Sin duda es una foto mítica, conocida mundialmente y con una historia detrás que os hemos contado y en la que destaca el anonimato, tanto de su autor como de muchos de los obreros que aparecen en la imagen. Sin embargo, ahora se ha hecho público el nombre de uno de los personajes que tomaban su almuerzo en las alturas, peligrosamente sentados en una viga, se llamaba Natxo Ibargüen Moneta y era natural de Balmaseda, en Bizcaia.

Se trata del segundo personaje por la izquierda, el que aparece dando fuego a un compañero y, al parecer, su identidad ya era conocida por la familia del protagonista; sin embargo ahora se ha difundido la historia una vez que la Asociación Harresi de Balmaseda (dedicada a conservar la memoria de esa localidad vizcaina) realizó las comprobaciones necesarias para verificar que, efectivamente, un emigrante vasco es uno de los integrantes de la singular imagen.

Natxo Ibarguen Moneta es el segundo por la izquierda.

Tal y como cuentan en La Vanguardia, nació en Balmaseda en 1899 y emigró a Argentina antes los 20 años. Tras aquello se embarcó destino a Inglaterra y volvió a Europa trabajando como marino, aunque en los años 20 volvió a "cruzar el charco" para establecerse en la ciudad de Nueva York. Allí se casó con una norteamericana y tuvo cuatro hijos y se dedicó a trabajar en la construcción, convirtiéndose en protagonista (hasta ahora anónimo) de una de las fotos más icónicas de la historia.

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Para corroborar que realmente Natxo es quien aparece en la foto, la asociación dice contar con el testimonio de sus hijos, llamado Dani, quien habría contado la historia a su familia en Euskadi hace décadas cuando, tras la muerte de su padre, quiso conocer sus orígenes y contactó con la familia Ibargüen. Además, han localizado diversas fotografías del protagonista en las que se aprecia que es la misma persona de la foto; finalmente, dicen haber comprobado a través de un registro que cuando la foto se realizó Natxo residía con su familia en el barrio de Brooklyn.

Una curiosa historia que arroja un poco de luz sobre esta fotografía atribuida a Lewis Hine pero que realmente es de autor desconocido. Sin embargo, es una imagen ampliamente conocida y al mismo tiempo misteriosa, con lo que el hecho de saber que uno de sus protagonistas era español sin duda ha sido una grata sorpresa.

Foto de portada | Wikimedia Commons con licencia de domino público

Dylan Scalet nunca llegó a conocer a su abuelo Jack Sharp (porque nació un año después de que él falleciera), pero creció oyendo contar historias sobre él y rodeado de las fotografías que hizo y decoraban su casa. Aquellas fotos "me hicieron interesarme por este arte cuando era joven y por eso estudié fotografía en la Universidad" nos cuenta. Sin embargo, no fue hasta hace poco cuando descubrió el gran talento de su abuelo para la fotografía, especialmente para la street photo.

Concretamente fue en 2014, cuando heredó la colección de fotos de su abuelo (más de 5.000 calcula) pero "no sabía cuán hermosas eran ni cuántas” dice Dylan. “Fue durante mi estancia en la universidad cuando aprendí sobre fotógrafos clásicos como Henri Cartier-Bresson y Vivian Maier y comencé a interesarme por sus fotografías".

De todos modos la mayoría de aquellas imágenes permanecieron guardadas en cajas hasta que, durante la cuarentena provocada por el COVID-19, y tras comprarse un escáner fotográfico, Dylan comenzó a digitalizarlas a gran escala y descubrió que tenía un tesoro de fotos nunca antes vistas. Imágenes que, una vez más, nos recuerdan la historia de Vivian Maier, la "niñera-fotógrafa" que nunca ejerció como tal y dejó un enorme legado de fotos inéditas.

Las de Jack Sharp fueron tomadas entre los años 1950-1970 y mostraban la vida en Europa en aquella época, demostrando también el buen ojo del abuelo de Dylan para la fotografía. Especialmente para la fotografía callejera, la disciplina que más parecía gustar a este fotógrafo aficionado, aunque también practicó otros estilos, como retratos y fotos familiares.

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Como Vivian Maier, Jack nunca ejerció de fotógrafo y practicó la fotografía sólo como aficionado. En realidad era ingeniero, y de hecho aunque nació en Inglaterra se trasladó a Suiza para trabajar como tal en el CERN, la famosa institución europea de investigación donde surgió la World Wide Web y se descubrió el Bosón de Higgs.

Allí se unió al club de fotografía amateur del CERN y se enamoró de esta disciplina. Y lo hizo hasta tal punto que, según cuenta su nieto, “cuando se dedicó a la fotografía hizo toda la investigación. Entendió la mecánica de la cámara, la ciencia detrás de la luz y la alquimia del cuarto oscuro. Por lo que me han dicho, probablemente escribió guías, manuales y notas sobre todo lo que aprendió o descubrió".

Así, durante dos décadas se dedicó a capturar prolíficamente instantáneas de la vida cotidiana que le rodeaba, principalmente en su residencia de Suiza. Desgraciadamente, por razones que Dylan desconoce, Sharp dejó de hacer fotos por completo a partir de los 70 y hasta su muerte en 1992, "tal vez porque para entonces era una práctica demasiado común, o porque pudo haberse interesado por otro pasatiempo", cuenta el nieto.

A pesar de las incógnitas (que probablemente quedarán para siempre) Dylan dice que las fotografías de su abuelo han sido “una forma única de conocerlo como persona [...] Aprendí mucho sobre mi herencia a través de este proyecto, descubriendo fragmentos de dónde estuvo y qué vio y teniendo la oportunidad única de ver cómo vivían mis abuelos a mi edad”.

Jack Sharp en un autoretrato

Ahora Dylan (que además de las fotos también heredó la Asahi Pentax que se ve en el autorretrato de arriba) ha creado un sitio web y cuentas en redes sociales para dar a conocer el trabajo de su abuelo compartiendo una foto al día; además, tiene la idea de poder montar una tienda online para vender fotos y dedicar las ganancias a la investigación del cáncer, el alzheimer y la demencia, males que acabaron con la vida de Jack Sharp y su mujer.

Nosotros sólo podemos felicitarle por la idea, y por la calidad de las fotos de su abuelo con las que os dejamos. Ah y por supuesto también darle las gracias por dejarnos compartirlas con vosotros y desearle mucha suerte en su proyecto.

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Fotografías de Jack Sharp reproducidas con permiso de Dylan Scalet para este artículo

Se supone que todo sucedió un día como hoy (cuatro de junio) del año 1989, pero para el gobierno chino aquello nunca ocurrió. Y eso que no hay una sola imagen de ese hombre indefenso frente a un aterrador tanque, sino que varios fotógrafos captaron una foto muy similar. Sea como fuere, no cabe duda que ‘El hombre del tanque’ es una (en este caso varias) de las imágenes icónicas de la historia de la fotografía.

Os hablamos de ello hace un año, porque se cumplieron 30 años de aquellos hechos, y hace sólo unos meses, ya que unos de los autores, Charlie Cole, falleció recientemente; este fotógrafo norteamericano, que entonces trabajaba para la revista Newsweek fue uno de los cuatro que pudieron captar la escena desde un balcón del hotel Beijing, el lugar donde se alojaba la prensa extranjera.

Las cuatro tomas de la escena realizadas por los cuatro fotógrafos.

Los otros eran el también estadounidense Jeff Widener, que trabajaba para Associated Press, el británico Stuart Franklin, de la agencia Magnum Photos, y el hongkonés Arthur Tsang, que cubría la noticia para Reuters. Cualquiera de sus imágenes hubiera bastado para reflejar lo sucedido aquel día en la plaza de Tiananmen, cuando el gobierno chino decidió “cortar por lo sano” con las protestas estudiantiles.

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De los cuatro, las imágenes más conocidas son la de Cole, ya que ganó el prestigioso World Press Photo de 1990, y la de Widener, que “solo” fue finalista del Premio Pulitzer en 1990. La diferencia entre ambas imágenes es poca, y se debe a que el primero tomó la imagen desde la octava planta y el segundo desde la sexta.

Pero la potencia de cualquiera de las imágenes, mostrando cómo un simple hombre a pie con unas bolsas de la compra se enfrenta a unos monstruos metálicos (que podrían haberle aplastado muy fácilmente) sin duda es arrolladora.

La historia de la foto y sus repercusiones

Como decimos, para China oficialmente todo aquello nunca pasó. Nunca hubo una revuelta que protestaba contra el gobierno comunista chino, por causas diversas, y que comenzó el 15 de abril de mano de estudiantes chinos. Pero extraoficialmente el mundo sabe que sucedió, y cómo se decidió acabar con la revuelta por la fuerza. Y en gran parte se conoce por estas fotos que causaron un gran revuelo por su fuerza visual copando las portadas de revistas de todo el mundo.

Y aunque el gobierno chino intentó acabar con todas las imágenes que la prensa extranjera tomó durante aquella revuelta, los periodistas lograron burlar la férrea censura. Cole cuenta en el vídeo que tenéis arriba cómo escondió el carrete en la cisterna del váter de su habitación del hotel, evitando así que le requisaran las fotos cuando la policía del régimen se presento allí y le requisaron las cámaras y carretes que encontraron.

Por su parte, Widener comenta cómo le pidió a un estudiante universitario que le ayudaba que escondiera la película en su ropa interior, y la llevara a las oficinas de su agencia (lo cual no fue fácil en aquellas circunstancias).

La foto de Charlie Cole para Newsweek

También cuenta cómo estaba algo mareado cuando hizo la foto (porque acababa de recibir el impacto de una piedra en su cabeza mientras trabajaba), lo que pudo influir en que no calculara bien la exposición de la toma. Esto provocó que, de las tres tomas que hizo del momento, sólo una fuera buena. Por cierto que, irónicamente, al principio le pareció que la figura de aquella persona ante los tanques le iba a arruinar la foto.

Como podéis imaginar todas las fotos se hicieron con teleobjetivo, ya que el hotel se encontraba aproximadamente a 200 metros del lugar donde sucedieron los hechos. En el caso de Cole sabemos que la hizo con un tele de 300 mm montado en una Nikon FM2 y con película de 400 ISO.

¿Qué no enseña esta foto?

Como siempre, además de hablar de la imagen en sí y lo que supuso, nos gusta plantearnos su significado desde un punto de vista más fotográfico. En este sentido, podemos plantearnos si podemos reprocharle algo a estas fotografías. Pero, como nos va a ocurrir con la mayoría de fotos del ámbito del fotoperiodismo, aquí lo realmente importante es el momento capturado y su significado.

La toma de Jeff Widener para Associated Press

Por eso da igual la cantidad de grano en la imagen o la poca definición que tiene (por supuesto habría que ver el negativo original). También el hecho de que un disparo a semejante distancia hace que el primer tanque parezca estar literalmente pegado al hombre (y los otros muy juntos entre sí), cuando probablemente había al menos dos metros de distancia...

Un problema de perspectiva (más acusado en la foto de Widener que se hizo a menor altura) que hoy resulta muy actual, pero que no es causado por usar un teleobjetivo como ya hemos contado, y que era muy difícilmente soslayable para una toma realizada a distancia. Porque no había otra manera de hacerla, a pesar de lo cual quienes la captaron se jugaron la vida.

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Por lo demás, como nos ocurrió con la foto mítica de Eddie Adams podemos preguntarnos si la composición hubiera sido más efectiva dándole la vuelta, pero en este caso parece claro que no. Nuestra vista claramente va desde el individuo indefenso hacia los amenazadores tanques que tiene delante… y encima las diagonales que van hacia arriba y de izquierda a derecha son muy llamativas…

¿Cómo hubiera sido la foto desde otro lado?

Esto ayudó a que la imagen, mejor dicho las cuatro, fueron visualmente muy potentes, pero sin duda hubiera dado igual si no fuera por la potencia de su contenido. Por eso no nos extraña que los autores se quitaran méritos y, en el caso de Widener, llegaran a decir que sólo fue cuestión de suerte y de “estar en el sitio justo en el momento adecuado”. Pero había que estar ahí.

Foto de portada | Charlie Cole/ World Press Photo

La historia de la Humanidad está llena de imágenes míticas, pero no hay muchas que reflejen en sólo un instante toda la brutalidad de una guerra. El norteamericano Eddie Adams lo logró con esta poderosa fotografía. Una instantánea que quedó para la posteridad y le llevó a ganar los premios más prestigiosos de fotoperiodismo, pero también le marcó para el resto de su vida.

Con esta potente instantánea inauguramos una nueva sección donde vamos a ir repasando fotografías míticas de la historia, (aunque alguna vez ya hayamos hablado de ellas) para recordar su importancia, el significado que tuvieron en su momento, cómo fueron las circunstancias de la toma y qué supusieron para sus autores (y también para las personas que las protagonizaron).

‘La ejecución de Saigón’ Foto de Eddie Adams/Associated Press. Extraída del álbum Recuerdos de Pandora en Flickr

Y hemos elegido esta imagen, aparte de su potencia visual, porque (tal y como os contamos) es un excelente ejemplo de cómo una foto puede influir en la historia y también marcar a las personas que aparecen en ella.

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La historia de la foto

Lo que a ojos de un espectador inocente podría parecer una “simple” ejecución a sangre fría, captada justo un instante antes de que una bala acabara con la vida el ejecutado y mostrando todo el horror en su cara, por supuesto tiene una historia detrás, y unos protagonistas.

La escena se produjo en Saigón (capital de Vietnam del Sur) en plena calle, el uno de febrero de 1968, cuando unos soldados survietnamitas conducían a un prisionero capturado. Un mando del ejército se acercó a él y, sin mediar palabra, le disparó en la sien.

La secuencia completa de los hechos capturados por la cámara de Eddie Adams. Imagen capturada de la web Time 100Photos.

El momento fue captado por Eddie Adams, un fotógrafo de Associated Press (y curtido fotoperiodista que cubrió hasta trece guerras distintas en toda su carrera) que se encontraba en la ciudad cubriendo el conflicto y llegó al lugar (junto a un camarógrafo de la NBC) atraído por el ruido de disparos.

La persona que disparó era el general Nguyễn Ngọc Loan, un alto cargo del ejercito de Vietnam del Sur, alíado de los norteamericanos en la Guerra de Vietnam que se libró entre 1955 y 1975 en aquel país. El ejecutado se llamaba Nguyễn Văn Lém, y era un miembro del Viet Cong, es decir del bando contrario (que luchaba contra los norteamericanos y el gobierno survietnamita).

Un instante antes de la ejecución. Eddie Adams/Associated Press. Extraída del álbum de Tommy Japan 79 en Flickr

El ejecutado había dirigido un escuadrón terrorista que, aprovechando una ofensiva norvietnamita, se había adentrado en la ciudad con el objetivo de asesinar a altos mandos del ejército de Vietnam del Sur, entre ellos el general Nguyễn Ngọc Loan. Aquel comando había matado a un compañero del general, así como a su esposa y sus seis hijos, así que el general se tomó la justicia por su mano sin (en principio) dar mayor importancia a aquello.

Según contó el propio fotógrafo, el general se alejó del lugar murmurando unas palabras: “Mataron a muchos de mis hombres y a mucha de nuestra gente”. Para él, aquello fue un acto de justicia que se producía en un contexto de guerra. Un acontecimiento que, seguramente, sin aquella foto no hubiera ido a más.

Sus repercusiones

Pero no fue así. Aquella imagen se publicó en las portadas de los periódicos y revistas de todo el mundo, y como era de esperar llamó la atención convirtiéndose en un símbolo de los excesos de la guerra. Y no sólo porque era una foto que dejaba muy a las claras toda la brutalidad de un conflicto bélico, sino porque rebatía las afirmaciones oficiales sobre que aquélla se estaba ganando…

El fotógrafo mostrando su imagen en la entrega de premios del World Press Photo de 1968. Foto de Wikimedia Commons

Por entonces el público estadounidense ya llevaba algún tiempo preguntándose si aquel conflicto bélico, librado a miles de kilómetros y que les estaba costando muchas vidas, seguía teniendo sentido. Y esta foto sirvió para despertar conciencias. La imagen hizo famoso al general, que fue acusado de brutalidad, repudiado por los mandos del ejercito estadounidense y caído en desgracia.

La foto, sin embargo, se hizo tan popular que cosechó numerosos premios, entre ellos los más prestigiosos del mundo, como el World Press Photo de 1968 y el Premio Pullitzer de 1969. Sin embargo, aunque valió el reconocimiento universal para su autor, se convirtió también en una rémora que le acompañó el resto de su vida.

Él mismo fue perseguido por haber hecho aquella la foto y, sobre todo, sintió que había sido mal interpretada: “Si eres este hombre, este general, y acabas de atrapar a este tipo después de que hubiera matado a algunas personas cercanas... ¿Cómo sabes que no habrías apretado el gatillo tú mismo? Tienes que ponerte en esa situación ... Era una guerra”.

Por todo ello, en los años posteriores, Adams se mostró atormentado por su propia foto y por haber sido la causa de la caída en desgracia de Nguyễn Ngọc Loan, a quien llegó a visitar posteriormente, y a quien calificó como un héroe, porque “a veces una imagen puede ser engañosa porque no cuenta toda la historia”.

A eso añadía la frase que hemos utilizado en el titular, “la fotografía es el arma más poderosa del mundo”, aludiendo a cómo una imagen como la suya puede ser capaz de cambiar el curso de una contienda bélica (que, recordamos, acabo perdiendo —por primera vez en la historia— los EE.UU).

¿Qué no enseña esta foto?

La imagen es toda una lección de fotoperiodismo en unos tiempos difíciles para la profesión como los que vivimos. Un magnífico ejemplo de que un buen fotoperiodista debe estar siempre preparado para captar el momento decisivo, que acuño el gran Cartier Bresson.

También aquello que decía Robert Capa, de que si una foto no es lo suficientemente buena es que no estabas lo suficientemente cerca.... Sin duda dos lecciones importantes para cualquiera que quiera dedicarse no sólo a la fotografía de guerra sino a cualquier tipo que tenga que ver con la actualidad.

Eddie Adams posando durante su cobertura en la guerra de Vietnam. Foto extraída del álbum de Tommy Japan 79 en Flickr

Pero más allá de esto la imagen también puede enseñarnos algunas cosas desde un punto de vista estrictamente fotográfico. Por ejemplo cómo las reglas están para romperlas cuando es necesario. ¿O acaso importa aquí que el horizonte de la foto esté en el centro del encuadre? Quizá si la foto no estuviera hecha en una ciudad esto hubiera afectado más pero, en un momento así, en el que el fotógrafo tuvo que disparar sin pensar…

En este sentido, tampoco viene al caso el tipo de cámara con la que fue realizada, muy probablemente una Leica M4 (una cámara telemétrica que usaba película de 35 mm), pero sí que el fotógrafo estaba familiarizado con “su arma” de tal manera que la tenía bien preparada para no tener que detenerse a pensar en ajustes técnicos, con peligro de perderse la foto.

La óptica de 35 mm (ideal para disparos cercanos) y una velocidad de obturación de 1/500 segundos le permitió congelar perfectamente el instante, pero es de suponer que el hecho de que la instantánea se produjera justo una milésima de segundo antes de que la bala saliera del cañón fue simplemente casual…

¿Y si la foto hubiera sido tomada desde el otro lado?

La composición denota que la foto fue hecha por alguien con oficio, pero realmente no sabemos si fue casual que los protagonistas de la toma quedaran situados tal cual aparecen, con el ejecutor a la izquierda y la víctima a la derecha. Es decir, en un esquema ideal según nuestra forma de mirar que permite que visualmente la foto tenga mucha más fuerza que si se hubiera hecho al revés.

La fuerza del momento probablemente hubiera hecho que su repercusión fuera similar, pero es evidente que la fotografía sí que cambia si la volteamos. Sea como fuere, es sólo una suposición que en ningún caso empaña lo que fue una instantánea que queda para siempre como una pequeña lección de historia y como un ejemplo de la influencia que una imagen puede tener en ella.

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Foto de portada | ‘La ejecución de Saigón’ Foto de Eddie Adams/Associated Press. Extraída del álbum de Recuerdos de Pandora en Flickr

Aunque él sí que ejerció de fotógrafo, su historia nos ha llamado la atención porque como Vivian Maier murió dejando cientos de rollos por revelar que ahora poco a poco van saliendo a la luz. El parecido no va mucho más allá, porque este artista sudafricano sí llegó a tener cierto éxito en la profesión, y a exponer algunos de sus trabajos; sin embargo, Pierre Crocquet fue un casi absoluto desconocido cuya historia merece la pena contar.

Su hermana Jeannine se está encargando de ello a través de las redes sociales, un medio que ha elegido para difundir la historia de Pierre y mostrar el talento de un fotógrafo que falleció muy joven (en 2013 con 42 años) en unas circunstancias bastante extrañas y, sobre todo, muy tristes.

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Sus comienzos

La relación de Pierre con la fotografía empezó, como suele suceder, en su juventud cuando su padre le regaló una Voigtlander Vito B a la edad de 16 años. Aquel regalo fue un flechazo para el joven Pierre quien se enamoró de la fotografía y se dedicó a hacer fotos siempre que podía.

Pero Pierre, que nació en 1971 en Ciudad del Cabo (Sudáfrica) y se crió en Klerksdorp (una ciudad minera al oeste de Johannesburgo), siguió obedientemente los deseos de su familia y se marchó a estudiar Económicas a la Universidad de Ciudad del Cabo dejando apartada su pasión por la fotografía.

Más tarde, en 1996, se marchó a Londres para trabajar en el entonces banco mercantil Chase Manhattan. Pierre pensó que sería un trabajo soñado, pero pronto empezó a odiarlo, tanto que en una carta enviada a su familia contaba: “El dinero que gano aquí es obscenamente alto, pero odio el trabajo y lo que hacen los bancos. No veo que lo que hago sirva para algo significativo y siento que no estoy dejando ningún legado que valga la pena”.

Por eso, un buen día (y con poco más de 30 años) abandonó su rentable puesto de trabajo y se matriculó en la London London College of Printing para hacer realidad su sueño: dedicarse a la fotografía. A partir de ahí comenzó un periodo de unos 10 años en los que regresó a Sudáfrica se dedicó por completo a ella y llevó a cabo prácticamente toda su obra.

Su trabajo de aquello años se centró en retratar la vida en Sudáfrica y en el continente africano, pero a diferencia de otros a Pierre no estaba interesado en mostrar la guerra y la hambruna que siempre han ido asociadas al llamado continente negro.

Tal y como cuenta Jeannine en una entrevista a The Phoblographer, “Pierre estaba más interesado en capturar la belleza en lo ordinario, los momentos de interés en lo mundano: Dos niños en un balancín, un servicio religioso informal al aire libre, boxeadores entrenando junto al mar, una mujer tomando su café de la mañana junto a la cabeza de un cerdo… Cartier-Bresson lo definía como ‘capturar la eternidad en un momento’; creo que mi hermano capturó bastantes de esos momentos eternos.”

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Lo cierto es que, como podéis ver, su fotografía tiene un aire clásico, “de la vieja escuela en apariencia y estilo. Es un ‘momento decisivo’ y abrumadoramente centrado en las personas. Tengo miles de negativos de Pierre, que fueron tomados durante un período de diez años. Hay tal vez 20 tomas en total que no muestran personas. Ningún paisaje, ninguna naturaleza muerta, incluso las imágenes que son de la naturaleza, como su trabajo en el desierto de Karoo, contienen pequeñas figuras. La humanidad y todos sus caprichos son lo que lo fascinó”.

Durante estos diez años llevó a cabo varios proyectos que se publicaron en diversos libros. A principios de 2002, descubrió el jazz sudafricano y pasó varios años fotografiando a esos artistas que interpretaban unos sonidos que amaba y que también acabaron inmortalizados en un libro. Algo más tarde se marchó a Karatara, un pequeño asentamiento en decadencia, situado en el borde de un bosque acondicionado para los trabajadores forestales y que, a medida que la industria se desvaneció, se fue despoblando.

“Los que quedan parecen de alguna manera perdidos en el tiempo —cuenta Jeannine—, parte de una era olvidada. Inicialmente, los residentes desconfiaban y sospechaban, y pasó un tiempo antes de que aceptaran ser fotografiados. Sus retratos de esa época son compasivos, empáticos y convincentes.” Aquel trabajo llegó a exhibirse en los EE. UU y Europa con gran éxito, y se publicó un libro llamado ‘Enter/ Exit’.

Su último trabajo

Pero seguramente su proyecto más sonado fue el último, en el que empezó a trabajar en 2009. Se llamaba ‘Pinky Promise’ y documentaba las historias personales de tres pedófilos y cinco víctimas de abuso sexual infantil. Un tema muy delicado que llevó al fotógrafo a sumergirse en el turbio mundo de los delincuentes sexuales y le marcó profundamente: “Me involucro en la vida y la capturo a través de mi lente al mismo tiempo. Me siento atraído por el lado más oscuro de la humanidad, tal vez porque veo el lado más claro de la vida tan brillantemente.”

Aquel trabajo llegó a aparecer en el NY Times, recibió varios premios y se recopiló en un fotolibro que acompañó a una exposición del mismo nombre celebrada en Johannesburgo en 2011, pero el proyecto dejó a Pierre creativamente quemado. Por eso, en noviembre de 2012 comenzó un retiro de seis meses en un remoto centro budista. Aislado del mundo, pasaba el tiempo meditando durante 14 horas al día, sin apenas comer ni hablar.

Dos semanas antes de que concluyera el retiro, comenzó a mostrar signos de angustia mental y paranoia severa y la noche del primero de mayo de 2013, salió del retiro, semidesnudo, caminando por una carretera en la oscuridad y fue atropellado por un coche que se dio a la fuga con sólo 42 años.

Además del dolor y el trauma, su hermana (con la que estaba muy unido) se encontró con el caos de papeleo que acompaña una muerte temprana y un archivo de miles de negativos, así como cajas con hojas de contacto e impresiones. “No tenía idea de por dónde empezar y, sin un plan concreto, comencé el trabajo más simple primero: encontrar una manera de mantener su trabajo visible y vivo”.

“Las redes sociales eran la opción obvia y más rentable —cuenta Jeannie—, así que compartí las imágenes de Pierre en grupos de fotografía en Facebook, Instagram y Reddit. La respuesta siempre fue abrumadoramente positiva y me di cuenta de que el trabajo de Pierre, y la historia que lo acompañaba, llegaban al corazón de la gente.”

“Una exposición puede significar que el trabajo es visto por cientos de personas —continúa Jeannie— tal vez unos pocos miles. Pero en Internet la visibilidad es enorme en comparación con eso. Pierre no tuvo presencia en las redes sociales durante su vida y creo que le sorprendería la cantidad de atracción que ha recibido su trabajo a través de Internet”. Nosotros, cómo no, le damos las gracias por compartir la historia, y le deseamos toda la suerte del mundo.

Pierre Crocquet | Instagram

Fotografías de Pierre Crocquet reproducidas con permiso para este artículo

El pasado mes de enero os contábamos el caso de un norteamericano que hace unos quince años compró un sobre con negativos fotográficos y, tras revelarlos y comprobar la calidad de las fotografías, decidió tratar de buscar a su autor. Pues bien, el enigma por fin se ha resuelto.

La historia de Tom Sponheim, que así se llama el turista que compró los negativos, fue bautizada como 'Las fotos perdidas de Barcelona' y también como "la Vivian Maier catalana". Pues bien, curiosamente la autora de las imágenes efectivamente es una mujer que tampoco ejerció nunca de fotógrafa: Milagros Caturla.

Milagros Caturla

Tras el anuncio de búsqueda fueron muchos los investigadores y los amantes de este tipo de historias quienes se pusieron a buscar a el/la fotógrafo/a que hizo las geniales imágenes. Una de estas investigadoras es Begoña Fernández, que es la persona que ha despejado la incógnita tras un laborioso trabajo de investigación, tal y como nos cuenta El Periódico.

Milagros Caturla

Milagros Caturla (1920-2008) fue, como Vivian Maier, una fotógrafa que nunca ejerció de tal y que dio rienda suelta a su creatividad capturando allá por la década de 1960, con su Leica M2, las maravillosas imágenes que se dieron a conocer a principios de este siglo. Fotografías que estoy seguro van a dar mucho que hablar en los próximos meses. De hecho parte de su trabajo podrá verse a partir del 19 de mayo en el Festival Revela’t.

Más información | Las Fotos Perdidas de Barcelona

Foto de portada | Milagros Caturla

A principios del Siglo XXI un norteamericano de visita por Europa compró en un mercadillo de Barcelona un sobre con negativos fotográficos de los que, tras positivar, consiguió unas fotos magníficas. Ahora, más de 15 años después, trata de localizar al autor de aquellas fotografías anónimas gracias a las redes sociales.

“En 2001 compré unos sobres llenos de negativos en un mercadillo en Barcelona. Cuando regresé a EEUU descubrí que son fotos creadas por un fotógrafo muy talentoso. ¿Me puedes ayudar a identificar las personas en las fotos y el nombre del fotógrafo?” Así presenta la historia Tom Sponheim, el coprotagonista de este misterio, en la página de Facebook que ha creado tratando de localizar al autor de las fotos.

Según cuentan en El Periódico, los negativos fueron comprados en el antiguo mercado de los Encants por la módica cantidad de tres euros y medio (un euro más de lo que pedía el vendedor), una cantidad sin duda ridícula teniendo en cuenta la calidad de las fotos.

A la vuelta a su casa, Sponheim sacó copias de los negativos y descubrió que eran unas fotos más que interesantes, empezando por la foto de dos ancianas que charlan en un banco observadas por una jovencita que pasa por su espalda. Por ello, enmarcó varias de las fotos para adornar su casa y desde entonces las fotos fueron la admiración de todas las visitas picando la curiosidad del comprador que ahora ha decidido tratar de localizar al artista que hizo las fotos.

Las fotografías reflejan escenas cotidianas de la Barcelona de los 50 y, a tenor de lo que vosotros mismos podéis ver, sin duda están hechas por alguien con un buen dominio de la técnica y una mirada de artista. Un caso que nos recuerda inevitablemente a Vivian Meier, la fotógrafa que nunca ejerció como tal y cuyas fotos son ahora admiradas internacionalmente. Así que esperamos que haya suerte y el misterio se desvele.

Más información | Las Fotos Perdidas de Barcelona

En Xataka Foto | ‘The Golden Decade’, el libro que recoge la herencia de la escuela fundada por Anselm Adams

Pocas fotografías tienen la capacidad de quedar grabadas en la memoria colectiva de varias generaciones. La que conocemos como «El beso», esa en la que aparece un marinero estadounidense dando un beso en la boca a una enfermera en Times Square (Nueva York), es una de ellas. De esta imagen sabemos muchas cosas: que fue tomada el 14 de agosto de 1945, que las personas que aparecen en ella estaban celebrando el final de la Segunda Guerra Mundial, que fue tomada en 35 mm con una Leica M3, y, por supuesto, que su autor fue el fotógrafo prusiano Alfred Eisenstaedt.

Sin embargo, no sabemos en qué momento fue tomada exactamente. Y, lo que es aún más desconcertante, tampoco conocemos con total certeza la identidad de la pareja que se está besando. Estos dos misterios han mantenido entretenidos a muchos aficionados a los enigmas desde entonces, pero uno de ellos ya tiene solución. Y es que Donald Olson, un profesor de física de la Universidad de Texas, ha conseguido determinar exactamente a qué hora fue tomada. Pero lo más interesante no es el dato en sí, sino cómo ha conseguido llegar hasta él.

Así es como lo ha conseguido Olson

Lo primero que hizo este físico antes de embarcarse en su periplo fue pedir ayuda a dos de sus colegas, el astrofísico Steven Kawaler y el astrónomo Russel Doescher, para que le echasen una mano en la construcción de una maqueta que recrease los edificios de Times Square en la época en que fue tomada la foto. Además, se hicieron con mapas antiguos de la ciudad, fotos aéreas y planos de arquitectura para que su recreación fuese lo más meticulosa posible.

Uno de ellos se dio cuenta de que en la fotografía de Eisenstaedt se podía observar con bastante claridad la sombra proyectada por el edificio de Loew, por lo que hicieron los cálculos necesarios para averiguar en qué posición se encontraba el sol exactamente cuando fue tomada la foto. Para ello tuvieron que tener en cuenta la distancia que había entre los edificios y la longitud exacta de la sombra. Pero lo consiguieron.

Según ellos Eisenstaedt tomó su icónica fotografía exactamente a las 17:51 h. Eso sí, en hacer todos sus cálculos y maquetas tardaron nada menos que cuatro años. Ahora solo nos queda averiguar con certeza el nombre de la pareja que protagoniza esta fotografía, aunque parece que podría tratarse de George Mendonsa y Greta Zimmer Friedman.

Vía | Wired
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Hoy es un día de conmemoraciones. El 6 de junio pasó a la historia hace siete décadas por ser la jornada elegida por las tropas aliadas para retomar la Europa continental que había sido invadida por los nazis (no os perdáis el post que hemos publicado hoy mismo con las mejores fotografías del Día D). Y hace solo unos días varios medios de comunicación recogieron otra noticia relacionada con la Segunda Guerra Mundial también muy interesante: han aparecido nuevas fotografías de Nagasaki tomadas justo después del lanzamiento de la segunda bomba atómica.

Tanto las fotografías que retratan el desembargo de Normandía como las de Nagasaki son documentos históricos de un enorme valor en la medida en que son un testimonio fiel de unos hechos que jamás deberían repetirse. Estas últimas fueron tomadas por Yosuke Yamahata, un fotógrafo militar japonés que se encontraba muy cerca de Nagasaki aquel 9 de agosto de 1945, que fue el día en que el ejército americano arrojó esta terrible bomba sobre la ciudad nipona.

Poco después de ser tomadas, cuando la guerra tocaba a su fin, un policía militar americano se las requisó a un ciudadano de Osaka que las custodiaba. 24 de las 119 fotografías que tomó Yamahata están incluidas en una colección que fue subastada ayer en Nueva York, en la galería Bonhams. Podéis ver algunas de estas instantáneas en la galería que tenéis justo debajo de estas líneas.

Yamahata, el fotógrafo que nos ha cedido este testimonio, murió en 1966, a los 48 años de edad. Falleció de cáncer, probablemente provocado por la radiación a la que estuvo expuesto durante su estancia en Nagasaki.

Vía | The Independent
En Xataka Foto | Kiev, un bonito homenaje a una ciudad con un pasado glorioso y un presente trágico

Un fotógrafo empotrado con las tropas norteamericanas. La toma de Fallujah (Irak) en 2004. El ruido de disparos cesa, el combate ha terminado. Un marine se desmarca de su pelotón. Agotado, aterrorizado por lo que acaba de ver y hacer y contento por seguir vivo se sienta, se apoya contra un muro y enciende un pitillo para ver cómo sale el sol.

El fotógrafo, que lo ha observado todo, comienza a sacarle fotos y consigue captar en su mirada todo lo que puede estar pasando por su cabeza. No es muy diferente a lo que él mismo siente también. La foto acabó convirtiéndose en un icono de la segunda guerra del Golfo. El fotógrafo era Luis Sinco, del Los Angeles Times, y el marine, James Blake Miller. Tras aquel día y aquella foto seguramente ninguno de los dos sospechaba que su historia acababa de quedar ligada para siempre.

“En el momento en el que saqué la foto se estaba poniendo el sol. Él me miró, yo le miré. Más tarde me confesó que se estaba preguntando si volvería a ver otro amanecer”

Las vidas de ambos siguen su curso por separado hasta que, de vuelta en los Estados Unidos, se vuelven a encontrar. Blake está gravemente afectado por el estrés post-traumático que le ha producido la guerra y no sabe qué hacer para superar lo vivido. Su sufrimiento le está haciendo tirar su vida por la borda.

Sinco comienza a pasar tiempo con Blake. En cierto modo a cuidarlo y, lógicamente, a fotografiarlo. Tras largas charlas en el transcurso de una visita, Sinco toma consciencia de que tiene que hacer algo, teme que el ex-marine pueda llegar a quitarse la vida esa misma noche:

- Blake, ¿si me hubieran herido en Fallujah me habrías sacado de allí?
– Sin dudarlo un segundo -respondió el ex-marine.
– Creo que estás muy malherido y te quiero ayudar.

Durante todo ese tiempo las fotos de Sinco fueron testigo del camino que Blake hizo desde Fallujah a un infierno personal que a punto estuvo de costarle la vida.

“Supongo que la diferencia entre Blake y yo es que yo nunca he tenido que matar a nadie”

El reportaje que muestra la relación entre Sinco y Blake está narrado por sus protagonistas e ilustrado con las fotos de Sinco. Lo que véis en este post es sólo un fragmento.

Una vez más me parece impresionante la fuerza y el significado que toman las fotografías acompañadas de los testimonios de sus protagonistas, de una música adecuada y de los efectos de sonido pertinentes.

No os lo perdáis, hay fotos realmente buenas, es un trabajo muy bien hecho por la gente de MediaStorm y del Los Angeles Times. Os dejo el enlace aquí debajo mismo.

Página oficial | The Marlboro Marine
Más información | Fotos de Luis Sinco en Fallujah