Una de las reticencias que tenemos muchos fotógrafos a la hora de pasarnos a la fotografía móvil es cambiar el programa con el que revelamos nuestros disparos. Así que me he puesto manos a la obra con una de las fotografías que he hecho con el iPhone 13 y la he revelado con ambos programas para buscar las diferencias. ¿Es el mismo motor? ¿Consigue los mismos resultados?

Adobe nos complicó mucho la vida cuando cambió la denominación de las diferentes versiones de Lightroom. Ahora mismo encontramos dos:

• Adobe Photoshop Lightroom Classic: la versión de escritorio.
• Adobe Photoshop Lightroom: la versión para dispositivos móviles.

Esta denominación ocasiona numerosos problemas a todos los que se compran la licencia para empezar a disfrutar de las bondades del programa. Cambian dos cosas importantes:

• La interfaz.
• La desaparición del catálogo en la versión para móviles.

Lo que complica mucho las cosas es que ambas versiones se pueden instalar sin problema en el ordenador. Y lleva a la confusión a mucha gente que espera encontrar una cosa y se termina perdiendo con otra… Con lo fácil que sería que recuperara el nombre original: Adobe Lightroom mobile...

Imagen original

Pero lo que más nos debe preocupar es saber si el motor de revelado es exactamente el mismo en los dos programas. ¿Se consigue exactamente el mismo resultado? ¿Será más fluido trabajar en el ordenador con la versión Classic que en el móvil con la versión propia? ¿Tendrá algo que ver en el resultado final trabajar con un procesador i7 7800 (sí, lo sé, no puedo actualizarme al W11) o con el procesador A15 Bionic del iPhone 13?

Los pasos a seguir en la prueba

A partir de una fotografía, hecha con el iPhone 13, he trabajado con ambos programas. Adobe Photoshop Lightroom Classic está instalado en un portátil HP con un procesador i7 y 16 GB de RAM y está conectado a un Benq SW240 calibrado. Adobe Photoshop Lightroom lo tengo instalado en un iPhone 13.

Para revelar he seguido paso a paso el decálogo de revelado del que tantas veces hemos hablado por aquí. El objetivo era tratar de conseguir el mismo resultado sin dejar de ser fiel a mi estilo.

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Una vez revelados los archivos, los he abierto en Adobe Photoshop para hacer las comprobaciones que certifiquen si nos encontramos ante el mismo resultado o cambia algo. Los diez pasos son:

1. Ver la fotografía
2. Entender el histograma
3. Corregir los problemas ópticos del objetivo
4. Reencuadrar la fotografía
5. Compensar las dominantes de color
6. Luminosidad
7. Contraste
8. Ajustar el lado derecho del histograma
9. Ajustar el lado izquierdo del histograma
10. Aumentar la acutancia

Así que vamos a ver y comentar los resultados.

El resultado de la prueba

Aunque parezca mentira hay muy pocas diferencias entre ambos programas. Si os fijáis en la fotografía que abre el artículo es muy difícil encontrarlas.

Adobe Lightroom contra Adobe Lightroom Classic

El motor de revelado de ambas versiones es el mismo. La versión para móviles va disfrutando actualización tras otra, de las herramientas y funciones de la hermana mayor. Pero prescinde totalmente del catálogo, una de las virtudes más importantes del programa original desde mi punto de vista.

Interfaz de Adobe Lightroom Classic

Todos los pasos del decálogo, y de cualquier flujo de trabajo que tengas, se pueden hacer exactamente igual en ambos programas. Solo cambia, como ya hemos dicho, la interfaz. Y el resultado es muy parecido.

Interfaz de Adobe Lightroom

La ligera mejora que podemos apreciar en la versión Classic se debe, sin lugar a dudas, por la precisión que permite trabajar con un monitor fotográfico y la capacidad de ver el nivel de umbral para ajustar al límite los blancos y negros más extremos.

Además en ambos casos la velocidad de respuesta ha sido prácticamente la misma. Es otro aspecto que me ha llamado la atención. Siempre he pensado que en el ordenador todo sería más rápido, pero hay que aplaudir a los de Adobe por la agilidad de la versión móvil. Supongo que con una mayor carga de trabajo se notará la diferencia.

Si juntamos ambas muestras en un solo archivo podemos jugar con los modos de fusión, en concreto con Diferencia, para ver más fácilmente si encontramos algún cambio.

Con el modo Diferencia comprobamos que la interpretación de la Corrección de lente es igual porque el archivo se va a negro. No hay cambio alguno entre las imágenes, lo que señala que el comportamiento es idéntico.

Modo Diferencia

Y si hacemos, por ejemplo, una selección de toda la fotografía y aplicamos un Filtro>Desenfocar>Media para conseguir el color medio de la imagen podemos apreciar que las diferencias de luminosidad y dominantes son mínimas.

Así que podemos decir que ambos programas, siempre que revelemos con un flujo adecuado y con cabeza, consiguen exactamente el mismo resultado. Eso sí, la precisión será mucho mayor siempre con una buena pantalla calibrada.

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Y tengo que añadir que me ha sorprendido mucho el resultado. Es verdad que siempre revelo, con la ayuda del histograma, para conseguir sacar lo que vi. Es la única forma de uniformizar los resultados. Y en este caso creo que es fundamental. ¿Pensabas que los resultados iban a ser tan parecidos?

Los que vivimos en las grandes ciudades nos volvemos tan locos con las nevadas como los turistas cuando ven vacas en el campo... Pronto nos quedamos sin tarjetas de memoria. Pero hay que ser prudentes. Si tienes ya la foto vamos a cerrarnos en casa cómodamente con un café o un chocolate y vamos a sacar todo el potencial de nuestros archivos en blanco y negro con la ayuda de las máscaras de luminosidad en Adobe Photoshop.

¿Por qué en blanco y negro? Salvo que estemos buscando notas de color con el manto de la nieve no tiene sentido trabajar estas fotos con toda la información RGB. Así que me voy a lanzar a revelarla con el método de blanco y negro con máscaras de luminosidad con la ayuda del panel de Tony Kuyper. Si queréis podemos hacer lo mismo con Capture One.

La idea es conseguir una fotografía con blancos y negros puros y una buena representación de toda una gama de grises. Personalmente no entiendo la necesidad de mostrar una fotografía plana, sin casi tonos oscuros. Lo bueno que tiene el método personal que voy a seguir es que puedes hacer cualquier otra impresión.

Fotografía original

Trabajaré con Adobe Camera RAW y con el panel de Tony Kupyer en Adobe Photoshop. Seguiré los pasos que publicamos hace tiempo sobre el revelado en blanco y negro con máscaras de luminosidad.

Revelado paso por paso

El primer revelado lo haré en Adobe Camera RAW. Luego pasaré la fotografía a Adobe Photoshop en formato TIFF a 16 bits y trabajaré con las máscaras de luminosidad para conseguir el blanco y negro que estoy buscando. Siempre digo que para conseguir la fotografía que quieres tienes que ser como un jugador de ajedrez, como se ve en Gambito de dama. Solo hay que ver el archivo para descubrir los mejores movimientos para llegar al final.

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Nuevo método para hacer fotografías en blanco y negro con ayuda de las máscaras de luminosidad (I)

Revelado en Adobe Camera RAW

Aquí tenemos que preparar el archivo para llevarlo en las condiciones que queremos a Adobe Photoshop. Para lograrlo voy a seguir mis diez pasos pero adaptados al método de blanco y negro con máscaras de luminosidad.

En Adobe Camera RAW

Entender el histograma

La exposición es mala. Esta mañana hacía frío y no estaba solo, había dos cosas lanzándome bolas de nieve. Pero he confiado en la calidad de archivo de Panasonic Lumix S1R para evitar el ruido. La imagen está mucho más oscura de lo que debería en un primer momento, así que me toca revelar de otra forma para conseguir un blanco puro en la fotografía.

La dominante, como se ve en el histograma, es azulada. Así que creo que es perfecta para dejarla tal cual. Pero como voy a pasarla a blanco y negro, creo que neutralizaré la dominante.

Corregir los problemas ópticos del objetivo

La fotografía está hecha con un Lumix S 24-105mm f4, un objetivo muy recomendable por las pruebas que estamos haciendo pero que no está en la base de datos de ACR. Como no hay líneas claras y el viñeteado no debería ser un problema puesto que he disparado a f10, no es algo que me preocupe ahora.

En Correcciones de lente solo marco Quitar aberración cromática para tratar de recuperar la máxima nitidez.

Reencuadrar la fotografía

Tenemos entre manos 46 MP para recortar si fuera necesario. Pero creo que la amplitud del encuadre elegido ayuda a imaginarse la intensa nevada que estaba cayendo en ese momento en Villalbilla. Así que no voy a recortar nada y dejaré que el revelado termine de dirigir la mirada del espectador.

Neutralizar las dominantes de color

Al principio he dicho que la dominante azulada que me está chivando el histograma viene muy bien a la fotografía. Pero como la voy a pasar a blanco y negro he decidido coger la herramienta Equilibro de blancos (I) del panel Básicos y pinchar en la nieve para quitar cualquier dominante.

El cambio ya se nota en ACR

Y por supuesto ajustaré el Perfil a Adobe neutro para dejar el archivo tal como lo vio la cámara en el momento del disparo. Para el método de blanco y negro necesito una fotografía plana.

Ajustar la luminosidad de la fotografía

La fotografía tiene una compensación de +1. Sin duda hubiera sido mejor disparar a +2 para registrar el máximo de información en la zona de las luces. Pero el frío no me dejaba pensar mucho. Así que ahora tendré que bajar el parámetro de Exposición a -1.

Contraste

Como la fotografía la voy a pasar a blanco y negro con las máscaras de luminosidad no necesito en este momento meterle más contraste, por lo que la fotografía se quedará en este momento plana. El contraste lo meteré después.

Ajustar el lado derecho del histograma

Necesito ajustar el lado derecho del histograma con la mayor precisión posible. Para conseguirlo subo Blancos al máximo con la ayuda del Nivel de umbral (alt+clic para ver cuándo se pierde información) y con Iluminaciones bajo los tonos claros para lograr texturas.

Ajustar el lado izquierdo del histograma

Como voy a trabajar con máscaras de luminosidad, necesito que los negros sean lo más luminosos posibles para poder sacar detalle de ellos posteriormente. Así que viendo que la fotografía casi no tiene tonos oscuros dejo Negros y Sombras tal cual.

Fotografía revelada en ACR

Aumento de la acutancia

Este es el último paso. Sirve para dar mayor sensación de nitidez. Así que yo siempre subo Textura a 50 para intentar sacar todo el detalle.

La fotografía está fea. Y ese es el objetivo inicial. Ya está perfecta para mandarla a Adobe Photoshop como objeto inteligente en Abrir objeto. Solo hay que hacer Mayús+clic en Abrir para conseguirlo.

Revelado en blanco y negro con máscaras de luminosidad

En esta ocasión voy a trabajar con el nuevo panel de Máscaras de luminosidad de Tony Kuyper, el TK7 Go porque tiene un botón directo para transformar una máscara en una capa de blanco y negro. Es más rápido y además permite trabajar con máscaras de canales. Si queréis verlo con más detalle solo tenéis que ver estos artículos.

• Abro el panel TK7 Go y hago clic en el primer botón de la izquierda para ver las máscaras de luminosidad tradicionales.

El paso a blanco y negro con Tony Kuyper

• Para conseguir un buen blanco y negro lleno de matices solo tenemos que mirar las máscaras de Luces 1, 2 o 3. Como veis, al evitar los tonos oscuros en el revelado conseguimos ahora todos los matices del gris en las zonas oscuras. En este caso me quedo con Luces 3.
• En Salida voy a la segunda fila y pincho en el quinto icono para transformar automáticamente la máscara en una capa. Ya tengo la fotografía en blanco y negro. No hay forma más rápido de hacerlo.
• Es el momento de dar más contraste a la fotografía (si te gusta). Pincho de nuevo en el primer botón del panel para hacer nuevas máscaras de luminosidad a partir de la imagen en blanco y negro. Selecciono la ML de Medios tonos 2 y hago clic en la capa de ajuste de Curvas.
• Ahora solo tengo que elegir el contraste que quiero dar a mi fotografía. En este caso apuesto por un contraste medio.
• Me gustaría que los copos de nieve se vieran más... Por eso vuelvo a pinchar en el primer botón del panel Tk7 Go para seleccionar las luces. Y veo que Luces 3 es perfecto para aislar los copos.
• Con esta Ml creo una capa de ajuste de Curvas en la que subiré los blancos para lograr mi objetivo.

La fotografía final

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Y ya estaría... Puede parecer complicado pero todo es cuestión de práctica y saber ver lo que quieres conseguir. Solo me queda virar la fotografía para darle mi toque especial y listo.

Es una de las fotografías que he hecho de la nevada por el simple placer de recordar a Filomena, el nombre que le han puesto a este temporal que nos ha permitido olvidarnos por un momento de una de las mayores crisis sanitarias mundiales. Y de paso me he quedado en casa sin aburrirme.

El efecto clave alta (o high key como algunos dicen ahora) es un efecto que tradicionalmente se consigue en el momento del disparo. Depende de la exposición y por supuesto nos podemos apoyar en la luz del flash. Pero hoy vamos a ver una técnica de clave alta para hacerlo con Adobe Photoshop.

La clave alta en una fotografía se reconoce por tener toda la información volcada en la zona derecha del histograma. Es una imagen con unos negros mínimos, con algún tono medio y sobre todo altas luces. Pero en ningún caso debe tener zonas importantes quemadas. Hay que procurar que el elemento principal conserve todo el detalle.

El valor de Mediana en la ventana Histograma

Para reconocer si estamos ante un archivo en clave alta solo hace falta mirar un dato del histograma para confirmarlo, tal como nos cuentan en este vídeo. Si queremos estar seguros solo hay que conocer el valor de Mediana y ver si es más alto de 160. Este valor lo podemos ver en la ventana Histograma de nuestro programa. Solo tenemos que abrir sus Preferencias (el icono de líneas horizontales que encontramos en la esquina superior derecha) y elegir Vista expandida.

Si por algún motivo no lo hemos conseguido en el momento del disparo siempre podemos acudir a nuestros programas de edición para trabajar con las capas, los canales y algún que otro modo de fusión para lograr el efecto. Y me duele decirlo, pero gracias a estas técnicas casi no hace falta disparar en clave alta.

Clave alta por canales

Este método es el preferido de la mayoría de los fotógrafos y técnicos. Solo hace falta darse una vuelta por internet y ver que es el método más utilizado. Este es el que siempre he utilizado en mis clases porque los resultados siempre son buenos, sobre todo si se cumplen una serie de parámetros:

La fotografía de partida de Adobe Stock

La fotografía tiene que estar correctamente expuesta, sin luces quemadas ni sombras sobreexpuestas. Tienen que predominar los tonos medios. Sería muy difícil trabajar con una fotografía en clave baja y pasarla justo al punto contrario.

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Así que vamos a ver cómo hacerlo. Abrimos una fotografía y la revelamos como estemos acostumbrados. Y si lo hacemos como objeto inteligente mejor que mejor:

• A continuación vamos a Ventana>Canales y pinchamos en cada uno de los canales de color hasta encontrar el que tenga menos contraste, en el que la fotografía se vea más suave. Normalmente suele ser el canal Rojo. Además, si nos fijamos en el valor de Mediana en la ventana Histograma lo tendremos más claro. Solo tenemos que elegir el que tenga ese valor más alto.
• Duplicamos este canal pinchando con el botón derecho del ratón sobre la miniatura y marcamos Duplicar canal... y damos Ok.

El canal Rojo duplicado

• Ahora es importante dejar marcado este nuevo canal y asegurarse de que es el único que tiene el icono de visibilidad de capa marcado (el ojo).
• Y vamos a convertir este canal en una capa de una forma muy sencilla. En primer lugar seleccionamos todo (Ctrl+A), luego lo copiamos (Ctrl+C).
• Por último vamos a la ventana Capas y pegamos (Ctrl+V) para terminar de convertir el Canal en una Capa.
• Como podéis comprobar en el histograma, el valor Mediana sube por encima de esos 160 que hablábamos al principio.
• Si queremos mejorar el resultado (o no hemos llegado a ese valor) podemos ir a Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas y subir el punto central de la curva para aclarar los tonos medios sin alterar el negro y blanco absolutos.

La fotografía final en clave alta

• O simplemente podemos cambiar el modo de fusión de la capa de ajuste a Trama y jugar con su Opacidad para conseguir el resultado apetecido.

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El resultado final es en blanco y negro. La fotografía no está quemada. Y hay muy pocos negros profundos (algo que ayuda a que la fotografía tenga más profundidad). Y si queremos una clave alta en color (como en la portada del artículo) solo tenemos que cambiar el modo de fusión, del canal que hemos convertido en capa, a Trama.

En color

Por este motivo he dicho al principio que casi no merece la pena disparar en clave alta... aunque como ejercicio práctico lo veo fundamental.

Si te estás iniciando en fotografía, o no tienes muchos conocimientos, es posible que no estés familiarizado con el histograma, un útil elemento para todo fotógrafo pero que, en principio, resulta algo complicado de entender. Por eso, nos proponemos ayudarte a conocerlo a través a unos ejercicios sencillos que te facilitarán una mejor comprensión de este importante elemento.

Como sabréis, y si no para eso estamos nosotros, el histograma es una representación gráfica de los valores de luminosidad de una imagen. Consta de un eje horizontal, donde aparecen las luminosidades del negro al blanco, y un eje vertical que muestra el número de píxeles de cada tono en un porcentaje según aparezcan en la foto.

Gracias a este gráfico es fácil saber si una foto está correctamente expuesta o, por el contrario, si está sobrexpuesta (en cuyo caso las barras estarán mayoritariamente en el lado derecho) o subexpuesta (con las barras situadas mayoritariamente en la parte izquierda), y también podremos conocer cuáles son los colores predominantes.

Sin embargo, es normal que al ver esto en la cámara (cada imagen tiene un histograma único) o en un programa de edición fotográfica nos resulte un diagrama ininteligible, con unos picos de colores que no comprendemos (incluso aunque nos lo hayan explicado). Por ello te proponemos que cojas la cámara y lleves a cabo los siguientes ejercicios, una actividad que cualquiera puede poner en práctica y que seguro te será útil para empezar a entender cómo funciona el histograma.

1. Foto en negro

La cosa no puede ser más fácil: coge la cámara y, sin quitar la tapa del objetivo, toma una fotografía. Una vez hecho, es hora de mirar el histograma para comprobar (si lo has hecho bien) que sólo habrá una única línea en la zona izquierda del histograma.

Si en vez de una foto sin quitar la tapa, hubieses hecho otro tipo de imagen pero tuvieras un gráfico similar en el histograma, con la mayor parte de las barras a la izquierda, eso significaría que la foto está demasiado oscura y sin detalle alguno.

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Cuatro curiosidades sobre el histograma

2. Foto en blanco

El segundo ejercicio es justo lo contrario: hay que buscar algo de color blanco y componer de manera que ocupe todo el encuadre. Para lograrlo puedes usar un folio blanco o una pared, aunque conviene sobreexponer (subiendo ISO y/o bajando velocidad) porque de lo que se trata es de obtener una imagen lo más blanca posible.

El resultado, como ya estarás imaginando, será un gráfico donde habrá una sola línea (o un grupo pequeño de líneas) en la parte derecha del histograma. De nuevo, si no fuera una foto a algo blanco, lo que nos indicaría es que la imagen está demasiado brillante o quemada y, otra vez, sin detalle.

3. Escala de grises

Sin mover la cámara del encuadre anterior (es decir, enfocando algo blanco), probaremos a hacer una serie de tomas con velocidades de obturación cada vez más altas, pero sin tocar el resto de parámetros. Con ello obtendremos una serie de fotos en color gris que, a medida que variemos la exposición, irá tendiendo al negro. Por supuesto miraremos su histograma y veremos que la línea (o el grupo de líneas) que en la foto blanca estaba a la derecha se va desplazando gradualmente hacia el lado izquierdo.

4. Fotos de distinto color

La siguiente prueba consiste en hacer varias fotos de colores, llenando el encuadre con algo de un color único y lo más puro que te sea posible. Por ejemplo podemos hacer una toma de algo rojo y amarillo para comprobar que el histograma muestra un grupo de líneas estrechas que serán diferentes para cada imagen.

Una foto completamente roja (y sin dominantes) debería mostrar las líneas ligeramente a la izquierda del centro del gráfico. Y si es amarilla debería tener sus líneas más bien en el lado derecho, a poco más de la mitad del centro. De esta manera, podemos comprobar cómo los diferentes colores se corresponden con distintas posiciones en el histograma y esto nos servirá para tener una mejor comprensión de cómo esta herramienta nos ayuda a interpretar los colores de una imagen.

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El triángulo de exposición explicado gráficamente

5. Una última a todo color

La quinta y última prueba consiste en hacer una foto de cualquier cosa, aunque mejor si en la escena hay una gran variedad de colores (podemos usar una imagen que hayamos tomado previamente y que destaque por su colorido). Se trata de visualizar su histograma y fijarnos en cómo se refleja la variedad de colores diferentes de las fotos, con múltiples picos representados en el gráfico.

Si comprobamos que el gráfico tiene una tendencia hacia la derecha, esto será señal de que la imagen es demasiado brillante (probablemente sobreexpuesta); si está volcado en la parte izquierda, es probable que la foto esté demasiado oscura (subexpuesta). En ambos casos (y siempre que éste no sea el efecto que hayamos buscado), esto significará pérdida de detalle en algunas de estas zonas. Por eso, si nuesra cámara permite ver el histograma en directo, ésta será una excelente ayuda para saber si debemos modificar la exposición en consecuencia.

Y esto es todo. Esperamos que después de hacer estas pruebas que, como podéis comprobar, son asequibles para todos, empecéis a entender por fin el histograma, y que éste se convierta en una ayuda en vez de algo difícil de entender.

Es un tema que hemos tratado en varias ocasiones. Pero en los talleres vemos que es un tema que a los fotógrafos les preocupa especialmente. Siempre existen dudas. ¿Mido a las luces? ¿A las sombras? ¿Por la noche es lo mismo?... Es la hora de descubrir a los que empiezan y a los que ya tiene cierta experiencia dónde hay que medir la luz cuando hacemos una fotografía.

Puede parecer un mantra inútil después de repetirlo tantas veces y verlo escrito en todo lugar fotográfico que se precie, pero no me cansaré de decir que la fotografía es luz. Pintar con luz. Y como tal debemos tener un respeto exquisito a la luz en la fotografía. No vale cualquiera, ni debemos hacer la fotografía en cualquier momento sin evaluarla convenientemente.

No quiero decir ni mucho menos que no se dispare al mediodía, o que la única luz bonita es la del amanecer o atardecer... Eso sería simplificar mucho. Toda luz sirve, solo hay que aprovechar la que tenemos en cada momento. Si quieres trabajar bajo la luz del mediodía del terrible agosto es posible. Solo tienes que saber qué quedará mejor con esa iluminación. Cada fotógrafo tiene la obligación de buscar la luz de cada serie. O buscar una luz que marque su estilo.

Cómo medir la luz

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Conviene recordarlo. Cuando apretamos el disparador hasta la mitad estamos enfocando y midiendo la luz. Dos funciones que desde hace mucho tiempo se pueden separar si queremos. En la mayoría de las cámaras tenemos un botón de medición y otro de enfoque. Y si nos metemos en las infinitas modificaciones que permiten las más modernas del mercado podemos enfocar con uno, medir con otro y disparar con el obturador.

Medí en la zona de las nubes

Incluso tenemos la posibilidad hoy en día de medir la luz en el punto de enfoque que hayamos elegido, no solo el central. Es cuestión de acostumbrarse y encontrar el método que mejor se adapte a nuestras intenciones.

Modos de medición

Debemos elegir el modo de medición. Medir la luz en todo el encuadre hasta el concentrado modo puntual. Para muchos, entre los que me incluyo, ya es indiferente elegir uno u otro porque el histograma será nuestro fiel consejero. Pero como siempre tenemos que elegir uno de ellos, yo tengo por defecto el puntual:

este modo mide la luz mide solo una pequeña parte de la escena, tradicionalmente situada en el centro de la imagen pero que en muchas de las nuevas cámaras réflex se puede ajustar para que se sitúe en el mismo punto en el que se enfoque la imagen a través del sistema AF.

Modos de exposición

De lo que no nos podemos olvidar en este artículo es de los modos de exposición, el tradicional PASM (Programa, Prioridad al diafragma, Prioridad a la velocidad y Manual). Existe una fe ciega en el modo Manual, estigmatizada como el método más profesional. Es curioso ver como muchos fotógrafos que empiezan a disparar así porque se lo han dicho, exactamente no saben lo que hacen, solo poner el compensador a 0... Lo que hacen exactamente los de más modos si no controlas la situación.

Cuando ves una fotografía es imposible saber con qué modo de exposición está hecho. Lo que importa es el encuadre, el mensaje y que la luz cuente todo lo demás. Y dejarse de parrafadas conceptualistas... Personalmente disparo un 90% de las ocasiones con Prioridad al diafragma porque considero que el control de la profundidad de campo es fundamental para mi trabajo.

Dónde medir la luz

Y llegamos al final a la cuestión que ha llevado a escribir este artículo. ¿Dónde medir la luz? Esa es la cuestión y la duda que asalta a muchos fotógrafos que empiezan. Yo soy un ferviente defensor de exponer a la derecha. Me da igual el sensor de mi cámara. Lo único que quiero es asegurar la ausencia de ruido, independientemente de la sensibilidad elegida. Es una forma más de trabajar, no la única, desde luego.

Con cámara réflex

Por este motivo, si trabajo con una réflex, sitúo el punto central del visor en la zona más luminosa del encuadre y aprieto el botón de medición. En algunas cámaras basta con esto. Pero en otras hay que mantenerlo pulsado.

Medí en la nube clara de la derecha

Pero esto no basta. Hay que saber cuánto hay que subir la compensación de exposición para lograr que el histograma final toque el extremo derecho. En Canon hay que sobrexponer dos puntos. En las Nikon que he utilizado apenas subo un tercio de punto... Si dejásemos el compensador de exposición a 0, las fotografías quedarían subexpuestas al medir a la luz más brillante.

Con cámaras sin espejo

El visor electrónico es una bendición para los fotógrafos. En los modelos de los últimos años ha alcanzado la mayoría de edad y ya no echaremos de menos los visores de pentaprisma. Pero además tienen una ventaja añadida. Podemos ver el histograma en directo.

El histograma me dio la clave

Así que nos da igual el modo de medición. El histograma nos dirá en todo momento cómo estamos haciéndolo. Así que podemos elegir el diafragma, en función de la profundidad de campo que estamos buscando, ver que la velocidad es la correcta para evitar la trepidación, y con la compensación de exposición ajustar el histograma.

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Cómo exponer correctamente en fotografía digital

Los resultados serán siempre perfectos para lograr archivos bien expuestos. Pero todo esto no servirá para nada si no hemos elegido el sujeto adecuado o el mejor encuadre para la luz que tenemos en ese momento justo en el que hemos decidido que todo suceda.

En el mundo de la fotografía y la imagen, el manejo de color es uno de los elementos de mayor importancia. Por eso, las herramientas de colorimetría son tan necesarias en nuestros sistemas y flujos de trabajo. Sin embargo, en la fotografía, parece que la única herramienta que nos dan las compañías sigue siendo el histograma.

En el pasado, hemos hablado sobre por qué creemos necesario que los scopes de vídeo lleguen al mundo de la fotografía. Dos años después, todo sigue igual, salvo por la fabulosa adición de estos elementos a Affinity Photo.

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La gestión del color desde el punto de vista fotográfico (I)

Tiempos reducidos y mayor calidad

Lo que hace a los scopes de vídeo tan útiles en el flujo de trabajo es que son guías más completas de cómo está distribuida la información alrededor de nuestra imagen. El histograma es útil y el histograma de canales es un complemento más completo. Sin embargo, el histograma en su versión actual es una herramienta que solo nos muestra el estado general de la exposición en nuestra imagen.

Por eso, en el mundo vídeo esta información es complementada con otras herramientas: El vectorscopio, la forma de onda y el mostrador RGB.

Un cambio leve en el histograma se identifica más fácil en un vectorscopio.

Con una forma de onda es más sencillo definir puntos de blanco, negro y ajustar el contraste general de la imagen; además de identificar puntos alrededor de la imagen que estén generando problemas. Con el mostrador RGB logramos identificar y ajustar de manera más fácil dominantes de color. Y el vectorscopio es una herramienta que nos puede ayudar a encontrar pieles naturales de manera fácil y rápida.

En nuestra entrada anterior entramos más en detalle sobre cada una de esas herramientas.

Sin embargo, lo más importante de estas es que, al ser más específicas para identificar propiedades de la información de la imagen, nos permite potenciar la intención de nuestras imágenes, aprovechar su información al máximo y corregir problemas de manera rápida; disminuyendo los tiempos de edición de una imagen y dando mayor seguridad sobre los ajustes realizados.

Son tan útiles que algunos fotógrafos pasan por procesos complicados para agregar estas funciones en su flujo de trabajo, como es el caso de Sean Gallaher.

Aunque la información es similar, el forma de onda nos deja ver más claro la distribución de información y el contraste.

Que Affinity los incluya en su programa de edición es un gran alivio. Siendo la principal competencia de Photoshop, además de no tener que entrar en el sistema de suscripción, estos monitores de información lo hacen aún más llamativo para quienes buscan salir de Adobe e ingresar a alternativas de herramientas de edición.

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¿Es el momento de ahorrar 50 euros al año y salir del sistema de suscripción de Adobe?

Si son tan útiles, ¿por qué no lo agregan los software de fotografía?

En foros podemos encontrar que, quienes hemos trabajado con herramientas de vídeo, tenemos estas dudas desde hace mucho tiempo. Y, sin saber la respuesta oficial de ninguna de estas compañías, lo que se intuye es que quienes controlan el diseño de los software no salen de la tradición.

El fotógrafo siempre se ha valido del histograma, es la única herramienta que lo acompaña en la era digital. En vídeo, el mantener ciertos parámetros para poder transmitir en televisión y cumplir con estándares generó en nosotros una necesidad de herramientas más específicas.

Con el mostrador RGB podemos ver las dominantes de manera rápida y sencilla.

La complejidad técnica de agregar estas herramientas son mínimas. Affinity, con menos años de experiencia en el mercado, cuenta con estas herramientas. Adobe tiene estas herramientas en su software de vídeo y existía antes cuando tenían una aplicación de colorización específica. Capture One y On1 cuentan con algunas herramientas similares a las de vídeo (como las ruedas de color). Entonces, si pueden llevar algunas de sus herramientas al mundo foto, ¿por qué no las de colorimetría?

Tal vez con el crecimiento de la tendencia de que los fotógrafos no solo pertenecemos a este mundo, sino también al de la imagen en movimiento, cada vez haya una demanda más grande por incluir estas herramientas en software de fotografía. La respuesta de que el histograma es más que suficiente es un bloqueo de los fotógrafos a entender que la industria y las necesidades evolucionan. Que es hora de complementar nuestras herramientas para ofrecer un trabajo de mayor calidad y para facilitarnos la vida en la postproducción.

Lo pedimos en 2018 y lo volvemos a pedir en 2020. Ojalá para 2022 ya no haya que pedirlo más.

Llegamos a la tercera parte del tutorial de introducción a Darktable, un programa de edición fotográfica con la misma filosofía que Adobe Lightroom. Solo trabaja con las copias de los originales, un catálogo para evitar perder los archivos durante el revelado. En este capítulo vamos a explicar cómo revelar nuestras fotografías en tan solo diez pasos.

Darktable ofrece muchas formas de trabajar. Cada usuario debe elegir las herramientas que le permitan lograr el revelado que necesita para enseñar sus fotografías. Este programa destaca por la cantidad de herramientas y opciones que pone a disposición del fotógrafo. Nosotros vamos a enseñar una forma de hacerlo, quizás sencilla, pero tremendamente efectiva.

Para revelar una fotografía seguiremos los diez pasos de los que hemos hablado en otras ocasiones por las ventajas que ofrece: siempre avanzas hacia delante y una vez asumido puedes tener lista cualquier imagen en menos de cinco minutos.Y puedes adaptarlos a tu estilo sin problemas. Vamos a verlo.

Los diez pasos de revelado con Darktable

Una de las ventajas que tiene Darktable es que podemos configurar un panel con nuestras herramientas favoritas, algo que es imposible hacer con Adobe Lightroom. Solo tenemos que dar con el botón derecho cualquier herramienta o función y podremos marcarla para que se abra en la pestaña Favoritos, señalada con una estrella.

Lo único malo es que no podemos tenerlas en el orden que queramos. Tal cual marcamos una función aparecerá en la pestaña. Seguro que en actualizaciones futuras se podrá hacer. O a lo mejor con código...

Fotografía original

Ver la fotografía

No tiene sentido ponerse a revelar sin destinar al menos un minuto para contemplar la fotografía que tienes delante. En esta ocasión vamos revelar una fotografía de Londres. Lo más llamativo, a la hora de importarla es que se conservan los ajustes de revelado de Adobe Lightroom. Así que no me queda más remedio que dejarlos a 0 para poder hacer un revelado personalizado. Solo hay que acudir a la pestaña Historial y acercarse al primer paso.

Necesito que se vea el pasillo un poco más claro y con suficiente contraste y llevar la atención del espectador a la vista de la ventana. Me gustaría conseguir una dominante más cálida en el exterior y un poco más fría en el interior. Igual no lo consigo durante este primer revelado pero es importante tenerlo en cuenta. Y mantendré la proporción.

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Diagramando nuestras cuentas de Instagram para crear un mayor primer impacto de nuestro perfil

Entender el histograma

En Darktable el histograma está siempre a la vista en el módulo Cuarto oscuro. Podemos verlo de varias formas: Logarítmico, en ondas y lineal. Para elegir el que más nos convenga hay que hacer clic en el icono que aparece con forma de curva cuando colocamos el ratón encima del histograma. Para que no nos despistemos el más parecido a Adobe Lightroom es el Lineal.

El histograma que cuenta la subexposición

También podemos verlo canal por canal o todos juntos. En esta ocasión el histograma nos dice que la fotografía está subexpuesta y que tiene una fuerte dominante azulada

Corregir los problemas ópticos del objetivo

Los metadatos de esta fotografía solo los podemos leer en el módulo Mesa de luz, en la pestaña Información de imagen. Allí veremos que la fotografía se hizo con una Fuji X-T1 y un objetivo XF18mmF2 R a 1/350 f5,6.

Estamos entonces ante un archivo .RAF a partir del problemático (para los reveladores comerciales) sensor X-Trans de Fuji. Para solucionar los posibles problemas de dicho objetivo vamos a Corrección>Corrección de lente donde automáticamente se corregirán todas las distorsiones posibles del objetivo utilizado: aberración cromática, viñeteado y TCA. Además podremos ajustar la Geometría de la imagen (por defecto será siempre Rectilínea) para ajustar la orientación.

Reencuadrar la fotografía

Para reencuadrar la fotografía tenemos que ir a Grupo básico>Recortar y rotar. En esta pestaña tenemos todas las opciones para darle a nuestra fotografía el aspecto que hemos pensando en el primer punto.

Tenemos la opción de elegir la proporción en Aspecto, ajustar la perspectiva y por supuesto enderezar la imagen. Esto último es tan sencillo como ir a la foto y pinchar en un punto de la línea que queremos enderezar con el botón derecho del ratón. Luego, sin soltar llevarla al otro extremo y soltar para que el programa detecta la caída de la línea y la enderece.

Neutralizar las dominantes de color

Llega el momento de empezar a revelar la fotografía. Lo primero es ajustar el equilibrio de blancos según lo que queramos trasmitir. En el primer punto avisé que quería el fondo frío y el primer plano cálido. No es el momento de hacerlo y tengo que apostar por la temperatura dominante.

Equilibrio de blancos

En el Grupo básico abrimos Balance de blancos y en el parámetro final Predefinido marcamos cualquiera de las opciones que siempre nos ofrece un archivo RAW. En este caso apuesto por Cámara neutral.

Ajustar la luminosidad de la fotografía

Este paso depende de cómo sea la imagen, de cómo ajustamos la exposición. El ejemplo está subexpuesto. Y lo lógico sería subir en Grupo básico>Exposición lo necesario para llevar el histograma a la izquierda. Depende de la luminosidad de la escena y de lo que queramos conseguir. Pero sobre todo de la compensación de exposición para conseguir un buen resultado.

Controlar la luminosidad

En este caso apuesto por 1 punto para iluminar el interior del pasillo sin perder información en el fondo. Es una imagen complicada en este sentido, que se beneficiará de la posibilidad de poder trabajar por zonas, como veremos en el siguiente capítulo.

Contraste

El contraste da más fuerza a las fotografías. Es una de las claves del revelado y uno de los parámetros que más puede marcar el estilo del fotógrafo. Siempre tendremos más control si trabajamos con una curva.

En Darktable vamos a Grupo Tono>Curva de tono y ahí, con solo dos puntos, creamos una curva en s que acentuaremos más si queremos más contraste. Personalmente siempre marco Preservar los colores>Luminancia para evitar saturar los colores de la imagen.

Ajustar el lado derecho y el izquierdo del histograma

Para realizar tanto este ajuste, las luces de la fotografía, como el siguiente dentro del decálogo -ajustar las sombras- Darktable presenta muchas soluciones. Tantas que pueden llegar abrumar. Desde Negro puro/blanco puro como Sombras y luces... Tenemos que buscar cuál es la mejor para nosotros y para el archivo.

Pero como no quiero complicar la vida del usuario primerizo en este tutorial de introducción voy a recomendar ir directamente a Grupo Tono>Niveles donde el fotógrafo podrá ajustar los blancos y los negros de la fotografía ajustando ambos parámetros hasta lograr un blanco y un negro absolutos.

Aumento de la acutancia

Como ya hemos comentado por aquí otras veces, la acutancia es la sensación de nitidez mediante el aumento de contraste en los tonos medios. Y en Darktable no encontramos ningún parámetro que nos ayude a hacerlo directamente.

Resultado final

Así que no queda más remedio que acudir a una nueva curva y hacer una curva de contraste en la parte central. Pero como no es fácil si estamos empezando, recomiendo encarecidamente ir a Más módulos>Enfoque y dar un enfoque general a la imagen muy suave con la ayuda de los tres parámetros: Radio, Cantidad y Umbral.

Y ya tenemos la fotografía revelada con solo diez pasos. Es verdad que podemos hacer más cosas, sobre todo con un archivo .RAF para marcar la diferencia respecto al resultado con otros programas. Pero vamos a detenernos aquí. No es momento de probar con Interpolación cromática, Mapeo de color, Reconstrucción de color o más cosas... Espero que los resultados os animen a apostar por este programa y nos veamos en el siguiente capítulo.

Más sobre Darktable| Capítulo I, Capítulo II

Ha pasado más de un mes desde la última vez que publicamos un artículo de esta serie. Entre medias ha aparecido una nueva versión de Capture One y hemos estado lidiando con ella. Así que retomamos la serie para comprobar esta vez con qué programa se revelan mejor nuestros archivos RAW, si Capture One o con el módulo Revelar de Adobe Lightroom.

Llegamos a una de las partes más interesantes para los lectores. Ver realmente cuál revela mejor. Ambas empresas tienen los programas más interesantes del mercado. Adobe es el rey y Capture One está avanzando a pasos agigantados. Todo el mundo habla de él, y la nueva versión 12 viene cargado de novedades. Pero hoy vamos a hacer una prueba de verdad. Vamos a revelar un archivo con ambos programas.

Ahora mismo mucha gente pregunta lo mismo. ¿Cuál es mejor? ¿Hay que dejar de usar Adobe? ¿Me quedo con los dos? ¿Adobe es malo?... Muchas preguntas con la misma respuesta siempre. Yo creo que lo ideal sería tener los dos. Es verdad que cuesta dinero, pero es la mejor opción. Todo depende de la calidad que necesitemos. Siempre será muy alta, eso sí.

La imagen analizada

La diferencia es clara para mi. Si solo necesitamos un buen revelado y no queremos nada más Capture One es la mejor opción. Es lo más parecido a tener una ampliadora de calidad. Lo más cercano a la fotografía clásica con una precisión sin límites. Pero si además queremos cambiar cielos, hacer panorámicas, poner un marco, combinar varias imágenes, hacer HDR... nos quedaremos con Adobe. Quizás es un punto de vista sencillo, pero creo que es bastante claro.

Los dos son perfectos, pero da la sensación de que Adobe avanza de una forma más lenta, como si estuviera seguro de sus capacidades y confiado en que nadie le quitará el trono. Pero es verdad que en los últimos años Capture One se ha hecho con la mayoría de los estudios profesionales de fotografía. Lo bueno es que hoy por hoy podemos elegir el programa que más nos interese.

Pero vamos a lo importante, vamos a revelar una fotografía. No voy a buscar una complicada, con colores imposibles o ISOS altos. He intentado elegir una buena imagen, sin mayores pretensiones. La idea es revelar el archivo con los diez pasos básicos que veis a continuación:

1. Ver la fotografía
2. Entender el histograma.
3. Corregir los problemas ópticos del objetivo.
4. Reencuadrar la fotografía.
5. Decidir las dominantes de color.
6. Ajustar la luminosidad de la fotografía.
7. Contraste.
8. Ajustar el lado derecho del histograma.
9. Arreglar la zona izquierda del histograma.
10. Aumento de la acutancia.

Lo bueno de estos pasos es que se pueden aplicar con cualquier programa y nos dejan la fotografía lista para rematar o incluso dejarlo como terminada. Vamos a revelar a la par. Además veremos las imágenes antes y después para ver cómo funciona el motor de procesado de cada programa tanto al principio como al final.

El revelado.

Voy a ir paso por paso en ambos programas. De entrada ambas fotografías seguro que presentan alguna diferencia que otra por obra y magia del motor de procesado de cada software. Así que las diferencias, en caso de haberlas, se notaran desde el principio.

Ver la fotografía

La fotografía es de un cementerio francés una mañana de tormenta. Hay que enderezarla, iluminar la cruz y oscurecer un poco el fondo para que destaque. En ambos casos estoy trabajando con el último motor de revelado para intentar sacar toda la información posible de un archivo RAW de la Fuji X100S. Y la fotografía me gusta en formato cuadrado.

Paso 1

Entender el histograma

En los dos programas el histograma presenta el mismo aspecto. Vemos que la subexposición es evidente y que hay una evidente dominante azulada fruto de la tormenta que caería minutos más tarde de la fotografía. Realmente no hay diferencia alguna. La interpretación es exactamente igual.

Paso 2

Corregir los problemas ópticos del objetivo

La corrección óptica puede mejorar mucho el aspecto de la fotografía. En el caso de Adobe es algo que ha ido mejorando con el tiempo. Pero algunas marcas no aceptan la corrección externa. Una de ellas es precisamente Fuji. Solo hay unos pocos ajustes preestablecidos para unas pocas cámaras, y entre ellas la Fuji X100s.

En Adobe hay que ir a Correcciones de lente para eliminar la aberración cromática y ajustar la distorsión y el viñeteado. Y en este caso no hay manchas pues es una cámara de óptica fija. Para eliminar la caída de la cruz tenemos la herramienta automática Upright con un resultado perfecto en las últimas versiones.

Paso 3

En Capture One tenemos la pestaña Lentes con bastantes más opciones. Llama la atención la Corrección de Difracción. En Rotación&Voltear está el icono A que permite un ajuste automático. También tenemos la corrección de Perspectiva. Lo más llamativo es que en esta fotografía considera que no hay que hacer corrección alguna. Lo haría de forma manual pero lo dejaré tal cual.

Reencuadrar la fotografía

Esta fotografía siempre me ha gustado en formato cuadrado. Creo que las casas del fondo desvían la atención y tienen demasiado fuerza. Así que voy a quedarme con la cruz y el árbol del fondo.

En el módulo Revelar activo la herramienta Superposición de recorte y en Aspecto selecciono 1x1. Con ayuda del ratón me desplazo por la fotografía hasta encontrar lo que he buscado desde un principio.

Paso 4

En Capture One, igualmente en Lentes, voy a Recorte y en Relación ajusto 1x1 (cuadrado). Marco la herramienta Recortar que se encuentra ahí y con el ratón hago la selección. Desde luego pocas diferencias podemos encontrar hasta ahora entre ambos programas.

En Xataka Foto

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Decidir las dominantes de color

Ahora es cuando las diferencias entre las fotografías empiezan a ser notables. Hay varias formas de hacer un ajuste de equilibrio de blancos, pero en esta ocasión voy a utilizar la misma, que es seleccionar la herramienta Equilibrio de blancos pinchando en la nube que hay justo encima de la cruz.Y antes, como siempre recomiendo ahora, voy a ajustar un Perfil neutro para dejar el archivo lo más plano posible para mejorarlo personalmente.

En Lightroom marco en la pestaña Básico el Perfil Adobe Neutro. Y me confirma la dominante azulada y me iguala los tres canales con una Temperatura 6450 y un Matiz 14. El histograma presenta un equilibrio perfecto con una leve dominante cálida.

Paso 5

En Capture One voy al icono Color y en Características base>Curva busco Respuesta lineal para dejar la imagen plana. En Balance de blanco pincho en la herramienta correspondiente y hago clic en el mismo lugar. Los valores son 6520 kelvin y un Tinte de 3,5.

Ajustar la luminosidad de la fotografía

La fotografía empieza a ser distinta. La interpretación de ambos motores está dando lugar a imágenes distintas. La de Capture One es mucho más plana y parece que se ajuste mejor a ese concepto de mostrar el RAW como es realmente, pero es solo una interpretación.

En este caso, la fotografía tiene una compensación de exposición de -1/3 (como puedo leer en los metadatos), así que para compensar la compensación, como siempre digo en mis clases, le doy +0,33 en Exposición en Adobe Lightroom.

Paso 6

En Capture One voy al icono Exposición y en el parámetro del mismo nombre le subo los 0,33 que hemos dicho. En este programa tenemos Brillo, algo que perdió Adobe en versiones anteriores por considerar que eran controles gemelos. Por la fuerza de la costumbre aquí no lo utilizo.

Contraste

Desde mi punto de vista el contraste mejora siempre una fotografía. Y más en mi caso que siempre pongo el mismo perfil plano. Subir el contraste da más fuerza a la imagen y además satura los colores, lo que puede ser beneficioso en algunos casos.

En Lightroom ajusto el contraste en la pestaña Curva de tonos con el ajuste preestablecido Contraste fuerte. En este caso creo que le viene muy bien para aumentar esa sensación lumínica de la luz de tormenta.

Paso 7

Capture One tiene otra novedad de la que carecen los programas de Adobe, la famosa curva Luma que permite dar contraste sin afectar al color. Podría elegirla en este caso pero perdería esa saturación que tanto me ha gustado para este disparo. Así que en el icono Exposición, en Curva, hago clic en Ajustes y marco la curva Contrast RGB.

Ajustar el lado derecho del histograma

Con los últimos motores de revelado es posible ajustar por un lado las luces y con otros parámetros las sombras. Ya no dependemos de Exposición para conseguir ajustar ambos extremos del histograma.

En la pestaña Básicos de Lightroom tenemos Blancos para encontrar el blanco absoluto de la imagen y Altas luces para controlar la luminosidad que va del gris al blanco. En esta fotografía tengo que subir Blancos a 56 con el control extra del nivel de umbral para ser lo más preciso posible y bajar a -100 Altas luces para oscurecer las nubes del fondo.

Paso 8

En Capture One es distinto, evidentemente. Tengo que ir a Niveles, donde no tengo la opción de visualizar el nivel de umbral y llevar el deslizador blanco al punto donde termina el histograma. Para oscurecer los tonos claros tenemos que abrir Alto rango dinámico y llevar Altas luces a 100.

Arreglar la zona izquierda del histograma

En las sombras es donde se encuentra el ruido de las fotografías. Aquí el control del ruido es fundamental. Depende de cómo hayamos hecho la exposición en el momento del disparo y del motor de procesado con el que estemos trabajando. Vamos a ver cómo responden los programas.

En Adobe primero ajustamos Negros a +14 con el control siempre presente del nivel de umbral (alt+clic) y luego Sombras las bajo a -24 procurando que el muro de piedra no se pierda.

Paso 9

En Capture One tengo menos margen. En Niveles ajusto el deslizador Negros a 2 y como no tengo la posibilidad de dar valores negativos en Alto rango dinámico no tengo más remedio que ajustar el deslizador gris de Niveles para lograr algo similar. Dejo este ajuste a -0,09.

Aumento de la acutancia

Llegamos al último paso. La acutancia, que es la sensación de nitidez, consiste en subir el contraste solo en los tonos medios. Así mejoramos la percepción de la imagen con un solo parámetro.

En el panel Básicos de Lightroom tenemos Claridad. Después de varias pruebas, si el objetivo es bueno puedo subir hasta 20. Si es de calidad media iré hasta 30. Y si la fotografía está trepidada lo subiría hasta 40. En este caso me quedo en 20.

Paso 10

En Capture One, dentro del icono Exposición encontramos Claridad. Es mucho más completo. En primer lugar podemos elegir el algoritmo que queramos. Me quedo en este caso con Método Neutro. Y subo Claridad a 20.

En Xataka Foto

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Conclusión

Ahora llega el momento de sacar conclusiones. Si nos basamos en los ajustes básicos que hacemos con los diez pasos, me cuesta decidir cuál revelado me gusta más. O mejor dicho, cuál tiene más calidad. A primera vista me parecen prácticamente iguales. El color es más saturado y menos natural en Adobe. Pero no puedo decir que sea malo.

A la izquierda Capture One

Sinceramente, antes de hacer el artículo pensaba que las diferencias iban a ser mayores. Pero no lo son. Entramos en el terreno de las opiniones personales porque objetivamente es imposible decidirse por uno o por otro. Quizás la nitidez sea mayor en Capture One, pero ganaría con muy pocos puntos.

¿Cuál es más nítido?

Si nos fijamos en el ruido tampoco puedo dar un claro ganador. Como vemos en la ampliación al 100% de la zona de sombras cuesta ver diferencia alguna. En ambos casos el resultado es bueno. No encuentro zonas perdidas. Y probablemente he podido ajustar mejor el detalle gracias al control del nivel de umbral de Lightroom.

Las sombras me parecen muy similares

Las diferencias se notarán de forma más intensa cuando veamos la cantidad de herramientas de color y revelado zonal que tiene Capture One frente a Adobe Camera RAW o el módulo Revelar de Lightroom. Pero si nos atenemos a un revelado puro, en el que buscamos la correcta interpretación de los datos, creo que es imposible dar un claro ganador.

En próximos artículos veremos también el resultado con fotografías más o menos problemáticas y de diferentes marcas. Pero en esta ocasión solo podemos decir que cualquiera de los dos programas hace maravillas con nuestras imágenes. ¿Qué os ha parecido?

En el artículo de hoy vamos a revelar de forma básica una fotografía con Luminar 2018. La idea es describir paso por paso todo lo que le podemos hacer a nuestro archivo para ver hasta dónde podemos llegar con las opciones de revelado que ofrece este programa.

Estamos en la tercera parte de la introducción que estamos dedicando a Luminar 2018. Por ahora hemos visto algunas cosas que no terminan de convencernos. Sobre todo el tema de la gestión de color, mucho más limitada que en Adobe Lightroom, que ya es decir.

Sin embargo la interfaz, que en un primer momento puede parecer demasiado sencilla, puede profesionalizarse sin mucho esfuerzo y abre todo un abanico de posibilidades para lograr un buen resultado final. Y así es como vamos a trabajar con Luminar 2018. El resto de las posibilidades están bien pero no permiten explotar al máximo las virtudes del programa.

Para revelar he escogido una fotografía que a lo mejor habéis visto en otras ocasiones realizada con una Fuji X100s. Por su dificultad permite conocer las virtudes y defectos de cualquier programa de revelado. La idea es dejar la imagen lo mejor posible, sin utilizar los ajustes preestablecidos que no deja de ser un revelado prácticamente automático. O utilizar ese filtro basado en la inteligencia artificial que es Accent.

La imagen en bruto

También podríamos hacer clic en el botón Filtros e ir añadiendo los que consideremos necesarios para crear un espacio de trabajo propio. Pero vamos a lanzarnos con Espacio de trabajo Profesional que nos da acceso a todos los filtros ajustados a 0... con el tiempo veremos cuáles utilizamos más para ese espacio de trabajo personal (una buena forma de configurarlo).

Así que abrimos la fotografía y hacemos clic en el botón Espacio de trabajo y elegimos Profesional (a la derecha de la interfaz). Si volvemos a dar a dicho botón podemos marcarlo como Definir como predeterminado para esté por defecto. Y ya que estamos aquí conviene recordar que el primer filtro, Desarrollo RAW, solo está disponible si la fotografía no se ha revelado previamente...

• La fotografía podríamos recortarla en formato cuadrado pero para el artículo vamos a dejarla en esta proporción. La idea que tengo es exagerar un poco más los colores del frío atardecer y que se vea mejor la textura de la piedra del edificio. El chico seguirá en silueta.
• El segundo paso es ver el histograma. Si no lo vemos solo hay que hacer clic en el icono que tenemos a mano derecha. Podemos ver que en esta ocasión, aunque parezca que no hay detalle en las altas luces y en las sombras estamos equivocados, porque el histograma nos indica que no hay nada sub ni sobreexpuesto en la imagen. Se observa que hay una dominante cálida en las luces. Y lo más importante, que podemos recuperar información sin problemas.
• Es el turno de corregir los problemas ópticos, así que voy al filtro Desarrollo RAW>Lentes y marco todas las correcciones automáticas que me ofrece: Distorsión, Aberración y Eliminar halos. El problema es que el viñeteado solo se puede quitar manualmente en Devignette (hay palabras sin traducir) y es difícil acertar. También podría quitar las manchas del sensor con Herramientas>Clonar y estampar.
• Como he dicho en el primer punto me gustaría ponerla en formato cuadrado pero voy a respetar la proporción recortando solo un poco en la parte inferior. Voy a Herramientas>Recortar (C) y en Aspecto señalo 2:3. Es muy importante arrastrar desde las esquinas para evitar que se pierda la proporción aunque el bloqueo esté marcado. Y aún así se pierde como podéis ver... Damos a Listo. Así la imagen queda más limpia.

Recortar en Luminar

• Volvemos a Desarrollo RAW>Ajustar>Temperatura para encontrar el equilibrio de blancos que necesita la fotografía. Nada de ajustes preestablecidos. Hay que mover los parámetros de Temperatura y Tono y fiarse de nuestra intuición. Algo muy arriesgado si no tenemos un buen monitor, aunque siempre nos podemos guiar por el histograma (mover el deslizador hasta que el blanco domine en el diagrama)... en este caso marco 5500 K.
• Toca ajustar la luminosidad del archivo. Por ningún lado puedo ver si tiene alguna compensación de exposición en el momento del disparo. Tengo que ir a Lightroom y ver que tiene -0´67. El contrario de este valor es el que pondré en desarrollo RAW>Ajustar>Exposición.

El filtro Contraste avanzado

• En este punto nos toca el contraste. Podemos ajustarlo en Desarrollo RAW, pero me parece más completo ir al filtro Contraste avanzado que es muy parecido a lo que podemos encontrar en Nik Collection. Así se puede ajustar el contraste en las tres zonas (altas luces, medios tonos y Sombras) de forma independiente, pero siempre con valores bajos, en torno a 20, para evitar problemas. O si queremos acudimos a las clásicas Curvas.
• Ahora toca corregir el lado derecho del histograma. En primer lugar con Blanco en Desarrollo RAW y luego con Altas luces para situarlas en la zona que queremos. No tenemos nivel de umbral y nos guiaremos, como siempre en este programa, con el histograma. Una cosa que me llama la atención es que primero mueves el parámetro y luego cambia el histograma.
• Ya queda poco para terminar. Hay que ajustar Negros y Sombras en el mismo filtro.
• Para terminar y dejar la fotografía lista para sentencia podemos subir la acutancia con el parámetro Nitidez de Desarrollo RAW. Sube el contraste de los tonos medios y conviene subirlo hasta 20-30. Y olvidaros del filtro Estructura, solo tendréis ruido.

La exportación

Si queremos mandar a revelar esta fotografía o publicarla en redes sociales solo queda ir al menú Archivo>Exportar y elegir el formato, el tamaño y el espacio de color.

Y con estos diez pasos tenemos la fotografía revelada. He observado que en comparación con otros programas el manejo es muy sencillo e intuitivo, más parecido a los de Adobe que a Capture One. La comparativa con ellos, prefiero dejarlo para el último artículo de la serie. También veremos cómo funcionan las capas de ajuste y cómo trabajar con este programa como si fuera un plugin de Adobe.

En Xataka Foto| Introducción a Luminar, el programa que quiere desbancar a Adobe Lightroom (I)

Tener un estilo fotográfico es un arduo proceso de crecer, experimentar y determinar aquellos elementos que muestran de manera correcta nuestra visión. En este proceso, el tratamiento de color de una imagen es fundamental. Con la llegada de la era digital, la corrección de color en laboratorio ha desaparecido lentamente, la edición digital gobierna y, aun así, solo tenemos una herramienta que nos permite ver técnicamente las propiedades de nuestras fotografías: el histograma.

En ocasiones pasadas les hemos hablado de cómo leerlo y curiosidades acerca de él. Sin embargo, esta herramienta está muy limitada para ayudarnos a tener un control completo sobre el color de nuestra imagen. Cuando me encuentro editando una fotografía, muchas veces me encuentro que extraño el poder ver mejor la parte técnica de cómo está mi fotografía. Requiero las herramientas de la corrección de color de vídeo.

Soy videógrafo y, al hacer una corrección en DaVinci u otro software, utilizo las extensiones de histograma, vectorscopio, forma de onda y mostrador RGB. Son cuatro herramientas que ayudan a controlar de manera técnica la corrección de color. Aquí les explicaré para qué sirven y por qué creo necesario que deberían estar en los software de edición fotográfica.

Números y más números

La herramienta que más debéis conocer es el histograma. Es muy útil a la hora de mostrarnos el contraste y la exposición global de la imagen. Nos muestra en un eje los niveles de luminosidad por color en una escala (en vídeo de 0 a 100, en fotografía de 0 a 256) y, en el otro, el porcentaje de estos niveles en el total de la imagen. Con esta herramienta podremos ver qué tan bien aprovechamos el rango dinámico de la imagen.

La siguiente herramienta es la extensión de forma de onda. Esta herramienta tiene similitud con el histograma. Cuenta con un eje Y que tiene una escala de 0 a 1023, y representa el nivel de luminosidad. Sin embargo, se diferencia del histograma en cuanto a que el eje X representa dónde en la imagen está ubicado esos niveles.

Como ejemplo, en la imagen de abajo podemos ver a su lado la forma de onda. Cuando creamos un punto negro o un punto blanco, podemos ver como en la forma de onda se crea un hueco o un tope en tan solo esas áreas de la imagen. Que en un histograma se representarían como una línea en el negro y una línea en el blanco.

La importancia de esta herramienta es que dentro de ella podemos ver si hay zonas que estén contaminando la imagen, que puedan llamar la atención por contraste o simplemente ver la distribución lumínica de los sujetos expuestos en ella. Desde esta herramienta podemos definir también nuestros puntos de negro o blanco, si las sombras o los brillos están cortadas o saber en qué parte de la imagen lo hacen y controlar esos ajustes.

En un apartado similar, el mostrador RGB funciona de manera similar que el forma de onda, pero separa los canales de color. De esta manera, podemos encontrar fácilmente si el color está balanceado o si hay un tono que predomina en la imagen o en un área específica de ella.

Como ejemplo, vemos las imágenes de abajo. La imagen original tiene un balance para hacer lucir la foto más fría, y se nota en el canal azul estando muy sobre los otros dos canales. La imagen del medio está con un balance neutro, y se puede notar que los colores están más balanceados en proporción. La última imagen está más cálida, y se nota como la dominante rojiza y el verde se sobreponen sobre el azul.

Finalmente está el vectorscopio. Esta herramienta sirve como un mapa de la crominancia de la imagen. Entre más saturado el color, el mapa mostrará un espectro que parte del centro hacia un punto en la rueda. Una imagen monocromática mostrará un punto en el centro del círculo.

Como ejemplo, podéis ver que la imagen de abajo tiene dos tendencias de tono. Podéis ver que, debido a la piel y el cabello, hay un espectro que va hacia un punto entre el rojo y el amarillo. Mientras que, por el fondo, vemos que sale otra línea predominante hacia el cyan.

Esta herramienta es particularmente buena para la piel. Como podéis ver, hay una línea prolongada que sale entre el amarillo y el rojo. Los tonos de piel se encuentran en ese rango, por lo que una piel natural mostrará en un retrato un espectro saliendo hacia ese punto. También es una herramienta útil para saber qué tan saturados tenemos los tonos y si hay posibilidad de que estén recortados.

¡Que lleguen ya!

Entiendo que el arte de retocar color está mucho en la visión del fotógrafo, requiere entrenar bien el ojo y saber controlar los parámetros para dar naturalidad a la escena. Pero el ser artistas no nos exime de saber técnicamente qué hacemos. Estas herramientas son extremadamente útiles para entender los cambios que realizamos en nuestras imágenes.

Para una serie fotográfica, estas herramientas pueden ser la base para que el color esté perfectamente tratado de manera pareja de foto a foto. Las pequeñas diferencias que el ojo a veces no nota y que en una impresión o proyección se hacen notar ante el público son fácilmente controlables con esa mezcla.

El histograma es una herramienta que es extremadamente útil, pero que queda coja para otras funciones. Es hora de traer las extensiones a los software de edición de fotografía.

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Imágenes | Sergio Fabara