José María Cuéllar no es fotógrafo, pero siente como tal. Este canario residente en Madrid es un hombre de familia que se gana la vida como ingeniero de Telecomunicaciones.

Agradable, pausado al hablar, imprime en sus palabras el tono del que no tiene nada que demostrar a nadie. Está seguro de lo que hace y, a juzgar por su stream de Flickr, lo hace realmente bien.

Hace un tiempo muy amablemente nos dedicó un rato y pudimos hablar con él de fotografía. Hoy os traemos esta charla en un nuevo ‘Fotógrafos como tú’.

¿Cómo comenzaste en fotografía?
Empecé a interesarme por la fotografía en un viaje a Costa Rica hace unos 12 años. Mi hermano me dejó su cámara réflex, con la que hice unas fotos muy lamentables.

Un año más tarde fui padre por primera vez y mi mujer me regaló mi primera réflex Nikon para hacerle fotos a nuestra hija. Hice muchas fotos con película hasta que en 2001 me compré mi primera cámara digital, que no era réflex pues entonces eran muy caras.

Ésta nueva cámara digital me permitió hacer muchísimas más fotos e incrementar la velocidad de aprendizaje.

¿En qué situaciones sueles hacer fotos?
Cualquier ocasión es buena. A diario voy con una cámara encima. Tengo una compacta Canon. Siempre la llevo o bien para sacar fotos o para localizar exteriores a los que volver con una luz mejor.

En otras ocasiones salgo exclusivamente a hacer fotos. Algunas de mis fotos son de viajes de trabajo, de excursiones familiares, etc.

Réflex Nikon, compacta Canon… ¿es posible esta convivencia?
Las compactas Canon me gustan más que las Nikon. Pero mi réflex es Nikon. Supongo que depende de la primera cámara que hayas tenido, porque las dos marcas son realmente buenas haciendo cámaras.

Pero lo cierto es que me parece que las Nikon tienen como un toque más de aventura, más glamour, más robustas, como para meterte en el desierto. Me gustan más la réflex Nikon que las Canon.

Las encuentro más lógicas de manejar, los botones están donde unos esperaría que tienen que estar. Esto se le ha criticado mucho a Canon hasta el lanzamiento de la 40D, pues no eran tan intuitivas de manejar como las Nikon.

Es probable que seas uno de los fotógrafos más populares para los usuarios de Flickr hispanos. ¿Le debes algo a Flickr?
El hecho de publicar en Flickr es exigente. Tu audiencia, cuando haces una buena foto, espera que la siguiente sea como mínimo igual de buena. Eso me lleva a pensar que no puedo hacer fotos en cualquier situación de luz, así que lo que suelo hacer cuando estoy por ahí, es localizar exteriores que me gustan y encuadres.

En mi bolsa además, siempre llevo una brújula, que me permite calcular por dónde sale y por dónde se pone el sol, lo que me facilita decidir cuándo habrá una luz más adecuada para fotografiar ese lugar. Procuro cuidar mucho ese tema, no sólo llegar y disparar.

Considero que la luz del amanecer y el atardecer, esta última sobre todo en invierno, es de lo mejor para los paisajes ya la arquitectura. Así que trato de aprovecharla, pues es una luz que no tiene precio.

En verano el amanecer apenas dura diez minutos. Es algo más largo en invierno. Supongo que es más agradecido el atardecer, pues cuando se ha escondido el sol todavía tienes una hora con una luz diferente, pero muy buena para tirar.

¿Cuál es el tipo de fotografía que más practicas?
Desde arquitectura a paisajes, pasando por interiores, retratos, etc. Para los paisajes me gusta mucho el amanecer. Sin embargo, para las ciudades, es mejor el atardecer, pues las luces de la ciudad se encienden.

Además, madrugar para hacer fotos no es ningún esfuerzo para mí y me permite poderle dedicar tiempo a mi familia, no les robo tiempo a ellos, sino sólo a mi sueño.

¿Qué buscas con tus fotos?
Cuando saco una foto, siempre trato de que el paisaje comunique algo. Que cree una atmósfera diferente de la que podría haber en otro momento. Muchas veces, compañeros de viaje, me dicen algo que me llena de satisfacción como fotógrafo: “¿Realmente hemos estado ahí? Yo eso no lo había visto”.

Gente me escribe hablando sobre Madrid, diciéndome que veo una ciudad que ellos no han visto. Trato de que la foto tenga una atmósfera determinada, una atmósfera rotunda, que no sea lo que se ve siempre.

Noto en tus fotografías una presencia constante: el Mediterráneo.
Sí. Últimamente me ha dado por sacar muchos paisajes marinos, porque creo que en el mar se dan una serie de condiciones que hacen que con poco puedas sacar muy buenas fotos. Sobre todo en momentos de poca luz, cuando hay piedras que sobresalen del agua y están mojadas, reflejan la luz. Creo que es fácil sacar estos paisajes.

Quizás también influye que voy bastante a la zona de Almería, que es preciosa, y hay muchas oportunidades para sacar fotos. De hecho, hay muchos fotógrafos que se han quedado a vivir en el Cabo de Gata. Lo cual a mí no me importaría de todo.

Soy Canario pero llevo viviendo en Madrid muchos años. Para un canario el mar es muy importante. Almería se parece bastante a Canarias, y para mí, desde Madrid, es mucho más fácil llegar. Son sólo cinco horas de coche.

Y cuando vuelves a casa con tus tarjetas llenitas de fotos ¿qué tratamiento digital les das?
Aunque cada foto es diferente sigo un patrón de retoque supongo que es común a la mayoría de los que hacemos fotos. Disparo en RAW con todos los ajustes de la cámara en normal.

Las revelo con Adobe Lightroom y corrijo con él balances de blancos, ligeramente el color, contraste y la nitidez. Un workflow estándar, supongo. En el postproceso no hay ningún secreto, supongo que el toque personal está a la hora de tirar la foto.

Como mucho optimizo el color, viro la foto a tonos más ocres, degradados de blancos y negros. Pero no lo hago en todas las fotos, sólo en algunas. En esto influye mucho el estado de ánimo, al igual que a la hora de disparar.

¿Podrías hablarnos de tu equipo fotográfico?
Sí. Tiro con una Nikon D200. Para los paisajes de amaneceres y el día me gusta mucho el gran angular extremo, uso un Tokina 12-24. Si estoy en una ciudad por la noche uso el Nikon 18-200 VR, que me da la oportunidad de disparar con poca luz sin trípode. Aunque no me termina de convencer, porque tiende a sobrexponer y tiene bastante distorsión, que aunque es fácil corregirla con el Ps, hay que hacerlo foto por foto, por lo que es una lente que hay que usar con cuidado.

Desde hace poco uso para retratos un Tamron 17-50 f2.8, cuya luminosidad me permite parar bien la imagen. Tengo otros que uso dependiendo del momento. El Sigma 30mm f1.4 lo uso cuando es noche cerrada y estoy en ciudades, porque me permite captar bien los colores de las calles y avenidas por la noche. Y el típico Nikon 50mm f1.8, un gran objetivo para retratos.

Además de todo esto, uso los filtros Cokin de la serie P, sobre todo me gustan los de densidad neutra (degradados y sin degradar), el cuatro y el ocho. Alguna vez puedo usar alguno color tabaco o alguno anaranjado para resaltar la luz del amanecer.

¿Cuál de tus objetivos es imprescindible para ti?
Nunca salgo sin el 12-24 ni sin el 18-200. El resto de los objetivos que uso dependen un poco del momento en el que vaya a hacer fotos y de la intención que tenga.

Si tuviera que usar en un viaje un solo objetivo, sin duda éste sería el Tokina 12-24.

¿Puedes hablarnos de tus influencias?
Todos los que hacemos fotos es como si procesásemos en el cerebro todo el día, constantemente buscando fotos. Muchas veces no sabes ni cómo ocurre. Uno, a lo largo del día, ve muchas fotos. Algunas se escapan por no llevar cámara encima, otras no.

No creo que tenga un referente pictórico que me guíe. Me gustan mucho las fotos de paisajistas, que sí me han podido influenciar los clásicos de siempre, indudablemente Ánsel Adams. De Flickr, Tglow, que debe ser de los mejores paisajistas que hay en Flickr.

Tampoco es que piense en imitarlos, pero sin duda te influyen.

Sin duda te habrán ayudado también a evolucionar los libros de fotografía
Efectivamente. Por ejemplo el libros de John Edgecoe “Manual de fotografía”. Un manual clásico que me gustó bastante, con un índice que puede tener cualquier manual. Hay uno, de los que de verdad aportan, “Master en Fotografía” de Blume. Un buen libro, no como primer libro de fotografía, pero sí para gente que ya tiene ciertos conocimientos.

“Learning to see creatively”, es otro gran libro de fotografía que se puede comprar en el extranjero. Te ayuda a mirar las cosas de otra manera.

Aunque creo que no hay nada como lugares como Flickr o Photo.net, que son las dos webs que más miro. Creo que es como más se aprende. Viendo fotos y dejando que la gente te comente y poniendo fotos tú, creo que es más útil que un libro.

Veo que en cierto modo, si me lo permites, estás muy apegado a Flickr. Es una comunidad a la que le tienes respeto y cariño.
Sí. Me ha traído cosas divertidas. De vez en cuando recibo temas curiosos. Una chica de México, de hecho, me pidió una foto para utilizar en las invitaciones de su boda. Se la cedí a cambio de una copia de la invitación. Y, efectivamente, la chica se casó y utilizó mi foto en sus invitaciones. Cuando ocurren cosas de estas es bastante satisfactorio.

Me imagino que no sólo me ocurre a mí, sino a mucha gente. Aunque la verdad es que ya recibo al día más correo electrónico de Flickr del que puedo atender. Es un tema que hace algo más de un año soy incapaz de manejar.

Luego hay muchas fotos mías dispersas por muchos blogs, guías de viajes, etc. Es muy curioso e interesante las cosas que te pueden llegar a ocurrir por el hecho de publicar en internet.

Galería de fotos

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Hace unos días tuvimos la oportunidad de asistir a un taller con Ricky Dávila en Coruña. Después de escucharle atentamente durante un fin de semana, no caben dudas de que Dávila es, además de un profesional curtido en mil batallas, una persona inteligente.

El fotógrafo bilbaíno tiene una visión muy clara del sector fotográfico, lo que le hace acreedor de una importante habilidad para moverse por los vericuetos del negocio.

Su capacidad para expresar sus ideas con gran precisión dejan al descubierto la vasta cultura de un tipo que ha explorado todas las posibilidades del ‘oficio fotográfico’ llegando a lo más alto: Fotogranprix 93, II Premio Reportaje World Press Photo por “Herederos de Chernobil” y receptor del Ortega y Gasset en el 94 por el mismo trabajo.

En un paseo en coche por la ciudad gallega, tuvimos la oportunidad de charlar un rato con él. Os traemos esa conversación en forma de una nueva entrega de Fotógrafos Como Tú.

¿Cómo llegaste a la fotografía?
En realidad yo estudié Biología en la Universidad del País Vasco. Durante la carrera compaginé mis estudios con un taller local de fotografía que me dio muchas alegrías. Fueron cinco años seguidos, una experiencia muy bonita. Y la verdad es que tenía una conciencia muy clara de que no tenía ninguna afición por lo científico. Así que decidí formarme más en lo fotográfico.

En ese momento Nueva York era el centro de muchísima fotografía que yo admiraba. Tengo la doble nacionalidad, pues mi madre es de NY, con lo cual existe también en mí cierto ascendente cultural, así que irme a estudiar fotografía a los Estados Unidos fue muy natural.

En esa época había una escuela muy reputada en Estados Unidos, el ICP. Para mí era una ilusión enorme ir y tuve la suerte de poder acceder a ella y para allá que me fui.

Supongo que es en este punto cuando haces de tu pasión un modo de vida
Efectivamente, el oficio nace de la necesidad de hacer de un entretenimiento como la fotografía también una forma de solucionar el llegar a fin de mes. Una vez lo consigues es una enorme suerte que la vocación coincida con el oficio.

Aunque mi ocupación cada vez gravita más sobre mi trabajo personal, todavía le debo mucho al ‘oficio’, pues buena parte de mis ingresos viene de la fotografía que hago por encargo. Soy un fotógrafo que viene del oficio fotográfico, y eso nunca lo olvidaré.

¿Cómo fueron tus comienzos?
Cuando llegué a Madrid trabajé primero en el diario El Sol, luego en la agencia Cover. Fotoperiodismo puro y duro que para mí supuso una escuela que no cambiaría por nada. Aunque tenía un techo muy claro dentro del cual ya no podía evolucionar más. Así que, de un modo inconsciente, me fui distanciando de todo eso.

¿Cuál fue el siguiente paso?
Dentro del propio ejercicio del oficio te vas dando cuenta de que trabajos en los que has empleado un mes, para sacar un reportaje, tienen la misma retribución que una sesión con celebrities una tarde. Entonces, cuando tienes que solucionar todo esto como un modus vivendi, inevitablemente, acabas haciendo ese tipo de fotografía.

Esto ya se alejaba del periodismo, son en cierto modo pequeños ejercicios promocionales y de publicidad. Da igual que sean sesiones de moda o retrato editorial, siempre tienes que acreditar al fotografiado. Y eso es divertido como juego, pero no deja mucho margen para lo poético.

A mí me gustaba todo, nunca he tenido mucho problema con la fotografía de encargo, siempre que se entienda lo que es. Pero sí es cierto que en esas ocasiones al poeta hay que dejarlo en la puerta. Y eso se puede hacer muy bien.

Como juego es divertidísimo, llevar los acabados al máximo nivel y vivir la competencia. Toda esa época me ha dado muchas experiencias y encuentros muy bonitos. Muchos rodajes, muchas personas…

La pena es que es verdad que lo que hoy llaman cultura es puro entretinimiento. Y, al final, la suma de encuentros que uno tiene en este mundo no acaban de darle un bagaje personal muy grande. Porque no es que uno esté haciendo a Scorsese, es que estás haciendo a Santiago Segura.

¿Usabas la libertad económica que te daban estos trabajos para llevar a cabo, en paralelo, proyectos más personales?
Sí, claro. Y la gente en eso se llamaba a engaño, pues miraban curiosos cómo alguien con trabajos muy personales y de ensayo gráfico, como los que hice en Chernobil o Woodstoock, podía vivir de eso. Pero lo cierto es que me permitía esa libertad con el dinero que obtenía con mis otros trabajos.

Fotos de los 90

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¿Crees que estos ensayos gráficos de mediados de los 90 tendrían cabida hoy en los mass media?
En los últimos 15 años ha habido una pandemia de celebridades que lo ocupan todo. Los medios ya no son de los periodistas. No hay periodismo en puridad, sobre todo en dominicales.

Puede ser que en algún caso encuentres en ellos un destino ocasional de este tipo de trabajos. Pero en ningún caso son cómplices de su factura ni facilitan ese tipo de ensayos.

¿Resulta posible compaginar trabajos de autor y comerciales?
Para mí llevar a cabo ambos tipos de trabajo a la vez era muy satisfactorio. Por un lado tenía el estimulo del dinero y de la publicación inmediata. Era un momento en el que yo tenía tanta o más admiración por Bruce Weber haciendo el Interview americano como por la agencia MAGNUM. Todo formaba parte de mi pequeño bagaje personal.

Sí es cierto que, ahora, con el paso del tiempo, toda esa cuestión de oficio sí creo que va en perjuicio de la pulsión poética. Creo que sí me ha llegado un momento en el que no es tan fácil de conciliar. Pero en ese momento, donde yo todavía modelaba la mirada, casi envidio y añoro esa cintura que yo tenía en lo fotográfico, aquella ilusión que tenía por hacer un rodaje o un actor de teleserie. Antes sí tenía mucha y lo echo en falta. Pero la realidad es otra. Supongo que vas quemando naves, cumpliendo etapas y ahora me encuentro en otra fase mental.

¿Esta pérdida de ilusión desgasta?
Supongo que sí. El desgaste lo detecto mucho también en la gente que hace fotoperiodismo, porque es que al final te ponen unas orejeras de burro y acabas creyendo que lo único que es interesante es lo que los medios deciden que es interesante. Y éste, es un momento en el que lo que proponen los medios es un registro muy, muy, muy pequeño de lo que el ámbito de la fotografía puede ofrecer, cuando en realidad la fotografía está viviendo un momento explosivo, con cantidad de propuestas interesantísimas y diversas.

¿Inviertes tiempo en la obra de otros?
Sí, creo que es fundamental, ya no como medio para obtener tu propio trabajo, sino como fin en sí mismo. Es uno de los grandes premios.

Durante una etapa perdí esto, no me gustó. Ahora, al haber recuperado la afición por lo fotográfico, una de las grandes suertes en las que me veo inmerso es en que soy muy receptivo al trabajo de los demás, que me hace disfrutar mucho. Creo que es muy importante ser espectador de la fotografía de otros.

‘Manila’

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¿Cómo valoras los proyectos de tu carrera como autor? ¿Encuentras diferencias entre ‘Manila’ e ‘Ibérica’?
Son dos proyectos que veo como muy juntos. Acabo de terminar ‘Ibérica’. Tanto ‘Ibérica’ como ‘Manila’ son dos libros a los que les tengo mucho cariño, porque están recién paridos, pero también les veo una impronta en su dimensión y en su tratamiento que se aleja de lo que quiero hacer ahora, algo más introspectivo y menos institucionalizado.

Ahora lo que quiero es ir sumando situaciones, jugar, sobre todo jugar, y no obligarme a la gramática concreta de un proyecto concreto. Quisiera que esto viniera un poco solo.

Los otros dos proyectos, sobre todo al dividirlos, me sirvieron para darme cuenta de que yo podía llevar a cabo proyectos sobre todo sin depender de los medios de comunicación. Para mí fue muy liberador.

¿Qué vendrá ahora?
A partir de ahora me quiero demostrar sobre todo, hay una sensación de una cierta independencia que es muy gratificante. Porque en este mundo de tiburones, el ejercicio fotográfico como tal, cuando uno le da cumplimiento, como cuando se escribe un poema o una canción, sí que es un pequeño ejercicio de libertad personal que muchas veces no sabemos administrar. A mí eso me parece demostrarse a uno mismo que “Ey! Estoy aquí, puedo hacer esto y lo hago”

Como autor, ¿albergas algún miedo?
Es una buena pregunta. Mi amigo Alberto García-Alix me dice siempre una frase que hay escrita en un muro en el Malecón de La Habana: “Cuando tenemos las respuestas, nos han cambiado las preguntas”. Con los miedos pasa lo mismo, van cambiando. Son de otro orden y son mayores.

Tengo una admiración creciente por trabajos que yo veo de una enorme integridad personal. En lo formal, en lo estético, pero también en lo ético. No sé si es un miedo, pero sí un deseo para el que temo no estar a la altura: tener integridad personal en el trabajo. Al final la fotografía es sólo un medio para explicaciones de otro orden como la amistad, la muerte…

La afición a la fotografía, a lo visual, creo que en mi caso es muy frágil. Junto al amor de mi pareja es lo único que tengo y temo que eso me falle. Tendría un enorme miedo a perderme la fotografía en este momento, tanto en mi faceta de realizador como en la de espectador. Y eso puede ocurrir. Porque eso es “el resabio”, no “la sabiduría”. Eso lo tenemos todos ahí.

¿Temes convertirte en un ‘resabio’?
En la época que va de 1996 a 2000 viví una época en que creía saberlo todo, vivía como una pérdida de afición creciente, tanto desde mi posición de autor como de espectador del trabajo de otros. Eso te lleva a un empobrecimiento cada vez más acusado. Era un ‘resabio’.

Sé que tuve una etapa de ‘resabio’, de narcisismo y de egotismo a la que estoy seguro de no querer volver.

‘Ibérica’

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¿Cuál es tu flujo de trabajo?
Siempre hago tomas RAW, las trabajo en postpo y saco una copia física. He recuperado matéricamente el copiado como destino final de la foto. Esto me ayuda mucho, creo que la foto no existe sin su soporte y el hecho de que las fotos se pierdan en el limbo del ordenador es un poco atacante. En cambio, poder manejarme en copias, en opacos, con luz reflejada, que es como yo entiendo la fotografía y que es lo que a mí me gusta, me ha vuelto a proporcionar un flujo de trabajo muy cómodo.

¿Ha sido duro para ti el paso a digital?
Disfruto enormemente con lo digital, porque he recuperado la alquimia doméstica. Lo que antes tenía formulado con un laboratorio analógico lo tengo ahora con las impresiones de chorro de tinta, e incluso multiplicado. Entonces, en este momento, tras unos años de mucha diletancia e inseguridad, empiezo a volver a tener un guión de trabajo reformulado desde los hábitos digitales pero con la misma premisa de naturalidad en la que había venido desenvolviéndome.

Esto me tiene encantado, estoy en una fase de mucho disfrute. En internet encuentras mucha información y recursos para estas cosas. El único peligro es la sobreinformación y caer en el engolosinamiento técnico. Los que venimos del analógico tenemos una relación de la fotografía más contemplativa y, por lo tanto, más serena. Creo que estamos menos expuestos a la incontinencia visual que ha venido con el digital. Juntar las dos cosas creo que es muy bonito.

Cambiamos radicalmente de tema. ¿Tienes referentes?
Por supuesto, a mis fotógrafos de referencia les llamo ‘héroes’. Es importantísimo tener autores que admiras, para aprender de ellos y evolucionar. Aunque tiene su punto de peligro, porque llega un momento en el que los tienes que ‘matar’ o te matan ellos a ti. Así que van cambiando con el tiempo.

¿Podrías decirnos el nombre de cinco de tus héroes?
Aunque pienso y pienso no encuentro más que cuatro que lleguen al nivel de ‘héroes’ en este momento. Son mis cuatro mosqueteros:

• Anders Petersen
• Antoine D’Agata
• Daido Moriyama
• Alberto García-Alix.

¿Cinco libros de fotografía?
‘Raised by Wolves’ de Jim Goldberg.
‘Remix’ de Daido Moriyama.
‘French Kisses’ de Anders Petersen, que salió a la luz hace sólo unos días.
‘Revelations’ de Diane Arbus, que aunque no es suyo es un libro retrospectivo muy bonito que han hecho con su obra.
‘Evidence’ de Richard Avedon

¿Qué te parecen las nuevas formas de mostrar el trabajo que están surgiendo en la red?
Me parece muy afortunado que todo esto se haya federalizado. Sobre todo me parece bueno que en la gente y en los creadores, sobre todo los documentalistas, se despierte la conciencia de que no todo tiene que pasar por el aro mediático.

Hay muchos lugares ahora donde mostrar el trabajo y cada vez veo más que lo mejor está orillado por el mainstream cultural, así que no hay que tener ningún reparo de valerse, utilizar y aprovechar todo eso.

Tu montaje de ‘Manila’, ‘Magnum in Motion’, ‘Tres Vídeos Tristes’ de García-Alix… Últimamente vemos cada vez con más frecuencia que fotografía y vídeo van unidos ¿Qué te parece el vídeo como vehículo para mostrar fotografías?
Me parece muy positivo. Al final siempre es una cuestión de la mirada. Y mirada sólo hay una, mientras que estrategias de mostrar las cosas hay muchas muy distintas. Lo importante es hacerlo con sensibilidad e integridad personal.

Además, aconsejo ser elástico con uno mismo en esto, porque si no uno se pasa toda la vida encorsetado. Me parecen vías ricas y estimulantes.

Hemos terminado. Muchas gracias, Ricky, por tu tiempo y por compartir tu visión con nosotros. ¿Te apetece decir algo?
Sí. ¡Que viva el pixel!

Más información | Ricky Dávila

Durante su carrera profesional colaboró con La Calle y fue correspondal de El Periódico de Catalunya y el semanario Interviú. En los 80 sus trabajos se publicaban indistintamente en La Voz de Galicia, diario El País y Cambio16 y fue redactor gráfico de El Diario de Galicia, a la vez que miembro de las agencias Copi y Contifoto.

Actualmente, como ya vimos, está vinculado a Acción contra el Hambre y a la Televisión de Galicia, y es copartícipe en numerosos proyectos fotográficos, dentro y fuera de España. Sus 30 años de relación con la fotografía os los cuenta él en este vídeo:

Aquí os dejo también algunas de sus fotografías de los últimos años:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Más información | Fernando Bellas

José Javier Serrano “YoSigo” es un diseñador donostiarra, cosecha del 81. Sin duda, su interesante trabajo fotográfico está muy influenciado por sus estudios de diseño, a los que es capaz de sacarles buen partido para crear imágenes redondas, perfectamente compuestas y equilibradas.

Formas, colores y líneas toman sentido delante de la cámara de YoSigo mostrándonos en casi todas sus tomas una de sus pasiones: su San Sebastián natal y todo lo que la rodea. Desde la Real Sociedad a sus cielos grises.

Tuvimos con él una agradable conversación que hoy compartimos con vosotros en nuestra serie Fotógrafos como tú.

- ¿Cómo y cuándo te iniciaste en la fotografía? ¿Cómo has evolucionado desde el principio?
Desde pequeño me ha gustado mucho la fotografía. Las primeras fotos que recuerdo son unas que hice en una excursión con el colegio cuando era un enano. Comencé usando cámaras desechables hasta trabajar con la cámara digital y el ordenador en la actualidad.

- ¿Cómo defines tu fotografía de este momento?
Me gusta fotografiar espacios simétricos y amplios. Supongo que de alguna forma podría decirse que es un tanto minimalista.

- ¿Qué te lleva hoy a coger la cámara y a hacer fotos?
Es mi forma de expresarme. Me encanta el mundo de la imagen y todo lo relacionado con ella. Puede que si supiera dibujar mejor haría más dibujos y menos fotos..no se..jejeje! Creo que es algo con lo que disfruto un montón, una vía de escape…

- ¿Qué tratamiento digital le das a tus fotos?
Uso Photoshop para retocar mis fotos, bien para darles más color o recomponerlas. El ordenador es el laboratorio donde sobre o subexpones, haces reservas… Es menos romántico que el de verdad, pero para mí más práctico, ya que soy malísimo revelando carretes y positivando las fotos en el laboratorio.

- ¿Quiénes son tus referentes visuales?
Esta pregunta podría estar respondiéndola durante horas y horas. La verdad es que me encanta ver lo que han echo o hacen otros fotógrafos y diseñadores gráficos. Los clásicos de la fotografía me gustan casi todos, especialmente Cartier-Bresson, Josef Koudelka, Elliot Erwitt …Españoles Alberto García Alix, Chema Madoz, los hermanos Belinchón, Xabier Ribas, Fontcuberta…y a nivel internacional hay muchísimos nombres: Gregory Crewdson, Loretta Lux, Julia Fullerton Batten, Vee Speers, Erwin Olaf, Larry Clark…pero si tuviera que elegir uno supongo que sería Andreas Gursky, seguido de Thomas Ruff, Candida Höffer y Jeff Wall…

Disfruto un montón con los libros de fotografía, y me encantan las revistas Eyemazing y EXIT, donde siempre descubres nuevos fotógrafos que te dejan con la boca abierta.

- ¿Cuál es tu equipo actual y qué partes de él son esenciales para ti?
La verdad es que por el momento no soy un obseso de las ópticas ni de los complementos. De hecho no tengo ni fotómetro ni flash todavía. He estado dos años haciendo fotos con una Nikon D70 con un 28-85 3.5 5.6 y desde hace unos meses con la Canon 5D con un 24-105. También tengo un 50mm 1.8, pero la verdad es que casi no lo he usado.

- Fotos cuadradas con líneas rectas, elementos simétricos… ¿tratas de ordenar el mundo con tus fotos?
jejejeje. Lo intento. He estudiado diseño gráfico y me encanta todo lo simétrico, el orden en la imagen, las rectas…

- En tus retratos llaman la atención varias cosas. En primer lugar, el aire de los protagonistas es triste. Hay pocas sonrisas y pocas miradas alegres. Normalmente no miran a la cámara , sino que esquivan su presencia girando la cabeza. ¿Por qué?
La verdad es que no sé muy bien el porqué. Me lo han preguntado varias veces y hay muchas risas a costa de eso entre mis amigos, pero todavía no se muy bien por qué lo hago. Así como el orden y la simetría en mis fotos se lo atribuyo en cierta forma a la influencia del diseño, el tema de la tristeza y las miradas es lo que me pide el cuerpo cuando hago retratos. Si encuentro el porqué prometo mandaros un mail para comentároslo.

- En otras fotos en las que el centro supuestamente es la persona, esa persona casi ni se ve. ¿Por qué?
No tiene nada que ver con eso de lo grande que es el mundo y lo insignificante que somos nosotros. ¡Para nada! Me gusta componer así, con mucho espacio vacío alrededor del sujeto.

- Tus fotos dan sensación de frialdad por el uso de colores azulados y grisaceos. ¿Es esta tu intención? ¿Por qué?
Supongo que sí. Es que Donosti es bastante fría, gris (me encanta) y también azulada. ¡Al final se me ha quedado esa atmósfera bien grabada en la cabeza!

José Javier Serrano ha estado trabajando durante los últimos meses en una exposición para febrero de 2008 en la Casa de la Cultura del barrio de Amara, en Donosti. Más que recomendable.

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