como HDR de 5 tomas con 1 paso de exposición. Después lo mezclo en Photoshop y uso gran cantidad de capas para conseguir ese look desaturado que suelo darles. Para lograr el procesado que actualmente uso, básicamente me encierro durante unas 2 semanas y trabajo la imagen de principio a fin casi unas 100 veces hasta que logro exactamente el toque que busco. En cuanto a la iluminación, la mayor parte de mis fotos deportivas y del mundo del  espectáculo, uso el esquema de 3 luces para conseguir ese efecto dramático que puedes ver.

Esquema básico de 3 luces que usa Joel, elaboración propia.

Joel: Pienso que es realmente imposible aprender iluminación por el simple uso de los diagramas. Aunque sí, es cierto que te pueden dar una visión general de dónde están colocadas las luces, pero la iluminación no es un proceso técnico en sí. Es un proceso intuitivo, emocional y emotivo. Desde una perspectiva creativa-artística el cómo la luz toca la cara solamente puede ser medido físicamente de dos formas visualmente: en el pasado, usaba una polaroid, y ahora, por supuesto, tenemos un monitor digital que nos ayuda en el proceso.

Xatakafoto: ¿Cuál es lo más importante a la ahora de disparar?¿Alguna pista?

Joel: Tengo una frase para ello. “Un aparato no puede tomar una decisión creativa, eso está reservado para la mente humana”. Así la intuición debe ser tu guía, no un instrumento como el fotómetro o el historgama. Sé un artista, déjate llevar por la intuición.

Xatakafoto: La foto que todavía no has hecho es …

Joel:  Nunca hay escasez de modelos a los que fotorgafiar. Aún sigo explorando el campo de los atletas como materia de estudio y hay algunos atletas profesionales a los que me encantaría tener la oportunidad de retratar.

Xatakafoto: Uno de tus últimos trabajos ha sido …

Joel: Acabo de terminar un trabajo sobre 11 jugadores profesionales de baloncesto que forman parte de la Street Ball League.

Xatakafoto: ¿Cuál es la parte más divertida de ser un fotógrafo?

Joel: La fotografía pienso que te abre puertas a la vida de la gente que de otra forma no existirían. Me encanta la idea capturar la personalidad de alguien.

Xatakafoto: Tus workshops son bastante conocidospero cuéntanos un poco.

Joel: Bien, intento hacer al menos un workshop al mes en mi estudio de Los Ángeles. Además trato de hacerlos en diversas ciudades de EEUU según el tiempo me lo permita. Este último otoño, he realizado algunos workshops en Reino Unido e Israel.

Xatakafoto: ¿Para cuándo un workshop de Joel Grimes en España?

Joel: Me encantaría ir a España. Pienso que serían un cielo muy HDR. Lo único que necesito es una invitación.

Xatakafoto: Hecho Joel. Y ¿workshops online?

Joel: No estoy muy seguro de ello. Ya veremos que depara el futuro. En mi blog podéis ver gran cantidad de información en www.joelgrimesworkshops.com. Tenéis varios tutoriales que cubren mis procesos de iluminación para los tratamientos que hago con Photoshop.

Xatakafoto: Gracias Joel, ha sido un placer conocerte. Espero que el día que vengas a España nos llames.
Joel: ¡Eso está hecho!

Más información | www.joelgrimes.com  y su galería en flickr

El boxeo siempre ha sido un motivo fotográfico (y también cinematográfico) muy bien parado. Una disciplina deportiva que tiene unas connotaciones muy especiales: dramatismo, espíritu de lucha, entrega física, concentración… y también una cierta ceremonia que lo rodea y le otorga un carácter muy humano, muy duro.

Los interiores de los gimnasios, el entrenamiento, la preparación, la estrategia… son más escenarios que han sido bien retratados. También las grandes estrellas pugilísticas. Reconozco que el boxeo me atrae visualmente y quizás sea gracias a lo bien que ha sido retratado por la fotografía (y el cine). Desde la intimidad del púgil en su entrenamiento a las grandes citas con miles de espectadores y todo un show alrededor. El boxeo es un motivo fotográfico muy estimulante.

Hay varios fotógrafos deportivos fantásticos especializados en la materia pero hoy quería hacer parada en Marco Crupi, un joven talento italiano que afronta la fotografía y sus géneros sin complejos, con valentía y un buen conocimiento del medio. La fotografía callejera es una de sus especialidades, pero también tiene imágenes poderosas sobre el mundo del boxeo. Es un artista visual prolífico, inquieto y con ganas. Su imágenes de boxeo demuestran su talento y lo bien que ha sabido capturar la esencia de esta disciplina. Buena prueba es el vídeo con el que acompañamos este post.

Marco Crupi | Blog y en Flickr
Vídeo | MarcoCrupi en YouTube

Con la aprobación y puesta en marcha de la Ley contra la Violencia, el Racismo, la Xenofobia y la Intolerancia en el Deporte, se modifican las condiciones de acceso y permanencia en los recintos deportivos. Y ésta nueva Ley, nos afecta también a los fotógrafos, dado que concretada en el Real Decreto 203/2010, no se prohíbe expresamente la entrada de cámaras réflex a los estadios de fútbol aunque si tiene un punto, en el que las prohíbe indirectamente:

Productos que superen los 500 gramos de peso ó 500 mililitros de volumen y puedan ser utilizados como elementos arrojadizos.

Esto nos lleva a que prácticamente todas las cámaras réflex del mercado actual pesan más de 500 gramos, se prohíbe la entrada de cualquiera de ellas. Aunque se salva la Canon EOS 1000D, ya que su peso es algo inferior a los 500 gramos siempre que no llevemos un objetivo montado en ella. Y como objetivo ligero, podríamos pensar en el Canon EF 50mm f/1.8, que pesa 130 gramos. En conjunto, la cámara supera el límite de peso permitido, pero por separado no.

¿Podremos entrar alegando que separados no superan los 500 gramos? Probablemente tengamos que explicarle a los vigilantes de seguridad que una cámara réflex, por su valor económico, deja de ser un elemento arrojadizo.

Foto | illarterate

Esta cámara, capaz de grabar a 1080p y sacar fotos de 5MP viene con una estanqueidad ip 67, permitiéndonos sumergirla hasta los 20 metros. Si te gusta el Tríal o el Surf seguro que te resultara ideal para capturar tus experiencias. También trae un puntero láser para alinear la cámara correctamente y los resultados que obtengamos podremos visionarlo en nuestro ordenador, ya sea Mac o PC e incluso conectarla a un televisor HD.

El GPS, que será un extra disponible en Septiembre, nos permitirá trazar nuestros recorridos en Google Maps o Google Earth. Su precio ronda los 300 euros, el cual resulta asequible si eres de los que gustan de este tipo de deportes, además de aficionado a la fotografía. Esta minúscula cámara que podremos afianzar al manillar de una bici o incluso en el casco sera el compañero perfecto para grabar todos tus movimientos.

Página oficial | Oregon Scientific

Siempre me ha gustado ver como la gente practicaba Skate. Aunque tengo que reconocer que nunca he intentado subirme a una tabla, prefiero verlo a los demás o simplemente mirarlo en revistas. Lo que más me llama la atención de este deporte es lo visual que es, las virguerías que esta gente puede llegar hacer con un skate debajo de sus pies y como saben manejarlo.

Es por eso, que hoy me gustaría daros unos consejos para ayudaros hacer mejores fotos a estos deportistas, en lugar de estar sentados viendo como hacen trucos, y por que no decirlo, ver como se caen. Mientras tanto, les podéis hacer unas fotos que seguro que os lo agradecen.

Primero de todo tenemos que escoger que tipo de objetivo utilizaremos para hacer las tomas. Podemos usar un objetivo de gran angular o un ojo de pez para poder captar al patinador, la tabla y el truco que hagan. Normalmente este objetivo se suele utilizar para las fotos que se hacen de saltos. Otra opción, es fotografías desde lejos con un teleobjetivo, para hacer una composición más general.

Foto | Adriano Agulló

Mirar la velocidad de obturación

Nos tenemos que asegurar que la velocidad del obturador sea rápida (1/200), especialmente si el patinador se mueve mucho y es muy rápido. Si nos encontramos en una zona dónde haya poca luz, siempre podemos utilizar una velocidad de obturación lenta o tirar de flash. Aunque yo no soy muy partidaria de usarlo.

Composición

Antes de hacer la foto, tenemos qué tener en cuenta que queremos fotografiar. Para eso es de gran utilidad saber en todo momento lo que va hacer el patinador, de esa forma tendremos una ligera idea de dónde nos podemos mover y mirar sobretodo el principio y el final de la rampa o el lugar dónde vaya hacer el truco.

Una opción para hacer este tipo de fotos es hacerlas en contrapicado, es decir, disparar desde abajo hacia arriba, el resultado siempre es más espectacular y transmite mucho más. Si hace falta nos ponemos en el camino del patinador, siempre y cuando no le molestemos.

A la hora de hacer la composición, a parte de lo que os he comentado, tenemos que mirar también que la persona salga entera, ni cortar articulaciones ni cortarle la cabeza.

Si hacemos fotos de los trucos que se hagan en el aire, nos tenemos que asegurar de hacerlas en el punto más alto. Si a la primera no nos sale bien, no tenemos que desesperar. Los skaters son bastante repetitivos y suelen hacer los mismos trucos, así que después de un par de fotos seguro que le pillamos el tranquillo.

Foto | Adriano Agulló

Disparo

Disparar, disparar y seguir disparando. Ahora con las réflex digitales no tenemos que tener miedo a hacer miles de fotografías. Cuando toque el momento del procesado ya haremos una clasificación más selectiva y nos quedaremos con las que más nos gusten, mientras tanto, a disparar.

Ser creativo

No tenemos que tener miedo de hacer algo nuevo, sobre todo experimentar con las secuencias, jugar con la profundidad de campo. También podemos utilizar flashes y luces diferentes, fotografiar no solo a los skaters sino también a los que les estén haciendo un video. No tenemos que olvidar que el skateboarding es una cultura diferente, y se pueden hacer muchas fotografías asombrosas.

Foto cabecera | tilyudai
Via | thephotoforum