La Leica M11 es la nueva evolución de la serie M, las cámaras telemétricas de la marca alemana. Es un compendio de tradición y tecnología. Un cuerpo reconocible, serie tras serie, que siempre se ha relacionado con el espíritu de los mejores fotógrafos. No hay ninguna licencia gratuita a la modernidad. Con esta cámara, la fotografía la haces tú.

En los tiempos de la inteligencia artificial, de los sistemas de enfoque ultravanzados, Leica sigue apostando por una cámara telemétrica de enfoque manual donde la mecánica tiene mucho que decir, casi tanto como la electrónica.

Tener una Leica M en las manos es otra forma de ver la fotografía. Tienes dinero (es fundamental); en segundo lugar disfrutas de los grandes clásicos de la vida; y en tercer lugar aprecias el trabajo bien hecho. Y la Leica M11 es perfecta si tu forma de ver la vida es así.

Estamos hablando de una cámara hecha a mano con un sensor CMOS retroiluminado Multi-Resolución de 60 MP. Un concepto nuevo que sirve para adaptar el sensor a tus necesidades. Más adelante veremos en qué consiste y que puede aportar a los fotógrafos.

Un diseño clásico

También incorpora una novedosa forma de trabajar con copias de seguridad sin necesidad de cambiar el diseño del cuerpo que conocemos desde que se presentó la primera Leica M3 en 1954.

Solo encontramos algunas pequeñas licencias en el diseño original. Todo lo demás sigue igual: para hacer una fotografía tienes que enfocar manualmente, medir la luz eligiendo diafragma y velocidad... A lo sumo puedes trabajar con Prioridad al diafragma.

Lo más curioso es que, a lo mejor, un fotógrafo móvil no sabrá hacer fotografía alguna con la Leica M11. Así de austera es la forma de trabajar con esta máquina de precisión.

Especificaciones de la Leica M11

Esta cámara es un concepto clásico con la tecnología justa y perfecta para entrar en un mundo moderno. Cuando la sujetas con tus manos te das cuenta de que tienes algo único. Es una cámara y un objeto de culto, con todo lo bueno y lo malo que supone esto último.

Diseño y construcción

La serie M es un monumento a la tradición. Ha evolucionado muy poco desde que se presentó la Leica M3. Pero la M11 ha perdido una de sus señas de identidad. Ya no podemos retirar la base inferior totalmente. Ahora solo encontramos una palanca que libera la batería y con un leve toque conseguimos extraerla. Ahhh... y encontramos un puerto USB-C para conectar la cámara.

El puerto USB al lado de la batería

Ya comentamos en el modelo anterior, la Leica M10-R que no tenía mucho sentido. Y en la M11 ha desaparecido una pieza básica para dar estabilidad y fortaleza al cuerpo cuando existían los carretes. Sigue siendo una telemétrica pero ha claudicado ante los nuevos tiempos.

En Xataka Foto

Cómo enfocar una fotografía con el modo de fusión Luz intensa en Adobe Photoshop

Sigue presente la forma ovalada de los extremos de un cuerpo espartano y sencillo. Y encontramos dos acabados:

El acabado negro

• Negro (un 20% más ligera, unos 100 g más liviana que se nota).
• Plateado cromado, desde mi punto de vista mucho más bonito.

¿Qué decir de la construcción de una Leica M? Están hechas a mano en Alemania, como indica en la pegatina inferior. Son más de 1100 piezas ensambladas con suma precisión por artesanos especializados.

Lo mejor de todo es que es una cámara que no destaca, no llama la atención, salvo por el círculo rojo. Recuerda tanto a sus antecesoras que solo la valorarán los que llevan años con una cámara colgada al cuello.

El círculo rojo

No cuesta describirla. En la parte frontal tenemos el telémetro (las dos ventanas superiores), uno de los sistemas más precisos para enfocar manualmente que se han fabricado nunca. Tan costoso que solo lo vemos, en la actualidad, en Leica.

La parte superior

En la parte superior, a la derecha, tenemos el disparador con el conmutador de encendido alrededor (tarda en encenderse). Al lado una gran rueda con los tiempos de obturación y un pequeño botón configurable que, con pulsarlo durante un tiempo, permite entrar en un menú para decidir qué hace. Y solo falta señalar la zapata del flash (donde también podemos colocar un visor electrónico) y en el extremo izquierdo, una pequeña rueda que debemos subir para modificar la sensibilidad ISO.

En la trasera encontramos el gran visor y la pantalla táctil. Tres botones a la izquierda, el pulsador de cruz a la derecha y una rueda que accionamos con el pulgar para la compensación de exposición, como siempre me ha gustado.

La parte trasera

La Leica M es el ejemplo perfecto de que no necesitamos nada más para poder hacer una foto. Siempre nos venden modelos con decenas de botones. Pero no os imagináis la liberación que supone (y la exigencia) algo tan sencillo.

Y es pesada, muy pesada en realación con su tamaño. Pero es increíble lo bien que se sujeta y lo fácil que resulta evitar las fotos trepidadas con ella. El diseño lo es todo.

Detalles

Con la mano derecha disparas el obturador híbrido (sí, tiene uno electrónico que llega hasta 1/16.000) y con la izquierda, con la ayuda del pulgar y el índice, decides el diafragma y enfocas hasta hacer coincidir las dos imágenes superpuestas que ves en el visor telemétrico.

Por defecto yo siempre trabajo con Prioridad al diafragma, así que la rueda de tiempos de obturación la coloco en posición A. Y os prometo, aunque parezca mentira, que las fotografías salen bien cuando empiezas a tener experiencia.

No es rápida, y cuenta con el factor del error humano. Y será el fetichismo, pero los disparos con esta cámara, una vez que te acostumbras, son otra historia. Solo los has hecho tú, sin ayuda de sofisticados algoritmos e inteligencias artificiales varias.

Las novedades de la Leica M11

Además del sensor multi-resolución que comentaremos en el siguiente apartado, la Leica M11 trae algunas novedades muy interesantes.

La que más me ha gustado es la memoria interna de 64 GB que permite hacer una copia de seguridad de nuestros archivos. Meter un doble lector de tarjetas supondría cambiar en exceso su diseño mítico.

Iso 64 1/1000 f9,5

Es la primera telemétrica que mide la exposición utilizando el sensor principal, en lugar de tener un medidor de luz en las hojas del obturador. Así puede hacer una medición matricial, además de la puntual a la que nos tenía acostumbrados.

Así que han decidido incorporar una memoría interna para evitar problemas. Puedes trabajar con ella sola, pasar la información posteriormente a una tarjeta. O utilizarla como copia de seguridad (creo que lo más interesante). Es lo más parecido que vas a encontrar en esta cámara a un teléfono móvil.

Iso 64 1/1500 f2

También permite hacer un zoom digital. Es cómodo porque consigues tener tres distancias focales con un solo objetivo. Sin embargo, esta función prefiero hacerla siempre en el ordenador con mi programa de confianza.

Y ha mejorado mucho la gestión de la energia de la batería. Tiene un 64% más de capacidad que el modelo anterior. Por su arquitectura, no consume tantos recursos como una cámara sin espejo convencional, así que tenemos asegurados muchos más disparos que con cualquier otra cámara (por supuesto si no abusamos del uso de la pantalla LCD. Nada que ver con las generaciones anteriores que cojeaban, y mucho, en este aspecto.

Iso 80 1/180 f3,4

Además tiene por fin un puerto USB-c. Podemos cargar la cámara, conectarla al móvil, usar un power-bank... Y conectarla a los teléfonos móviles (solo hablan de los iPhone) para conseguir la geolocalización (es curioso pero ahora sitúa a Madrid en medio del océano) y más cosas que llegarán con la actualización de la app de Leica a mediados de este año.

Y se me olvidaba. Entrar en el menú no exige pasar horas y horas configurándola. Tiene pocas y precisas opciones. Y la distribución es muy parecida a la que encontramos en la Leica SL2. Todo al alcance de la mano, sin submenús ni combinaciones extrañas. Os aseguro que es algo que se agradece mucho.

La calidad de imagen de la Leica M11

La anterior serie alcanzó los 40 MP. La Leica M11 tiene un sensor de 60 MP. En la publicidad lo llaman CMOS retroiluminado Multi-Resolución. Y tiene un comportamiento muy curioso, basado en la agrupación de píxeles (pixel binning).

Es una tecnología nueva en Leica que ofrece tres posibilidades distintas a la hora de disparar. Podemos elegir tres resoluciones distintas, pero sin sufrir recorte alguno y sin tener que calcular la distancia focal. Siempre será la misma porque siempre aprovechamos toda la superficie del sensor, y esto es lo importante y llamativo.

Gracias al pixel binning el sensor se comporta de tres formas distintas y ofrece características propias:

• L DNG (60 MP): 70-120 MB  con una Profundidad de color de 14 bit y una capacidad de buffer de 13-15 disparos en DNG y 12-13 en DNG+jpeg. 14 pasos de rango dinámico. 
• M DNG (38 MP): 40 MB con una Profundidad de color de 14 bit y una capacidad de buffer de 30 disparos en DNG y 20 en DNG+jpeg. 15 pasos de rango dinámico.
• S DNG (18 MP): 20 MB con una Profundidad de color de 14 bit y una capacidad de buffer sin limitaciones. 15 pasos de rango dinámico.

Iso 64 1/800 f4,8 (M-DNG)

Los 60 MP son los mejores para conseguir el detalle más fino y las mayores ampliaciones, además de permitir recortes sin una pérdida importante de tamaño. Si queremos unos archivos más equilibrados, con un tamaño importante y un paso más de rango dinámico, elegiremos los 38 MP. Y si lo importante es controlar el ruido, apostaremos por los 18 MP.

El secreto es que según vamos reduciendo el tamaño, los píxeles se van 'agrupando' y son capaces de recoger más información. El cambio más notable que vamos a percibir es, desde luego, el peso del archivo. El paso extra de rango dinámico lo notaremos en situaciones comprometidas. Y con el ruido ganaremos, por lo menos, un paso más de luz.

Las tres resoluciones con el paso extra de rango dinámico y más nitidez en el último ejemplo

Como siempre todo depende de nuestra pericia al medir la luz y del tratamiento posterior en los programas de edición.

Prueba ISO

Y después de ver las fotografías podemos decir que la calidad de imagen es muy alta, a la altura de los mejores sensores del mercado. A 64 ISO la imagen es perfecta y podemos trabajar sin problemas hasta 12500 ISO.

Y con un poco de corrección por software podemos aprovechar, por la belleza del ruido generado, hasta los 25000 ISO. De nuevo el último nivel de sensibilidad es meramente testimonial (pero siempre se puede trabajar). Si bajamos la resolución tenemos la posibilidad de ganar un paso más.

Iso 1000 1/160 f2,4

Y desde luego, podemos disparar en jpeg, pero de nuevo tengo que insistir en que no le veo sentido. Leica sigue apostando por el formato RAW nativo de Adobe, el DNG. Y aquí es donde esta cámara demuestra su poderío en lo que respecta a la reproducción del color y la representación perfecta de las luces y las sombras.

La reproducción del color ha mejorado gracias a la incorporación de un nuevo filtro de absorción UV/IR que permite una fidelización mayor. Me ha llamado mucho la atención cómo cambia todo con el nuevo Perfil de cámara que podemos disfrutar en Adobe Lightroom.

Y los 15 pasos de rango dinámico permiten sacar sin problemas detalle en las sombras y luces de nuestras fotografías. En la selección que veis en el artículo vereís siempre información en ambos extremos.

Como formato nativo es perfecto, porque es compatible con cualquier versión de los programas de Adobe e incluso con Capture One, con todo lo que supone. El fotógrafo Leica no suele pasar largas horas delante de la pantalla del ordenador y le suele bastar con las virtudes de Adobe Camera RAW y el revelado natural que proporciona Capture One.

La opinión de Xataka Foto

Leica es un icono del diseño, a la altura de las marcas más míticas. Y no ha cambiado nunca. Puedes utilizar todos sus objetivos sin adaptadores, la montura M sigue siendo la misma desde 1954. Es un sistema que funciona.

No cambiar el diseño, salvo en puntos muy concretos, supone perder muchas cosas que encontramos en todas las cámaras del mercado. Pantallas abatibles, enfoques automáticos al ojo, inteligencia artificial... Pero después de trabajar unos días con esta cámara no lo echas de menos, de verdad.

Iso 64 1/640 f9,5

No es una cámara para los tiempos modernos, en los que prima la velocidad y la inmediatez. Es una vuelta a pensar antes de disparar. Supone que todo lo tienes que hacer tú, eres el responsable principal. Cada uno de nosotros decidirá si le sirve este concepto o no.

Aquí se cumple a rajatabla el famoso dicho. Tienes la herramienta más precisa y tú eres el que fallas o aciertas. No puedes decir que la luz no se midió bien o que el foco no es fino por culpa de la cámara.

Iso 160 1/160 f5,6

Si te gusta Leica, tienes otros modelos que sí que tienen las últimas novedades del mercado. Pero la Leica M es un trozo de la historia de la fotografía. Y muy valorado. Seguro que si tienes una Leica antigua en casa de tus padres la podrás vender por más dinero que el que les costó.

Iso 250 1/160 f8

Que sea tan sencilla no quiere decir que sea fácil de manejar. Cuesta hacerse con el visor telemétrico, saber hacia dónde lo tienes que desplazar para enfocar un objeto cercano, elegir el diafragma adecuado y acertar con la exposición... Aquí hace falta conocer la regla del f16 y entender la luz a la perfección, como los maestros.

Es un objeto de colección, una máquina artesanal, con las lentes de sus objetivos pulidas a mano. A muchos fotógrafos les parece excesivo, y se asustan cuando oyen el precio. Ya veremos cuántas quejas por su precio oímos en los comentarios de las redes sociales. No solo pagas la cámara, pagas un proceso de principio a fin.

Iso 320 1/160 f2

Ese es el secreto de Leica: la precisión y la calidad. Si puedes, y quieres, cómprate una y no te arrepentirás. No es una cámara para todo el mundo, desde luego. Pero si quieres disfrutar de la sensación de ser el único responsable, pruébala.

Es verdad que con cualquier cámara puedes poner controles manuales y hacer lo mismo. Pero el tacto, la calidad de los objetivos y descubrir que puedes equivocarte, que conseguir o no una fotografía es solo tu responsabilidad, de verdad que no tiene precio. Y sí, estoy de acuerdo, por lo que cuesta esta cámara (8420 €) te puedes comprar tres punteras, pero hasta que no la tienes en tu mano no te das cuenta de lo que significa. A veces no hay nada más moderno que la vuelta a los clásicos.

La cámara ha sido cedida por Leica Camera Iberia, S.L.U. Puedes consultar nuestra política de relaciones con empresas.

En los últimos años, muchas cosas buenas están pasando para preservar la historia de la fotografía española. Han tenido que pasar 50 años para que todo el archivo de Charles Franzen sea digitalizado y compartido en las redes. Si nos interesa descubrir la obra de un fotógrafo único del siglo XIX y principios del XX, no dudes en buscar entre estas 37.000 fotografías.

Jamás se puede ser un buen fotógrafo si no conoces la obra de los artistas del pasado. Charles Franzen fue muy valorado por la nobleza y la alta burguesía del cambio de siglo que le tocó vivir. Gracias a su trabajo podemos entender cómo era aquella sociedad de la que somos herederos.

También se relacionaba con el mundo de la cultura. Una de sus amistades más notables fue la que mantuvo con Joaquín Sorolla, lo que nos permite descubrir todo lo que hicieron juntos.

Lo más valioso es que a partir de hoy podemos encontrar en internet, accesible para todo el mundo, documentos únicos para entender la sociedad de fin de siglo y descubrir cómo era la técnica fotográfica en aquellos primeros tiempos.

El archivo Frazen de Radio Televisión Española (RTVE)

El 14 de noviembre de 1971 apareció un anuncio por palabras en el periódico ABC. Por algún motivo que no alcanzó a entender, RTVE decidió comprar todo ese archivo. Tiene 36.852 negativos de gelatinobromuro con formatos y soportes variados. Además, hay 5020 positivos de negativos; y solo 122 de esos positivos no se conservan en negativo.

Cuando se compró el archivo se guardó en Somosaguas (Madrid). Luego se llevó a un depósito en Arganda del Rey y a finales de los años 90 llegó a las oficinas de los estudios de Prado del Rey en Pozuelo de Alarcón.

En Xataka Foto

Una historia real en la que la fotografía es la protagonista

En aquellos años se empezó a digitalizar el archivo, pero solo se llegó a 10.000 archivos. Años más tarde se decidió, por fin, cambiar las cajas originales que contenían todos los negativos por una de PH neutro. Al menos sirvió para darse cuenta del estado en el que estaba el valioso archivo.

El anuncio del diario ABC

En 2015 decidieron retomar en serio la digitalización de absolutamente todas las fotografías. Y hoy, por fin, todo aquel que cuente con acceso a internet podrá disfrutar de un trabajo único.

El estudio de Joaquín Sorolla (RTVE; Archivo Frazen)

El estudio de este fotógrafo llegó a ser uno de los más importantes de Madrid, a la altura del de Kaulak, Antonio Cánovas del Castillo y Valle, sobrino del famoso político.

Entre sus proezas técnicas destacaban los retoques que hacían directamente en el negativo con la ayuda de las tintas chinas y por supuesto el uso del flash de magnesio en interiores para alumbrar todo lo que sucedía. Es el flash que tanto usaban en las películas mudas para asustar a los espectadores.

LA FAMILIA REAL EN MIRAMAR. LA REINA MARIA CRISTINA, EL REY ALFONSO XIII Y LAS INFANTAS MARIA DE LAS MERCEDES Y TERESA, CON OTRAS PERSONAS NO IDENTIFICADAS (Archivo Franzen de RTVE)

Pero sobre todo destacaba por sus relaciones con la nobleza y por tener el título de fotógrafo de la Familia Real desde el 7 de julio de 1899. Como os podéis imaginar, esto fue lo que le hizo subir en el candelero de los fotógrafos de entonces.

En Xataka Foto

Cuando una fotografía antigua desveló el misterio de una de las pinturas negras de Goya

Así que si queréis disfrutar de un fotógrafo incansable, descubrir cómo éramos y tener una de las mejores fuentes de inspiración de aquellos años, os recomiendo que reservéis un poco de vuestro tiempo para encontrar una mirada única de un fotógrafo que dejó todo en Copenhague para terminar en Madrid.

Hoy se ha inaugurado en Madrid la exposición 'Stanley Kubrick. The Exhibition' en la que podemos conocer a fondo la figura del genial director y además descubrir la faceta fotográfica de uno de los mejores directores de cine de la historia. Era consciente de que la imagen era fundamental para acercarse al espectador.

Por fin ha llegado a Madrid una de las exposiciones más esperadas de la temporada: 'Stanley Kubrick. The Exhibition'. '2001. Una odisea en el espacio', 'El resplandor', 'La naranja mecánica', 'Barry Lyndon'... en todas sus películas la fotografía es impresionante. Y aunque esta exposición que ya ha recorrido medio mundo cuentan y enseñan todo lo relacionado con uno de los vecinos ilustres del Bronx, la fotografía es claramente uno de sus pilares.

“2001: Una odisea del espacio”, dirigida por Stanley Kubrick (1965–68; GB/US). Stanley Kubrick en el set durante la filmación. © Warner Bros. Entertainment Inc

Hay más de 600 objetos que harán las delicias de todos los que amamos el cine con mayúsculas. Esta exposición muestra el riguroso trabajo de documentación que seguía Stanley Kubrick antes de empezar a rodar una película. Y nos enseña que la mirada de un fotógrafo es esencial para llegar a ser un gran director de cine.

La vida de Stanley Kubrick

Toda su vida, todas sus experiencias, están volcadas en sus películas. Desde las que hizo con el respaldo de los estudios hasta sus últimos filmes más personales. Ahí están el orden mental que le dio el ajedrez y la forma de mirar de su afición a la fotografía, que fue su primer trabajo.

En Xataka Foto

El papel de la fotografía en 'El resplandor' de Stanley Kubrick

En la exposición podemos ver sus primeros trabajos en la prestigiosa revista Look, en la que empieza a colaborar con 17 años. Estará en plantilla hasta 1951. Así que durante más de cuatro años curte su mirada hasta límites insospechados. Tenemos a un gran cineasta, pero perdimos a un gran fotógrafo.

Su vida profesional derivó al mundo del documental dedicado al mundo del boxeo. Y el ascenso fue imparable. Es la época de su cine negro que culmina con 'Atraco perfecto' (1956). Pronto le llega la gran oportunidad con 'Senderos de gloria' (1957) una película de marcado carácter antibelicista que le llevará a 'Espartaco' (1960).

Fotografia de Viktor Kolev

'Kubrick creó algo más que películas. Nos dio experiencias ambientales completas que se volvían más intensas cuanto más las veías'. Steven Spielberg

Y pronto llegará su independencia de los grandes estudios y la posibilidad de rodar manteniendo todo el control. Una libertad de la que pudo disfrutar hasta que murió en 1999, 6 días después de presentar a su productora 'Eyes wide shut' (1999).

La fotografía en las películas de Stanley Kubrick

Y en todas sus películas, aunque contaba con grandes directores de fotografía, él siempre controlaba hasta el último rayo de luz. Emociona ver, en uno de los múltiples vídeos que nos acompañan durante la exposición, cómo decide la exposición perfecta en una de las escenas de 'La chaqueta metálica'.

Nosotros los fotógrafos debemos estar pendientes en todas las salas. Desde el vídeo que nos abre los ojos hasta el final, donde incluso podemos imaginarnos en medio de la orgía de su última película.

Pero al principio, nada más entrar, encontramos muchos de los objetivos que utilizó en sus películas. Y como un tesoro escondido, vemos el Zeiss que adaptó para rodar las escenas a la luz de las velas y la luna con la ayuda de John Alcott. Y su cámara Speed Graphic, y su cámara de mano favorita...

Miremos donde miremos veremos fotografía. En la primera sala encontramos una selección de sus fotografías de 'Look'; o si vamos al espacio de '¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú' (1964) veremos el trabajo de Weegee. Era uno de los mejores fotógrafos de prensa, al que Kubrick admiraba tanto que terminó contratando para la foto fija de la película.

Si pasamos por 'Barry Lyndon' (1975) nos sumergiremos en la luz de las velas y en uno de los trabajos más grandiosos de la dirección de fotografía de la historia del cine... Para rodarla se preguntó cómo sería la luz del siglo XVIII... Y no se parecía a nada de lo que habíamos visto hasta entonces...

Fotografía de Viktor Kolev

Si subimos a la siguiente sala, entraremos en los mundos de sus últimas películas. Y en 'El resplandor' (1980) veremos los trajes de las niñas gemelas inspiradas en una de las fotografías de su amiga Diane Arbus; o la foto final del hotel Overlook, uno de los fotomontajes más intrigantes de la historia.

En Xataka Foto

La ASC publica la lista de las 100 mejores películas, según su fotografía, en el año de su centenario

La pasión desmedida de la comisaria de la exposición, Isabel Sánchez, más el trabajo de los arquitectos y todo el personal que han ayudado a montarla, nos trasladan al universo de un director que sabía mejor que nadie que saber mirar es una de las mejores formas de contar historias.

• STANLEY KUBRICK. The Exhibition. Hasta el 8 de mayo de 2022.
• Círculo de Bellas Artes C. de Alcalá, 42 28014 Madrid
• Horarios: De martes a domingo de 10:00 a 21:00h. Lunes cerrado excepto festivos.
• Precios: Entrada general (+13 años): 14€. Entrada Niño (4 a 12 años): 6€. Entrada Niño (0 a 3 años): gratuita

Las sociedades fotográficas empezaron a proliferar nada más presentarse la fotografía en 1839. La más antigua de todas es la Royal Photography Society. Se formó el 20 de enero de 1853 y el 3 de marzo de aquel año empezó a publicar su boletín. A partir de ahora, desde aquel primer número hasta el último de 2018 podremos leerlo gratis en internet.

La Royal Photographic Society Journal es la publicación periódica fotográfica más antigua del mundo. El primer número apareció, como hemos dicho, el 3 de marzo de 1853 y se ha publicado desde entonces con ligeros cambios en su frecuencia y formato.

Ahora tenemos al alcance de nuestro ratón o nuestro dedo, según donde lo miremos, toda la historia de la fotografía británica, y una parte muy importante de la historia de la fotografía mundial.

Los primeros números

Eso sí, tenemos que saber inglés para disfrutar de toda la información. Aunque siempre podemos copiar y pegar el texto y buscar algún traductor. O simplemente poner en marcha la inteligencia artificial de nuestro móvil y que nos traduzca el texto en un solo gesto.

Un trabajo titánico de la Royal Photographic Society

Hay que tener mucho tiempo para encontrar los artículos que más nos interesan. O mejor aún, podemos utilizar el buscador para encontrar referencias a nuestros fotógrafos preferidos. He puesto William Fox Talbot, uno de los padres del arte de la luz, y tengo más de 1800 referencias.

Pero si me voy al continente americano y busco Richard Avedon hay más de 100 artículos donde le nombran. Y como no podría ser de otra manera, si quiero información del británico Martin Parr encontramos más de 400 artículos...

En Xataka Foto

Cómo inventar luces de colores en nuestras fotografías con Adobe Photoshop sin complicaciones

Este tipo de trabajo es el que deberían poder hacer todas las instituciones con un legado semejante. Digitalizar todos sus archivos y ponerlos al alcance de todos los internautas para evitar que esos trabajos se pierdan. Como siempre hace falta dinero y pocos quieren facilitarlo...

Una página de las últimas revistas

Es increíble encontrar en el número 134 referencias a uno de los mejores libros de revelado que he tenido nunca, el manual de impresión de Tim Rudman: 'The master photographer's lith printing course'; junto con el anuncio del libro de Cristina García Rodero 'España oculta' donde dicen que muestra un país intrigante y misterioso.

Son 150 años de historia que suman más de 30.000 páginas con las que podremos conocer todo acerca de la fotografía y practicar nuestro inglés.

Más de 30,000 páginas de información

Si tienes tiempo y ganas puedes hacer un estudio avanzado de cómo cambian las técnicas a la hora de trabajar con Adobe Photoshop, por ejemplo... Si eres nostálgico te encantará ver cómo cambian los paneles y ventanas del popular programa y descubrir que cada vez se hace más complejo.

En Xataka Foto

'Las meninas': qué aprendemos los fotógrafos de la pintura

Es la forma perfecta de ver la evolución de un arte, forma de expresión o como queramos llamarlo desde el elitismo de los primeros años hasta un mundo digital 100%. Lo mejor de todo es que puedes estudiar tendencias, formas de mirar y cómo cambia la sociedad a lo largo de tres siglos. Desde luego un tesoro al alcance de todos nosotros.

Sergio Larraín es uno de los fotógrafos más complejos que podemos conocer. Su figura está rodeada del misticismo de los que viven fuera de las convenciones sociales. La agencia Magnum apostó por él, pero les aguantó poco tiempo. En el documental 'Sergio Larraín, el instante eterno' del director Sebastián Moreno Mardones, conoceremos todos sus secretos.

Este documental que cuenta la vida y obra de un autor único e inclasificable se puede ver en Filmin, una de las mejores plataformas de cine. Y si vemos la valoración que tiene por parte del público, un 9, podemos pensar que estamos ante uno de los mejores documentales de fotografía de los últimos años.

Poca gente entiende cómo se desvinculó de la fotografía y apostó por una vida alejada de la vanidad y el ego que había respirado mientras vivía en Europa con la cámara al hombro. Él venía de Chile y se encontró en medio de la vorágine del éxito y los compromisos que suponía pertenecer a la élite de la fotografía.

Y algo pasó en su interior que le llevó a esconderse y refugiarse para siempre en el norte de su tierra hasta que murió en 2012. Todo lo que le rodea es un misterio. Y muchos lamentan que un fotógrafo que estaba destinado al éxito dejara la cámara colgada.

El documental sobre un fotógrafo que no quiso serlo

Muchos adoramos su trabajo. Su mirada limpia y original. Pero muchos de sus compañeros consideran que hizo mal en retirarse porque podría haber llegado mucho más lejos. En el documental el gran Josef Koudelka dice:

En Xataka Foto

El mundo de la música se queda sin la luz del fotógrafo Mick Rock

Tenía un talento enorme, pero incompleto. No ha hecho un trabajo completo.

Fotograma del documental

Es la historia perfecta de Ícaro, que rozó el cielo con sus alas pero terminó cayendo. Y no porque se creyera inmortal, sino porque no era la vida que quería. Y considero que es una de las cosas más respetables que puede hacer un ser humano.

Hace falta ver el documental para saber en qué lado te pones. Y para el director fue muy difícil lograr contar la historia completa, porque sus propios amigos decidieron seguir el camino que marcó. Su vida es privada y sus motivos para abandonarlo todo también.

Fotograma del documental

Gracias a la colaboración de la agencia Magnum, que mantiene la mayor parte de su archivo (desconocía que hay mucho material todavía sin descubrir) ha podido reconstruir la historia de un hombre lleno de luces y sombras, como sus propias imágenes que no dejan de plantearnos preguntas.

Fotograma del documental

El director Sebastián Moreno Mardones, os sonará a muchos por su primer trabajo 'La ciudad de los fotógrafos' (2006). Allí contó la vida de los fotógrafos que trabajaron durante la dictadura de Pinochet como el único acto de libertad que se podían permitir.

En Xataka Foto

Cómo conseguir buenas fotos del otoño con nuestra cámara o smartphone

Ahora trata de explicar la vida de Sergio Larraín como nunca nadie lo ha hecho. Pasó de fotografiar como los demás soñamos a recluirse en el pueblo de Tulahuén a dar cursos de yoga. No os lo perdáis.

Durante mucho tiempo, a los que nos gusta la historia, mirábamos con envidia las producciones de la BBC que hablaban sobre la fotografía y sus autores. Pero poco a poco la televisión pública española está haciendo lo mismo. Ahora tenemos acceso gratuito al documental 'La caja roja', la curiosa historia de las fotografías escondidas de Antoni Campañá.

En los últimos años, están apareciendo más y más archivos de fotógrafos desconocidos. Hasta el punto de que muchas veces tenemos que desconfiar, como bien nos advierte Joan Fontcuberta. Pero el caso de Antoni Campañá es real como la vida misma. Y este documental nos cuenta todo lo que sabemos desde que su nieto encontró las cajas rojas.

Su época pictorialista

Ahí dentro encontraron 5000 fotografías de la guerra civil, muchas de ellas inéditas. Algunas se publicaron en aquella época convulsa, más siempre anónimas. Ahora sabemos que esas mujeres y hombres que se convirtieron en iconos eran obra suya, un fotógrafo pictorialista que reaccionó disparando su cámara en una guerra.

El documental 'La caja roja'

Es un documental coproducido por RTVE y dirigido por Placid García Planas, Arnau Gonzáles Vilalta y Toni Monne que intenta explicar por qué un fotógrafo decide esconder el trabajo de tres años y casi está a punto de desaparecer bajo los escombros de una casa en Sant Cugat del Vallès.

Y llama la atención que un fotógrafo especializado en el bromóleo, considerado en su tiempo como el primer autor español en número de premios, abandonara toda su estética después de los horrores de la guerra. Y que pasados esos años se dedicara a la fotografía industrial y a la creación de la estética fotográfica postalera.

En Xataka Foto

La breve historia y gran aportación fotográfica de Walter Benjamin

A lo largo de la hora escasa del documental nos adentramos en la historia de un fotógrafo que retrató cómo sacaban los cadáveres de las iglesias, la tragedia de la muerte y los juegos de guerra de los niños. Algunos no dudarían en llamarle equidistante. Pero simplemente creo que estábamos ante una persona que dudaba.

Una de sus fotografías más reconocidas

Sus fotografías belicistas (más bien antibelicistas) se publicaron en 'El alzamiento, la revolución y el terror en Barcelona' (1944). No figuraba ningún nombre bajo los disparos. Entonces cuentan que decidió esconderlas.

Y gracias a este motivo, seguro que pudo seguir trabajando. Incluso al lado de Ortiz Echagüe cuando este fue nombrado presidente de SEAT. Ortiz Echagüe fue el fotógrafo más famoso de aquella época, muy apreciado por el régimen de Franco por recordar con sus fotografías el mito de España.

En Xataka Foto

El papel de Leica en el Holocausto: 'El tren de la libertad'

Así que si queréis encontrar otras imágenes de la guerra civil española, no pierdas la oportunidad de sentarte frente al televisor inteligente, conecta la aplicación de RTVE Play y empieza a conocer la figura de un fotógrafo esencial como Antoni Campañá.

Ver el documental

La historia de la humanidad está llena de injusticias terribles. Y matar a alguien solo por sus ideas o su procedencia merece la más absoluta de las repulsas. Dentro de esos momentos malditos siempre podemos encontrar a gente que trató de mejorar la situación de las víctimas. Hablaremos de Ernst Leitz II, dueño de la famosa Leica durante los espantosos años de Hitler en el poder, que salvó de las garras nazis a más de 200 judíos.

Hitler llegó al poder después de unas elecciones en 1933. El partido nazi empezó a gobernar con la idea de dominar el mundo y acabar con todos los que no representaran su ideal ario. Los judíos fueron sus víctimas. Y la humanidad vio atónita cómo llegaba uno de los episodios más crueles de la historia.

Pero en este artículo hablaremos de una buena persona: Ernst Leitz II, quien ideó 'el tren de la libertad de Leica' para sacar de Alemania a más de 200 judíos. En algunas crónicas modernas lo llaman el Oskar Schindler de la fotografía.

Como todas estas historias hay que entenderlas en su contexto y estudiarlas con mucho cuidado, porque hay luces y sombras que son difíciles de entender. Sobre todo sin saber el contexto ni la situación en la que se vivió durante los años del terror nazi.

La historia de 'el tren de la libertad'

He llegado a esta historia a través del muro de Facebook de Bernardo Pérez Tovar. Se conoce desde hace mucho tiempo. El escritor Goerge Gilbert lo sacó a la luz en un artículo y el rabino Frank Dabba Smith escribió el libro 'The Greatest Invention of the Leitz Family: The Leica Freedom Train', después de quince años investigando una historia que había quedado sepultada en el tiempo.

Entre 1933 y 1939 Ernst Leitz II consiguió crear un entramado para sacar a los trabajadores judíos de su empresa como destinados a las oficinas de Francia, Gran Bretaña, Hong Kong y Estados Unidos. Y no solo a sus empleados, sino a amigos y familiares para escapar de la locura nazi.

En Xataka Foto

Carlos Pérez Siquier, el fotógrafo que cambió la historia de la fotografía en España

Se llegó a conocer como 'el tren de la libertad de Leica'. Los judíos que lograron escapar gracias a su empresa llegaban a estos países con todas las garantías y con un puesto de trabajo garantizado.

El famoso logo de Leica

Lo más curioso de todo esto es que la familia Leitz era respetada por el gobierno nazi e incluso el cruel ministro Joseph Goebbels cantaba las virtudes de la marca y contrataba sus servicios para el ejército nazi dada su enorme calidad.

Y a pesar de todo estuvieron fuertemente vigilados. Los nazis necesitaban sus telémetros y sus ópticas, así como el buen nombre que tenían en el mundo occidental, pero vigilaban todos sus movimientos sospechosos. Hasta encarcelaron a la hija del empresario, Elsie Kuhn-Leitz, porque ayudar a escapar a mujeres judías por la frontera con Suiza.

No olvidemos que ella era amiga personal de Henri Cartier Bresson, el cual escribió la introducción de su biografía, donde se contaba todo lo que hizo esta mujer por los demás.

La portada del artículo donde se publicó la historia por primera vez

Al parecer toda esta historia no es muy conocida por deseo expreso de la familia, quien pidió que no se divulgara hasta que falleciera el último miembro de la familia Leitz. Como se narra en un artículo de la Asociación Fotográfica de Canada, donde cuentan que esta historia la descubrió George Gilbert:

Mucho después de que terminó la guerra, la historia del programa Freedom Train se propuso por primera vez a Reader's Digest con sus más de 12 millones de lectores. Los directores de Leitz lamentablemente rechazaron el permiso mientras las personas involucradas aún estuvieran vivas y posiblemente en riesgo de represalias. Para 1987 había muerto el último de los protagonistas y George escribió un pequeño artículo de media página que fue publicado en varias crónicas fotográficas. Una década más tarde, la historia se cubrió brevemente en el libro Illustrated World Wide Who's Who of Jewish in Photography (ver reseña en la edición de mayo de 1997 de Photographic Canadiana ). George envió una versión abreviada de la historia a las diversas sociedades fotográficas para su publicación; publicamos la historia en nuestro número de mayo de 2002. Desafortunadamente, los esfuerzos para encontrar a alguien con familiares que fueron ayudados por Leitz no han logrado encontrar a nadie hasta la fecha. La historia del Tren de la Libertad y el papel desempeñado por Norman Lipton, George Gilbert y el rabino Frank Dabba Smith para sacarlo a la luz, se tratan en el panfleto de 2002 del Rabino Smith The Leica Freedom Train publicado por la American Photographic Historical Society en Nueva York. Se proporcionó una copia a cada asistente a esta presentación.

En Xataka Foto

El español Sergio Díaz Ruiz entre los ganadores del certamen 'Fotógrafo de astronomía del año 13' del Real Observatorio de Greenwich

Puede que no sea una historia fotográfica 100%, y seguro que hay muchos matices, como sucede con Oskar Schindler, pero desde hoy miraré a Leica con otros ojos. Al menos en los tiempos horribles demostró tener humanidad.

Chema Madoz ha abierto la temporada fotográfica del Círculo de Bellas Artes de Madrid con su exposición 'Crueldad', una nueva revisión de su trabajo alejado de la poética a la que nos tenía acostumbrado. Es la misma obra, pero desde una perspectiva distinta que parece volverle más interesante.

Dentro de la fotografía española actual, Chema Madoz es uno de los pesos pesados. Además su estilo es totalmente reconocible e imposible de imitar. Fue capaz de encontrar una forma de mirar única e inimitable.

Es verdad que bebe de varias fuentes que hay que buscar, desde el surrealismo hasta Ramón Gómez de la Serna, pero ha formado un universo del que nunca ha salido. Si te gusta, sígueme; si no, no hay problema alguno. Es lo que parece decir con sus fotografías que vemos una y otra vez.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Ya no hay nada nuevo en su trabajo. A muchos ya no nos sorprende, pero seguimos mirando con la boca abierta las greguerías visuales que nos propone, aunque ya formen parte del paisaje cotidiano.

Por este motivo puede resultar muy interesante la nueva exposición del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la que los comisarios Juan Barja y Patxi Lanceros han sido capaces de ofrecer una nueva lectura de los disparos que ya no tienen la atención del primer encuentro.

La crueldad de Chema Madoz

El reto parecía difícil. Chema Madoz siempre ha estado relacionado con la poesía visual, con la insinuación y las cosas sin sentido aparente. Para él un objeto siempre tenía otra respuesta, otra utilidad distinta a la que conocemos. Un poema visual.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Pero esta vez han logrado hacer desaparecer ese aire inocente, cándido y directo de sus fotografías y lo han llevado al lado opuesto. A un punto oscuro del que el propio autor era consciente, pero que no veía que nadie se atreviera a insinuar.

En Xataka Foto

El primer paso del proyecto fotográfico: La idea

Es verdad que han tenido que recurrir, a veces, a las palabras propias de autores conceptualistas que no tienen nada que decir con la fotografía:

La fijeza ejemplar de lo que vemos en cada una de esas pro-yecciones, construcciones, montajes objetivos –el agudo rigor de sus matices, de las sombras y luces de los cuerpos que ahí se hacen presentes, que se muestran ya ‘de cuerpo presente’ a la mirada– induce reacciones en cadena: la creación como cre-acción, en la cual se empareja lo distinto y se disuelve, en cambio, lo que era unitario y común –lo parecía...–. O lo mismo leído de otro modo: la sucesión de sus analogías –la semejanza en lo desemejante– hace explotar el núcleo de la imagen que se articula en / por las diferencias que re-velan / des-velan lo que era, aun oculto, concreto, perceptible.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Han conseguido que miremos sus fotografías desde el otro lado. Y este nuevo prisma enriquece, y mucho, la obra de Chema Madoz. Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.

En total son setenta y tres fotografías en la exposición y ciento dos en el catálogo que será un éxito de ventas. Con muy pocas imágenes inéditas. Blancos y negros perfectos, impolutos, realizados con luz natural de su estudio que no parece de fotógrafo, sino de escultor.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Y han añadido, para 'abrir posibilidades de sentidos a partir de cada obra', textos de autores famosos a cada una de las fotografías a través de un código QR. Aquel que no sepa sacar la información se lo perderá. Y es una buena idea, pero creo que complica enormemente un trabajo tan abierto a las interpretaciones como el de Chema Madoz.

Sus fotografías no necesitan explicación, solo una interpretación personal. Meter a autores tan diversos como Dante, Cesar Vallejo, Federico García Lorca, Samuel Beckett, G. W. F. Hegel, solo intelectualiza unas imágenes que eran de todos y que lo único que necesitan es que las miremos.

Hay que ir a ver la exposición. Si queremos podemos evitar los textos contaminantes, así podremos ver todas las fotografías sin límites (buena idea al fin y al cabo el código QR) pero siempre bajo el nuevo prisma de la crueldad. Y os aseguro que se disfrutan de nuevo. Ya nos contaréis...

• Chema Madoz 'Crueldad'
• Sala Picasso Círculo de Bellas Artes de Madrid
• 16.09.2021 > 21.11.2021
• Entrada general 5€

En el mundo de los premios es difícil decidir cuál es el más importante. En el mundo de las artes está muy disputado. Y lo más curioso es que el más conocido, el premio Nobel, no da ningún premio a los pintores o fotógrafos. Para solucionarlo, los japoneses crearon los Praemium Imperiale, para rellenar huecos... Este año el premio en la categoría de Pintura ha recaído en el gran Sebastiao Salgado.

Los premios internacionales Praemium Imperiale (Takamatsu no miya denka kinen sekai bunka-shō) se otorgan desde 1989 a las contribuciones destacadas al desarrollo, la promoción y el progreso de las artes.

Los apartados son: Pintura (donde entra la fotografía), Escultura, Arquitectura, Música y Cine/Teatro. Y está dotado con una medalla de oro y 15 millones de yenes japoneses (125.000€).

Uno de sus últimos trabajos

Está relacionado con la familia imperial japonesa y la Asociación de Arte de Japón con una serie de asesores internacionales tan relevantes como miembros de la familia Rockefeller. Un premio con una importante trayectoria que ya ha premiado a fotógrafos como Cindy Sherman o Hiroshi Sugimoto dentro de esa categoría de Pintura.

Sebastiao Salgado recibe el premio Praemium Imperiale

Sebastiao Salgado pasará a la historia como uno de los grandes fotógrafos de la historia. Sus series en blanco y negro suponen años de trabajo hasta encontrar el mensaje que quiere trasmitir. Él era un economista del mundo del café que se enamoró de la fotografía gracias a su mujer.

En Xataka Foto

Lo que más detesto de la fotografía móvil es la vida útil de los smartphones

Muchas veces se le acusa de ser demasiado estilizado a la hora de mostrar las desgracias sociales del mundo, pero es la única forma que ha encontrado de darles visibilidad. Las hambrunas, los problemas laborales de las clases desfavorecidas, las grandes miserias de la tierra entran en el debate internacional gracias a la fuerza visual que trasmite.

Una de sus imágenes más icónicas

El motivo por el que se le ha otorgado este premio es:

El trabajo de Salgado se caracteriza por una intensidad que nace de su integración paciente y empática en la vida de sus sujetos. Vive con ellos, pues cree que "debe ser la persona que tienes delante la que te regale la foto". El regalo que le hacen sus retratados es siempre intensamente personal, a veces angustioso, pero siempre revelador de su humanidad. El uso de la luz natural contribuye a aumentar el impacto de sus fotografías, que con frecuencia adquieren una profundidad y un estado de ánimo intangibles.

Su figura se entiende mejor desde que publicó su autobiografía y sobre todo por el documental que hicieron su hijo y Wim Wenders, 'La sal de la tierra', de obligado visionado para todos los que queremos hacer una buena fotografía.

En Xataka Foto

Seis razones para olvidarse para siempre de usar Niveles en Adobe Photoshop

Es un premio merecido, aunque seguro que encontraremos a gente que se rebelará contra él por lo que hemos comentado. Ahora solo nos queda esperar a que llegue a nuestro país el último proyecto dedicado a la Amazonia y quedarnos con la boca abierta.

Ayer murió Carlos Pérez Siquier, el penúltimo genio de una generación de la que se acordaron tarde. Recibió todos los premios posibles, tiene un museo propio y fue capaz de ver la luz del Mediterráneo como nadie. En cualquier otro país sería un día de duelo nacional, aquí solo nos acordamos todos los que aprendimos de él.

El mundo ha cambiado mucho. Hace 90 años, cuando él nació en su querida Almería, todo era distinto. El mundo de la cultura y del arte vivía su edad de plata cuando todo se cortó de raíz. La guerra entre hermanos frenó en seco a la sociedad. Y su tierra se quedó todavía más aislada.

Él era un aficionado a la fotografía, algo que nunca debemos olvidar. Su fuente de ingresos era la banca, un horario de ocho a tres con chaqueta y corbata. Pero luego ese mundo gris cambiaba. Los números desaparecían y miraba directamente a la luz.

Hoy estamos todavía abandonados sin su mirar. Además no puedo ver sus libros para recordarle porque están guardados en el fondo de un trastero. Pero tenemos la memoria e internet para ver de nuevo sus trabajos, desde 'La Chanca' que le abrió las puertas hasta sus últimos disparos en el color que tanto le gustaron a Martin Parr.

El hombre que revitalizó la fotografía en España

A muchas personas, los más jóvenes del lugar, les costará entender todo lo que hicieron Carlos Pérez Siquier y José María Artero García en Almería en 1956. Solo por eso ya merecerían estar en el altar de la fotografía.

Ellos dieron forma a la revista del grupo AFAL (Asociación Fotográfica ALmeriense). La asociación se presentó en 1950, pero en el año 1955, José María Artero fue el presidente y Carlos Pérez Siquier el secretario. Él fue la parte artística y Artero la intelectual. Y todo cambió para siempre desde uno de los extremos más recónditos de la península.

En Xataka Foto

Fujifilm X-S10 análisis: una nueva vía en la familia X que nos da algunas de cal y otras de arena

Contra viento y marea, contra las modas que imperaban entonces, ellos dos buscaban, escribían y encontraban a aquellos fotógrafos que tenían algo que decir más allá del pictorialismo y el salonismo que triunfaban entonces.

Fotograma de 'Azul Siquier'

Como escribimos con motivo de la exposición que tuvo la historia del grupo en el Reina Sofía:

Alguien conocía a alguien, conseguían su dirección postal, y le enviaban una carta que tardaba días en llegar. Si estaba conforme les enviaba fotografías para ser publicadas en la revista de una asociación de Almería... Si había algún problema o querías hacer alguna pregunta no quedaba más remedio que escribir de nuevo una carta, ir a Correos, comprar un sello y esperar a que llegara la contestación. Hoy nos parece un milagro, pero no deja de ser el germen de una red social fotográfica. Pero con una virtud. No había tiempo para tonterías y se iba directamente al grano. A la pura fotografía.

Fueron los renovadores de la fotografía y lograron reunir a los mejores fotógrafos de la época en una revista que marcó el antes y el después... Hasta llegar a aquel anuario de 1958 en el que todo tuvo que terminar por culpa del dinero. Pero la semilla estaba plantada.

La calidad del grupo les llevó a exponer fuera de nuestras fronteras. Y nunca se les ha reconocido lo suficiente todo lo que hicieron para alcanzar el nivel que tenemos hoy en día. Cuando ellos empezaron apenas había asociaciones... Hoy son incontables.

Carlos Pérez Siquier, el fotógrafo

Su estilo era directo. No había compasión ni crítica alguna en sus disparos. No era un dios omnisciente, sino que fotografiaba lo que le gustaba. Así lo hizo desde el principio, en ese reportaje de 'La Chanca' en blanco y negro y en todos los trabajos posteriores ya en color.

Desconozco si será cierto o formará ya parte de la leyenda, pero nunca utilizó un trípode ni quería saber nada del flash. Y su mirada evolucionó desde el reportaje clásico de los humanistas hasta los encuadres cerrados en los que el color era el protagonista.

Se le puede reconocer por los colores que sacaba con su cámara. Una tonalidad saturada y limpia que bebía de la luz más difícil que solo podemos encontrar en Almería. Sus imágenes de la playa, cuando España se abrió al turismo, llamaron la atención de Martin Parr en la exposición que organizó en Nueva York en 2007:

El propósito de la exposición actual es demostrar que una cultura de fotografía en color igualmente viva en Europa operaba antes y durante los años 70. Este trabajo se había pasado por alto en gran medida, ya que no fue organizado como un movimiento, ni fue promovido por instituciones de alto perfil. Los coloristas estadounidenses que se dieron a conocer en los años 70 ahora disfrutan de un renacimiento, mientras que los equivalentes pioneros europeos siguen siendo relativamente oscuros.

Podemos encontrar muchas cosas sobre él en las redes, como el documental 'Azul Siquier' que espero que programen esta noche... 'Detrás del instante' le dedicó un capítulo en la primera temporada (ojalá llegue la tercera temporada)... Pero lo mejor será abrir un libro suyo y aprender todos los secretos de la fotografía. O ir a su museo...

En Xataka Foto

Grupo AFAL: cuando la fotografía cambió en España

Era todo un personaje. Tuve la suerte de sentarme una vez a su lado y darle las gracias por existir. Nada sería igual si él no se hubiera esforzado tanto por mirar de una forma personal y sobre todo por comunicar y unir a todos los que tenían algo que decir con la cámara al hombro. Se ha ido uno de los mejores.