'Muerte de un miliciano' es la fotografía de guerra más famosa de la historia. Y una de las que más dudas plantea día tras día. Realmente no se sabe quién la hizo, el negativo no se encuentra y durante mucho tiempo se ha dudado incluso dónde estaba hecha. En el pueblo cordobés de Espejo han inaugurado un monumento a la fotografía para tratar de disipar al menos la duda del lugar en el que se hizo.

La historia conocida es la siguiente. 'Muerte de un miliciano' es la imagen de un soldado republicano abatido, el instante mismo de la muerte, un soldado desconocido en una batalla en el cerro Muriano, muy cerca de la ciudad de Córdoba.

Robert Capa tuvo el don de hacer la foto en el momento justo en el que el pobre soldado recibía un disparo que acababa con su vida. Es un canto al fotoperiodismo, a la nueva forma de contar cosas gracias a una pequeña cámara de fotos de una marca que pasó también a la historia.

A partir de dicha imagen Robert Capa alcanzó la fama y se convirtió en uno de los ejes fundamentales del fotoperiodismo. Fue uno de los miembros fundadores de la agencia Magnum (nombre que puso él en homenaje a las grandes botellas de champán con las que le gustaba brindar)... El paso del tiempo ha ayudado a descubrir que la historia real no fue en absoluto así.

En estas líneas, con motivo de la inauguración del monumento a la fotografía en el pueblo cordobés de Espejo, vamos a conocer la historia real de la imagen bélica más famosa. No se hizo en el cerro Muriano, probablemente el soldado no esté muerto y lo más llamativo es que la hizo Robert Capa, pero no el que nosotros conocemos.

La verdadera ubicación de 'Muerte de un miliciano'

Esta imagen siempre ha resultado extraña. Se pueden contar con los dedos de una mano las fotografías que reflejan el horror de la muerte en una batalla. En aquella época todo era más complicado desde el punto de vista técnico. Y era todavía más difícil conseguir algo semejante.

El problema es que no está nada claro cómo se consiguió. La caída del soldado no es la de alguien que ha tropezado o acaba de recibir un disparo. Esa mano que asoma detrás del pantalón siempre ha despertado sospechas.

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La composición es única. Limpia, sin ningún objeto que manche el objeto principal. Parece el fotograma de una película de Spielberg. Todo es perfecto. Quizás demasiado. ¿Y si la historia se hubiera contado de otra forma para disfrazarla?

Fotografía de María Ángeles Ventura Lucena Sancho

Él habló en sus libros y en las entrevistas de su imagen más famosa. Sin embargo, todos los que tuvieron la suerte de conocerlo reconocen su tendencia a imaginar su vida, a exagerar ciertas cosas con el único fin de tener siempre algún motivo para celebrar algo. La historia real es muy distinta.

Según el historiador Fernando Penco Valenzuela, la fotografía se hizo en el pueblo de Espejo, desde el mismo lugar en el que se acaba de levantar el monumento. La investigación que llevó a cabo, junto con el fotógrafo Juan Obrero Larrea, le lleva a descubrir en mayo de 2009 el sitio exacto. Y publica un libro, hoy agotado, titulado 'La foto de Capa' (2011).

Fotografía de María Ángeles Ventura-Lucena Sancho

A raíz de este libro, muchos se empezaron a interesar por la historia real de esta mítica imagen. En 2020:

el Foro por la Memoria Histórica y Democrática de Espejo Comandante Pérez Salas, a través de la Diputación de Córdoba, encargaba al historiador una nueva investigación que revisase y pusiese al día las hipótesis más aceptadas hasta la fecha. Los resultados más relevantes del trabajo se centraron en dos aspectos de la foto: la localización definitiva tanto de ella como de su serie —unas 40 instantáneas según el I.C.P.— que finalmente fueron tomadas en la Haza del Reloj en su límite con el cerro del Alcaparral, cotas altamente estratégicas. Para la consecución de los trabajos los investigadores emplearon el sistema ETRS89 del visor de información geográfica de la REDIAM; el comparador de Mapas del Instituto Geográfico Nacional; el vuelo Army Map Service (B) 1956/1957 del PNOA y las Bases Cartográficas de Andalucía dwg 1/10000 y Raster 1/1000 (Edición 1998).

No se dejó nada al azar en la investigación. Y parece que desde la muerte del hermano de Robert, Cornell Capa (muy llamativo que se pusiera el apellido ficticio de su hermano), todo ha sido mucho más fácil para descubrir toda la verdad.

Los demás misterios de la mítica fotografía

¿Pero quién disparó? ¿El soldado fue alcanzado por una bala? Robert Capa no es una persona, es una marca. Es el nombre que ideó Gerda Taro, la pareja de Endre Ernö Friedman para intentar salir del anonimato, como podemos leer en el ensayo de Diana Sanchidrián, 'Gerda Taro, la compañera de Robert Capa. 70 años en el olvido'.

Era más fácil convencer a las grandes revistas con un nombre que recordara a un famoso director de cine de la época que dos perfectos desconocidos del viejo continente. Los dos eran fotógrafos y ella tenía claro que un hombre tendría más oportunidades en una sociedad tan machista.

Y un hecho significativo. Siempre se ha pensado que la instantánea se hizo con la Leica que llevaba él. Pero si nos fijamos en la reproducción que podemos ver en la revista LIFE del 12 de julio de 1937, el formato es mucho más cercano a la réflex Korelle de 6x6 que llevaba ella en aquel primer viaje a España.

Fotografía de ATTUBI PHOTOMOMENTS

Este dato nos lo recuerda Tino Soriano en su libro '¡Ayúdame a mirar!', junto con un dato muy significativo. Ella murió en el pueblo de Brunete (cercano a Madrid). Él se enteró al día siguiente y quedó destrozado. Cuando terminó la guerra publicó un libro para recordarla, más esta fotografía no aparecía:

¿Será esa la razón por la que el reportero húngaro no utilizó la imagen del miliciano abatido en el interior de “Death in the Making”, el libro que publicó sobre la guerra civil en España y que está dedicado a la que fue su novia?

Además, el mismo Tino Soriano nos ha pasado esta curiosa grabación en la que el propio Robert Capa no es sincero sobre la realización de la famosa imagen. Y deja una frase para la posteridad sobre ella:

La foto premiada nace en la imaginación de los editores y del público que la ve.

Tampoco se conoce la identidad del soldado. En el excelente documental 'La sombra del iceberg' (2008) dudan que el fallecido fuera el famoso Federico Borrell. En aquellos años se apostaba por la ubicación antigua, así que es difícil que ese hombre estuviera en dos puntos a la vez...

¿Robert Capa?

El soldado, hoy por hoy, es anónimo. Es verdad que se le ve en algunas de las 40 fotografías que se conservan de aquel día. Pero es quizás el misterio más grande de una fotografía que, a pesar de todo, se ha convertido por derecho propio en un símbolo contra la guerra.

Esta fotografía cambió el rumbo del fotoperiodismo, cimentó la fama de un hombre, condenó al olvido a una mujer, se convirtió en un símbolo. Y ahora, con el paso del tiempo, parece que estamos empezando a descubrir la verdadera historia.

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Así que os recomiendo acercaros al monumento, del escultor José María Serrano Carriel, en el pueblo de Espejo (Córdoba) que acaban de inaugurar para aprender lo más importante, que las guerras no tienen sentido. Y que las fotografías, si son buenas, siempre tienen algo que decir.

Todas las fotografías del monumento son de María Ángeles Ventura Lucena Sancho (ATTUBI PHOTOMOMENTS)

La Canon EOS R3 supone la primera cámara sin espejo con cuerpo profesional de la historia de la marca; una historia que viene de muy atrás y, consecuentemente, en la que hay muchos modelos de los que han bebido de alguna manera los actuales (por mucho que la tecnología haya cambiado). Pero mejor que contarlo es verlo en imágenes, y eso es justo lo que han hecho los compañeros de DPReview con un recorrido visual por las cámaras Canon que se remonta a los años 80.

A través de 19 fotos en las que aparecen modelos como la Canon T90, EOS-1, EOS-3, EOS D30, EOS 1D, EOS R, EOS R5 y, finalmente, la EOS R3, el artículo nos enseña detalles de cómo los cuerpos de las cámaras Canon de gama alta (o media-alta) comparten una gran cantidad de cosas que demuestran el ADN de la marca.

Desde la Canon T90 de 1986, que supuso una revolución en cuanto a ergonomía y controles, hasta la nueva EOS R3 han pasado 35 años en los que las cámaras tuvieron que afrontar una dura transición de lo analógico a lo digital. A lo largo de la galería, los chicos de DPReview acompañan las imágenes con unas explicaciones que no tienen desperdicio y ayudan a demostrar que las cosas no han cambiado tanto, y que aquella cámara de los añorados 80 comparte más cosas de las que imaginamos con las de hoy.

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Canon vs Nikon: La historia de una rivalidad legendaria en el mundo de la fotografía

Si os gustan las cámaras, en especial las Canon claro, os recomendamos que no os lo perdáis (si no entendéis el inglés darle a la opción de traducir del navegador) porque no tiene desperdicio y es, al mismo tiempo, un ejercicio de nostalgia y de reafirmación para los que amamos las cámaras de fotos.

Fuente y foto de portada | DPReview

La historia de la humanidad está llena de injusticias terribles. Y matar a alguien solo por sus ideas o su procedencia merece la más absoluta de las repulsas. Dentro de esos momentos malditos siempre podemos encontrar a gente que trató de mejorar la situación de las víctimas. Hablaremos de Ernst Leitz II, dueño de la famosa Leica durante los espantosos años de Hitler en el poder, que salvó de las garras nazis a más de 200 judíos.

Hitler llegó al poder después de unas elecciones en 1933. El partido nazi empezó a gobernar con la idea de dominar el mundo y acabar con todos los que no representaran su ideal ario. Los judíos fueron sus víctimas. Y la humanidad vio atónita cómo llegaba uno de los episodios más crueles de la historia.

Pero en este artículo hablaremos de una buena persona: Ernst Leitz II, quien ideó 'el tren de la libertad de Leica' para sacar de Alemania a más de 200 judíos. En algunas crónicas modernas lo llaman el Oskar Schindler de la fotografía.

Como todas estas historias hay que entenderlas en su contexto y estudiarlas con mucho cuidado, porque hay luces y sombras que son difíciles de entender. Sobre todo sin saber el contexto ni la situación en la que se vivió durante los años del terror nazi.

La historia de 'el tren de la libertad'

He llegado a esta historia a través del muro de Facebook de Bernardo Pérez Tovar. Se conoce desde hace mucho tiempo. El escritor Goerge Gilbert lo sacó a la luz en un artículo y el rabino Frank Dabba Smith escribió el libro 'The Greatest Invention of the Leitz Family: The Leica Freedom Train', después de quince años investigando una historia que había quedado sepultada en el tiempo.

Entre 1933 y 1939 Ernst Leitz II consiguió crear un entramado para sacar a los trabajadores judíos de su empresa como destinados a las oficinas de Francia, Gran Bretaña, Hong Kong y Estados Unidos. Y no solo a sus empleados, sino a amigos y familiares para escapar de la locura nazi.

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Se llegó a conocer como 'el tren de la libertad de Leica'. Los judíos que lograron escapar gracias a su empresa llegaban a estos países con todas las garantías y con un puesto de trabajo garantizado.

El famoso logo de Leica

Lo más curioso de todo esto es que la familia Leitz era respetada por el gobierno nazi e incluso el cruel ministro Joseph Goebbels cantaba las virtudes de la marca y contrataba sus servicios para el ejército nazi dada su enorme calidad.

Y a pesar de todo estuvieron fuertemente vigilados. Los nazis necesitaban sus telémetros y sus ópticas, así como el buen nombre que tenían en el mundo occidental, pero vigilaban todos sus movimientos sospechosos. Hasta encarcelaron a la hija del empresario, Elsie Kuhn-Leitz, porque ayudar a escapar a mujeres judías por la frontera con Suiza.

No olvidemos que ella era amiga personal de Henri Cartier Bresson, el cual escribió la introducción de su biografía, donde se contaba todo lo que hizo esta mujer por los demás.

La portada del artículo donde se publicó la historia por primera vez

Al parecer toda esta historia no es muy conocida por deseo expreso de la familia, quien pidió que no se divulgara hasta que falleciera el último miembro de la familia Leitz. Como se narra en un artículo de la Asociación Fotográfica de Canada, donde cuentan que esta historia la descubrió George Gilbert:

Mucho después de que terminó la guerra, la historia del programa Freedom Train se propuso por primera vez a Reader's Digest con sus más de 12 millones de lectores. Los directores de Leitz lamentablemente rechazaron el permiso mientras las personas involucradas aún estuvieran vivas y posiblemente en riesgo de represalias. Para 1987 había muerto el último de los protagonistas y George escribió un pequeño artículo de media página que fue publicado en varias crónicas fotográficas. Una década más tarde, la historia se cubrió brevemente en el libro Illustrated World Wide Who's Who of Jewish in Photography (ver reseña en la edición de mayo de 1997 de Photographic Canadiana ). George envió una versión abreviada de la historia a las diversas sociedades fotográficas para su publicación; publicamos la historia en nuestro número de mayo de 2002. Desafortunadamente, los esfuerzos para encontrar a alguien con familiares que fueron ayudados por Leitz no han logrado encontrar a nadie hasta la fecha. La historia del Tren de la Libertad y el papel desempeñado por Norman Lipton, George Gilbert y el rabino Frank Dabba Smith para sacarlo a la luz, se tratan en el panfleto de 2002 del Rabino Smith The Leica Freedom Train publicado por la American Photographic Historical Society en Nueva York. Se proporcionó una copia a cada asistente a esta presentación.

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Puede que no sea una historia fotográfica 100%, y seguro que hay muchos matices, como sucede con Oskar Schindler, pero desde hoy miraré a Leica con otros ojos. Al menos en los tiempos horribles demostró tener humanidad.

Si te gusta la historia de la fotografía seguro que uno de los datos curiosos que tienes en la memoria es que la primera fotografía la hizo Joseph Nicéphore Niépce desde la ventana de su casa. En el museo de la universidad de Texas donde se conserva han cambiado el discurso y nos cuentan otra forma de ver la realidad.

En cualquier libro de historia de la fotografía habrás visto la famosa fotografía desde la ventana de Niepce. Y seguro que conoces todas las anécdotas que se cuentan sobre ella. Nos queda el consuelo de que todas son ciertas, eso sí.

Hasta hace muy poco la famosa 'Vista desde la ventana en Le Gras' se consideraba la primera fotografía de la historia. Está fechada y documentada en 1826, trece años antes de la presentación oficial del daguerrotipo.

Siempre ha sido el origen de toda esta locura, el ejemplo perfecto de la investigación de un hombre que luchó hasta la muerte para conseguir fijar la realidad, robar al tiempo, como decía él mismo pomposamente.

Pero si buscamos en las redes encontraremos (en este caso gracias a @ramonpeco) un interesante artículo del Ramson Center, un centro de investigación en humanidades de renombre internacional en la Universidad de Texas en Austin. Allí es donde está expuesta esta obra única, en todos los sentidos.

De Joseph Nicéphore Niépce - Rebecca A. Moss, Coordinator of Visual Resources and Digital Content Library, via email. College of Liberal Arts Office of Information Technology, University of Minnesota. http://www.dcl.umn.edu, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=107219

Y ellos mismos han cambiado el papel de esta heliografía en la historia. Reconocen que no es la primera de la historia, sino la primera conservada. Y nos hacen ver que la fotografía tiene un recorrido mucho más largo y abierto a la interpretación de lo que pensaban muchos.

'Vista desde la ventana en Le Gras' y su papel en la historia

Joseph Nicéphore Niépce era un investigador burgués que tenía todo el tiempo del mundo para tratar de resolver un problema que atormentaba a muchos científicos desde tiempo inmemorial. La cámara oscura era conocida desde hace mucho tiempo. Y se utilizaba para pintar, observar fenómenos estelares y demás.

Pero nadie había conseguido fijar la imagen que se proyectaba en la pared contraria del objetivo. Desde hacía tiempo hay constancia de muchos experimentos fallidos y se duda sobre quién es el primero que lo hizo... Pero la historia oficial, hasta hace muy poco tiempo, es la que contaron los coleccionistas e historiadores británicos Helmut y Alison Gernsheim.

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¿Pintaron los maestros renacentistas con la ayuda de una cámara oscura?

Vamos a esperar un poco para saber el papel del matrimonio, autores del famoso 'The History of Photography from the Camera Obscura to the Beginning of the Modern Era'...

La historia de la fotografía

Quería fijar las imágenes que veía con la cámara oscura que utilizaban los pintores, así que empezó a experimentar en la finca de su familia hasta que dio con la fórmula mágica que permitiera contemplar el resultado después de sacar el material de la famosa caja.

No sabemos si lo hizo por una visión comercial o por un reto personal. Ya en 1816 consiguió mantener la imagen durante un tiempo pero hasta la década siguiente no consiguió lo que llamó heliografía (escritura solar):

disolvió betún sensible a la luz en aceite de lavanda y aplicó una fina capa sobre una placa de peltre pulido. Insertó la placa en una cámara oscura y la colocó cerca de una ventana en su cuarto de trabajo del segundo piso. Después de varios días de exposición a la luz solar, la placa produjo una impresión del patio, las dependencias y los árboles del exterior. Al escribir sobre su proceso en diciembre de 1827, Niépce reconoció que requería mejoras adicionales, pero que, sin embargo, era "el primer paso incierto en una dirección completamente nueva".

Según figura en sus diarios, la exposición que hizo desde la ventana de un cuarto duró exactamente 8 horas y 10 minutos. Por este motivo contemplamos sombras en ambos lados de la imagen (por el movimiento de la tierra). Lo más curioso es que hay que reconocer que es una imagen subexpuesta y que hubiera necesitado más tiempo...

El peltre es una aleación compuesta por estaño, cobre, antimonio y plomo y por la acción del betún de judea (se sabe que no utilizó el original que se conocía desde el tiempo de los egipcios) sobre este material se conseguía un positivo directo:

La placa que portaba la imagen en betún de Judea era sumergida en un baño de ácido que atacaba el metal en los lugares donde estaba descubierto, es decir los que correspondían a los trazos del dibujo. En efecto, el barniz en betún es impermeable al ácido al cual impide de alcanzar el soporte. Una vez que los trazos se grababan en el metal, el inventor eliminaba de la placa el barniz de betún, para guardar la placa metálica con el dibujo grabado.

El paso de la fotografía a la historia

Antes hemos hablado del matrimonio Gernsheim. Ellos fueron los que vendieron que esta heliografía era la primera imagen de la historia. Formaba parte de la colección que llevaban alimentando desde 1937 con los trabajos de los pioneros.

Cuando encontraron este ensayo subexpuesto de Niepce, consideraron que tenían por fin, la primera fotografía de la historia. Y así se encargaron de promoverlo en las exposiciones que organizaban y en sus libros.

Y casi todo el mundo daba por cierta la historia. No quedaba lugar para las teorías. La heliografía la encontraron en 1952, con sumo cuidado hicieron una copia con la ayuda de la archipoderosa Kodak y la dieron a conocer al mundo como la pionera.

En 1963 la Universidad de Texas compró la colección del matrimonio. E incorporaron la fotografía de Niepce como uno de sus tesoros más preciados.

Todo cambió en 2019, cuando reorganizaron las colecciones del museo, el ya citado Ramson Center´s. Y decidieron investigar, avanzar y mejorar la explicación del pasado. Ya no se presenta como 'La primera fotografía'.

Ahora se presenta como 'The Niépce Heliograph' y en vez de dar las cosas por sentadas, plantean muchas preguntas. Ahora es

la fotografía superviviente más antigua conocida producida en la cámara oscura.

Es la más antigua conservada, no la primera que se hizo. Y reconocen que pueden aparecer imágenes más antiguas en cualquier momento. Solo hace falta buscar en los lugares más recónditos y rogar que se conserve bien. Aunque probablemente se haya perdido para siempre...

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Ahora podemos verla en una exposición permanente dentro del Harry Ransom Center. Algún día me encantaría ir, pero mientras tanto, la seguiré viendo en los libros como la prueba viva del ingenio humano de aquellos años.

Si fuiste un niño durante los años 80 seguro que 'La historia interminable' era una de tus películas fetiche. El protagonista, un niño que sufría acoso escolar, se refugia en un libro que encuentra en un desván y encuentra a los personajes del reino de fantasía que está a punto de desaparecer... Ese niño era Barret Oliver y ahora es un reputado fotógrafo.

Durante demasiado tiempo muchos han dicho que el cine de los 80 no era bueno, tan solo era comercial. Pero todos recordamos constantemente a Indiana Jones, a nuestros queridos Goonnies, a los gremlish, el coche de 'Regreso al futuro', a 'Karate Kid'... son películas que vuelven a estar de moda. Y seguro que muchos nos hemos visto tentados a volver a ver 'La historia interminable'. Resulta que el protagonista es Barret Oliver, y ahora es un prestigioso fotógrafo.

Es verdad que la película ha envejecido mal. Los efectos especiales ya no resultan tan llamativos. Y que en este caso, el libro es también infinitamente mejor. Pero todos soñamos con las aventuras de Bastian. Y todos queríamos ser sus amigos... Ese niño de cara angelical resulta que ahora es un hombre con barba y pelos alocados, que se ha especializado en diversas técnicas fotográficas preindustriales del siglo XIX.

Después de participar en 'La historia interminable' protagonizó 'Frankenweenie' el corto de Tim Burton para Disney y en las dos partes de 'Cocoon', la historia de los abuelos que inició Ron Howard. Su vida dio muchas vueltas y terminó en la iglesia de la Cienciología, donde están tantos actores de Hollywood... Se retiró del cine y empezó su relación con la fotografía.

Barret Oliver y la fotografía

Según podemos leer en una entrevista que le hicieron en Photoculture está especializado en los primeros procesos fotográficos de la historia, en la época en la que la industria todavía no producía en cadena productos fotográficos y el autor tenía que buscar los productos en droguerías para crear sus propias fórmulas magistrales.

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Cómo crear un efecto Orton desde el móvil para potenciar nuestras fotografías de paisaje

Cuando el mundo digital irrumpió como un elefante en una cacharrería el material químico empezó a desaparecer y él decidió investigar y continuar el camino que habían marcado los padres de la fotografía con químicos que, combinados adecuadamente, respondían a la luz del sol.

Olvidamos que las fotografías también son objetos, y que la forma en que haces algo, los materiales y las técnicas, a menudo influyen en su significado

Como se convirtió en uno de los pocos que conocían y dominaban esta técnica, decidió crear una empresa en la que ejerce como profesor de fotografía y asesora a todos aquellos profesionales que quieran aprender los procesos nobles para darle un aire distinto a su trabajo.

Diversos proyectos de su página

Domina el colidión que permitía tiempos de exposición mucho más cortos que el daguerrotipo y que permitía imprimir en cualquier superficie. También la albúmina, el papel al carbón y todos aquellos procesos que permitan unas texturas y un acabado impensable para la tecnología digital.

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El último estudio fotográfico de Jean Laurent que muy poca gente conoce

Su empresa, The f0 Project, recupera todos estos procesos porque todavía son capaces de ofrecer muchas cosas a los fotógrafos que buscan algo más, que quieren volver al mundo de la fantasía, donde todo es posible (perdón por la referencia rebuscada).

Johnny Depp interpreta a Eugene Smith, el maestro del ensayo fotográfico, en 'El fotógrafo de Minamata'. La película está basada en el último trabajo que hizo el genial fotógrafo para denunciar uno de los delitos más graves contra el medio ambiente y la población de los años setenta: la contaminación consciente y prolongada por el vertido de mercurio. Por fin se estrena en los cines.

Ver películas de fotógrafos es uno de mis placeres ocultos. Me encanta ir al cine, buscar en los libros y en las plataformas para encontrar una película en la que salga uno de nosotros. Afortunadamente cada vez se fijan más en esta profesión.

'El fotógrafo de Minamata' es la primera película que veo en el cine en mucho tiempo, casi un año. Fue emocionante sentarme en una butaca, que apaguen las luces y que el proyector se encienda. Es una sensación única que nunca podrá igualar la televisión en casa.

Es una película protagonizada y producida por Johnny Depp. El director es Andrew Levitas que aparece en la red como pintor, escultor, cineasta, escritor, productor, fotógrafo, actor y restaurador. Demasiadas profesiones para hacerlas todas bien. Y la película tiene varios problemas. Y lo que destaca, por encima de todo, es el trabajo de Johnny Depp.

El argumento de la película

Eugene Smith es un fotógrafo en horas bajas. Tiene problemas de salud, de drogodependencia, de dinero... Un día le visitan una pareja para hacerle una entrevista comercial. Él le admira y ella asegura desconocer su trabajo. Luego quedan en un bar y ella le confiesa que le ha elegido para ir a su pueblo para visibilizar el problema de contaminación que azota a su pueblo.

Los protagonistas

Eugene Smith mueve todos los hilos para convencer al director de la revista 'Life', en horas bajas, y se va a Japón con la chica. En principio va por motivos económicos, pero al final ganan la ética y el corazón y, a pesar de una serie de dificultades, consiguen su objetivo. Por supuesto, hay una historia de amor por medio.

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Virgilio Hernando Vañó y su fiel mirada sobre Nápoles: 'Il cuore di Napoli'

Todo está rodado para dirigir al espectador. Aquí tienes que llorar, en este momento tienes que llorar, reír ahora... Todo roza la épica, cada plano tiene que ser más intenso que el anterior. El objetivo es concienciar. Desde la visita al hospital hasta los momentos en el que el héroe no puede con su vida. Y cuando llega el momento final, cuando dispara esa foto que hizo historia y que muchos citan como la Piedad del siglo XX, el director nos deja bien claro que todo se condensa en ese preciso instante.

La película cierra con los consabidos textos que cuentan las consecuencias de la historia que nos han contado y con innumerables fotografías de los desastres ecológicos que hemos sufrido desde entonces y que han sido denunciados siguiendo el camino que marcó Eugene Smith.

La narración no emociona, no sentimos el paso del tiempo, algo tan difícil de hacer en una película. Todo está sobreactuado, exagerado. No hay una gota de realismo. Salvo el papel de Johnny Depp. Puede que sea una de las mejores caracterizaciones que se han visto en los últimos años.

Algunos críticos le llaman don Pantuflo, el padre de Zipi y Zape. Pero por primera vez me creo el maquillaje. Así de intenso debía ser Eugene Smith, una persona que muy pocos aguantaban. Me creo los movimientos de un fotógrafo que sabe cómo sujetar una cámara (aunque exagera mucho a la hora de revelar en el laboratorio, pocas veces frotas tanto el papel). Eché de menos la versión original para juzgar la actuación completa. Pero salva la película.

La historia real detrás de la película

La película está basada en hechos reales. La vida de Eugene Smith tiende a la leyenda. Está marcada por el intento de suicidio de su padre en la época de la Gran Depresión. Los medios de comunicación no tuvieron piedad con esta historia trágica y provocó el odio visceral del fotógrafo hacia los medios sensacionalistas.

Desde muy joven trabajó con una cámara al cuello y empezó a ser conocido por lo difícil que era trabajar con él. Sin embargo, ** gracias a su tremenda calidad y nivel de compromiso siempre le volvían a llamar**. Toda su vida estuvo peleando por sus ideas, por su forma de entender el mundo.

Entró y salió de la revista 'Life', formó parte de la agencia Magnum aunque no hizo ningún trabajo reseñable durante los tres años y medio que estuvo con ellos. Era incapaz de acabar sus proyectos por sus manías perfecccionistas, pero fue nombrado uno de los diez mejores fotógrafos del mundo en 1958. Llegaron a hablar del mito de Smith en las revistas de la época.

En 1970 fue víctima de una paliza. En su convalecencia conoció a Aileen Mioko, una traductora con la que se terminó casando. Un año después fue con ella a la aldea de Minamata para denunciar los efectos del mercurio vertido por la empresa Chisso en la laguna donde pescaban los aldeanos.

Como se ve en la película, los trabajadores le dieron otra paliza que le dejó casi minusválido y con problemas de visión. No se puede olvidar que en la II Guerra Mundial quedó muy afectado por la explosión de una granada de mano y que sus costumbres no eran tampoco un buen ejemplo.

A pesar de su salud precaria, pudo terminar este proyecto gracias a Aileen Mioko, su mujer. Ella realizó una cuarta parte de las fotografías y organizó todas las notas para que pudiera ser publicado en la revista 'Life' el 2 de junio de 1972. Este ensayo fue fundamental para conseguir que en 2001, la empresa Chisso pagara 2,18 millones de dólares a las familias afectadas.

Fueron tres años de trabajo intenso que no se ven en la película. Todo sucede en un único viaje e introducen la historia de amor durante la elaboración del reportaje.

La famosa fotografía del baño de Tomoko, que ya no se puede publicar por deseo expreso de la familia, es el mejor ejemplo de la forma de trabajar de Eugene Smith. Fue una propuesta de la madre de la niña y se planificó como una producción, incluso con iluminación artificial para rellenar las sombras. Todo por una idea, la clave del ensayo fotográfico.

El papel de Johnny Depp

Johnny Depp es Eugene Smith. Puede que no le haya costado parecerse a una persona enormemente creativa pero con muchos demonios internos. Lleva su barba, su característica boina y su aura de personaje complicado. Sabe sujetar bien una cámara y se desenvuelve bien en el laboratorio, aunque como hemos dicho antes, dudo mucho que frotara tanto las copias en el revelador.

No depende de las cámaras ni presume de marcas... Se ve que utiliza Minoltas, alguna que otra Nikon y creo recordar que nunca lleva en la mano una telemétrica. Si por algo se caracterizaba Smith es por su anarquía a la hora de elegir una máquina.

Como nota curiosa, en la película se niega a hablar bien de una película en color pero no podemos olvidar que anunciaba sin problemas las fantásticas Olympus Pen de medio formato (la mitad de un negativo de 35 mm).

Eugene Smith tendrá siempre la cara de Johnny Depp. Consigue el aire socarrón y desastroso de este fotógrafo único que fue capaz de escribir en la pared de su laboratorio de Minamata el siguiente poema (tal como podemos leer en este fantástico blog):

Mis fotografías dicen muy suavemente…

Mira, tú; mira esto y escucha… Mira, tú; mira esto y piensa… Mira, tú; mira esto y reacciona… Y lo haces. No porque te haya obligado a ello, sino porque has reaccionado. Mis fotografías, te urgen, suavemente, y te hacen pensar y sentir. Eso es lo que espero de ellas. > >

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La increíble y cierta historia de Josefa Larrá, cuya vida cambió por una fotografía de Eugene smith en Deleitosa

Y hay que ir al cine, hay que volver a las salas oscuras donde todo es posible. Y si es con una película de fotógrafos, y encima de uno como Eugene Smith, con más motivos. No hay nada igual.

El mundo ha cambiado mucho desde que apareció la fotografía en 1839. En esta ocasión vamos a conocer la figura de la condesa de Castiglione, Virginia Oldoini (1837-1899). Una mujer que ejerció de espía y que ayudó a la unidad de Italia. Como ocurre siempre trataron de rebajar su papel en la historia. Y ha pasado a la historia también por ser la precursora del selfie y por saber ver antes que nadie la importancia de la imagen fotográfica.

La vida de Virginia Elisabetta Luisa Carlotta Antonietta Teresa Maria Oldoni, Virginia Oldoini, es una novela. De hecho podemos encontrar varias biografías sobre su vida, una película y una serie. Yo no conocía su existencia pero llevaba años con una de sus fotografías en uno de los libros más voluminosos de mi biblioteca, 'Nueva historia de la fotografía' de Michel Frizot.

Una de las famosas fotografías de Pierre-Louis Pierson

Una mujer elegante nos mira a través de un espejo mientras un niño la observa. Toda una escenificación que parece más cercana al surrealismo que a una dama del siglo XIX. Es tremendo leer las crónicas de una mujer que ayudó a formar un país como Italia.

La vida de la condesa de Castiglione

Ejerció de espía para la corte del rey Víctor Manuel II. Su primo, el conde de Cavour, primer ministro de Cerdeña, la envió, junto con su marido, a la corte francesa de Napoleón III. El objetivo era acercarse al emperador y convencerle de la necesidad de unir territorialmente a la península itálica. Para ello tendría que enfrentarse al gobierno austriaco para echarlos del norte.

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La forma más sencilla de crear desenfoques en Adobe Photoshop

La condesa de Castiglione debía de ser consciente de que en una sociedad machista solo la iban a dejar destacar por su belleza. Su madre la exhibía de pequeña en los teatros para buscar las alabanzas. Su educación fue más allá del típico de la alta nobleza de la época. Aprendió idiomas para poder desenvolverse por las distintas cortes.

Uno de los retratos conservados en el MET de Nueva York

Dicen que la eligieron por su belleza pero dudo mucho que el destino de una nación dependiera de las locuras de amor de un emperador, como si fuera una historia mitológica. La fuerza de la belleza y el amor queda muy bien en la novelas pero dudo de ellas en la realidad. Sobre todo si sirve para banalizar el trabajo de una persona.

La condesa de Castiglione y la fotografía

No es el momento ni el lugar para entrar en las tribulaciones políticas del siglo XIX. Así que vamos a ir al grano, a la importancia de la condesa de Castiglione en la historia de la fotografía.

Para entrar en la alta sociedad francesa y llamar la atención del último emperador de los franceses, empezó a fotografiarse una y otra vez remarcando su excentricidad y su forma de pensar. En aquellos tiempos fue capaz de enseñar sus piernas, sus hombros y sus pies sin ningún pudor.

Ella no conocía la técnica fotográfica, aquellas enormes cajas de madera con objetivos de latón y lentes de menisco. Así que iba una y otra vez al estudio de uno de los grandes fotógrafos de aquella época en París: Pierre-Louis Pierson.

Una imagen de la condesa pintada por el estudio de Pierre-Louis Pierson

Este fotógrafo tenía su estudio en el Boulevard des Capucines, cerca del de Nadar. Se hizo famoso por retocar las fotografías con óleos (el primitivo Photoshop) para mejorar el aspecto de los retratos y fue fotógrafo real. Se convirtió en el fotógrafo de la condesa de Castiglione en 1856 y juntos hicieron más de 400 disparos.

Como si fuera una primitiva Madonna, una antepasada de lady Gaga, una precursora de Andy Warhol, la condesa de Castiglione entendió que su imagen era importante dentro de la sociedad. En aquellos primeros tiempos la fotografía permitía pasar a la posteridad a todos los que se pudieran pagar un retrato. Ya no había que pagar a un pintor y posar durante cientos de horas. Y podías hacerte todos los que quisieras.

Así que antes o después de las fiestas de la nobleza se acercaba al estudio con sus disfraces y su trajes a la moda para quedar inmortalizada para su deleite y para escándalo de un mundo que estaba a punto de desaparecer. Ella elegía la temática de la escena, la pose, la mirada... todo salvo disparar y revelar la fotografía.

Como dicen en la exposición que organizaron en el museo d´Orsay de París:

El procedimiento artístico de la Castiglione, en sus intenciones y sus resultados, anticipa el trabajo de los artistas fotógrafos de hoy día, siendo una de los más destacadas Cindy Sherman. Su predilección por fotografías totalmente pintadas, según sus instrucciones detalladas, es el origen de un género en vías de rehabilitación. En efecto, el arte contemporáneo, mezcla en el seno de una misma obra, técnicas y productos híbridos que aparentemente deberían excluirse. Citemos, por ejemplo, al alemán Gerhard Richter que pinta fotografías o al norteamericano Joël-Peter Witkin.

Cuentan muchos historias acerca de su belleza legendaria. Una de ellas parece más cercana a las 'Metamorfosis' de Ovidio que a la realidad. Un noble se atrevió a decir que su hermosura era pura fachada por el maquillaje excesivo y la puesta en escena. Ella, cuando escuchó la crítica, le mandó una cita y le recibió totalmente desnuda. Desde entonces el noble fue su más ferviente admirador.

Una de sus fotografías más famosas

Su forma de entender la fotografía y las poses nos llevan hasta Richard Avedon e Irving Penn. Como podemos leer en uno de los mejores blogs de historia de la fotografía, cuando Avedon iba a ser fotografiado por Penn se fijó en una de las fotografías que tenía en su casa, la de la condesa tapándose un ojo, e imitó la expresión para pasar a la posteridad.

Pero su personalidad arrolladora no le ayudó en absoluto a ser respetada por una sociedad mojigata. Y seguro que la atacaron más por su inteligencia que por su belleza. La emperatriz Eugenia de Montijo la reconoció como enemiga y la princesa Metternich, otra de las inteligentes aristócratas de la época, mecenas de Wagner y conocida por su amplia cultura dijo de ella:

si hubiese sido simple y natural, habría conquistado al mundo. Por supuesto, estamos felices de que la condesa no fuera más simple...

A pesar de sus contactos y amistades, y por las fotografías cada vez más atrevidas que circulaban por París, su vida terminó rodeada de tristeza y soledad. Nadie pareció recordar sus servicios al ideal de la patria italiana, y cuentan que se encerró en su casa sin espejos y con telas negras para no ver cómo envejecía.

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La historia no la recuerda salvo por sus excentricidades. Pero merece un espacio en la historia de la fotografía porque fue la primera mujer que entendió la fuerza de la imagen y las múltiples posibilidades que ofrece para expresarte, incluso en un mundo no tan lejano en el que las mujeres no podían actuar tal como eran.

Hoy es el Día Mundial de la Fotografía. Se celebra el 19 de agosto desde que en 1991 la Sociedad Fotográfica Internacional de la India lo propuso. Hoy es un día para celebrar algo que se ha vuelto totalmente cotidiano para muchos. Podemos celebrarlo de mil maneras o simplemente olvidarlo. Nosotros seguiremos haciendo fotos, como todos los días.

Hoy hace 181 años que François Aragó -un hombre que apostó por la limitación de las horas de trabajo o que luchó por la abolición de la esclavitud- presentó ante las academias de las Ciencias y de Bellas Artes de París el daguerrotipo, un invento que el gobierno de Francia cedía al mundo. Una maniobra política de la que no se esperaban el alcance que llegó a tener.

La historia de su invención está llena de nombres olvidados, pequeñas lagunas y muchas historias que darían para una buena novela. El daguerrotipo tiene el nombre de Daguerre, que olvidó el nombre de Nicephore Niepce, su socio y principal investigador que murió por culpa de los experimentos que realizó buscando la forma de suplir su poca pericia a la hora de dibujar.

Con el daguerrotipo, un solo hombre podría llevar a buen fin ese trabajo inmenso… Cabe esperar que puedan obtenerse mapas fotográficos de nuestro satélite. Es decir, que en unos pocos minutos se ejecutará uno de los trabajos más largos y delicados de la astronomía…

Pero para hablar de la invención de la fotografía no hay que quedarse solo con estos nombres... No está clara al 100% toda la historia. Hay nombres brasileños, españoles, descubrimientos similares con menos apoyo institucional...

Los olvidados de la invención de la fotografía

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Parece que solo hay una historia oficial, la que aparece en las enciclopedias y en las efemérides oficiales. Pero poca gente recuerda a Hercules Florence, un inventor brasileño que ideó el sistema negativo/positivo pero que no tuvo repercusión alguna.

O como ya contamos en Xataka Foto, también deberíamos hablar este día de Ramos Zapetti, el inventor español del que se habla en una revista de 1902:

Asegurábales E,amos cuantas veces se encontraban que muy pronto había de darles á conocer los admirables resultados obtenidos con su cámara oscura, que redundarían en beneficio de todos y muy especialmente de los artistas sus compañeros que podían ahorrarse el modelo y maniquí. Un día, citados de antemano D. Carlos y don Federico, vieron asombrados reproducida en brillante lámina de cobre una figura y parte del etudio, que con júbilo grandísimo los mostró Ramos Zapetti comprobando cuanto les había anunciado. Fué éste un acontecimiento celebrado entre los artistas. Hubo quien hizo proposiciones para la adquisición del invento, que Ramos no aceptó. Unos dos años después se hizo público el invento de Daguerre.

O cómo olvidar la desgracia de Hippolythe Bayard, que inventó en 1837 un proceso similar al que presentó Daguerre dos años después. El problema es que no tenía amigos tan poderosos como él y el mismo Aragó ocultó su invento para no arruinar la famosa presentación que celebramos hoy...

Hippolyte Bayard se fotografió muerto para simbolizar que se rendía

Por estos motivos este día debería estar un poco en el aire hasta que se aclare la historia. Hasta que los estudiosos decidan cuál es la realidad en el siglo XXI. Pero en el fondo nos debería dar igual.

El placer de fotografiar

Está bien que se recuerde una fecha para que todos los fotógrafos nos juntemos para homenajear a lo que tanto nos gusta. A este instante sublime en el que apretamos el obturador y robamos un instante al tiempo.

Fue un día que disfruté muchísimo

Da igual que la fotografía sea insustancial. Lo que importa, y que muchas veces olvidamos, es lo que disfrutamos con el sencillo gesto del disparo. Tenemos que olvidarnos de la técnica una vez la hemos aprendido bien. Hay que ser natural, no presumir de pasar mil horas delante del ordenador.

La fotografía, si la entendemos de una forma clásica, se disfruta mientras andamos con la cámara al hombro. En ese preciso instante en el que todo pasa como tú quieres y eres consciente de que puedes congelarlo. Da igual que luego no consigas lo que buscabas. Es la emoción de haberlo intentado...

Luego, con el tiempo, vamos logrando buenos disparos. Empezamos a contar historias y a la gente le empieza a gustar lo que hacemos. A lo mejor incluso no nos gusta toda esta historia de salir a la búsqueda de la luz y preferimos encontrarla en la fría emisión de unos y ceros de la pantalla delante de un teclado....

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Qué más da. Hay que hacer fotos. Es la mejor manera que tenemos de contar nuestra historia. A lo mejor dentro de unos años encuentran nuestros discos duros y alguien se emociona al ver nuestros pequeños logros y grandes fracasos. Y a lo mejor nos convertimos en Hippolythe Bayard, en Hercules Florence o en Ramos Zapetti... Hay que hacer siempre fotos porque nos gusta. El tiempo ya nos pondrá en nuestro lugar... Feliz día de la fotografía a todos.

La cultura es uno de los grandes dones de la humanidad... La literatura, el cine, el teatro y la fotografía están ahí para enseñar y entretener. Esos dos pilares, la enseñanza y el entretenimiento es lo que nos propone el documental 'La historia de Polaroid' que podemos ver en la plataforma Filmin para deleite de todos los que amamos y recordamos nuestras viejas fotos instantáneas cuadradas.

La existencia de Polaroid se debe a la visión de la hija del inventor. Quería ver las fotos inmediatamente después de hacerlas en 1943. Y Edwin H. Land empezó a darle vueltas a la petición hasta que presentó la cámara que permitía ver las fotos en 60 segundos en 1947. El mundo de la imagen cambió para siempre.

Este documental se suma a otros que podemos encontrar sobre la historia de Polaroid, una marca de fotografía, que tuvo su edad dorada hasta que apareció un invento que hacía lo mismo pero mucho más rápido, el sensor digital.

Fotograma del documental

El documental está dirigido por Peter Volkart, un documentalista con obra premiada en varios festivales de cine fantástico. El documental cuenta con una cantidad de material sumamente llamativo y vuelve a llamar la atención que aparezca la figura de Florian Kaps, el director de la empresa The impossible project que tanto ha dado que hablar.

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El documental de Peter Volkart cuenta, con la ayuda y abuso de la infografía, la historia de Polaroid a través de la vida de su inventor, Edwin H. Land. Desde la primera demostración que dejó a todo el mundo con la boca abierta hasta la aparición de la fabulosa SX-70, la cámara que cambió todo de nuevo en el universo Polaroid.

A lo largo de los 77 minutos del documental aparecen varios artistas que en algún momento han utilizado la Polaroid para crear sus obras. Vemos varios anuncios de la época que llaman mucho la atención. Una de los momentos más interesantes es descubrir cómo recomendaban vender las cámaras a los clientes estadounidenses y la importancia de no soltar la fotografía que hacían sin tener la seguridad de la venta.

Publicidad de Polaroid

Nos explican el origen del nombre de la empresa que tiene que ver con el primer invento de Edwin H. Land, el polarizador. Cuando era un estudiante dejó la universidad frustrado por lo que allí le enseñaban. Se encerró en la biblioteca de Nueva York e inventó los cristales polarizados. Gracias a él tenemos hoy la fortuna de ver películas en 3D, por poner el ejemplo más llamativo.

El gran problema de Polaroid fue por supuesto la aparición de la fotografía digital. No tiene nada que hacer contra ella. Es más inmediata, seguro... pero lo que descubrimos a lo largo del documental es que el proceso de la Polaroid es más natural. Uno de los fotógrafos defiende que capta exactamente la misma luz que absorbe la escena. Y pienso que no está muy desencaminado.

Todo termina hasta que aparece la figura de Florian Kaps, el director de la empresa The impossible project. A raíz del éxito del movimiento lomográfico se les ocurrió apostar por la resurrección del concepto.

Fotograma del documental

No deja de ser una buena idea. Consiguió toda la maquinaria abandonada por un precio irrisorio pero no logró la fórmula química. Por este motivo los resultados de la película The impossible project fueron un absoluto fracaso. Además eran conscientes de la mala calidad de los productos, pero aún así lo vendían al doble para intentar repetir la fórmula Lomo.

Una pena que una historia como la de Polaroid haya acabado así, de semejante forma. Y dejan un dato curioso para la reflexión... El éxito de estas cámaras fue debido a la posibilidad de fotografiarse desnudo sin que nadie más lo viera. ¿Tienen razón?

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Así que si queréis verla podéis acudir a Filmin o buscarla por cualquier otra plataforma para los que recordamos los buenos viejos tiempos. No es un gran documental pero al menos disfrutaremos aprendiendo de lo que más nos gusta.

Uno de los trabajos más importantes de la historia de la fotografía es 'Spanish village' de Eugene Smith para la revista Life. Uno de los ensayos fotográficos esenciales. De aquella historia quedó una posible historia de amor que podemos descubrir en el documental 'El americano' que podemos ver en Youtube.

Eugene Smith es una figura esencial de la fotografía. Es el padre del ensayo fotográfico. Pronto volverá a estar de moda porque se estrenará una película sobre sus últimos días protagonizada por Johnny Deep. Allí hablarán sobre Minamata pero nuestra historia es más antigua. Nos lleva directamente a los tiempos de Franco y las primeras ayudas oficiales de los EEUU.

Eugene Smith era un fotógrafo antifascista que quiso convencer a EEUU para evitar las ayudas económicas que empezó a enviar a España a finales de los años 40. Ya en 1950, después de que el gobierno de Franco mandará una carta ofreciendo sus fuerzas para luchar en la guerra de Corea, recibió un préstamo de más de 60 millones de dólares en agradecimiento por querer contener el comunismo en Europa. Lo que permitió que se aprobará la entrada de España en los organismos internacionales especializados de la ONU.

La génesis del ensayo fotográfico

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Eugene Smith estaba convencido de que ese dinero no llegaría a las manos de quien realmente lo necesitaba y se embarcó en un proyecto para convencer a los políticos y empresarios que ya solo pensaban en la guerra fría. Como él mismo escribió:

Un préstamo por parte de los EEUU no hará sino apretar la mano que estrangula a los oprimidos..

Así que decidió buscar un pueblo que diera forma a su idea: el gobierno franquista no ayudaba a sus habitantes y no merecía ser premiado con dinero que solo llegaría a manos privadas. Con un artículo de Gaspar Gómez de la Serna llamado 'Meditación de un pueblo sin nombre' recorrió toda España hasta llegar a Deleitosa, un pueblo extremeño, junto a su asistente y una traductora.

Su forma de trabajar era enfermiza. La idea que había desarrollado tenía que traducirse en imágenes aunque la realidad no fuera exactamente igual. No existía otro plan. Su idea o nada. Solo pudo estar 19 días en el pueblo cacereño (le recomendaron que se fuera), desde el 8 junio de 1950, y retrató toda la vida de un pueblo como si hubiera estado varios meses, según su plan original.

El artículo se publicó en 'Life' el 9 de abril de 1951. 17 fotografías de los 45 rollos de película y 1.575 negativos que logró sacar. El resultado es maravilloso pero plantea muchas dudas si eres un poco observador.

Una de las páginas de 'Life'

¿Cómo es posible fotografiar en 19 días la siembra, el arado y el aventado del grano de trigo? ¿De verdad creéis posible que una familia, de aquellos años, permitiera que en la comunión de un hijo alguien fuera mal vestido o desnudo? ¿Las comuniones cuándo son?... Muchas preguntas cuya respuesta daría lugar a descubrir que lo que estamos viendo no es del todo verdad...

La historia del documental

Pero vamos a dejar estas historias para centrarnos en la fotografía del velatorio. En la imagen destacan muchas cosas pero no podemos dejar de ver el rostro de la joven de 19 años Josefa Larrá. Juventud frente a la muerte. Y después de la publicación en los EEUU un hombre no dudó en buscar a la joven de la fotografía.

Josefa Larrá

Se enamoró de ella y sintió el impulso de escribir al pueblo para tratar de encontrar su nombre. Después de la visita del americano, de las manías de Eugene Smith que les hacia posar sin parar bajo el sol de junio, fue la gran diversión de Deleitosa.

Que si tenía coche, que si era un hombre que iba a convertir en una estrella a Josefa, que si ella tenía un novio formal y la madre le obligó a dejarle para que se fuera con el americano... Una serie de historias que son el eje del documental producido por TVE, TV3 y La lupa Producciones.

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Apenas dura una hora. Pero os prometemos que vamos a descubrir a un genio neurótico y unas ganas tremendas de salir en busca de este pueblo situado en una de las zonas más desconocidas de nuestra península. Lo que vemos forma parte de nuestra historia y deberíamos conocerla.. Y Eugene Smith hizo historia con su trabajo pero no la cambió.