La mayoría de los fotógrafos somos personas muy activas y trabajadoras, pero a veces esto no siempre es lo mejor. En ocasiones "ser vago" es algo beneficioso, de hecho algo que incluso podría ayudarnos a mejorar nuestras fotografías y en el siguiente vídeo explican por qué (está en inglés pero se pueden activar los subtítulos en español y se entiende bastante bien).

Como habéis visto, este vídeo del fotógrafo canadiense Maarten Heilbron analiza los beneficios de ser un "fotógrafo vago" que, por si estáis escandalizados, no consiste más que en configurar la cámara totalmente en automático y disparar sin más; es decir, sin estar pensando en la velocidad, el diafgrama, el ISO, la medición, el balance de blancos y demás detalles técnicos. La idea no es otra que eliminar ocasionalmente el esfuerzo cognitivo que implica tener que estar monitorizando y ajustando constantemente la configuración de la cámara.

Esto, según el autor, permite concentrarse más en la composición y encontrar escenas interesantes y formas de reproducirlas con mayor frescura y espontaneidad. Por supuesto nos basamos en la confianza de que las cámaras modernas son muy capaces de resolver de forma automática la mayoría de situaciones a las que nos enfrentemos y, por tanto, podemos dejar la parte técnica a su cargo y concentrarnos en la parte creativa.

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Es decir, la idea es, de vez en cuando (ojo, que no siempre) hacer fotos para nuestro propio disfrute, alejarnos del papel de "fotógrafo", olvidar el lado profesional de las cosas y volver a, simplemente, disfrutar mirando a través del visor de la cámara. Una práctica que puede aportarnos frescura y ayudarnos a redescubrir el disfrute de la fotografía si últimamente estamos estresados ¿no os parece?

Vía | FStoppers

Ya hemos visto cosas que podemos hacer para poner en práctica nuestra afición fotográfica sin salir de casa y, ahora vamos a hablar de esos momentos en los que no sabemos qué hacer o nos encontramos faltos de inspiración a la hora de elegir temas para nuestras fotos. Vamos a tratar sugerir cosas que fotografiar en esos momentos de tedio y hastío.

Muchos son los aficionados a la fotografía a los que les cuesta encontrar temas atractivos, ya sea porque viven en lugares poco fotogénicos, donde es difícil encontrar ideas interesantes para fotografiar (o eso piensan ellos), o porque sólo encuentran inspiración cuando salen de su entorno, por ejemplo cuando viajan a un lugar lejano o muy diferente a su residencia habitual. Para todos ellos vamos a tratar de darles algunas ideas en las que encontrar la inspiración.

Prueba a hacer macro o un autoretrato

Nuestro primer consejo es que pruebes con estas dos disciplinas de las que ya hablábamos en el artículo antes mencionado, por lo que no nos vamos a extender. En cualquier caso, tanto la macrofotografía como los autorretratos son cosas que puedes hacer en tu casa o muy cerca de ella y que pueden sacarte del tedio si no tienes ninguna idea de qué fotografiar.

Foto de Jono Hislop

En el primer caso, la fotografía macro, a lo mejor necesitas algún tipo de objetivo o bien accesorios especiales como tubos de extensión o filtros de aumento (hay opciones para todos los bolsillos). Tampoco te vendría mal, si te gusta y decides hacerlo a menudo, crearte un pequeño estudio fotográfico en casa o bien hacerte con una caja de luz (por ejemplo como ésta que te enseñamos hace unos meses).

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En el segundo caso, el de los autorretratos, solo necesitas seguir estos consejos y, sobre todo, sacar a flote tu creatividad para intentar conseguir una buena foto tuya, en la que te veas bien (algo que probablemente siempre te haya resultado complicado… A mí me pasa) o que puedas usar en tu perfil de Flickr o Instagram.

Foto de NeONBRAND

Práctica con flores y comida

Una muy buena opción es probar con la fotografía de alimentos o la de flores, disciplinas todas ellas al alcance de nuestra mano… o mejor dicho de nuestra cámara.

Foto de Brooke Lark

En el caso de la comida, por ejemplo, lo puedes combinar con el hobby de cocinar, si es que lo tienes, y en el de las flores con una posible afición a las plantas (y si no, siempre suele haber algún tipo de parque o jardín cerca). La idea en cualquier caso, es tratar de obtener imágenes interesantes, fotos que incluso puedas presentar a un concurso y que sean la envidia de quienes se dedican a tomar este tipo de imágenes con el móvil y subirlas a Instagram filtro mediante (con todos los respetos para quien hace esto).

Para ello, además de tener en cuenta los pasos que hay que dar para hacer una foto, ten especial cuidado con la iluminación y con el entorno de la imagen. Sobre lo primero, piensa que no necesitas un equipo muy complicado ya que o bien puedes aprovechar las ventajas de la luz natural o bien utilizar flashes de la forma adecuada, lo que puede venirte bien para practicar con este tipo de iluminación artificial.

Foto de fred tromp

Respecto a lo segundo, ten especial cuidado con elegir bien el fondo de la imagen, escogiéndolo bien para que sea adecuado a los propósitos que quieres conseguir y no arruine el posible impacto de la toma.

Intenta “vender” lo que tienes

No, no se trata de hacer buenas fotos de tu casa para venderla (aunque tampoco es una idea que deberías descartar como ejercicio), sino de coger cosas de tu entorno y plantearte conseguir una buena fotografía, como si tuvieras que hacerlas para un catálogo de productos exclusivos.

Foto de Youssef Sarhan

A lo mejor te puede parecer un poco absurdo en principio, pero buscándole distintas perspectivas, eligiendo bien el fondo y aplicándole una luz diferente a lo habitual es posible que consigas imágenes que hagan que tus cosas cotidianas cobren un nuevo prisma para ti. ¿Un ejemplo? En los últimos meses os hemos mostrado unos cuantos fotógrafos que se dedican a retratar a sus figuritas de juguete, en especial las que representan a personajes de Star Wars.

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Prueba con un bodegón

Osea lo que se conoce como fotografía de naturaleza muerta y que, como su nombre indica, se realiza a objetos inmóviles. Prueba a coger esos objetos, grandes o pequeños, que guardas como un tesoro e intenta hacer un collage con ellos que sea atractivo visualmente.

Foto de FlanellKamerasFilm

Para este tipo de fotos, como contamos en este artículo, luz y composición son las claves principales para lograr un buen resultado, y tampoco hace falta gran infraestructura, aunque siempre conviene tener un pequeño estudio fotográfico.

¿Qué tal una foto creativa?

Si te sientes con ganas de experimentar, puedes dar un paso más allá y adentrarte en el ámbito de la fotografía creativa y tratar de conseguir imágenes como éstas que os mostramos hace tiempo y emular al mismísimo Chema Madoz.

Foto de Christian Sterk

Es un poco más complicado que lo que venimos contando, y probablemente vamos a necesitar de cierto equipo, pero se puede empezar haciendo cosas básicas con elementos sencillos, como humo o agua, e ir avanzando si vemos que los resultados nos convencen. Aquí la imaginación es más importante que la técnica.

Haz que alguien pose para ti

Otra idea si necesitas inspiración es tratar de que alguien haga de modelo para ti y dedicarte a la fotografía de retrato, una disciplina exigente pero muy satisfactoria. Como en el caso de las fotos de tus cosas que te decíamos fotografiaras como si tuvieras que venderlas, la idea es que logres un gran retrato de la persona que se preste... aunque también puede ser tu perro o gato, e iniciarte en el apasionante arte de fotografiar mascotas.

Foto de Ferenc Horvath

Para ello, lo ideal es disponer de un estudio casero, pero también puedes simplemente aprovechar la luz natural. Eso sí, siempre deberías tener en cuenta bastantes cosas, empezando por estos consejos generales para comenzar.

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Empieza un proyecto a largo plazo

Pero quizá la mejor manera de encontrar temas que fotografiar en momentos aburridos es comenzar un proyecto fotográfico a largo plazo que te mantenga siempre activo y pendiente de una nueva posibilidad para lograr una buena toma con que completarlo.

No hace falta que sea algo muy sofisticado, simplemente puede ser como lo que os contamos del árbol brócoli, algo que empezó casi como curiosidad y acabó como un proyecto de bastante repercusión.

Foto de Sean Brown

En este especial sobre proyectos fotográficos abordamos el tema en profundidad, pero pensad que un proyecto puede ser simple o complejo, largo o breve; es decir, se puede adaptar al gusto del consumidor o, incluso empezar con un planteamiento modesto y luego ir ampliándolo.

Uno muy recurrente es el que se suele denominar “365 fotos en 365 días” que consiste en lo que su nombre indica, aunque se puede realizar de muchas formas: Puede ser plantearse hacer una foto diaria de lo que sea, o puede ser hacer la misma foto en un mismo sitio, durante todos los días de un año.

Foto de fudowakira0

Muy similar a esta idea es la de crear una foto para que sea la imagen de un calendario, como ha hecho Tatsuya Tanaka con este fabuloso proyecto, que tiene mucho que ver con los de los fotógrafos de juguetes que decíamos antes (que al final han convertido esta afición en proyectos a largo plazo).

Otro tipo de proyecto bastante más corto, que no sencillo, es hacer diez fotos diferentes de un mismo sitio, como hizo nuestro compañero Chema en este ejercicio. Como veis, posibilidades hay muchas para hacer proyectos que sean estimulantes y provechosos. Porque empezar uno es algo recomendable para mejorar nuestras habilidades fotográficas y, para salir del aburrimiento.

Foto de Declan Wilson

Y con esto acabamos esperando, como siempre, que nuestras ideas y consejos os sean útiles. Y, por supuesto os animamos a participar con las vuestras. ¿Se os ocurren otras cosas que se puedan hacer para inspirarse en esos momentos aburridos que todos tenemos alguna vez?

Foto de portada | Rachel Xiao

Hace más de quince días empezamos a hablar de los proyectos fotográficos. Para llegar al final tenemos que recorrer tres pasos, tres puntos. Uno detrás de otro hasta llegar al final, sin saltarse el orden y sin abandonar uno sin haberlo acabado previamente. Hoy vamos a analizar con más profundidad el primer paso de un proyecto: la idea.

Se está acercando el fin de año. Y todavía no sabemos qué hacer con nuestra vida fotográfica. Llevamos la cámara encima, la sacamos cuando vemos algo que nos gusta. Los fines de semana hacemos lo que podemos. Al final solo hemos conseguido unas fotografías bonitas del pueblo que hemos visto, del otoño que hemos fotografiado. Y algunas que otras que están bien y no sabemos qué hacer con ellas. El problema es que no tienen relación alguna entre ellas. O no hemos sabido verla.

Como ya hemos adelantado en el primer artículo dedicado al proyecto fotográfico, es importante trabajar con sentido. Disparar con un objetivo, con una idea. Es la que nos llevará a conseguir imágenes con sentido y sobre todo nos permitirá avanzar como fotógrafos. Esta es una de las claves, además de dedicarle tiempo y gastar muchas zapatillas.

En la ciudad @ferfoto

La idea es lo que se sustenta todo nuestro trabajo. Es la base fundamental del proyecto. No es algo baladí. Cuando comenzamos en este mundo puede que nos sirvan esos proyectos que todos conocemos: una fotografía por semana, 365 disparos en un año, retratos de nuestros amigos y conocidos... Es algo perfecto para practicar. Y si no lo habéis hecho nunca lo recomiendo. Es un ejercicio perfecto para nosotros, pero realmente no aporta nada a la comunidad. No es original. Pero podemos hacerlo personal.

La idea original del proyecto

Hay muchas formas de llegar a una buena idea. En el fondo todo depende de cómo la afrontemos. Al fin y al cabo lo importante es nuestro estilo fotográfico. Pero siempre hay que saber contar las cosas de una forma diferente. Si la gente pensara solo en cosas nuevas jamás hubiera existido 'La regenta' después de 'Madame Bovary', por poner un ejemplo literario.

Las buenas ideas no son complicadas. No hace falta adornarlas de falsas promesas de intelectualidad. Cada vez hay más gente contraria a las banalidades en nombre de la fotografía. En contra de ideas vacías adornadas con palabras ampulosas. El ejemplo perfecto es fijarse en H. Sugimoto, como ya vimos.

No es fácil saber qué contar si no tenemos una buena base o una vida que nos estimule mentalmente. Siempre se acude a la cultura. Pero siempre se asocia con los libros y el arte. Para muchos nos es fundamental. Pero hay otras formas de cultura, de vivencias personales que te pueden llenar más de los que nos identificamos con libros o museos. Hay que ser capaz de emocionarse en la calle, en el profundo bosque o la pura vida de los bares.

En la ciudad @ferfoto

Lo que sí es importante es conocer lo que han hecho otros fotógrafos con ideas similares, para no repetirse. Para ser capaces de dar un nuevo giro que nada tenga que ver con todo lo que han contado ya. Sin embargo, como vamos a ver a continuación, puede que incluso repetir un concepto sea una buena idea para algunos.

Los proyectos se pueden dividir de muchas formas según las ideas propuestas, pero yo prefiero ceñirme a tres tipos de proyecto en función del tipo de idea.

Los tres tipos de proyecto

Es duro pero las ideas también hay que clasificarlas. Más que nada para conocer los terrenos en los que nos movemos. Y no confundirnos o saber de antemano a dónde tenemos que ir en el siguiente punto:

• Formal: es el clásico proyecto en el que el autor solo busca contar una idea, similar a una novela realista en la que se describe todo lo que pasa delante de nuestros ojos. Podemos encontrar muchos ejemplos pero quizás un buen proyecto modelo es el trabajo de Shizuka Yokomizo 'Strangers through the window' en el que simplemente retrataba a la gente que accedía a través de las ventanas de sus hogares.
• Emocional: aquí el fotógrafo se implica de una forma más personal si cabe en lo que está contando. Corre peligro de caer en un conceptualismo exacerbado, pues es fácil caer en la banalidad o en el estereotipo. Si viéramos una película de Andrei Tarkovsky sería lo más parecido a un proyecto emocional. Quizás es el proyecto en el que el autor queda más desnudo frente a los espectadores. Un buen ejemplo sería el trabajo de Robert Frank en 'Los americanos'. Aquí no solo cuenta lo que ve, sino también lo que siente ante el país que le acogió.
• Experimental: Es un tipo de proyecto en el que el fotógrafo necesita contar su sensación ante el mundo de una forma imposible en la realidad. Puede que el espectador sea incapaz de reconocer lo que ve si no tiene un texto que se lo explique previamente. En algunos casos llegará a provocar rechazo o dejar sin palabras a aquel que lo contemple. Aquí no queda más remedio que recordar el proyecto After Sherrie Levine en el que Michael Mandiberg (2001) se apropió de la idea de Sherrie Levine de copiar las imágenes de Walker Evans para venderlas como propias.

En la ciudad @ferfoto

Nosotros solo tenemos que pensar en la idea y empezar a crear un esquema con los pros y los contras. Con todas sus posibilidades y su mayores problemas. Si lo dibujamos en la libreta o con una tableta gráfica en nuestro ordenador nos daremos cuenta de nuestras capacidades y limitaciones para ser capaces de llevarlo a buen puerto o no. El viaje continuará.

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Cómo enfrentarse a un proyecto fotográfico

En el mundo de la fotografía puedes encontrar la respuesta a muchas cosas. Es una forma perfecta de expresarte. Como muchos escritores solo tienes que buscar tu sitio. Luis Camacho encontró su lugar en la Gran Vía de Madrid, y desde que nos enseñó a mirar a través de sus ojos, ha recorrido un gran camino que le ha llevado hasta la sede del Instituto Cervantes de Belgrado.

El trabajo de Luis Camacho es fruto del esfuerzo. De horas detrás de la luz en la calle más madrileña. No son fotos encontradas. Son imágenes buscadas, registradas primero en su cabeza para volcarlas en el sensor de su cámara con un objetivo fijo. La idea era registrar la vida de la calle, de la Gran Vía, siempre a la misma hora, cuando el sol cae y se descubre el baile entre las luces y las sombras.

Luis Camacho

Luis Camacho es una fotógrafo que dejó el sueño del cine por la realidad de la fotografía. Fue miembro fundador de la Asociación Fotográfica Villaverde y miembro del añorado colectivo de fotografía documental Calle 35. Durante años recorrió este lugar que le llevaba una y otra vez a llevarse la cámara al ojo. Y todo surgió por un proyecto que inició con otro compañero que también fotografiaba la Gran Vía, pero la de Villaverde. Lo que le llevó a ganar el premio FotoCAM 2013, entre otros muchos.

Luis Camacho

Cuando terminó aquel proyecto, no pudo dejar de insistir en un lugar insustituible y de obligada peregrinación cuando no está invadido por las fiestas. Una calle con más de cien años que ha perdido la mayoría de sus cines a cambio de tiendas. Sin embargo sigue estando viva, desde el mítico edificio Metrópolis hasta la plaza de España.

Buscar un proyecto

Una de las cosas más interesantes de la serie de Luis Camacho, y de la que todos deberíamos aprender, es la búsqueda del proyecto. Es lo que nos permitirá mejorar como fotógrafos. Profundizar en una idea y desarrollarla hasta encontrar la línea que queremos seguir.

Luis Camacho

En el texto que acompaña la exposición recuerda que los fundadores de la agencia Magnum se repartieron el mundo en cuatro grandes regiones para cubrir todo lo que pasaba en el planeta. Ahora somos tantos fotógrafos que podríamos trabajar en nuestro pueblo, nuestro barrio o calle y documentaríamos la realidad como nadie, pues nunca se trabaja mejor como en la zona que dominas.

Sabes cómo amanece, dónde cae la luz, cuándo salen las abuelas y entran los nietos. Conoces los bares y las fiestas, las noches de drama y los ratos de alegría. Una idea fantástica sería seguir la idea de Luis Camacho y que un conjunto de fotógrafos contara cómo es la vida en cada una de las calles de su ciudad... Un proyecto en el que me encantaría participar sin duda ¿A quién no?

Gran Vía, una resonancia urbana

Es el nombre de la exposición. Es el retrato vivo de una de las arterias más importantes de la ciudad madrileña. Como dice el fotógrafo Rafa Badia en el texto de la exposición:

Me fascina el "Gran Vía" de Luis Camacho por un doble motivo: me encanta su mirada (ése uso de las luces, ésas composiciones barrocas y a la vez muy sencillas) y el tema elegido, una calle emblemática que, en mi opinión, mejor resume el espíritu de esta ciudad de la meseta. Reconozco que tengo una relación ambivalente con las aceras que, durante años, Luís se ha trabajado a fondo: me produce atracción-rechazo, en tanto que mantuve con ella, durante los 18 años que viví en Madrid, una intensa relación de amor-odio. "Fascinante", "enérgica" "amable", "agresiva", o "peligrosa" son adjetivos aplicables a esta calle plagada de comercios, cines y mucha vida. Un espacio social que Luis ha sabido captar a la perfección mediante retazos, aspectos fragmentarios donde abundan las miradas, los reflejos, el encuentro y desencuentro entre los seres humanos, figuras de paso que conviven con la publicidad, el sueño colectivo en grandes dimensiones.

Luis Camacho

Ya estuvo expuesta hace años en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada. Pero seguro que volverá a pisar tierras españolas para poder apreciar una forma de mirar única, en la que la luz convierte en un escenario barroco una calle en continuo cambio.

Esta serie se puede disfrutar ahora en la sede del Instituto Cervantes de Belgrado hasta el 20 de junio de 2018. Seguro que se convierte en una exposición itinerante...

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Seguro que muchos de vosotros habéis intentado imitar la foto de algún fotógrafo famoso que admiréis o una que simplemente habéis visto en alguna web o en algún manual de esos para iniciarse en el apasionante mundo de la fotografía. Y seguro que más de uno habréis conseguido una imagen más que aparente que, desde vuestra humilde opinión, no tiene mucho que envidiar a la del profesional. Pero ¿alguna vez os ha pasado que os hayáis adelantado?

Es decir, que seáis vosotros los que tomastéis una foto que luego hayáis visto hecha (aunque no sea igual claro) por un profesional al que (se supone) han pagado por lo que vosotros hicistéis sin darle más importancia. Pues algo así es lo que me ha pasado a mí con las fotos del proyecto Volte-face, de Oliver Curtis, del que os hablaba la semana pasada.

Como os contaba, la idea de Volte-face era fotografiar varios de los monumentos históricos y turísticos más famosos del mundo pero mirando hacia el otro lado, tratando de contar una historia diferente sobre estos sitios y mostrar lo que nadie muestra. Curiosamente, la idea le vino a Curtis tras visitar en 2012 las pirámides de Giza, exactamente el mismo sitio en el que hice yo una foto similar pero unos seis años antes.

Yo la hice primero

Me explico. Allá por 2006 tuve la oportunidad de visitar Egipto, un país sin duda fascinante y en el que es imposible no hacer miles de fotos. Una de los lugares clave a conocer era evidentemente las pirámides y la Esfinge (que está a sus pies), situadas en Giza, un barrio de las afueras de El Cairo. Pues bien, para esa visita tenía una tarea encargada por una compañera de mi chica, responder a la pregunta ¿hacia dónde miran la Esfinge y las pirámides?

Solamente era una curiosidad que por supuesto me encargué de cumplir con la foto que habéis visto en portada. ¿Adónde miran? Pues a la ciudad, una ciudad bastante caótica y con mucha miseria, casi justo lo contrario de lo que podrían representar los faraones que construyeron las impresionantes moles que son las pirámides.

Como digo no le di más importancia a la foto más allá de la curiosidad. Como sabréis, y como Oliver Curtis ha pretendido reflejar en su proyecto, los monumentos más famosos del mundo suelen estar rodeados de cosas de lo más vulgar (especialmente oleadas de turistas). En este caso además, uno se imagina que las pirámides están en pleno desierto porque así es como suele verse en las fotos. Y no sólo las promocionales sino también las que traen los turistas, a los que los guías suelen llevar al lugar donde hacer "la foto".

Otra foto de aquel viaje donde se aprecian las pirámides y lo que se mueve alrededor de ellas.

En fin, no digo yo que se me ocurriera a mí la idea de Volte-face mucho antes que a Oliver Curtis (y mucho menos que me la robara, claro), pero reconozco que cuando oi hablar del proyecto me acordé inmediatamente de mi foto.

Por otro lado, no le voy a quitar mérito a las imágenes de Curtis pero es evidente que su punto fuerte no es la técnica precisamente sino más bien la idea y lo que la foto representa, así que pienso que perfectamente yo podría haber hecho esas fotos. ¿Quién me dice a mí que si yo hubiera sido fotógrafo profesional no podría haber empezado un proyecto basado en esta idea?

En fin, no deja de ser una anécdota pero me apetecía contaros esta historia porque tiene que ver con las ideas en fotografía y sobre quién decide si una foto es buena o no. Por cierto que para hacerlo también me ha animado la lectura de los comentarios que habéis dejado en el artículo de Volte-face. Y por supuesto que os animo a dejarlos en éste. ¿Qué os parece? ¿Os ha ocurrido a vosotros algo similar alguna vez?

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Fotografías de Óscar Condés

No es raro que tras las vacaciones o una tarde de fotos nos decepcione nuestro resultado, habitualmente podemos bloquearnos y no encontrar la clave para desarrollar una idea creativa. Todos sabemos lo importante que es la creatividad en la fotografía, pero esta a veces no llega, por suerte hay trucos que si los practicamos con frecuencia nos ayudarán a expandir la mente y conseguir mejores resultados. Pero hay una que sobresale entre todas: Paciencia, perder la paciencia te bloqueará mucho más.

1. Siéntate y observa

Tras aceptar que estamos bloqueados tenemos que darnos un tiempo, observar todo, busca objetos que te interesen y trata de darles otro uso. ¿Qué puedo sustituir? ¿Quién más? ¿Qué más? ¿Otro enfoque? ¿Otro proceso?

Una nube es una nube, o humo.... o lo que tú quieras que sea.

Árbol Nube | Chema Madoz

2. Consigue ir más allá de lo evidente

Es posible que todo lo que veamos ya esté fotografiado, resulta interesante comprobar que pese a eso, es prácticamente imposible encontrar dos fotografías iguales.

Te propongo un ejercicio: Escoge un recorrido de, aproximadamente, cien metros y recórrelos haciendo una foto cada dos o tres metros del otro lado de la calle. Repite el ejercicio durante dos o tres días y comprueba los resultados al acabar ese tiempo. A veces una pequeña variación determina el resultado de la foto.

3. Fotografía lo conocido

El sillón en casa siempre está en el mismo sitio y lo vemos desde el mismo ángulo de altura cuando entramos por la puerta, conocemos que luces le da y que sombras hace durante las distintas horas del día Este ejercicio consiste en realizar 5 fotografía de un mismo objeto variando ciertos elementos como el ángulo, la luz, la velocidad de obturación y el tipo de óptica. Pues cambiar de sitio el objeto o desnaturalizarlo... verás qué cambio!

Desnaturaliza

4. Copia

Busca inspiración en fotógrafos que te gusten y cópialos. Copia diez fotografías de diez fotógrafos diferentes, luego trata de hacer lo mismo dándole "tu toque personal". No tiene que darte miedo copiar ni experimentar, pero sobretodo que no te de miedo equivocarte, todo vale para desarrollar y buscar los momentos creativos. Una cosa es copiar y otra seguir la moda, hay que diferenciar muy bien estos dos conceptos. Seguir la moda no ayuda a mejorara la creatividad.

5. Cambia de ojo y de mano

Aunque muy simple este ejercicio es más complicado de lo que parece. Habitualmente tendemos a pensar erróneamente que somos "zurdos" o "diestros" atendiendo al brazo dominante en las tareas diarias, pero la lateralidad (Tendencia sistematizada a utilizar una de las dos partes simétricas del cuerpo) también hace hincapié en el uso de los órganos pares, como los ojos, así que puedes "ser zurdo de mano y diestro de ojo"... ahí está el ejercicio.

Debes intentar modificar esa costumbre o tendencia... practica a usar el otro ojo, te sorprenderás de lo raro que te encontrarás...

Pero no te tomes este consejo al pie de la letra... la cámara también es un ojo, prueba a hacer lo mismo con cámaras diferentes

6. Evita las tendencias

Vivimos en un mundo en el que si un deportista se deja barba el resto de los mortales lo copiamos hasta el punto enfermizo... ¿te has parado a contar cuantos calvos con barba te encuentras en una ciudad céntrica en una hora?, pues bien, en fotografía pasa lo mismo... seguir una tendencia no ayuda a mejorar tu creatividad, sino a ponerte un cartel... investiga, sigue tu camino y copia esa tendencia para aprenderla pero cuando no esté de moda, así podrás investigar si sirve o no para tu discurso.

Ejercicio, haz fotos siguiendo la "tendencia actual" y repítela obviando esa tendencia....

7. Ponte una rutina

Debes intentar ponerte un reto creativo al día, eso ayudará a entrenar el cerebro, como en el gimnasio. Al principio te costará mucho, pero a medida que lo incorporas en tu día a día pesará menos.

Se puede ser creativo haciendo la comida, lavando los platos o regando las plantas, pero la fotografía exige que te tomes un tiempo, si bien es posible que la idea te surja en un momento inoportuno, es conveniente que apuntes la idea y medites como hacerla.

Sobretodo, no te aburras de las fotos.

8. “Menos es más”

Sí, una frase muy utilizada pero que una vez interiorizada ayuda mucho. No pierdas el objetivo de lo que quieres contar, no te enredes con mil fotos, recuerda que la fotografía es un acto reflexivo.

¿tienes alguna técnica propia?, ¿nos la cuentas?

Foto de Inicio | Román Emin Chocolate Cheesecake.

Llevar a cabo un proyecto fotográfico es una tarea dura y larga, que requiere planificación y trabajo. Organizar y dirigir nuestro propio proyecto requiere de disciplina y fuerza de voluntad. Los resultados pueden llevar tu trabajo a algunas de las webs más importantes en la difusión de proyectos fotográficos como iGNANT o LensCulture.

Si un escritor compone una novela con palabras y párrafos, el fotógrafo compone su serie fotográfica con fotografías para hilar sus ideas. Deberíamos articular nuestras fotografías organizadas en una serie como un conjunto de palabras, frases o párrafos que, en conjunto, sean capaces de transmitir una idea o historia.

Fotografía de Dimitri B.

Debido a que un proyecto fotográfico puede tratar temas muy diversos, podríamos tratar asuntos como ilustrar leyes absurdas de los Estados Unidos pasando por asuntos más serios como documentar la vida de un niño con autismo, o la búsqueda del placer estético en una imagen. Las posibilidades son infinitas, con un grado de complejidad que nosotros mismos, como autores, debemos establecer. No existe ningún tema banal si lo planteamos adecuadamente.

La planificación es esencial

Realizar un proyecto de cualquier tipo requiere de una planificación acerca de los tiempos de preproducción, producción y postproducción. A pesar de que un proyecto fotográfico es vocacional y tiene un ritmo más pausado, es muy recomendable establecer plazos y fechas para no dormirnos en los laureles.

Si necesitamos viajar o disponer de otras personas para realizar nuestra serie, organizarnos será indispensable para cuadrar horarios y objetivos. Por ejemplo, si tenemos pensado viajar 15 días, debemos tener una lista con las fotografías indispensables de la serie con el fin de tenerlas listas dentro de dicho periodo de tiempo. Si vamos a realizar nuestro proyecto retratando a alguna persona, tener claros los horarios es de gran ayuda para agendar la sesión.

Fotografía de Transformer18

Piensa fuera de la caja

Todas las ideas son válidas, así que no deseches ninguna porque te parezca banal. Creo que en el mundo hay sólo dos tipos de personas: las que se preguntan por qué y las que se preguntan por qué no. Materializar una idea con un discurso lógico detrás convertirá tu proyecto en algo sólido, no importa de lo que trate.

Las ideas originales y creativas son rebuscadas y carecen de referentes lógicos. En casos como el surrealismo, este tipo de pensamiento se convirtió en una corriente que se aplicó a campos como la fotografía, gracias a fotógrafos como Man Ray y algunos trabajos de Kertesz. Salir de tu zona de confort te ofrecerá sorpresas y te ayudará a que tu proyecto sea original.

Fotografía de Steven Gerner

Establece un discurso en tu serie

Hemos hablado acerca de que ninguna idea es banal si tiene un discurso sólido detrás. Tienes que pensar en tu serie de fotografías como una serie de ideas que debe contarse con imágenes. Si tu serie busca algo más que una buena fotografía, es importante tener algo que decir, y aún más importante, que sean ideas frescas, interesantes y enriquecedoras para tus espectadores.

En un extremo encontraríamos series que tan sólo buscan ofrecer imágenes estéticamente placenteras al ojo, pero también podemos ofrecer una serie de fotografías que hablen acerca de la atomizada sexualidad de la sociedad contemporánea, de lo que simboliza la familia en la era digital o el estilo de vida digitalizada hoy en día. Los temas son infinitos, tan sólo debemos hilar las ideas y ofrecerlas al público con nuestro sello personal.

Fotografía de Istolethetv

De menos a más

Hay quien sienta procastinación y piense: "¿para qué voy a realizar un proyecto fotográfico si no me va a ayudar a conseguir nada?". Ningún edificio empezó construyéndose sin cimientos. La vía para llegar a mayores y mejores proyectos es realizar los primeros lo mejor que podamos para conseguir captar la atención del público. Es indispensable disponer de un trabajo previo que demuestre de lo que somos capaces si queremos aspirar a trabajar de forma seria en la fotografía.

Fotografía de Andrés Nieto Porras

La mochila puede ser tu mejor compañera de viaje

Muchos de nosotros hemos aprendido que debemos ver las cosas como si fuera la primera vez que las vemos. Sin embargo, una lección importante que aprendí de Don Springer es que debemos fotografiar las cosas como si fueran la última vez que las ves. No debemos subestimar la diversidad de nuestro entorno ya que el único problema que tenemos es que tenemos la vista acostumbrada. Lo único que debemos hacer es refrescar nuestra vista.

Una de las mejores soluciones es viajar durante algunos meses como mochilero. El destino es indiferente mientras viajemos intentando gastar lo menos posible, maximizando el tiempo que estamos de viaje e intentando conocer el país que visitamos desde dentro. Nade de hoteles ni playas reservadas. Coger el transporte publico, charlar con los habitantes y hacer amigos son actividades obligadas para enriquecernos y traspasar esto a nuestras fotos. La clave para conseguir buenas fotografías en un país extranjero es ser uno más.

Fotografía de Jonas Schleske

Experimenta con técnicas y materiales

A pesar de que muchos proyectos se basan en encontrar temas sobre los que hablar, otros tantos es posible articularlos en torno a las técnicas que empleamos. Por ejemplo, sería posible realizar una serie alrededor de España enteramente de largas exposiciones, o con técnicas fotográficas más complejas como photo stack para conseguir un estilo concreto.

Otra buena idea es aunar una idea de la que queramos hablar con otros materiales que no sean nuestra cámara digital, como por ejemplo, colodión húmedo a través de ferrotipos o fotografía química de medio o gran formato.

Fotografía de Vadim Timoshkin

Difunde, contacta, aprende

Es una pérdida de tiempo realizar un proyecto fotográfico si después nadie puede verlo. La parte más importante después de fotografiar una serie es dar la serie a conocer, contactar con otros fotógrafos, hacer amigos y aprender de las críticas que nos ofrezcan para realizar en un futuro mejores trabajos. Sería una buena idea contactar con revistas, webs nacionales como XatakaFoto o extranjeras, o blogs para compartir tu trabajo con ellos y conseguir público si crees que tu trabajo es sólido y de calidad.

Fotografía de Diego Torres Silvestre

Fotografía de portada | Les Haines

No vendemos números, no vendemos clics, ni vendemos números f; en definitiva nunca acabamos por vender ni una sola de esas cosas. La historia de una fotografía la marca su fin, su final. En definitiva, la emoción que sugiere al que la visiona.

Todo lo que ocurre entre el momento de la idea y del visionado por las personas es puro "RUIDO", y no hablo exactamente del ISO. La fotografía no es sinónimo de cámaras, ni de sensores, ni tamaños, ni reglas, ni objetivos... salvo el objetivo final, emocionar (de la forma que sea y aunque reconozca que haya gente purista que me dirá lo contrario).

El estudio de la fotografía nunca debe comenzar exclusivamente por aprender unas técnicas, sino aprender simultáneamente a unir dichas técnicas con el proceso interior. Ser fotógrafo no es un dar un clic, no es saber manejar una cámara en Manual y no en Automático, ni siquiera es saber coger mejor o peor una cámara. Ser fotógrafo es hacer llegar una idea o un sentimiento, contar una historia. Las historias se cuentan de miles de formas, pero hay algo que prevalece en todas ellas, el mensaje.

Muchos hemos podido leer, por ejemplo, 1984. Y se ha podido leer en hojas físicas, interactivas, o incluso en imágenes (a pesar del debate de si ha fidelidad o no). En definitiva, hay gustos para todos, pues todos y cada uno de nosotros somos diferentes. A todos nos puede evocar una idea u otra, pero así es el mundo (y más en concreto la vida), lo verdaderamente importante es saber, antes que nada, lo que quieres mostrar y a quién quieres llegar.

"El problema con los árbitros es que conocen las reglas, pero no conocen el juego"

Las reglas son conceptos que, en algunos momentos, están siendo sobrevalorados por encima de (quizá y a mi modo de ver), el más importante, la improvisación. Y si, la improvisación se rige en gran parte por lo que tu intuición y corazón dice. Algo que a la postre pueden ser los verdaderos transmisores de emociones.

La industria fotográfica vende números cuando quizá debería vender historias. Vender lo que es la fotografía verdaderamente. La fotografía no es una necesidad en este mundo sino lleva, por encima de todo, la palabra sentimiento ligada. Nadie necesita una cámara para inmortalizar momentos en su vida, para eso tenemos nuestra propia cabeza y corazón, por tanto nadie necesita ni más ISO, ni más apertura, ni mejor rango dinámico, ni nada de eso... Lo que realmente se vende, porque se necesita, son los sentimientos. Y para conseguir un sentimiento no se necesita la mejor de las tecnologías, o si, pero eso lo defines tú nadie más que tú; porque va ligado a la persona y no es una verdad absoluta.

Fotografía de Nathan O'Nions

Dicen que el dinero ayuda a ser feliz, pero solo hay que ver como muchas personas sin él lo son, y muchas con él que no lo son... es por tanto, un punto en el que aquí se ve como no hay regla escrita tampoco. Si esto es así, nadie puede tener razón en si una fotografía la puedes hacer con una herramienta u otra, no. Si pensamos en números si, si pensamos en algo superficial quizá también, pero si pensamos en lo que realmente importa en una fotografía y por lo que siempre, y más a día de hoy, se necesita en ella que es su fin o por lo que siempre querrán tus fotos por encima de otras... no.

Qué nadie te diga cómo hacer o dejar de hacer tu fotografía o si usar una cámara grande, pequeña o inexistente. A la postre, nadie te puede decir como sentir o dejar de sentir. Ese es el fin de nuestro trabajo, demostrar que una imagen es el registro y el reflejo de un momento, una sensación, una emoción vivida. Algo nuestro; y en el momento que hacemos caso o nos dejamos llevar por alguien pasa a ser de él. Nadie paga números, y si lo hace tarde o temprano se hundirá y pocas veces se recordará. Algo que, al contrario, no pasa con las emociones que, aunque desaparezcan, siempre permanecerán en las personas.

Para finalizar os dejo una pregunta de una entrevista que le hicieron a Bruce Dickinson, vocalista de Iron Maiden sobre emociones y negocio (recordemos que el se dedica al mundo de los negocios tamibén):

- Los artistas son diseñadores de emociones. Me gusta pensar que las empresas también lo son a través de las experiencias que proporcionan a sus clientes. ¿Qué recomendarías a las empresas que quieran diseñar emociones para sus clientes?

- Sea lo que sea que vendan, deben tener en cuenta que lo que están vendiendo es una emoción, porque todo aquello con lo que interactuamos nos genera una emoción. Cualquier pequeño detalle desencadenará emociones, sensaciones, una reacción en los clientes. Y eso nos lleva a una relación emocional con ellos a través de nuestros productos y servicios. Es crucial darse cuenta de eso y no cometer errores, como por ejemplo recortar costes sin asegurarse de que no estamos afectando al valor de lo que estamos vendiendo, porque eso tendrá un impacto en las emociones que experimentarán nuestros clientes

PS: Tú fotografía y tu equipo te definen. Defiende todo ello mientras consideres que tus emociones y fotografías lo hacen. Esto no es una apología al uso de cámaras pequeñas pues también va dirigido hacia el que sienta esto con cámaras grandes y de gran valor monetario. Esto es un artículo para defender lo inmaterial de lo material, lo que es uno de lo que puedan hacerle creer que debe ser...

Fotografía de portada | Rodrigo Rivas

En fotografía la inspiración es el principal proceso para conseguir despertar una creatividad fuera de meras copias. El problema es que, la inspiración muchas veces es confundida con conseguir algo similar y no con conseguir un elemento diferenciador.

Cuando algunas personas nos responden con "Para mejorar tu trabajo debes muchas fotografías", a muchos se les nubla la mente al observar tomas que les encantan encendiéndoseles una luz roja en sus ojos con la frase, "Quiero hacer esto".

Defiende tu fotografía intentado ser "único"

Esta frase suele ser el principio del error. Y es que una fotografía o un estilo propio se denomina así por algo. Y no es ni más ni menos porque alguien fue el encargado de llevarlo a cabo en primera instancia. Por tanto, todo lo que venga después, exactamente igual, siempre será reflejado como "una copia de...". Y bueno, no se si muchas personas buscaran esto, pero lo que esta claro es que ese momento no es el punto que se busca con ese proceso inspiracional para un estilo personal.

Debemos, por tanto, mirar siempre la fotografía de otros como un camino intermedio y nunca como proceso final. Siempre he sido muy partidario de comparar este tipo de formas de fotografiar (a pesar de su esfuerzo, que eso nunca se quita), como las copias de los chinos. Lo sé, alguno me podréis decir que hay gente que puede hacer la foto mejor que el primero que la realizó, pero da igual, una fotografía es mucho más que una técnica depurada. Una fotografía es una idea, un concepto, y una sensación y eso, por mucho que queramos rebatirlo, seguirá ahí.

Fotografía de Hartwig HKD

Muchas veces creemos que llenar nuestro ego con las alabanzas de los demás va a hacer una foto mejor que otra, y eso no cabe duda que es erróneo. Esto lo comento porque, para aumentar nuestra creatividad, uno de los primeros puntos a tratar debería ser mirar lo ya realizado por nosotros anteriormente. Y es que, nuestro portafolio actual puede tener la clave. Saber diseccionar más y más nuestro portafolio para posteriormente dejarlo en las menos fotografías posibles son una baza que podría mostrarnos el camino.

Para saber como realizar esto, nunca debemos dejarnos llevar sólo por la opinión de los demás. Hay que defender una idea, defiende TU idea. Muchas veces las personas consideran algo bonito porque lo han visto en otros sitios o incluso hasta la saciedad, pero es más difícil aún hacer que algunas personas sientan predilección por algo cuando es nuevo y que no ha creado tendencia. Este es uno de los puntos correctos donde radica un buen proceso personal.

Además, siempre he creído que el bloqueo creativo requiere de descanso mental. El abrir nuestra mente dedicándonos a otros menesteres, olvidando durante un tiempo (tampoco muy largo) la fotografía, puede hacernos más receptivos ante todo lo que nos rodea para que así despierten ideas en nosotros.

La solución está en nuestra confianza y el motivo

Otro aspecto a tratar en el proceso creativo es simplificación del trabajo. Muchos fotógrafos cuando hablan de sus fotografías hacen comentarios sobre las mil o dos mil capas que usan en Photoshop, incluso se enorgullecen de ello (lo pongo como ejemplo, pero hay más; no sólo en temas de postproducción cuando me refiero a esto). No hay duda, es un trabajo duro, requiere de técnica y de mucha complejidad. Pero en esa última palabra está la clave, complejidad. Cuando necesitamos de tantos pasos para conseguir un resultado la mente se puede perder entre el paso 1 y el 1259.

Matto Fredriksson

Esta complejidad, muchas veces, altera la necesidad de tener la cabeza libre para aumentar ese proceso creativo. Es por eso que, cuando necesitemos conseguir hacer que vuelva esa creatividad sería importante liberarnos de tantas cargas. Simplifiquemos nuestra fotografía. Menos es más y os aseguro que funciona. Tomar este paso cómo queráis, desde fotografiar y editar luces para tener la toma final, hasta disparar usando la luz natural sin nada más que tu cámara. Cabe recordar que es un ejercicio. Nada que sustituya el tipo de fotografía que cada uno realice; ya que hay que reconocer que, hay diferentes estilos de fotografía que requieren de tiempo y muchos pasos.

Cosas como estas nos ayudan a poder preguntarnos muchas veces el motivo de porqué fotografiamos. Porqué queremos recoger instantáneas o coleccionarlas. Suele parecer una obviedad, pero no mucha gente sabe el motivo real de porqué lo hace. El saber ese motivo puede hacer decantarnos por un lado u otro del proceso fotográfico y creativo; pues, a la larga, nos ayudará a no compararnos siempre con los demás y a dejar de pensar en el que dirán (algo tan típico en la fotografía...).

Fotografía de Alé

Debemos recordar que la inspiración, la creatividad y el estilo propio van ligados; y aunque el primero se debe al mundo que te rodea, los otros dos ocurren sólo si eres tú quien lo consigue, por tanto, esos puntos sólo dependen de ti y no de los demás. La aceptación o el gusto por ellos ya dependerá de los demás, pero ese es otro punto que no toca en este instante. A pesar de todo siendo positivos, la fotografía es algo muy subjetivo, eso nos lleva a pensar que siempre habrá alguien al cual le pueda agradar nuestro estilo. Y es que como se suele decir, intenta agradarte a ti mismo primero para que a posterior puedas agradar a los demás.

Fotografía de portada | Craig Sunter

Está claro que más allá del marketing 2.0, SEO y demás conceptos asociados a la web para el desarrollo y promoción profesional de un fotógrafo en el momento actual, quedan también aspectos que no has de dejar pasar como es el trato personal, cercano y directo. Y parte de esta cercanía que tiene un fotógrafo con un (posible) cliente radica muchas veces en las tarjetas de visita como las que vemos arriba del fotógrafo Lars Swanson.

Para ello, desde SLRLounge nos proponen unas cuantas ideas (algunas más originales que otras) para proponer una presentación fresca e innovadora acorde con los tiempos actuales. Seguramente que hablando con las imprentas muchas puedan llegar a realizarse sin mayor problema y serán más o menos caras en función de cual sea nuestro presupuesto.

No sé quién me decía que lo primero que una de las cosas que primero se recorta en tiempos de crisis es la publicidad cuando al contrario debería invertirse más en ella para que el usuario siguiera consumiendo y así la rueda siguiese girando. No lo sé, tal vez sea así, pero más allá de teorías, está claro, que los fotógrafos debemos reinventarnos cada día.

Vía | SLRLounge