Nuestro compañero Sergio Fabara ha contado las tres cosas que más le han gustado de la fotografía móvil. Yo he tenido una experiencia similar a la suya con estos dispositivos a lo largo de esta época extraña y todavía no veo que se vayan a convertir en una herramienta habitual de mi trabajo como fotógrafo profesional. Así que voy a presentar, de forma razonada, las tres cosas que menos me gustan de la fotografía móvil.

Sé que me estoy metiendo en camisa de once varas por escribir este artículo, porque está de moda desprestigiar en las redes sociales a todos los que no pensamos según la norma vigente. Que conste que nunca diré que un teléfono es mejor o peor que cualquier otro tipo de cámara.

Lo que siempre diré es que cada cámara tiene su propio terreno. El fotógrafo tiene que saber cuál es el equipo que más le conviene para desarrollar su trabajo. Nunca he visto a los que trabajan con cámaras de banco llevarse las manos a la cabeza porque nadie más las utiliza... Pero con esto de los móviles pareces un sacrílego si dices algo malo.

¿Móvil o cámara réflex?

Y lo que me llama más la atención, todo esto se está convirtiendo en la absurda lucha entre los canonistas y los nikonistas de antaño. Lo importante es la fotografía en sí, no la herramienta que utilices, creo yo. Y cada trabajo te dicta lo que necesitas...

Así que vamos a ver las cosas que menos me gustan de la fotografía móvil. Es solo otro tipo de cámara más, no es el nuevo rumbo de la fotografía. Y es mi experiencia personal, solo eso.

Poca ergonomía

Una de mis cámaras favoritas es la Canon T90, el monumento a la ergonomía. Esa cámara le sienta a la mano como un guante. Podías trabajar con una sola mano, si querías, sin problema alguno. También es muy cómoda, y en las antípodas de la Canon, la Leica M. Nunca tendrás la sensación de que se te puede caer...

Me gustan las cámaras que se sujetan bien y dejan espacio para maniobrar con la izquierda. Para que no me llaméis viejales, ahora recuerdo lo cómoda que es la Sony A7RIV o cualquiera de las nuevas Panasonic S.

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Y una cosa fundamental para mí. Todas estas cámaras, réflex o sin espejo, tienen un tercer punto de apoyo que es el visor. Te permite apoyar la cámara en la cara y aislarte para disparar en el momento que quieras.

Con trípode todo mejora

Esto es lo que se pierde en los teléfonos móviles. Es verdad, son más pequeños y discretos, pero no hay forma de cogerlos correctamente y no tienes el visor para tener ese apoyo extra.

He intentado trabajar con un trípode, pero creo que es traicionar la esencia de estos dispositivos y aparentemente carece de sentido. Eso sí, la calidad que consigues es impresionante y me lleva a mis experiencias cuando me pierdo por el monte con mi trípode y mis cámaras...

No deja reposar la fotografía como el buen vino

Vivimos en un mundo de locos en el que se quiere todo ya, ahora mismo, sin falta. Haz la foto y compártela ya. O revela rápidamente en la misma pantalla del móvil porque la quiero ver ya. Esa es la sensación que tengo.

Una de mis mayores aficiones y que me sirvió de mucho durante la pandemia fue volver a ver mis fotografías y encontrar mis pequeños tesoros ocultos. Imágenes que no vi en el momento y que ahora me gustaban mucho.

Siempre he pensado que no tiene sentido revelar las fotos nada más terminar el viaje, así que tampoco le veo sentido hacerlo después del disparo. Es imposible saber en el mismo instante que la fotografía es buena.

Tarde en descubrirla

Puedes tener una intuición alguna vez (hay veces que sabes que ese es el disparo) pero en general hay que dejar reposar y descansar la mente y no dejarte llevar por las experiencias vividas en ese preciso instante posterior al disparo.

Los móviles buenos son caros y marcan mucho la diferencia

Esto es quizás una de las cosas que más me molestan de la fotografía móvil. Las diferencias entre un móvil u otro son tremendas. Es imposible hacer una foto igual con un móvil de 200 que con otro de 1200 €.

Sin embargo entre las sin espejo, siempre que tengas un buen objetivo, las diferencias son mínimas. Esa es la clave en las cámaras, el objetivo es el que marca la calidad. Es verdad que algunos sensores son mejores que otros... pero a partir de 500 € todas las cámaras ofrecen hoy la misma calidad, al menos en las sensibilidades bajas y medias.

Pero compara la diferencia entre un Xiaomi MiA3 o un Google Pixel... O compara cualquiera de estos con un Huawei P50 Pro... para encontrar un móvil por menos de 500 $ en la página de DXOMARK tienes que bajar hasta el puesto 46 con el OnePlus Nord 2 5G...

Es verdad que los precios bajan al cabo de los meses y que puedes encontrar ofertas maravillosas, pero no es justo que estemos a merced de las modas... Una Nikon 3200 con un buen objetivo fijo a 400 ISO no tiene nada que envidiar a la última Sony de formato APS-C con un objetivo similar.

Un buen terreno para los móviles

Pero esto hoy por hoy es imposible en el mundo de los móviles. Falta mucho recorrido en este segmento... Los precios están disparados y no están al alcance de todo el mundo.

Con el tiempo esta fiebre remitirá y la calidad técnica se igualará. Seguirá habiendo móviles punteros y otros mucho más asequibles con una calidad similar y suficiente en un rango amplio de sensibilidades y en cualquier situación de luz.

Hasta entonces yo solo utilizaré los móviles que tengo para apuntes fotográficos, disparos esporádicos y sobre todo para aprender y no quedarme atrás (no me niego a utilizarlos, faltaría más). Y sé que a muchos les pareceré un carroza, pero creo que hasta ahora todos éramos libres de fotografiar como nos diera la gana, no con lo que dijeran unos cuántos...

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Ahh... y que nunca os juzguen por elegir una cámara u otra. Espero que solo os digan si vuestro trabajo es bueno o malo por lo que comunica... La mirada nunca tiene que depender de la cámara... Si es así, se están perdiendo muchas cosas.

La fotografía no tiene nada que ver con la ciencia... la fotografía es arte... no se puede resumir la creación fotográfica con números...Resulta que la fotografía digital tiene que ver mucho con las matemáticas y si alcanzas a comprenderlas todo será más lógico a la hora de disparar.

Soy muy malo con las matemáticas. Nunca me he llevado bien con ellas. Y mucha culpa la tiene un profesor de EGB que, si no llega a ser por la gente que me rodea, me hubiera hecho llorar muchas veces. Era tan malo que el primer día de clase nos señaló con el dedo a unos pocos y vaticinó que íbamos a suspender... incluso dijo delante de mis padres algo que nunca se debería decir de un niño... Una pésima persona que nunca debería haber tenido el título de maestro.

Pero no hemos venido a hablar del pasado y de las malas personas, sino de la dependencia de la fotografía digital de las matemáticas. Antes tenía que ver más con la física y la química. Pero esta última ciencia se ha visto sustituida por la de los números.

Las matemáticas están presentes en muchos de los pasos que damos para revelar una fotografía, desde la formación de la imagen hasta el análisis y revelado de la misma. Cuando te pones a investigar un poco del tema echas de menos no haber tenido mejores profesores que te hubieran animado más a meterte de lleno en los números.

Por suerte ahora la información es más accesible y no puedo dejar de recomendar el vídeo de Eduardo Sáenz de Cabezón que ha desencadenado este artículo. Aquí están las claves para entender y comprender de una vez por todas qué es realmente un formato JPEG y por qué se forma una imagen digital.

Las matemáticas del formato JPEG

Muchos de los que nos dedicamos a enseñar fotografía, en el momento que nos toca hablar de los diferentes tipos de formatos, explicamos que el popular JPEG es un formato comprimido. Y empezamos a desarrollar en qué consiste con el miedo de adentrarnos en un terreno que no dominamos.

Sabemos que se divide la información en grupos de 64 píxeles. Y que gracias a complejas fórmulas matemáticas consigue aligerar el peso de información con una cierta pérdida de calidad en función de la compresión que se aplique y de las veces que se guarde. Pero nunca he utilizado términos matemáticos correctos.

Los 64 pixeles

Era incapaz de profundizar más fuera de la fotografía. Sabemos lo que pasa, recomendamos lo que no se puede hacer fruto de la experiencia, pero no podíamos explicarlo en términos matemáticos. Hasta ahora.

Gracias a Eduardo Sáenz de Cabezón que lleva el canal Derivando, entre otras muchas cosas, empezaremos a hablar de la transformada discreta del coseno en dos dimensiones y la tabla de cuantización sin hacer mucho el ridículo...:

Básicamente tenemos que pensar en convertir los colores en números. En este caso utilizamos la escala RGB que va de 0 a 255 por cada uno de los tres colores para conseguir una representación numérica del color de cada pixel. Como tenemos millones de ellos necesitamos un formato que ocupe poco espacio como el jpeg para poder trabajar.

El jpeg divide la imagen en segmentos de 8x8 y trabaja en cada uno de esos segmentos, divididos a su vez en los tres canales. Si nos quedamos con uno de los segmentos de uno de los colores tenemos varios valores de ese color. Y es aquí cuando se aplica la transformada discreta del coseno.

Seguro que nos cuesta entender que la representación de los píxeles no es más que información compleja en dos dimensiones y gracias a la transformada discreta del coseno es posible simplificar esa información. Tiene hasta una fórmula que sirve para obtener los coeficientes de cada uno de eso 64 píxeles para obtener la imagen con todos sus matices.

La famosa fórmula (fotograma del vídeo)

Eso sería la información completa. El JPEG lo que hace es dividir los números obtenidos en esa tabla de 8x8 por otra tabla, la tabla de cuantización. Y redondea los resultados. Así, por arte de las matemáticas, consigue, tras redondear los resultados, una tabla mucho más sencilla llenas de 0 que podemos obviar y que por lo tanto ocupará mucho menos espacio.

La imagen no será idéntica pero sí muy parecida. Y según como sean de grandes los números de la tabla de cuantización más comprimida estará la imagen final...

Todavía me tocará ver diez veces más este vídeo, y buscar por las redes más cosas, para entender realmente lo que pasa dentro de un JPEG. Ojalá mi profesor de matemáticas no hubiese tenido un bigote negro perfecto y fuera como Eduardo. Pero como siempre digo, nunca es tarde para aprender incluso en los campos que nunca has tocado.

Ahora que termina el año me he acordado de todas las cámaras con las que he trabajado, en la búsqueda de la mejor máquina fotográfica que he tenido. Y más que nada para luchar contra la manía de pensar que una marca o un tipo de cámara cambiará en algo tu estilo fotográfico.

Después de leer una entrada he recordado de nuevo que estoy en el mundo de la fotografía por la afición de mi abuelo materno. Él se compró en 1929 una cámara de fuelle para fotografiar la Exposición Universal de Barcelona de 1929. Una Agfa, que forma parte de mi colección, con la que todavía puedo hacer fotos sin problemas, por cierto.

Una cámara de fuelle, plegable con la que hizo fotografías que todavía conserva mi madre en su casa. Con el tiempo, y por ser tan plasta, me la terminó regalando. Nunca he hecho una fotografía con ella pero todo se andará.

Los primeros pasos

Pero cuando yo solo era un niño él tenía ya una Canon AV-1 con tres objetivos fijos. De sus manos pasó a las de mi querido padre. Y ese modelo era poco menos que un tesoro para mi. Con el paso del tiempo me di cuenta de que no tenía nada que ver con esa maravilla que era la Canon AE-1. Quizás por ella soy ahora un firme defensor de la Prioridad al diafragma...

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Yo por aquel entonces tenía ya una cámara propia, una flamante Nassau roja que gané en un concurso infantil donde solo participó un niño más... Ese premio también tuvo mucho que ver en mi afición y posterior profesión. Era una compacta grande y llamativa con un obturador que sonaba poderosamente... Pero de vez en cuando podía pedirle a mi padre la Canon...

Primeras fotos

Al final terminó en mis manos porque mi padre estaba harto de su peso, según me dijo... Con semejante cámara réflex hice mis primeros pinitos en este mundo. Con ella aprendí muchas de las cosas que hoy hago por rutina. De hecho creo que la tuve hasta los 18 años y fue la primera cámara con la que empecé a ganar dinero.

El profesor de uno de los primeros cursos a los que asistí tenía una cámara de formato medio. Me fascinaban esos negativos tan grandes. Y como no tenía dinero y no me veía con la cámara de fuelle por la calle (maldita vergüenza adolescente) me compré una Lomo rusa por 2000 pesetas... Entonces no estaban de moda.

Y puedo prometer que no he tenido una cámara peor en mi vida. Con un objetivo de menisco, un sistema de arrastre que montaba las exposiciones... Esa fue una de mis pocas incursiones en el formato medio marcadas con un rotundo fracaso.

Así que volví a mi querida Canon. Y como seguía siendo pobre no tuve más remedio que ahorrar para comprar más y más película para experimentar y empezar a soñar con otro modelo superior. No me quedó más remedio que apostar de nuevo por Canon para aprovechar los objetivos.

Las curvas heredadas de la Canon T90

Y me compré, de segunda mano, y con la ayuda de una de mis hermanas, la mejor cámara que he tenido nunca. Como veréis más adelante no soy un visionario, desde luego. La Canon T90 es conocida como El tanque. Es la última profesional que hizo Canon con la famosa montura FD.

Es rápida, bonita, sencilla de usar, las cuatro pilas aguantan lo que no está escrito... Pero no tiene autoenfoque. Canon cambió justo después de la T90 la montura y dejó abandonado a todos sus fieles seguidores. Dolió mucho pero fue un acierto, después de todo.

De la Canon T90

Como anécdota, y para confirmar su fama, contaré que en un viaje por Florencia tropecé y la cámara se estampó contra el muro de un palacio renacentista. No le pasó absolutamente nada a la cámara. Respecto a los objetivos tengo una anécdota similar... En el mirador de las cuevas del marqués de Pindal se me cayó el FD 135mm f3,5 al fondo del precipicio... una caída de 10 m en la que solo se torció un poco la montura.

La llegada del autoenfoque

Aguanté durante mucho tiempo con esta cámara. Llevaba la AV-1 como segundo cuerpo y fotografié lo más granado del mundo de la cultura y de la política madrileña de aquellos años. Todos los compañeros me miraban raro por no trabajar con modelos más modernos pero todo me salía a la perfección.

Incluso me compré como cámara de apoyo una pequeña Minox GT-E que llevaba siempre con un carrete de 400 ISO de blanco y negro. Quien no la conozca puedo decir que es una de las mejores compactas que se hicieron y que su MC Minoxar 35 mm f2.8 está a la altura de los mejores objetivos que he probado (a lo mejor hablo con nostalgia).

Pero era evidente que ya no podía seguir con estos modelos. El autoenfoque era el último grito y ya había alcanzado una rapidez asombrosa. Así que en el año 2003 me compré, de nuevo de segunda mano, la Canon EOS 1 original con mis primeros 28-70 y 80-200 f2,8.

Minox 35

Una cámara que disfruté poco pero que reunía lo mejor de aquel entonces. Robusta, totalmente estanca y rápida, muy rápida. Creía que por fin tenía una máquina para toda la vida. Tenía todo lo que podía necesitar un fotógrafo... ¿Qué sentido tenía comprar una de esas digitales que empezaban a salir? Cada vez estoy más convencido de mis dotes de adivino...

La era digital

Yo aguanté todo lo que pude con mis analógicas, más que nada por cabezonería... Que si el digital es una moda, que si no tiene calidad, que si da lo mismo... Pretextos que tenía porque no quería reconocer que no tenía ni idea de utilizar un ratón...

Todavía recuerdo mi primera experiencia con Photoshop... Solo supe seleccionar la herramienta Borrar y quitar todos los píxeles de la imagen y meterme corriendo en el laboratorio para hacerme ver que como los químicos no había nada en el mundo.

Primeras fotos con la Canon EOS 300D

Pero el tiempo cambió muy deprisa y me vi obligado a cambiar o desaparecer. Después de estar a punto de perder el tercer trabajo me compré una Canon EOS 300D. Nueva. Y mi vida fotográfica cambió para siempre con la entrada en el mundo digital. Siempre me arrepentiré de no haber empezado antes con el laboratorio digital.

Con esta cámara de entrada viajé a África, a la República del Çhad para recorrer todos los campamentos de refugiados de la guerra de Sudán, fui a las zonas más deprimidas de Nicaragua y anduve numerosos parques nacionales y pueblos de España. Y puedo decir que nunca me dejó colgado. Solo había que cuidarla bien.

Nicaragua

Luego pasé a la Canon EOS 30D, que utilicé muy poco. Pronto llegó la Canon EOS 5D Mark II, con la he aguantado 10 años hasta que, en un giro inesperado, y rompiendo la tradición de reciclar los objetivos, me pasé a la Sony A7III. Ya no hago tantas fotografías y me dedico a la docencia casi a tiempo completo. Y no necesito una cámara más dura. Algún día escribiré de los dos años que llevo con ella... Seguro que daré alguna que otra sorpresa.

Y he tenido muchas compactas para llevarlas siempre encima. Desde la Panasonic LX2, pasando por las Canon G9, la Fuji X10 y X100, la X-T1... En el poco tiempo que llevo en el mundo digital he tenido 9 cámaras digitales frente a 4 analógicas.

¿Y a dónde llevan todas estas batallitas?

Todas estas han sido mis cámaras. Y por trabajo he utilizado Nikon, Minolta, Olympus, Pentax, Bronica... Y he disfrutado con todas ellas. Sin contar todas las que he probado desde que estoy en el mundo de las redes.

Y puedo decir, sin miedo a equivocarme, que todas son iguales. Tienen el objetivo por el que pasa la luz controlada por el diafragma, que llega a la película o al sensor a través de la cámara oscura durante un tiempo determinado.

Por este motivo no tiene sentido atarse a una marca o a un tipo de cámara. He hecho buenas fotos con todas las cámaras y lo único que tienen en común es que han pasado por mis pobres manos. Sí, seguro que unas serán más grandes que otras, o tendrán más ruido pero los resultados son idénticos. Estoy seguro de que nadie distinguiría si están hechas con una Canon o una Minolta o una Minox. Y eso es otro punto a favor de mi teoría.

La cámara no es importante. Puede ser más rápida una que otra o tener más destreza con un modelo concreto porque has practicado más. Enseguida se convierten en la extensión de tu mirada, como decía Cartier Bresson. Todas hacen lo mismo. Obedecerte y conseguir buenos resultados si las órdenes son correctas.

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Así que no entiendo a los que dicen que una es mejor que otra. Todo depende de nuestras necesidades y de nuestro bolsillo. Todas las marcas son buenas, todas tienen modelos que han salido peor. Y algunas puede que tengan mejor tecnología pero no cambian tu estilo.

No podemos hacer afirmaciones rotundas en el mundo de las cámaras. Da igual, de verdad. No se puede ir de visionario, ni defender a capa y espada un modelo u otro. Me encantan las cámaras pero prefiero hablar de experiencias, estilos o de cualquier cosa que me sirva para mejorar como fotógrafo. Lo que importa es la foto, no con qué está hecha.

Llama mucho la atención cómo el tratamiento del color está viviendo una nueva vida. Era muy difícil encontrar algo relativo a las armonías más allá de los libros de diseño. Y de repente hay una explosión de contenidos que servirán para desenmascarar los secretos del tono, la saturación y la luminosidad. Hoy se presenta 'La magia del color en la fotografía digital' de Gabriel Brau.

Gabriel Brau es un reconocido fotógrafo y profesor. Muchos recordamos su primer libro de blanco y negro 'Luces de África' que hoy es difícil de encontrar y se vende a precios estratosféricos. Con el tiempo cambió de editorial y hoy nos presenta su libro 'La magia del color en la fotografía digital', una incursión en los entresijos del mundo del color.

¿Es más difícil el color o el blanco y negro? Son dos formas de expresión totalmente distintas pero al tener más factores a tener en cuenta, la fotografía en color es más difícil. Por este motivo es muy importante tener en cuenta toda la información que vamos a conseguir en este libro.

Porque estamos ante un compendio del color visto desde el punto de vista de la fotografía. Los que tengan formación de bellas artes conocerán ciertos aspectos que se comentan en el libro, pero para muchos fotógrafos de la nueva hornada será una novedad en todos los sentidos.

'La magia del color en la fotografía digital' o cómo utilizar el color en la fotografía

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Mejorar el color de nuestras fotografías con Adobe Color

JdeJ editores lleva tiempo publicando libros útiles para los todos los fotógrafos. Desde el clásico 'Sin miedo al flash' de José Antonio Fernández, hasta esa maravilla que es 'El proyecto fotográfico personal' de Rosa Isabel Vázquez.

En esta ocasión han querido abordar, de la mano de Gabriel Brau, un libro sobre el color fotográfico. Consta de 192 páginas y mide 170 x 240 mm. Perfecto para aprender y tomar notas (me imagino que será el motivo la maquetación de la colección). Eso sí, como siempre digo a mis alumnos, lo mejor será leerlo y ponerse inmediatamente a practicar.

Uno de los capítulos

Con un lenguaje preciso y didáctico, el autor nos introduce en el mundo de la fotografía en color para abordar temas como el significado expresivo de los colores, la creación de sinergias, contrastes y armonías como parte de la teoría del color, la construcción de imágenes basadas en la sintaxis cromática, o la gestión y edición de imágenes en el entorno digital.

Consta de 5 capítulos y una pequeña introducción. Y desde el título nos deja claro que todo va a versar sobre el tema en cuestión: Un mundo en color, El color emocional, Teoría del color, La gestión del color en la fotografía digital, Edición y tratamiento del color en fotografía digital.

El lector impaciente tendrá que empezar la casa por los cimientos. Para saber es fundamental conocer sus orígenes antes de meterse de lleno en los programas de edición. Así que en las primeras páginas conoceremos la primera fotografía en color de James Clerk Maxwell o los famosos autocromos de los hermanos Lumiere.

Luego entraremos en el espinoso asunto de la psicología del color, su simbolismo y cómo depende de la cultura en la que vivamos. No es lo mismo un tono u otro dependiendo de tus vivencias personales, la cultura de tu país o tus ideas políticas, por poner unos pocos ejemplos.

En el tercer capítulo Gabriel Brau entra en los principios de la teoría del color y nos descubre sus atributos (tono, saturación y brillo) y todas las ventajas de trabajar con la rueda de color de Goethe.

En el penúltimo capítulo entramos ya en el mundo informático y todos los pasos que debemos dar para la gestión del color en Adobe Photoshop. Porque este es el programa con el que trabajaremos a lo largo de las siguientes páginas.

Técnicas de Photoshop

Para terminar encontramos toda la información para trabajar con el color con toda la información previa aprendida. En estas páginas veremos los modos de fusión, las máscaras de saturación y algunos de los trucos esenciales para conseguir un color perfecto en nuestras imágenes.

En definitiva nos encontramos ante un trabajo que puede abrir muchas puertas a muchos fotógrafos que tienen miedo de enfrentarse al color o que descubren que su trabajo no funciona tan bien cómo pensaban.

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Cómo sustituir un color con los tres métodos más sencillos de Adobe Photoshop

No es fácil andar por la calle con la cámara al hombro e identificar el color que combina con otro o la fuerza que puede llegar a comunicar. En definitiva este libro de Gabriel Brau nos enseña a leer en color y nos abre las puertas a una nueva forma de ver.

Stephen Shore es uno de los mejores fotógrafos de los últimos tiempos. Su estilo ha marcado a decenas de generaciones y fue de los primeros que apostaron por el color. Su forma de pensar, de fotografiar, es un referente. Por eso tenemos que prestar mucha atención a lo que le dice a los estudiantes: empieza disparando con película.

Seguro que esta afirmación levanta ampollas allí donde llegue, pero creo que la palabra de Stephen Shore hay que tenerla en cuenta. No deja de ser un referente dentro del mundo de la fotografía. Alguien que tuvo el valor de presentarse, con tan sólo 14 años, al jefe del departamento de fotografía del MOMA para enseñarle su trabajo. Y con 24 años consiguió su primera exposición en semejante templo. Y hoy tiene ahí una de las grandes retrospectivas del año.

Stephen Shore

Apostó por el color cuando nadie creía en sus posibilidades. Y cuando todo el mundo le siguió, decidió hacer fotografías en blanco y negro con su cámara de placas, como los pioneros... Él, que durante mucho tiempo disparó con su cámara Mickey Mouse de 35 mm. Como se puede leer en el magnífico catálogo que editó la fundación Mapfre con motivo de su gran retrospectiva hace un año:

La apariencia de neutralidad, la ausencia de las distinciones habituales de la expresión artística fotográfica y un tratamiento del tema aparentemente desinteresado o distante, fueron las características que, paradójicamente, permitieron a la fotografía ser plenamente aceptada como arte. La obra de Shore, deudora de la herencia de Walker Evans e influenciada por la Factory de Warhol, participa de forma significativa de este giro en la compresión de la práctica fotográfica.

Si nos interesa aprender del mejor, y nos cuesta mucho acercarnos a alguno de sus talleres, siempre podemos comprar su gran libro 'Lección de fotografía'. Ahí vuelca todo su saber que despliega sin igual en el Bard College de Nueva York. Eso sí, no esperes encontrar mil textos. Solo unas pocas frases y muchas fotos con la que tendremos que establecer una lucha visual para desenmascararlas. Pero vamos a lo interesante.

Para aprender hay que disparar con película

En la página Artsy han entrevistado a este fotógrafo y le han sacado unas declaraciones muy llamativas para los estudiantes de fotografía. Sobre todo viniendo de alguien que siempre va contracorriente pero que desde que sacaron la Nikon D3 abrazó con todas las consecuencias la imagen digital.

Stephen Shore

No podemos olvidar que estamos ante un fotógrafo con cuenta en Instagram y más de 100000 seguidores. Lo gracioso es que no sabe lo que pasa realmente y siempre se sorprende cuando la gente le vota (y tiene una media de 2000 por disparo). A pesar de tantos seguidores, a él solo le llama la atención 144...

No tengo ningún problema con lo digital. Es lo que utilizo ahora, pero estoy convencido de que hay ciertas cosas, muy difíciles de describir, que se aprenden en el cuarto oscuro.

A la hora de disparar en digital los fotógrafos tienen un problema bastante preocupante: no cuesta dinero. Da igual hacer diez que mil fotografías. El precio es el mismo. Así que la gente dispara sin pensar, sin cuidar los detalles, sin vigilar el encuadre. Es como un adolescente consentido que no aprecia las cosas y gasta sin mesura. Este problema acabaría volviendo a pagar por cada disparo.

Dejaríamos de hacer mil fotos del desayuno para hacer una buena en el día. Después de valorar muchas cosas decidiríamos el momento justo de activar el obturador. Y solo cuando lo viéramos realmente necesario. Esa es la mejor escuela que podemos tener. La escuela del hambre, aprender que las cosas cuestan.

Stephen Shore

Y entiendo que es algo complicado de asumir, pero que lo diga Stephen Shore querrá decir algo. A mis alumnos siempre les recomiendo hacer lo siguiente. En vez de llevar en la cámara una tarjeta de 32 GB, busca en tus cajones una de 512 MB. Y ahí tienes que meter todas tus fotografías del fin de semana. Seguro que te lo piensas antes de disparar. Y empezamos a apreciar la luz, el momento y a estar seguros de lo que realmente queremos decir con un disparo.

En Xataka Foto| Últimos días para visitar la exposición de Stephen Shore en Madrid

Si en algún momento te has preguntado cómo hemos llegado a donde hemos llegado, probablemente el Sr. Sasson tenga algo que decirte. Steve Sasson creó la primera cámara digital empleando un aparatoso dispositivo que guardaba hasta 30 fotografías en un cassette digital, y mientras nos explica cómo funciona tamaño cacharro, reflexiona sobre cómo ha evolucionado la fotografía digital.

Cassettes digitales como tarjetas de memoria

Ya hemos hablado en más de una ocasión sobre Steve Sasson, el inventor de la primera cámara digital de la historia. El voluminoso cacharro que vemos en las imágenes fue creado en 1975 por el Sr. Sasson —que por aquel entonces era ingeniero de Kodak— empleando un sensor CCD que por aquella época era una tecnología muy primitiva.

En el vídeo nos explica cómo funcionaba: en un botón de dos tiempos como el que hoy en día encontramos en cualquier cámara, el primer tiempo proveía de electricidad a todos los componentes, para a continuación presionar a fondo el botón y realizar la fotografía. Según explica, las fotografías quedaban guardadas en una cinta magnética digital en 23 segundos y se podía almacenar un total de 30 fotografías por ser un número conveniente entre los clásicos rollos de 36 y 24 exposiciones.

Las fotografías que realizaba eran claramente en blanco y negro a una resolución de 0.01 megapíxeles. Sasson pensaba que en el futuro, el consumidor tan sólo necesitaría unos 2 o 3 megapíxeles. Nada más lejos de la realidad, ya encontramos cámaras que llegan a los 100 megapíxeles o smartphones que con 8 o 10 megapíxeles son capaces de compartir fotografías en menos de un segundo a cualquier parte del mundo.

Inventor Portrait: Steven Sasson from David Friedman on Vimeo.

Así que la próxima vez que vayas a disparar una cámara digital, acuerdate de agradecer al Señor Sasson y a toda la ristra de compañías e inventores que continuaron desarrollando lo que ya es una forma de vida para muchos de nosotros.

Sitio Oficial | David Friedman

Tom Ang, afamado fotógrafo inglés delimita la fotografía en apartados: retrato, desnudos, paisajes, naturaleza, fauna, moda, viajes, deportes, arquitectura, fotografía artística, documental. Para todos sigue una misma estructura, muy clara, ordenada y que ayuda al lector enormemente a aprender como ya os comentaba mi compañero Aitor Carbajo el mes pasado sobre otro de sus libros titulado: “El fotógrafo completo”.

Lo primero que me ha venido a la cabeza para describir este libro es que es conciso y muy claro en todos los conceptos. Y esto se agradece muchísimo, pues una de las cosas de las que me he cansado hace tiempo es la “palabrería” que en muchas ocasiones encontramos en algunos autores de fotografía y, que tras leer, el capítulo correspondiente te quedas pensando: “pero … si no ha dicho nada en 30 páginas”. Pero no, en este libro poca paja encontrarás así que, al grano. Si estás empezando en esto de la fotografía te lo recomiendo. Si llevas unos cuanto años, también. Si establecemos nivel básico, medio, avanzado y experto, yo clasificaría este libro “Fotografía digital paso a paso” de Tom Ang adecuado hasta un nivel básico-medio-avanzado de conocimientos, apto para todos los públicos.

El libro y sus proyectos

Es un libro que se puede leer de diferentes formas. Todo seguido, devorando cada uno los conceptos que están muy bien explicados y además, en general, bastante bien traducidos a nuestro idioma, cosa que se agradece enormemente. O bien por partes, coger distintos bloques y centrarte en cada uno de ellos, como si fuera un manual. Pero hay una tercera vía que consiste en ir realizando las pequeñas propuestas y consejos en forma de miniproyecto. Desde luego, sin duda alguna, esta última vía resulta ser la mejor para aquellos que, utilizando este libro, deseen mejorar en la técnica fotográfica. Para ello, podéis coger estos proyectos y adaptarlos según vuestras necesidades.

Pero en qué consisten estos proyectos, que es lo que me ha parecido más interesante y por lo que distinguiría este libro de otros muchos. No quiere decir que la cuestión de plantear ejercicios sea nueva ni mucho menos. Pero la forma amena y divertida de los planteamientos hace te puedas plantear proyectos y lo que es más, como apuntaba antes, plantearte otros proyectos a partir de los que propone Tom Ang. Con un poco de disciplina y paciencia seguro que obtienes buenos resultados. En estos proyectos Tom Ang te fuerza a realizar retos que puedes adaptar perfectamete a tu propia situación, además de instarte a buscar información sobre determinados conceptos o autores, según sea el caso. Todo con el objetivo de pasar un rato divertido aprendiendo.

¿De qué nos habla Tom Ang?

De todo un poco. Es un libro que abarca prácticamente cualquier disciplina de la fotografía. Por lo que si estás empezando es una gran guía para que descubras en qué disciplina te sientes mejor. Este libro te habla de forma general de fotografía, de técnica fotográfica e incluso algo de edición. Desde elegir la cámara según las situaciones, configurar la cámara, componer, retratar o elegir adecuadamente los mejores momentos de luz. Siempre desde un lenguaje sencillo.

Por tanto, se trata de una publicación muy recomendable, como decía, si tu nivel se encuentra entre básico e intermedio/avanzado, pues aunque ya tengas bastantes conociemientos este libro como decía al principio también lo puedes usar a modo de consulta como si fuera un manual. Encuadernado en tapa dura, con papel de alto gramaje, está pensado para durar. Su precio es de unos 46 euros. Agradecemos a Ediciones Omega el hacernos llegar este libro

En Xataka Foto | El fotógrafo completo de Tom Ang. Aumenta tus conocimientos de fotografía de mano de este prolífico autor

Más información | Ediciones Omega