El próximo sistema operativo móvil de Apple, iOS 15, fue anunciado oficialmente en junio y se espera su lanzamiento para finales de este año. Y entre todas las novedades que traerá hay una que toca muy directamente a los fotógrafos: el módo Night Mode de los iPhone se podrá desactivar permanentemente. Pero ¿qué significa esto para los fotógrafos?

Lo cierto es que así en principio no parece una gran novedad, sobre todo porque es algo que ya se puede desactivar en el momento de hacer una foto. Eso sí, la cuestión es que ahora esta cancelación es temporal, y la característica vuelve a activarse automáticamente cada vez que se va a hacer una nueva toma.

Algunas de las novedades que se verán en iOS 15.

Por tanto, la opción que se añade ahora es poder desactivarlo de forma permanente. Esto va a ser útil para determinadas tomas que ahora concretaremos; pero antes veamos en qué consiste el modo noche y para qué es útil.

¿Cómo funciona el Modo noche?

Es una característica que incluyen los iPhone 12, 12 mini, 12 Pro y 12 Pro Max, y también los iPhone 11, 11 Pro y 11 Pro Max y que se activa automáticamente cuando cuando la cámara detecta un entorno con poca luz. Un icono con forma de círculo se volverá amarillo junto a una indicación de cuántos segundos será la exposición (entre uno y diez). Todo ello se activa y entra en funcionamiento sin que el usuario tenga que hacer nada.

Lo que hace este modo por tanto es que la cámara realice una exposición más larga de lo habitual pero ¿qué tiene de especial entonces? Pues, como nos contaban los compañeros de Applesfera, "gracias al sistema de tres cámaras que pueden capturar información de forma simultánea y en varias exposiciones y al sensor LiDAR que aporta información de profundidad para el enfoque, los resultados de la fotografía nocturna en el iPhone 12 Pro son realmente sorprendentes".

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Todo lo contrario: los consejos que no hay que seguir para hacer fotos con el móvil

Sea cierto o no, hablamos no ya de una "simple" exposición larga sino de una combinación de ella con fotografía computacional y las opciones que aportan las diferentes cámaras incluidas en los últimos iPhone. Por cierto que también es importante saber que se puede ajustar el tiempo de exposición manualmente a través del control deslizante que aparece sobre el botón del obturador.

Fotografía hecha con un iPhone 12 de Bo Liu, China.

En cualquier caso, como es lógico, Apple indica que para lograr los mejores resultados hay que sujetar el iPhone firmemente o, directamente, colócarlo sobre una superficie sólida y segura o, mucho mejor, un trípode.

¿Cómo desactivarlo?

Para desactivar el modo nocturno de la cámara del iPhone ahora mismo simplemente basta con llevar el control deslizante hacia el mínimo, pulsar sobre el icono del modo noche o sobre el icono de flash para activarlo (depende de la situación), pero como decimos esta cancelación es momentánea ya que, una vez hagamos la foto, volverá a activarse.

Sin embargo, cuando por fin podamos instalar iOS 15 en el móvil la función se podrá desactivar completamente y dejarla inactiva hasta que queramos. Para ello tendremos que ir a los ajustes del iPhone, acceder al apartado Cámara, pulsar en Conservar ajustes y acceder al apartado Modo Noche donde tendremos la opción comentada.

¿Con qué terminales será compatible?

La lista de teléfonos en los que se podrá instalar iOS 15 es la siguiente:

iPhone 12 Pro Max, iPhone 12 Pro, iPhone 12, iPhone 12 Mini, iPhone SE (2020), iPhone 11 Pro Max, iPhone 11 Pro, iPhone 11, iPhone XS Max, iPhone XS, iPhone XR, iPhone X, iPhone 8 Plus, iPhone 8, iPhone 7 Plus, iPhone 7, iPhone 6s Plus, iPhone 6s y iPhone SE (1ª generación).

Lógicamente, los móviles que no cuenten con la función no podrán dsactivarla. Por otro lado, a esta lista se añadirán los futuros iPhone 13 que ya deberían llevar iOS 15 instalado de serie.

¿Qué ventajas tiene poder desactivarlo?

El modo noche de los iPhone puede ser muy útil para ciertas situaciones pero en otras puede ser un problema. Por ejemplo, el hecho de que hagamos una larga exposición ya implica la posibilidad de que haya trepidación en la foto, ya sea porque no sujetamos bien el móvil (foto de abajo) o porque hay movimiento en la escena.

Foto realizada con un iPhone 12 Pro Max con el modo noche activado.

La idea de este sistema es ofrecer fotos más claras aunque haya poca luz y, claro, para los fotógrafos esto puede ser un problema. Y es que si queremos obtener fotografías nocturnas y que el resultado sea una imagen oscura, el modo noche tenderá a ofrecernos una foto más clara de lo que ven nuestros ojos.

Sí por ejemplo queremos fotografiar una ciudad de noche, y nos gusta que la imagen no muestre todo con gran claridad (foto de abajo), o si simplemente queremos que hay algún punto de luz que aparezca bien expuesto pero el resto de la imagen quede subexpuesta, también tendremos que desactivar el modo noche.

Fotografía hecha con un iPhone 12 Pro Max de Calogero Agrò, Italia.

Otra situación en la que no es útil es cuando queremos crear siluetas en una escena en la que haya un gran contraste de luz entre los sujetos y el fondo. Por supuesto el modo noche no es compatible con el flash, con lo cual no podemos usar esta luz como relleno de (por ejemplo) un retrato; y tampoco es compatible con la función Live Photos (que toma un pequeño vídeo a partir del cual se extrae el fotograma que más nos guste).

Por último, esta función nocturna no funciona con la cámara ultra gran angular de los iPhone 11 y iPhone 11 Pro. Por tanto, sólo se puede usar con la cámara principal y el teleobjetivo, lo que supone una limitación para los usuarios de estos terminales.

Foto realizada con un iPhone 12 Pro Max con el modo noche activado.

Por tanto, puede que el modo noche sea muy útil para muchos usuarios (especialmente los menos duchos en fotografía) pero la posibilidad de desactivarlo de forma permanente en iOS 15 sin duda es una novedad que agradecerán muchos fotógrafos.

Más información | Apple

Foto de portada | Fotografía hecha con un iPhone 12 Pro Max de NKCHU, China

He estado unos días de vacaciones. No he podido salir de la ciudad así que me he dedicado a dar paseos por el centro con la cámara al hombro, como siempre hago cuando tengo un rato libre. Como no quería pensar mucho he empezado a ver los reels de Instagram. Y me he quedado sin palabras. Cada vez estoy más lejos de este mundo. Lo que más me ha llamado la atención son los consejos para hacer fotografías con el móvil. Y todavía no me he recuperado.

En el mundo de la fotografía móvil parece que tienes que llamar la atención incluso con la actitud. No he visto casi ni un fotógrafo con mi venerable y avejentada presencia. Todos lucen con un aspecto juvenil y moderno. Haz fotos y serás guay (¿se dice así?). Por supuesto también abundan los intensos y muy de vez en cuando excelentes creadores diciendo cosas muy interesantes.

Pero los consejos fotográficos que he visto estos días me han emocionado, me han llegado a la patata. Entre vídeos de gente desenfadada y poco cohibida, gastando bromas que me cuesta entender, salían varios fotógrafos recomendando cómo hacer fotografías originales y llamativas con el teléfono móvil. Y a lo mejor no he prestado suficiente atención pero solo me han llegado unas tres o cuatro cosas repetidas hasta la saciedad... Y os aseguro que cuando no puedes dormir por las noches, las horas pasan rápido con los famosos reels (he visto demasiado).

Parece que la fotografía solo depende del dispositivo que tengas y de los lugares que visites. No puedes hacer fotos en tu barrio, en tu casa. Solo en sitios exóticos con modelos inalcanzables de músculos torneados y cuerpos turgentes. Me da mucha pena si la gente que empieza imagina que el camino para triunfar (qué tontería) va por ahí.

Cuerpos torneados al sol

Así que como ya me he desintoxicado de lo que he llegado a ver (¿de verdad todo lo que se ve ahí se consume masivamente?), voy a tratar de analizar los consejos que he recibido para lograr salir del atolladero permanente en el que me encuentro con la fotografía móvil. Os adelanto que sale mal.

Ya sabéis... no termino de entender que la fotografía dependa tanto de un tipo de dispositivo y que se hable tan poco de otros aspectos que sí son importantes. Es como si se hablara solo de la fotografía réflex, la fotografía sin espejo o la fotografía compacta ¿qué más da con qué está hecho un disparo si es bueno? No tiene sentido poner adjetivos.

Los secretos que nadie te ha contado de la fotografía móvil

Lo que me queda claro después de verlos una y otra vez es que estos consejos parecen inamovibles. Parecen secretos ancestrales que solo se pueden hacer con un teléfono y que con llevarlos a la práctica tus fotografías cambiarán para siempre.

Y lo que pasa es que se repiten una y otra vez. Es fantástico probar, pero si ves lo mismo varias veces pierde el impacto y se convierte en una mera moda veraniega, algo de lo que los fotógrafos deberían huir.

Si no le das la vuelta a la cámara no eres nadie en este mundo de la fotografía

En las largas noches de insomnio una de las cosas que me quedaron claras es que es muy importante darle la vuelta al teléfono para que los múltiples objetivos se sitúen a ras del suelo. Todo con la sana intención de incluir siempre, esto no puede faltar, el reflejo en un charco de agua.

Imprescindible si quieres destacar, al parecer

Lo más llamativo es que si el charco no existe hay que llevar siempre encima una botella de agua para lograr ese ansiado espejo que nos lanzará al estrellato de los likes... El diseño de los móviles obliga a que el objetivo esté siempre en una posición poco natural (esquina superior izquierda) y práctica para lograr diferentes encuadres.

Por supuesto que hay que probar cosas nuevas pero siempre he huido de los que ponen posturas raras para conseguir un disparo. Y voltear la cámara, agacharse, llevar una botella de agua y demás parafernalias creo que adornan más el momento del disparo que otra cosa. Pero no dejes de probar una y otra vez hasta convencerte, no hay que seguir sin más lo que dicen los demás.

No te alejes, siempre la panorámica inteligente

Otro de los consejos que no he dejado de ver en los reels de Instagram, es la necesidad de hacer siempre una panorámica a la hora de hacer un retrato en un lugar exótico. Y aprovechar la inteligencia artificial.

Para explicarlo hacen en primer lugar un retrato picado, muy cerca del sujeto, lo que provoca que el sujeto quede distorsionado por la distancia. Luego activan una serie de funciones para mover la cámara durante el disparo y se consigue la supuesta magia.

Pero si simplemente te alejas e integras al sujeto en su entorno la imagen mejorará. Y seguro que no hace falta la inteligencia artificial. Parecen consejos sacados de 5 minutes crafts, donde muchas veces se crean necesidades inexistentes.

Lo tiene todo

Es una función curiosa que ya incorporan desde hace tiempo otras cámaras. El resultado es bueno... depende de la luz, el encuadre, el punto de vista y otras pequeñas cosas que siempre olvidan comentar en estos pequeños vídeos.

La larga exposición es tu amiga

Otro de los trucos infalibles que solo existen ahora y que antes nunca se habían visto es la larga exposición. En este caso es verdad que se ha simplificado mucho la forma de conseguirlo (algo bueno, la verdad) pero de nuevo te invitan a acudir a la inteligencia artificial que ha cambiado todo.

Si estas frente a una cascada y quieres conseguir el efecto seda y encima sacar un retrato no hay necesidad de colocar el trípode... La misma cámara del móvil tiene una función que permite, mediante las funciones Live photos de iPhone y Long exposure de Android, el efecto deseado.

Es un apilamiento de imágenes tomadas en poco tiempo. El efecto llama la atención, desde luego, pero si abusamos, nos movemos durante la toma puede que sea un auténtico desastre.

Hay muchas formas de conseguirlo. Para lograr buenos resultados se necesita un trípode o disparar en ráfaga si la luz es intensa. O acudir a los famosos filtros de densidad neutra. Es verdad que todo es más complejo sin la ayuda artificial.

Los consejos no bastan para ser buen fotógrafo

Al final reducir todo a consejos bucólicos es simplificar el acto fotográfico. Nos enseñan a hacer postales para publicar en las redes sociales y conseguir likes. No enseñan a trabajar como un fotógrafo. Por supuesto que cada uno puede hacer lo que quiera y que muchos solo buscan fotografías bonitas.

Pero para avanzar hay que hacer buenas fotografías. Echarle muchas horas con la cámara al hombro o en el bolsillo y buscar nuevas formas de expresión.

Estos consejos se convierten pronto en lugares comunes y muchos los repiten una y otra vez. Ven un charco y tienen el instinto condicionado de voltear la cámara para conseguir una imagen que les parece única e irrepetible, para colgarla inmediatamente.

Es verdad que satisface mucho conseguir un buen disparo a la primera. En algunos viajes organizados te llevan a lugares espectaculares, te dicen los parámetros técnicos y tú solo tienes que hacer la foto. Seguro que sale perfecta, pero dudo mucho que la puedas considerar como tuya. La fotografía es mucho más que dos consejos repetidos. Si quieres mejorar, utiliza solo lo que te llame la atención y mejóralo después de ver mil libros.

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Cómo ampliar la profundidad de campo de una foto con el apilamiento de imágenes

Con estas costumbres se pierden muchos aspectos esenciales para lograr ser un buen fotógrafo: el esfuerzo, la búsqueda del estilo propio que incluye una forma de mirar... El tiempo es la clave. Y estos consejos no son más que recetas que deberían ser un punto de partida para cualquier fotógrafo. Y nunca el objetivo final de nuestras salidas.

La fotografía nocturna nos permite jugar de muchas maneras. Los límites de la luz exigen que compensemos con tiempo, con sensibilidad, apertura o una mezcla entre ellas. Esto genera distintas texturas y efectos sobre la imagen para emitir sensaciones únicas con cada toma. Apple sabe esto y por eso se han aliado con la fotógrafa finlandesa, Maria Lax, para mostrarnos cómo capturar imágenes nocturnas con un iPhone (aunque esto se puede extrapolar a cualquier móvil).

En el vídeo de la manzana conocemos el trabajo de fotografía nocturna de Maria Lax y luego la acompañamos en su proceso de capturar imágenes a través de tres conceptos esenciales para realizar fijas en la noche. En el vídeo hay un enfoque hacia el estilo colorido y de fantasía que la fotógrafa da a sus imágenes, las cuales se guían principalmente hacia la arquitectura nocturna. Se pueden activar los subtítulos por traducción automática para ver la pieza en español.

Sin embargo, podéis ver el trabajo de Maria en Instagram, donde además veréis sus experimentos en retrato y fotografía de producto. Es una fotógrafa  que se acerca a la luz de manera fantasiosa, generando imágenes de gran impacto visual para el espectador. Un trabajo muy recomendado.

Ahora, para realizar fotografías nocturnas de ensueño se necesitan tener en cuenta estos tres elementos:

• La fuente de luz: María menciona que la luz es algo muy importante, la búsqueda de luces que se vean bien, con colores llamativos. “Cualquier luz que te esté llamando, sigue esa luz” dice la fotógrafa en el vídeo.
• Experimentar mientras disparas: El siguiente elemento es experimentar con la imagen. Para ello, la fotógrafa usa filtros para realizar cambios de color  y elementos como vaselina para generar brillos y desenfoques llamativos. Esto le permite encontrar sensaciones únicas en sus imágenes. Así mismo aclara que puede que muchas fotografías salgan mal, pero si no se explora, no se consiguen resultados.
• Editar para obtener los resultados deseados: La edición es un paso muy importante. Algunas fotos que capturamos pueden no lucir bien en crudo, pero muchas veces es cuestión de ajustar el tono y el contraste para llevar la escena a los que deseamos. Es importante ver que las imágenes pasan por un proceso y que como fotógrafos complementamos la escena a través de esa edición. Mejoramos la composición, ajustamos la ruta de la mirada a través de la luz y el color.

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Creando estilos para la fotografía nocturna utilizando Photoshop

Estos son los consejos que Apple y María traen a los fotógrafos. ¿Qué otros consejos podéis compartir con vuestros colegas?

La imagen sin duda es impactante, y aunque ya os adelantamos que se trata de un meteorito cayendo muy cerca del cráter del monte Merapi (el volcán más activo de Indonesia) bien podría parecer otra cosa: una estrella fugaz o, incluso, un rayo de luz verde que se dispara desde el cráter. En cualquier caso, la foto es obra del indonesio Gunarto Song y se ha hecho muy popular en redes sociales por su evidente espectacularidad.

La imagen fue captada el pasado 27 de mayo mientras Gunarto trataba de capturar el paisaje nocturno del Monte Merapi desde un lugar con una buena perspectiva cuando desde arriba cayó un cuerpo estelar aparentemente en el mismo cráter del volcán.

El meteorito cayendo con un poco más de detalle.

Todo fue muy rápido, cosa de un par de segundos, pero el hecho de estar haciendo fotos de larga exposición, concretamente exponiendo cuatro segundos, le permitió capturar el fenómeno como una estela de luz alargada. Y eso que, según cuenta el fotógrafo, la luz tenía forma redonda.

Por si alguien está pensando que podría ser un fotomontaje, resulta que al menos dos cámaras de circuito cerrado de televisión apuntadas al volcán también capturaron el flash al mismo tiempo; eso sí, una de ellas, por la diferencia de perspectiva, muestra que no cayó exactamente dentro del cráter, aunque sí lo hizo muy cerca del volcán como se ve en el siguiente vídeo:

Meteor yang terlihat (pada detik ke 21) dari CCTV Megadata, di Merapi yang berlokasi di Kalitengah Kidul. mau coba cek cctv gunung agung sapa tau dapat juga 👀 pic.twitter.com/twL5ECvP5F

— VolcanoYT (@VolcanoYTz) May 28, 2021

Lo que sí podemos confirmar es que el objeto caído del cielo fue un meteorito que cayó en una lluvia de cuerpos estelares, ya que así lo ha confirmado la LAPAN, la agencia espacial de Indonesia, quien cree que el color azul verdoso de la estela fue a causa del contenido en magnesio del cuerpo caído.

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Cómo reproducir y/o detener el movimiento en fotografía

El caso es que Gunarto compartió la imagen en su cuenta de Instagram @gunarto_song con el título "¿Meteorito caido en la cima del Monte Merapi?" y ello le ha valido más de 30 mil likes y llegar a más de 24 mil seguidores y haber conseguido que su imagen sea viral. Por ello le felicitamos y le agradecemos que nos haya permitido compartir la foto con todos vosotros.

Gunarto Song | Instagram/ 1x

Fotografías de Gunarto Song reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hace poco nuestro satélite fue protagonista porque se confirmó que contiene agua pero estos días lo va a ser aún más porque se va a producir un fenómeno poco frecuente: una Luna llena azul en la noche del 31 de octubre; es decir en la noche de Halloween, de brujas o, según la tradición española, noche de Todos los Santos. Un hecho que no se volverá a repetir hasta el año 2039 y que, por ello, bien puede ser una excusa para lanzarnos a fotografiar la Luna.

Lo primero que hay que aclarar es que, aunque se llame "Luna azul" nuestro satélite no se verá de este color. Lo normal es que la Luna tenga el mismo tono de siempre, entre blanco leche y gris pálido, salvo cuando esté asomando por el horizonte en cuyo momento podríamos verla de un color más cálido.

Y es que el color de la Luna depende sobre todo de las condiciones atmosféricas, y desde luego no es ningún fenómeno mágico. Lo de "azul" tiene un origen complicado derivado del término inglés "belewe" (que en realidad significa "traidor"), pero lo cierto es que en la actualidad se utiliza para nombrar la segunda Luna llena de un mismo mes.

No esperéis ver una Luna realmente azul, aunque siempre se puede virar posteriormente.

Es decir, como el ciclo lunar es de 29 días y medio, es complicado que un mes tenga dos lunas llenas; sin embargo, si los dos primeros días del mes hay Luna llena y ese mes tiene 31 días, sí que podemos asistir a este hecho. La casualidad esta vez hace que esta vez coincida con una noche como la de Halloween, algo que no se volverá a repetir (como ya hemos contado) hasta dentro de muchos años. Porque el fenómeno de la Luna llena azul se produce aproximadamente cada dos años y medio (la próxima será en 2023), pero hasta 2039 no volverá a coincidir con una de las noches más mágicas del año.

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Así es como Toni Sendra hizo la foto ‘The Omega Sun’ que ha sorprendido a la NASA

Cómo fotografiar la Luna azul

Lo cierto es que, aparte de la curiosidad de fechas que hemos comentado, esta Luna no tendrá nada en especial respecto a cualquier otra Luna llena; sin embargo, sí que puede ser un hecho que motive a muchos aficionados o curiosos a intentar retratar nuestro querido satélite. Y claro, hacerlo no es algo especialmente sencillo, por lo que no está de más repasar la mejor forma de lograrlo.

Superluna sobre Three Fingers Rock, Caer Caradoc, Shropshire, Reino Unido. Foto de Andrew Fusek Peters, fotógrafo de fauna salvaje y paisaje, realizada con una Canon EOS 7D Mark II, Canon EF 500mm f/4L IS II USM, multiplicador Canon 2x III, ISO 800, 1/60 seg f/8

Claro que sí decimos que no será una Luna llena especial también queremos decir que los pasos a seguir serán los mismos que en cualquier otra ocasión. Por eso, los consejos que dábamos aquí sobre la superluna roja o estos tres mejores consejos para fotografiar la Luna son perfectamente válidos.

Pero tranquilos que no nos vamos a limitar a remitiros a esos links y vamos a hacer un repaso por los puntos esenciales, empezando por el equipo necesario. Ni que decir tiene que necesitaremos una cámara lo mejor posible, y por eso mismo hay que empezar aclarando que no, que el smartphone no es la herramienta más adecuada para este propósito. No vamos a negar que con algunos modelos concretos (los más capaces como por ejemplo éste) se puedan obtener resultados decentes, pero por las razones que vamos a enumerar a continuación en general los móviles no son lo más recomendable.

Sea como fuere, cuanta mayor resolución tenga la cámara que usemos mejor resultado deberíamos obtener, ya que lo normal es que sea difícil que la Luna aparezca muy grande en nuestro encuadre, de modo que tendremos que recortar la imagen posteriormente. Sirva de ejemplo la foto de arriba realizada en el análisis de la Sony A7C con un teleobjetivo Sony FE 100-400mm F4.5-5.6 GM OSS. A pesar de disparar a 400mm, el tamaño de la Luna no ocupa demasiado, pero al ampliarla al 100% (foto de abajo) es cuando obtenemos una imagen del satélite con un tamaño que sí nos permite verla con detalle.

Claro que no hace falta de que sea de formato completo como la mencionada Sony; si la cámara es de sensor recortado (APS-C o Micro 4/3), la distancia focal del objetivo que usemos se multiplicará en virtud del factor de recorte, por lo que podremos obtener un resultado similar, siempre dependiendo de la resolución del sensor.

A todo esto ya no hará falta decir que es más que recomendable usar un teleobjetivo para que la Luna no aparezca en la foto como un mínimo círculo en el cielo apenas apreciable. Para evitarlo, cuanto más distancia focal tenga el objetivo más podremos acercarnos al satélite (otro motivo por el cual un móvil o una cámara sencilla no es lo más recomendable para una foto de la Luna). Eso sí, siempre teniendo cuidado de que la imagen no aparezca trepidada por culpa de usar un tele.

Si no usamos un buen teleobjetivo corremos el riesgo de que el tamaño de la Luna sea tan pequeño que pierda atractivo.

Para ello, hay que recordar la regla que dice que, para lograr la necesaria nitidez, la velocidad de obturación debe ser una fracción de segundo igual o superior a la distancia focal que estemos usando. Es decir, que si disparamos con un tele de 400 mm (como el que comentábamos antes), para estar seguros de que la foto no salga movida disparando a pulso tendríamos que usar un valor de 1/400 segundos o superior.

Como es posible que las condiciones de luz no permitan disparar a estas velocidades (y exprimir el ISO no es lo más recomendable) es mejor echar mano de un trípode y de algún tipo de disparador, ambos accesorios casi imprescindibles cuando vamos a hacer una toma de larga exposición, que ya sería el caso.

Claro que si no tenemos un trípode a mano, al menos deberíamos intentar colocar la cámara sobre una superficie estable y programar el disparo con temporizador. Por otro lado, para que el astro quede totalmente enfocado es recomendable evitar el uso del enfoque automático y decantarnos mejor por enfocar manualmente.

Una buena medición de la luz y un enfoque correcto son fundamentales, aunque a veces un desenfoque aporte misterio a la foto.

En cuanto a la exposición, hay que saber que (aunque pudiera parecer lo contrario) la cantidad de luz que refleja la Luna es alta, por lo que si tenemos un teleobjetivo lo suficientemente potente como para que ocupe buena parte del encuadre, es factible disparar a pulso. Por el contrario, si no ocupa mucho no es difícil que su superficie quede sobrexpuesta, por la gran diferencia de luz respecto al entorno. Para evitarlo podemos recurrir a varios métodos, por ejemplo compensar la exposición, pero quizá es más adecuado medir la luz en la propia Luna, utilizando el modo de medición puntual de nuestra cámara (si es que lo tiene).

Por lo demás, lo ideal es usar el formato RAW, poner la sensibilidad al mínimo (normalmente ISO 100 o 200) y elegir un diafragma cercano al punto dulce del objetivo, todo ello para conseguir la mayor calidad posible de imagen. En todo caso, siempre se puede experimentar con diferentes parámetros para ver qué resultados nos da.

Situación y composición son claves

Ya hemos hablado de aspectos técnicos pero no podemos olvidarnos de otros que pueden parecer menores pero sin duda no lo son para lograr una foto de la Luna llena azul de Halloween. Y más teniendo en cuenta que, a diferencia de lo que ocurre con el sol, la Luna no sale siempre por el mismo sitio. Por eso es muy importante estudiar el terreno previamente y recurrir a aplicaciones como Photopills que nos ayudan a localizar los lugares adecuados para ver salir nuestro satélite.

Si la situación no es adecuada, la foto puede resultar simplemente anodina.

Por ello es importante buscar un buen lugar, lo más elevado que sea posible y alejado de la contaminación lumínica. Por tanto, en la medida de lo posible conviene alejarnos de zonas urbanas. Si no es posible, siempre podemos buscar un parque desde el que hacer las fotos, comprobando previamente que no haya fuentes de iluminación cercanas o buscando su punto más alto.

También es importante estar atentos a la previsión meteorológica y esperar que la climatología sea adecuada. Y es que, evidentemente, si el cielo está totalmente cubierto ni siquiera podremos ver la Luna. De todos modos, las nubes también podrían convertirse en nuestras aliadas si nos permiten verla (al menos en algún momento) porque esto podría aportar un interesante misterio a la fotografía (muy adecuado para la noche de Halloween).

Por otro lado, y dado que es posible que no tengamos el equipo más adecuado para (según os hemos contado) conseguir que la Luna ocupe la mayor parte del encuadre, es muy interesante buscar algún entorno en el que haya algún elemento adicional de interés. Es decir, se trataría de incluir la Luna dentro de una escena más amplia, quizá que cuente una historia, lo que puede resultar ideal en un contexto como éste.

Para ello nos interesa recordar la Regla del 100 que nos explicaba Toni Sendra a propósito de una foto del sol: "por cada 100 metros de distancia, la Luna o el sol tendrá un tamaño aparente de un metro". Por tanto, si queremos hacer una foto incluyendo algo de lo que conocemos su tamaño (por ejemplo un campanario que mida quince metros), sabremos que si nos situamos a unos tres kilómetros del elemento, la Luna al salir por detrás tendrá un tamaño relativo de unos 30 metros, el doble del campanario, con lo que quedará muy bien.

La superluna sobre St Pauls, Londres, Reino Unido. Foto de Andrew Fusek Peters (fotógrafo de fauna salvaje y paisaje) realizada con una Canon EOS 5D Mark IV, Canon EF 70-200mm f2.8L IS III USM, multiplicador Canon 1.4x II, ISO 1250, 1/100 seg f/4

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Cómo conseguir la máxima nitidez en fotografía de larga exposición

Pero claro, para eso tenemos que saber desde dónde hacer la foto (a la distancia indicada) y tener en cuenta que estemos en la perspectiva correcta para ver aparecer el satélite justo por detrás de donde queremos... ¿Entendéis por qué hablábamos de la importancia de la planificación?

En cualquier caso, si seguís estos consejos seguro que podréis conseguir una buena foto de la Luna llena azul de Halloween. Y si no, al menos es probable que os haya "picado el gusanillo" y estéis deseando que llegue el próximo eclipse o la próxima superluna para poner en práctica todo lo que os hemos contado.

Puede parecer una toma sencilla, pero hacer una foto solamente con la luz de una vela es todo un reto que cualquier fotógrafo novato (al que va dirigido principalmente este artículo) debería afrontar. Más que nada porque es un excelente ejercicio para empezar a dominar los secretos de la luz y del triángulo de exposición de la cámara. ¿Te atreves?

Ya decimos que es algo que parece fácil, pero conseguir una buena instantánea de este tipo pone en juego un montón de aspectos importantes de la fotografía: Iluminación, apertura, sensibilidad, movimiento y, por supuesto, la velocidad de obturación. Todo ello lo vamos a ir repasando para ver cómo conseguir una buena fotografía a la luz de las velas

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Estas son las razones básicas que pueden explicar que tus fotos no sean lo nítidas que esperabas

Lo primero, trípode

Es evidente que hablamos de una toma con una cantidad de luz muy baja, motivo por el cual es más que probable que tengamos que realizar una exposición relativamente larga. Por este motivo, es más que recomendable utilizar un trípode, y algún tipo de disparador remoto, para evitar cualquier clase de trepidación producida por un movimiento involuntario de la cámara.

Otra cosa es la posibilidad de que la llama de la vela se mueva, para lo cual tenemos que elegir un lugar en el que no haya corrientes de aire (por supuesto en interior). Aun así, la llama es algo muy sensible por lo que puede que las cosas no salgan bien a la primera. Eso sí, tampoco descartes la posibilidad de que la llama aparezca movida, una opción creativa que puede dar mucho juego.

La importancia de medir bien la luz

La medición correcta de la luz en este tipo de fotografías va a ser la clave para conseguir buenos resultados. Hablamos de un entorno donde apenas hay iluminación, salvo la de la vela (por supuesto ni que decir que nada de flash), que en esta situación será un foco de luz intensa (comparada con el resto). Por ello, es necesario utilizar el modo de medición puntual de la cámara para determinar de la manera más exacta la cantidad de luz que hay en ese punto clave de la foto.

Aun así, dependiendo de la escena o si usamos otros tipo de medición, puede ser recomendable subexponer la toma a través de la compensación de exposición para que la llama de la vela no aparezca demasiado brillante (quizá quemada) y que su resplandor se vea perfectamente. Aun así, dependerá de la toma y de nuestra cámara, por lo que lo mejor es ir probando.

Parámetros de exposición

A la hora de elegir la exposición, puedes disparar en modo totalmente manual o en alguno semiautomático, lo importante es poder decidir los parámetros de acuerdo a lo siguiente: primero la sensibilidad, en la cual podríamos elegir un valor alto para captar más luz, pero lo ideal es elegir el valor más bajo para evitar el ruido. En cuanto al diafragma, podemos inclinarnos por abrir al máximo (y lograr así el mayor desenfoque) pero, ya que vamos a usar trípode, casi es mejor elegir su punto dulce para lograr la mayor calidad.

En base a lo anterior, será momento de decidir la velocidad de obturación que, como decíamos, probablemente será larga, puede que de varios segundos. No habrá problema siempre que usemos bien el trípode, disparemos sin tocar la cámara y logremos que no haya aire que pueda mover la llama de las velas.

Otras cosas a considerar

Por supuesto, como casi siempre, recomendamos disparar en RAW para tener mayor flexibilidad luego en el retoque. Si no es el caso, es importante desactivar el balance de blancos automático y ajustarlo a una temperatura de color de entre 2.000 y 3.000º Kelvin; eso sí, ten en cuenta que si usamos uno que corrija las típicas dominantes anaranjadas de este tipo de fotos el resultado será irreal (como siempre, lo mejor es ir probando).

En cuanto a la ubicación elegida para la foto, en principio (y si no hay otra fuente de luz) no deberías tener que preocuparte por el fondo, ya que lo normal es que salga subexpuesto: Aun así, es evidente que lo mejor es buscar una perspectiva donde el fondo sea algo uniforme y oscuro.

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Lista completa (para principiantes) de las cosas que no debemos olvidarnos de ajustar al hacer una foto

Conclusion

Si seguimos estos consejos ya podríamos tener una foto técnicamente buena; y ahora sería el momento de plantearnos nuevos retos, como composiciones más arriesgadas, por ejemplo con varias velas, o añadiendo otras luces más tenues de fondo, preferentemente desenfocadas para que aparezcan como bonitos puntos de luz gracias al bokeh.

Foto de Andres F. Uran

Con esto hemos acabado de contar cómo lograr una buena fotografía de una vela, pero como sabemos que habrá quien se lo pregunte ya lo adelantamos: sí, es posible hacer este tipo de fotos con un móvil, pero lo más seguro es que los resultados no sean buenos (sobre todo si lo hacemos a mano). También se pueden usar los modos dedicados para ese tipo de situaciones que ofrecen muchas cámaras, pero siempre con trípode y teniendo en cuenta que lo que hará la cámara es tratar de aplicar por sí sola los ajustes que te hemos contado.

Foto de portada | David Monje

A menudo os recordamos que nuestro buzón está siempre abierto para recibir popuestas y sugerencias, y de vez en cuando recibimos algunas tan curiosas como la de Santiago Olay (alias "Santiago el Marino"), un marino mercante aficionado a la fotografía que se encuentra embarcado (y sin relevo a la vista por culpa de la cuarentena), y se dedica a hacer fotos de la Vía Láctea y la bioluminiscencia desde el barco para llevar mejor sus días.

Santiago trabaja de primer oficial en un buque de transporte de mercancías que se encuentra actualmente en el mar. Normalmente su periplo a bordo dura unos 75 días pero “esta campaña me tocó embarcar justo un par días antes de que el COVID-19 se convirtiera en algo tan grave en España que hubiese que decretar el confinamiento”.

Por ello, no sabe cuándo podrá desembarcar aunque, según nos cuenta, “lo peor no es tener que hacer una campaña más larga de lo normal, que viendo la que está cayendo por el mundo pues tampoco nos vamos a quejar, nos toca arrimar el hombro y cumplir con nuestra parte. Lo realmente malo es saber que si mientras estamos embarcados ahora mismo, le pasara cualquier cosa a nuestras familias en casa, no sabemos cuando podríamos volver para estar con los nuestros”.

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“Con paciencia y pasión se logran resultados sorprendentes”, Jorgelina Álvarez, astrofotógrafa (que estuvo un año en la Antártida)

Claro que Santiago cuenta con la fotografía para llevar mejor los días embarcado. Siempre fue aficionado y empezó a hacer fotos en los barcos con una réflex de película y compactas digitales. Pero desde hace un par de años dio el salto a una DSLR (una Nikon D750) “sobre todo porque me interesaba la capacidad de fotografiar en condiciones de muy poca luz”.

“Empecé a compartir una foto todos los días en Twitter y por WhatsApp para animar un poco a la familia y amigos que ahora tenían que estar encerrados en casa. Como la reacción era positiva, me animé a ponerlas también en Instagram”.

“Intento capturar las cosas que a la gente le llamen más la atención, como la Vía Láctea o la bioluminiscencia, que en ciertas ocasiones puede llegar a ser un fenómeno francamente impresionante […] también dar a conocer un poco cómo es la vida de los marinos a bordo que es algo muy desconocido y rodeado de un montón de leyendas y estereotipos centenarios”.

Como os podéis imaginar, hacer fotos en un barco y con poca luz es todo un reto que Santiago ha ido superando a base de ensayo y error. “El método al que he llegado (al menos de momento) es el siguiente: Ajusto el ISO de la cámara al máximo nativo, que en este caso es 12.800, abro del todo el diafragma, en mi caso ƒ1.4 o ƒ 1.8 dependiendo de la lente, y empiezo con una velocidad de obturación de tres segundos”.

“Con enfoque siempre en manual —continúa—, enciendo la pantalla trasera y hago zoom en alguna estrella para intentar enfocar lo mejor posible, y una vez listo el enfoque vuelvo al visor óptico. Intento componer lo mejor posible usando el visor o si la cámara está en una posición extraña hago una foto de prueba, la reviso y muevo la cámara si no me convence el resultado, hasta que me guste”.

Los objetivos que lleva a bordo son un Samyang 24mm f1.4 (el que más usa para las capturas nocturnas), un Tamron SP 35mm f1.8 y un Nikkor AF-D 50mm f1.8. Pero su idea es “añadir próximamente alguno entre 12-15 mm”. Y para mitigar al máximo los movimientos del barco utiliza un trípode de sobremesa Cullmann Magnesit Copter “que es el único pequeño que he encontrado que aguante bien la cámara”.

Sobre el momento del disparo nos cuenta que “al principio solía poner el intervalómetro y dejar la cámara sacando fotos, pero la vibración era un problema, así que ahora lo que hago es dispararlas yo a mano mientras sujeto la cámara y el trípode uno con cada mano para amortiguar las vibraciones todo lo posible”.

“Más complicado —continua— es lidiar con los movimientos de cabeceo, balances y guiñadas del barco. Lo que suelo hacer es básicamente esperar a los días que hay buen tiempo, ajustar la duración de la exposición dependiendo de lo que se mueva el barco y hacer decenas y decenas de fotos”.

“Luego las paso al ordenador para poderlas ver con comodidad al 100% y voy cribando poco a poco hasta que me quedo con la mejor de cada composición. A veces son unas pocas, pero otras veces no me quedo con ninguna, pero aun así disfruto del proceso y es tan fácil como volver a intentarlo otro día”.

Sin duda un proceso complejo en el que también entran en juego otros factores: “tengo que tener en cuenta que los barcos en los que navego transportan mercancías peligrosas, así que me tengo que mantener fuera de las zonas peligrosas, en las que solo se pueden utilizar equipos electrónicos intrínsecamente seguros. De todos modos llevo un detector portátil de gases por si acaso”.

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Gracias a la fotografía, Santiago lleva mucho mejor estar lejos de la familia, sobre todo en una situación como la actual: “Al final de lo que más estoy disfrutando es de la reacción de la gente, lo que me van comentando muchas veces como válvula de escape de todo esto, e igual por mi parte, que de momento estamos literalmente encerrados en los barcos sin posibilidad de relevos en el horizonte próximo, mientras se espera de nosotros que sigamos entregando las mercancías con puntualidad”.

“También me sirve —concluye— como incentivo para intentar sacar adelante una imagen bonita cada día, y así sobre la marcha voy aprendiendo cada día un poco más. Además si sirve para que la gente se anime y saque la cámara de la bolsa y empiece a tomar fotos y experimentar ¡pues tanto mejor!”

Estamos totalmente de acuerdo con Santiago y le agradecemos mucho que nos haya contado su historia y compartido sus fotos. ¡Mucha suerte y ánimo!

Santiago El Marino | Instagram | Twitter

Fotografías de Santiago Olay reproducidas con permiso del autor para este artículo

Muchas veces hemos hablado de la importancia del fondo en los retratos, y cómo podemos difuminarlos de alguna manera para dar mayor protagonismo al retratado. Pues bien, una de las técnicas más complejas que podemos utilizar es recurrir al uso del movimiento; justo lo que hicieron Nick Salazar y Eduardo Asenjo en su serie ‘Lotus flower’.

De Eduardo ya os mostramos hace tiempo como le encanta jugar con la larga exposición diurna en sus fotos. A Nick Salazar no le conocíamos, pero nos cuentan que se dedica a la fotografía de bodas y al retrato. Los dos son chilenos, amigos y fotógrafos y siempre tuvieron “la idea e inquietud de mezclar nuestros proyectos hasta que sucedió”.

Fue a mediados de septiembre (una época festiva en Chile), cuando por fin pudieron juntarse (viven en zonas alejadas) y encontrar a la tercera persona que necesitaban para su idea. Algo que no fue fácil: “estuvimos buscando modelos para la ocasión pero no encontrábamos a nadie que se dedicará 100% al tema” Finalmente encontraron a Yesenia, quien también viajó desde otra región chilena para hacer una sesión express “solo lo haríamos en un par de horas”.

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Con los nervios y la ansiedad por tener que realizar este proyecto en tan poco tiempo, por fin se reunieron y empezaron en la primera localización, el mercado fluvial de Valdivia: “Un lugar perfecto por la cantidad de personas y colores —cuenta Eduardo—, primero comenzamos a probar si realmente funcionaría toda la idea que teníamos y después de varios intentos comenzó todo a fluir como queríamos”.

Como os podéis imaginar, la cosa no estuvo exenta de dificultades: “Las velocidades eran distintas ya que las personas se mueven mas lento y es muy complejo encontrar el momento exacto para disparar, tiene que existir una sincronización perfecta entre la modelo y el fotógrafo, para nuestra suerte Yesenia es una modelo increíble y nos comunicamos perfectamente durante la sesión”.

Después probaron con otros lugares y “al mezclar nuestros proyectos se nos ocurrió movernos a la naturaleza para generar el efecto de desenfoque de movimiento, con lo cual fuimos al Jardín Botánico de la Universidad Austral y WOW! Nos fue increíble con todo. El día y el clima nos acompañó ámpliamente y con todo a favor, la alegría de Yesenia, buenas locaciones, las ganas de trabajar juntos logramos un trabajo muy lindo cómo primera experiencia”.

Aún así, para conseguir algunas de las tomas, tuvieron que recurrir a alguna ayuda “externa”. Y es que, el viento no acompañó lo suficiente de modo que “cuando las ramas eran delgadas bastó esperar al viento, pero cuando eran un poco más gruesas uno de los dos movió un poco las ramas… Solo contábamos con dos horas para la sesión”.

Sea como fuere el resultado de ‘Lotus flower’ (nombre inspirado, por cierto, en la canción homónima de Radiohead) es muy interesante, y parece mentira que pudiesen hacerlo en tan poco tiempo. Sin duda una buena idea que esperemos puedan desarrollar más adelante y con mayor tranquilidad.

Nick Salazar | Página web | Instagram

Eduardo Asenjo | Página web | Instagram

Fotografías de Nick Salazar y Eduardo Asenjo reproducidas con permiso de los autores para este artículo

Está claro que la fotografía de larga exposición es una técnica que permite mil y una posibilidades, como por ejemplo el ligh-painting. Pero recrear una escalada en roca ilustrando el camino a través de luces led de colores, como hace Luke Rasmussen en su serie ‘Climbing Inspire’, es algo de lo más curioso y original.

El propio autor denomina sus imágenes como “experimentos de fotografía de larga exposición”, y nos cuenta que la escalada estuvo siempre presente en su vida al haberse criado en Utah (EE.UU), al lado de las montañas del Colorado. Sin embargo, lejos de lo que podríamos pensar, de niño era el típico nerd incapaz de escalar nada. Pero un día, cuando por fin logró subir a su primera pared (artificial), su padre le ayudó a perfeccionar su técnica y se aficionó tanto que lleva 16 años subiéndose a todo tipo de rocas, incluidas algunas de extrema dificultad.

En cuanto a la fotografía, su idea es tratar de capturar el tiempo congelándolo en un instante: “Una foto es una instantánea del momento, pero no una instantánea del tiempo —nos cuenta— El tiempo es esa acumulación de momentos, agregando a cada momento pasado, presente y futuro. La fotografía tradicional no nos permite captar eso. Mi fotografía es un intento de hacerlo. Es un intento, de alguna manera, de capturar el paso del tiempo y congelarlo en un solo momento”.

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Por tanto, sus fotos son “una oportunidad de reflexionar sobre el paso del tiempo” para lo cual realiza un elaborado proceso. Lo primero, según nos cuenta, es configurar la cámara (una Sony A7 R II) y hacer un par de tomas de prueba para elegir determinar la mejor composición. Luego conecta la cámara al smartphone que utiliza como disparador remoto (salvo que haya alguien en tierra que le ayude).

Normalmente dispara en modo B de manera que abre el obturador cuando empieza a subir y lo cierra cuando llega a la parte superior; Claro que eso sólo es en escaladas cortas, de unos diez minutos o menos. Si es una subida larga, entonces configura la cámara para hacer series de fotos de 30 segundos de exposición que, más tarde, combina en Photoshop.

En cuanto a los LED, Luke nos cuenta que son programables y tienen un control remoto que permite diferentes modos de uso. “Por lo general los configuro para que cambien de color automáticamente cada dos segundos aproximadamente, pero depende de lo alto que sea el ascenso y a qué velocidad pueda escalarlo”. En rutas más largas, escala con el control remoto en su bolsillo para poder cambiar el color manualmente cuando llega a ciertos lugares marcados en la ruta.

“Las luces (que funcionan con una batería que lleva en su mochila de cintura) están pegadas con cinta adhesiva a mi torso y se extienden por el lado izquierdo de mi espalda, arriba y abajo de mi brazo izquierdo, a través de mis hombros, arriba y abajo de mi brazo derecho, por el lado derecho de mi espalda y dando una vuelta a mi cintura”.

Una elaborada técnica con la que consigue imágenes tan espectaculares como las que estáis viendo, en las que, por aquello de las largas exposiciones, se añaden efectos como rastros de estrellas o fotos circumpolares.

Su próximo reto es conseguir una buena fotografía de algunas rutas más largas (más de 100 pies), más interesantes para él como escalador y, en algunos casos, con significado personal para Luke. Pero para ello aún necesita resolver ciertos problemas logísticos, tanto a nivel escalada como fotografía, porque esas rutas necesitan muchas horas, puede que un día entero. Sin duda estamos seguros de que lo conseguirá y, por supuesto, le deseamos mucha suerte.

Luke Rasmussen | Página web | Instagram

Fotografías de Luke Rasmussen reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hemos hablado mil veces de la ansiada nitidez, una característica que solemos asociar con una buena fotografía. Por supuesto, si hablamos de ámbitos como el paisaje, la nitidez es muy importante, pero en muchos otros no lo es tanto. De hecho, una foto trepidada o con un desenfoque producido por el movimiento también puede ser una gran idea, como vamos a ver a continuación.

Conseguirlo es sencillo en teoría, porque simplemente basta con usar una velocidad de obturación lenta. Pero ni todas las situaciones son iguales, ni es lo mismo exponer 1/15 segundos que hacerlo durante minutos, ni consecuentemente obtendremos los mismos resultados. De hecho, desde el momento en que elegimos disparar a estas velocidades entra en juego el factor incertidumbre.

Foto de Ahmad Odeh

Básicamente porque nunca podemos saber qué resultado vamos a obtener y, además, siempre será distinto a lo anterior. Por ello, estas técnicas tienen mucho de experimentación (la práctica y la repetición son fundamentales) y de creatividad. Así que vamos a ver distintos modos de jugar con la trepidación y el motion blur (desenfoque producido por el movimiento).

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Cuando es la cámara la que se mueve

Como sabemos, la trepidación en fotografía se puede producir por dos motivos: Que lo que aparece en el encuadre se mueva durante la exposición o que la propia cámara sea la que se desplaza (de algún modo) produciendo dicho efecto. Esto último puede ser accidental (en cuyo caso no tiene nada de creativo) o producido ex profeso en busca de un efecto creativo concreto.

Foto de Holger Link

Dependiendo de lo que queramos conseguir podemos hacerlo en diversos grados, desde una leve trepidación (producida por una velocidad ligeramente menor de la que sería necesaria) que produzca un efecto poco perceptible, hasta un efecto muy potente cuyo resultado entre de lleno en el terreno de la foto abstracta.

Esto se consigue con exposiciones largas (desde 1/10 seg en adelante) y moviendo la cámara de forma aleatoria o, mejor, en alguna dirección que pueda potenciar las formas que haya en la escena. Para que sea totalmente abstracta es necesario que la cámara esté en movimiento durante toda la exposición, porque si no seguramente habrá algunas zonas o elementos que conserven cierta nitidez. Por supuesto, los resultados son muy aleatorios, más cuanto mayor sea la exposición y más movamos la cámara.

Barridos de movimiento

El anterior efecto se consigue con un movimiento “arbitrario” (por llamarlo de algún modo) que realizamos con la cámara y de forma independiente a la acción que haya en el encuadre, pero ¿qué sucede si en la escena también hay movimiento? Pues, lógicamente, en ese caso la trepidación final puede multiplicarse al sumarse dos movimientos, pero también hay una forma creativa de contrarrestarlo.

Foto de Timon Studler

Se trata del barrido, una técnica que seguramente conocerás que consiste en seguir con la cámara el movimiento de un sujeto que se desplaza delante de ella en perpendicular El resultado, si está bien logrado, es que podemos llegar a obtener una imagen con el sujeto que se mueve muy definido sobre un fondo totalmente borroso, lo que suele resultar muy espectacular.

La técnica para lograrlo ya la explicamos, pero os resumimos: Se trata de seguir al sujeto con la cámara haciendo una panorámica (es decir, moviéndola sobre su eje) y usando una velocidad de obturación a partir de 1/30 segundos que permita captar una parte del movimiento. Este dato es, como siempre, una referencia, pero en este caso lo es aún más dado que depende mucho de la velocidad a la que se mueva el sujeto a captar.

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Otra opción similar al barrido, tanto en resultados como en técnica, es el zooming, que consiste en mover el anillo del zoom durante la exposición de manera que cambie el encuadre y la perspectiva. No se trata, por tanto, de mover la cámara pero sí el objetivo que, como es evidente, tiene que ser de distancia focal variable.

Foto de Teeejayy

Por otro lado, como en el caso anterior, para lograr un efecto completo es necesario que el zoom esté en constante movimiento durante toda la exposición. Esta, de nuevo, podemos fijarla como norma general alrededor de 1/10 segundos, aunque como en todos los casos se trata de ir probando a ver qué sale.

Porque los resultados pueden ser muy aleatorios, aunque si lo hacemos bien obtendremos una imagen muy llamativa que parece difuminarse partiendo de un punto central relativamente nítido, lo que también suele producir sensación de profundidad. Con escenas de gran colorido puede ofrecer resultados muy vistosos, aunque es un efecto del que conviene no abusar porque es muy poco realista.

Movimiento dentro de la foto

Y si en las técnicas anteriores hemos dicho que es la cámara la que se mueve (bueno, en el caso del zooming no en sentido estricto), en las siguientes de las que vamos a hablar la trepidación se produce por un movimiento dentro de la imagen. Es decir, porque algo se mueve en el encuadre y, por tanto, el efecto se puede conseguir incluso aunque la cámara esté montada en un trípode (y no se mueva lo más mínimo).

Foto de Hybrid

Una vez más la clave está en usar una velocidad de obturación relativamente baja, pero por supuesto no vamos a hablar del caso en que esto se produzca de forma casual (porque estemos usando una velocidad inadecuada para detener el movimiento que se produce en la escena), sino de realizarlo intencionadamente con unos fines.

Como en el caso de las fotos en las que lo que se mueve es la cámara, dependiendo de cuan larga sea la exposición conseguiremos unos efectos más o menos acusados, desde una leve trepidación en los sujetos que se mueven combinado con una escena perfectamente nítida, hasta unos efectos muy pronunciados que entran dentro de lo que es fotografía de larga exposición.

Foto de Kieren Andrews

En el primer supuesto, incluyendo algo de movimiento, podemos obtener una imagen con un claro efecto de dinamismo (ideal por ejemplo en foto deportiva). De nuevo, los resultados son difíciles de predecir y dependen de la situación, pero a partir de 1/60 o 1/30 segundos podemos conseguir el efecto. La práctica de nuevo es la mejor receta, y aunque seguro obtendremos muchas imágenes fallidas, cuando funcione los resultados pueden ser impresionantes.

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Usando velocidades de obturación un poco más largas, tenemos un amplio abanico de posibilidades. Por ejemplo captar escenas donde haya muchos sujetos en movimiento y que aparezcan borrosos sobre un fondo interesante que sea reconocible o destaque. También de hacer esto mismo pero con un sujeto principal estático; Es decir, hacer que alguien permanezca estático dentro de una escena en la que haya mucho movimiento. Como veis, las posibilidades son de nuevo muchísimas y el límite sólo está en nuestra propia creatividad.

Foto de Mario Calvo

Efecto seda y otros

En el caso más extremo, hablamos de conseguir cosas como el efecto seda, que seguro habrás visto mil veces en fotos de ríos y cascadas, y que consiste en difuminar el movimiento del agua (aunque también se hace con las nubes) gracias al uso de una larga exposición.

Foto de Adrien Ledoux

La velocidad a usar, una vez más, depende mucho de la situación, porque no es lo mismo retratar un cascada en la que el agua caiga rápido (en cuyo caso podría bastar una velocidad sobre 1/15 seg) que la orilla del mar un día de calma, donde conseguir el efecto podría necesitar un par de segundos o más. Sea como fuere, los resultados (si se hace correctamente) suelen ser muy llamativos.

Además del efecto seda, seguramente ya sabrás que hay muchas otras opciones que, relacionadas con la larga exposición, producen borrosidad en la imagen. Hablamos de cosas como las estelas de luz, los fuegos artificiales o, incluso, el lightpainting y las fotografías circumpolares, todas ellas prácticas muy recomendables.

Foto de Martin Adams

Todas son un campo abierto para probar y experimentar. Justo lo que mejor define este tipo de imágenes en las que la trepidación o el desenfoque de movimiento no sólo no son un defecto (por falta de nitidez), sino que pueden ser muy atractivas y hasta convertirse en la clave de una buena imagen.

Foto de portada | 'Por la puerta de Alcalá' de Óscar Condés