Hugo Rodriguez es de esos fotógrafos cuyo trabajo de divulgación merece la pena seguir. Como docente, no hay que negar su gran rigor a la hora de abordar el lado más técnico de la fotografía, en especial lo que concierne a la gestión del color, algo en lo que ya es un referente. Y esto se refleja especialmente en sus libros.

La fotografía parece que es un campo muy dinámico en el que es difícil estar siempre al día. Últimamente estamos viendo como muchos autores (es el caso, por ejemplo, de Jose María Mellado) están reescribiendo sus libros para adaptarlos a los tiempos actuales, creando obras completamente nuevas que permiten a los nuevos fotógrafos sumergirse en la misma experiencia didáctica que sus antecesores.

Es el caso de “Calibra el Monitor”. Según Hugo Rodriguez, le ha llevado más de un año el trabajo de renovar aproximadamente el 80% de los contenidos de la edición anterior. En este caso, era especialmente necesario, pues los dispositivos (monitores, calibradores, impresoras, etc) y las técnicas de calibración cambian más rápido que la propia fotografía. Y el producto, es un nuevo libro.

“Calibra el Monitor”: imprescindible

Ciertos temas como la calibración del monitor, no suelen recibir suficiente atención en los manuales de fotografía. El motivo es que a muchos no les parece una tarea importante. A otros, simplemente una tarea demasiado engorrosa o complicada sólo al alcance de expertos.

Hugo Rodriguez trata esta temática de forma precisa y exhaustiva, pero de una manera muy digerible para neófitos. Yo comencé a seguirle al principio de los tiempos, cuando todavía no prestaba demasiada atención a eso de los perfiles ICC o las curvas gamma. Cuando todavía estás aprendiendo, es común pensar que tus fotos símplemente se ven bien y con eso basta. Piensas que un monitor de 150 euros es más que suficiente para trabajar en fotografía. Que el calibrador o la tarjeta de color es un sacacuartos.

Cuando comienzas a aprender un poco más sobre fotografía, reparas en que con un monitor mal calibrado es difícil sacarle partido al color de ciertas fotografías, o que la versión que el laboratorio te imprime no se parece nada a lo que veías en tu pantalla. Y entonces comienzas a necesitar buscar información sobre el tema. Pero te das cuenta de que no hay gran cosa publicada en papel, y que la información que se encuentra en internet es poco precisa e incluso contradictoria. En ese momento, un libro como éste, puede resultar muy útil.

Si es ahora cuando comienza a interesarte este tema, este libro puede ser el que necesitas. Porque esta nueva edición ha venido cargada de actualizaciones. Está adapatada a las últimas versiones de los sistemas operativos (Windows y Mac), un análisis de los últimos calibradores del mercado (EyeOne DisplayPro, Spyder4, Colormunki…), un análisis de las principales soluciones avanzadas de software para calibrar, e incluso se acompaña de materiales de descarga si lo complementamos con los materiales que Hugo publica en su web.

Conclusión

El libro no está redactado como el típico manual de fotografía. No es un libro pensado para no ser terminado y acabar como herramienta de consulta esporádica en la estantería de casa. En general, todos los libros del autor se pueden leer de un tirón desde el principio hasta el final. Están redactados con un estilo narrativo que nos hace creer que estamos participando en una “master class”. Y eso se agradece.

Su precio, bastante ajustado, también ayuda. A mi personalmente, me ha resultado más útil este libro que otros más comerciales que no suelen bajar de 50 euros. Es de justicia que en tiempos de crisis se haga hincapié en esto.

Si a eso le unimos que este puede ser uno de los libros que trata con más rigor y exhaustividad el tema de la calibración del monitor, puedo afirmar que sería muy recomendable para cualquier fotógrafo interesado en este tema.

Calibra el Monitor

Hugo Rodriguez

• Editorial: Marcombo
• Precio: 19,90 euros
• Encuadernación: Rústica
• Páginas: 302
• Tamaño: 21 cm
• ISBN: 9788426719942

Un libro que aborda la problemática del color en pantalla desde el punto de vista del fotógrafo, pero también del diseñador, del webmaster, del retocador… Porque un tema complejo no tiene porqué suponer necesariamente un libro difícil… sino todo lo contrario. Por eso, las explicaciones son paso a paso, con imágenes grandes y bien legibles, maquetación sencilla, sin tecnicismos innecesarios y con un glosario al final del libro.

Aprovechando el post de nuestro compañero Rodrigo de hoy donde nos hablaba del fotolibro como uno de los fines de las fotografías, vamos a adentrarnos en la trágica historia acaecida en los años 50 en Nebraska donde dos adolescentes asesinaron a diez personas en el trascurso de tres días.

Lo que a ellos les llevó tres días, a Christian Patterson, nuestro fotógrafo protagonista, le ha llevado cinco años de trabajo. Una labor casi policíaca que le ha permitido obtener como resultado un fotolibro donde nos muestra a través de escritos y fotografías, ciertos aspectos de aquellos asesinatos en serie.

Antes de seguir, me gustaría que echáseis un vistazo al vídeo donde se analizan sus páginas con bastante precisión, y donde os encontraréis un libro de fotografía diferente en cuanto al material que solemos tener a nuestro alcance, pero absolutamente conceptual y contemporáneo en su formato interior.

Como habréis observado, es un libro común en su forma, pero no en su contenido, sobre todo por el tipo de fotografía donde la anarquía a la hora de presentar imágenes en blanco y negro, junto a paisajes o detalles más concretos, distan un poco de la homogeneidad a la que muchos estamos acostumbrados. Y todo ello porque representa los formatos de la fotografía forense, del paisaje documental y del fotoperiodismo.

Su rareza como fotolibro

Publicado por la editorial inglesa MACK, fue nominado en los premios de 2012 Kraszna-Krausz y resultó ganador del Recontres d’Arles Author Book Award, también en el mismo año. Alabado por la crítica, viene a ser como una gran carpeta donde se incluye el material documental de un caso que se hace atractivo para el espectador en cuanto que parece un rompezabezas, cuyas piezas hay que ir conectando para desvelar (o no) el misterio.

Claro está que si sólo tuviésemos acceso a las imágenes, nunca diríamos que se trata del relato de aquella historia de asesinatos. Y aquí es donde el fotolibro cobra sentido en su conjunto. Las imágenes se retroalimentan de los textos, de las anotaciones, del prólogo que se presenta en una separata fuera de los márgenes físicos del libro.

Lo que nos aporta y le ha aportado

Si por algo os he traído este fotolibro a Xataka Foto es por el hecho de que lo podemos tomar como el ejemplo perfecto de cómo llevar a cabo un proyecto fotográfico. Para Christian Patterson el motivo fue el de la historia de los asesinatos de Nebraska, lugar al que apenas regresaba por periodos de seis a siete días en el trascurso de cinco años.

El resto del tiempo lo utilizaba para ir componiendo las piezas, para la búsqueda de información y para intentar ir configurando las páginas de un libro que fue cambiando de rumbo en varias ocasiones. Después elegía una semana al año para viajar al lugar de la tragedia y allí poder condensar en poquísimo tiempo la toma de fotografías y otros materiales. Si en ese tiempo aún le quedaban flecos, lo debía dejar para el año siguiente. Y así sucesivamente.

En resumen

Le supusieron cinco años de trabajo, pero imaginad el crecimiento y la paciencia y con ello la experiencia que todo este proyecto le ha aportado. Como curiosidad os cuento que este fin de semana estará en Madrid dando un taller para la escuela Blank Paper y el viernes dará una charla abierta también en sus instalaciones. Si su trabajo os inquieta y os gustaría plantearle preguntas, no perdáis la oportunidad ya que no siempre tenemos la suerte de contar con autores así en la capital.

Más info sobre este fotolibro | La Fábrica Editorial
Fotógrafo | Christian Patterson

1. Decidir qué tipo de libro de fotografía necesito

Decidir qué tipo de libro de fotografía necesito es la cuestión más importante a resolver. En caso de duda, elige un libro de fotografía de autor. Uno que te

Tony Hall

2. Mirar varios sitios

Ah, no dejes de echar un vistazo a las ediciones digitales de algunos de los libros. Casi siempre más económicas que las versiones impresas y para libros de técnica puede ser una opción interesante de ahorro.

3. No dejes de visitar tu librería habitual

4. Gastos de envío

Tanto si es un sitio online como la librería de la vuelta de la esquina, entérate bien de los gastos de envío en el caso de tener que pedir el libro o bien que venga desde el extranjero. Aunque no es lo habitual, suele darnos rabia enterarnos de un sobreprecio a la hora de hacer el pago tanto sea en mano como al finalizar una transacción online.

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En Xataka Foto | Libros de Fotografía

Fotografía de portada | Mr. T in DC

Como madrileño perteneciente a la generación del babyboom, la movida madrileña me sigue fascinando, pues forma parte del escenario en el que viví mi niñez y adolescencia. Por eso, cuando me propusieron escribir sobre este nuevo ebook de La Fábrica sobre Ouka Leele, no pude evitar empezar a documentarme con la ilusión del que abre un viejo álbum de fotos y recupera su infancia.

En muchas culturas occidentales, la desesperanza punk y el nihilismo existencialista vinculados a una juventud a la que toca vivir una crisis socioeconómica, se suelen manifestar en forma de revolución social que en ocasiones encuentra su máxima expresión en el arte. España, por razones que todos conocéis bien, se perdió muchas de esas revoluciones, y no pudo experimentar la suya hasta principios de los ochenta.

En ese momento el arte se convierte en una orgía de colorido sin ideología, reflejo de esa juventud que comienza a descubrir el desmadre sexual, las drogas, el “petardeo” y la libertad callejera. Libertad que otras ciudades españolas habían perdido por culpa de disputas políticas que no interesaban mucho a la nueva generación, y que provocaba que gran cantidad de artistas peregrinaran al epicentro de esta nueva ola: Madrid.

Y uno de esos grandes exponentes artísticos de esa Movida, es precisamente la artista y fotógrafa Bárbara Allende Gil de Biedma, más conocida artísticamente con el pseudónimo de Ouka Leele. Una fotógrafa autodidacta, cuya obra más famosa es aquella compuesta por fotografías en blanco y negro coloreadas con acuarela. Si tenemos que seleccionar un ranking de 10 iconos de esta Movida Madrileña, seguramente algunas de esas fotografías formarían parte de él.

e-PHotoBolsillo de Ouka Leele, sólo para iOS

El formato de este ebook sigue la estela de otras obras de esta colección: una nueva revisión de los textos y fotografías, e inclusión de material multimedia en forma de vídeos. En ellos, la autora relata de primera mano los porqués de su dedicación a la fotografía y las anécdotas de sus comienzos. Por supuesto, una de estas anécdotas cuenta el motivo de la elección de su pseodónimo, y la relación que tiene con un cuadro de ese artista apodado “El Hortelano”.

Rafael Gordon, que magistralmente redactó el prólogo de la edición en papel, es el autor del capítulo “Antenas y Raíces”. Escrito en dos idiomas (español e inglés), disecciona con precisión de cirujano el genio creativo de Ouka Leele, partiendo de una exposición en el Museo Español de Arte Contemporáneo que en 1987 repasaba los diez últimos años creativos de la autora.

A partir de ahí, Rafael Gordon sintetiza de forma genial la filosofía de la artista aplicada a la realidad de la fotografía que toma. Nos ayudará a entender mejor a esta fotógrafa, y creo que da una visión diferente a todas las fotografías que acompañan el texto.

A parte de esto, podremos visualizar 80 fotografías en alta resolución y con un color optimizado para dispositivos de Apple, así como información adicional sobre su obra que recorre más de 30 años de vida artística. En este sentido, os recomiendo visualizar el libro en un iPad con pantalla retina, siempre se disfrutará más que en un iPad Mini o un iPad “de los antiguos”.

Aquí, nuevamente, vuelvo a pedir a los editores que permitan disfrutar de estas obras a poseedores de tablets que no sean de la marca Apple. Es el único “pero” que encuentro a esta colección. Entiendo que detrás de esta decisión es hacer una obra más exclusiva y que esté optimizada especialmente para el dispositivo en el que se va a visualizar, pero sospecho que la estrategia no agradará a los poseedores de dispositivos Android.

Conclusiones

La verdad es que me está encantando esta colección en formato ebook de La Fábrica. Esta nueva obra no desmerece a las dos anteriores que ya hemos comentado en Xataka Foto.

Si queréis recuperar esa aventura hacia la libertad creativa que supuso una época clave en la Historia de España, y explorar la obra de una de las artistas españolas que mejor profundizan en la poesía de lo cotidiano, os recomiendo este e-PHotoBolsillo de Ouka Leele

e-PhotoBolsillo de Ouka Leele

• Editorial: La Fábrica
• Precio: 3,99 euros
• Encuadernación: Ebook para iOS (iPad, iPhone, iPod Touch)
• Páginas: 100

El PHotoBolsillo digital de Ouka Leele, prologado por Rafael Gordon, contiene cuatro videos con entrevistas y trabajos de la artista, así como 80 fotografías e información adicional sobre su obra que recorren más de 30 años carrera profesional. 108 páginas imágenes que nadan en la policromía más absoluta.

Web | Ebook en Apple Store
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Pequeño, compacto, fácil de manejar pero con 224 hojas donde se dan cita 80 de las fotografías que por su interés histórico artístico cambiaron la concepción de la fotografía. “Cuando la fotografía es un arte. 80 obras maestras y los secretos de su éxito” no es un manual, por lo que poco os puedo explicar más que haceros llegar lo que en él se nos cuenta.

Escrito por la historiadora inglesa Val Williams y editado por Lunwerg, es un intento por sacar a la luz las claves que hicieron que esas 80 fotografías tuvieran (algunas lo siguen teniendo) el éxito que alcanzaron. Si bien es cierto que muchas de ellas son reconocibles por el gran público, hay otras cuya presencia se nos antojan nuevas ante nuestros ojos. Pero no nos anticipemos, el contenido lo veremos más adelante.

Estructura del libro

Con un tamaño aproximado de una tablet de 7”, el libro se estructura con una introdución a cargo de Val Williams (aquí no hay prólogos escritos por otros) que es la antesala de los siguientes apartados. Y digo apartados porque en este libro no hay capítulos. En este sentido es como si estuviésemos ante una gran exposición con diez salas, cada una de ellas dedicada a diversos temas en los que se engloban las distintas fotografías.

Trabajo, historia, belleza, relaciones, lo cotidiano, hogar, conflicto, lo inesperado, movimiento y exterior. Temas que sirven a la autora para catalogar por secciones y que a nosotros nos hacen más limpia su lectura.

Cada fotografía viene explicada a modo de ficha catalogada

Llegados a este punto de organización, vemos que cada fotografía está dispuesta a modo de ficha. Por tanto el comentario a cada una de las imágenes sigue un mismo patrón. Elegimos, por ejemplo y porque sé que es una fotografía no muy conocida, la obra de Larry Sultan “Conversación a través de la ventana de una cocina”.

La fotografía aparece en la página izquierda mientras que en la derecha el texto se divide a su vez en cinco apartados. El primero nos habla de la propia imagen; el segundo sobre esa toma dentro del contexto fotógrafico de la autora; un tercero nos presenta una cita de la fotógrafa; el cuarto nos habla de las características técnicas y finalmente el quinto nos compara esta toma con otras tres de otros autores que presentan más o menos características similares.

Y así con las 80 fotografías hasta llegar a la página 196 donde por orden alfabético se dan pequeñas pinceladas de la biografía de todos los fotógrafos presentes en el libro. Hay espacio también para un esquema cronológico y para la reseña de algunas galerías de arte.

¿Por qué es un libro que debería estar en nuestra biblioteca?

Fundamentalmente por la comodidad de tener siempre a mano un libro que nos da acceso no sólo a 80 fotografías sino a los fotógrafos que hay detrás de ellas. Seguramente para aquellos a los que les gusta ir más allá, sus textos se les antojarán escasos, pero no deja de ser un pequeño, digamos diccionario, donde consultar rápidamente a los autores propuestos.

Otra característica que lo hace atractivo, es la inclusión de fotografías muy conocidas frente a otras que no lo son tanto. Y con ello lo que se consigue es ampliar nuestra galería de imágenes para posibles momentos de inspiración. El conocimiento es una fuente de riqueza para nuestra cultura visual y este sentido este librito está a la altura que esperábamos.

También es interesante el hecho de que su lectura sea tan fácil. Podremos cogerlo y dejarlo en la estantería tantas veces como queramos puesto que nunca perderemos el hilo. No estamos ante textos densos sobre historia de la fotografía. Cualquiera con mínimos conocimientos puede acceder a su comprensión.

Conclusión

Si lo que buscas es un pequeño librito donde tener a mano obra fotográfica y ampliar conocimientos que a su vez te despierten la curiosidad por ir más allá buscando catálogos más específicos de los fotógrafos, no lo dudes, esta publicación se hará indispensable en tu biblioteca. Y es que un libro en el cual se hacen lecturas de las fotografías desde un lenguaje fácil de comprender, no sólo te ayudará como fotógrafo a la hora de fotografiar, sino que te permitirá acudir a las exposiciones y poder hablar de las imágenes más allá del “me gusta” o “no me gusta”.

Cuando la fotografía es un arte

• Editorial: Lunwerg
• Precio: 11,90 euros
• Encuadernación: Tapa dura con sobrecubierta
• Páginas: 223

Cuando la fotografía es un arte” muestra ochenta fotografías extraordinarias, desde las litografías pioneras en blanco y negro hasta las obras digitales, realizadas por fotógrafos tan diversos e icónicos como Alfred Stieglitz, Ernst Haas, Rineke Dijkstra y Martin Parr. Se revelarán al lector las cualidades destacables de las fotografías clave de cada período, desde el retrato hasta el paisaje pasando por el fotoperiodismo y el documental social.

Editorial | Lunwerg

Nuestro compañero Sergio ya nos habló sobre los ebooks centrados en la fotografía gracias al PHotoBolsillo de Chema Madoz, por tanto no es mi intención ponernos de nuevo en antecedentes sino ir directamente a lo que nos interesa, la review sobre otro de estos catálogos para formato electrónico editado por La Fábrica. Hablamos de Marcos López, así de paso conoceremos un poco más su obra a la vez que ahondamos en esta publicación.

Abro el ebook con la ilusión de un niño cuando desenvuelve los regalos por Navidad. Llevo un par de semanas con un iPad mini, por lo que os puedo asegurar que estreno la aplicación iBook con este catálogo. Por un lado quizá no tenga referencias para poder comparar con otras publicaciones, pero a la vez me deja virgen de cualquier contaminación.

Lo reconozco, en el formato electrónico se pierde la magia de pasar las hojas y sentir ese olor a papel, quizá también la calidad de imagen no es la misma que la ofrecida por las tintas tradicionales (aunque ahora con las pantallas retina nos estamos acercando a esa perfección), pero no podemos negar que la comodidad de tener en la palma de la mano toda esa información y también el hecho de que se puedan añadir vídeos y otros recursos multimedia, lo hacen sumamente atractivo.

Marcos López en formato electrónico

Y ahora sí que sí vayamos a Marcos López (lo siento, como primeriza he tenido que soltar ese discurso ante mi emoción). El libro electrónico comienza con 71 páginas de imágenes, tanto de autorretratos como aquellas primeras tomas de los años 80 en blanco y negro y donde por supuesto tienen cabida sus fotografías más conocidas que le han hecho ser el fotógrafo pop por excelencia de Argentina (y si me apuran, de Latinoamérica).

López dice de sí mismo que es una mezcla de Diego Rivera con Andy Warhol en una noche de amor regada por varios litros de tequila de mala calidad.

Estas palabras están sacadas del texto de Josefina Licitra, encargada de hacernos un resumen de la biografía del fotógrafo, cuyas palabras nos hace estar enganchados a lo que nos cuenta a partir de la página 72 del PHotoBolsillo. Bien es cierto que nadie aparte de él podría haberle definido mejor. Aunque en mi caso pienso que el tequila de mala calidad no debió de serlo tanto.

Para los que no hemos vivido la cultura latinoamericana desde dentro, su obra nos puede parecer lejana en cuanto al contenido (aunque aparezcan en su obra muchos iconos perfectamente reconocibles), no así en cuanto a la puesta en escena. A la cultura pop ya nos tienen acostumbrados otros artistas (pintores, cineastas e incluso fotógrafos, claro está).

Su trabajo saltó a la fama gracias a su versión de la última cena. Fue una obra indispensable para entender ese cambio que hubo en la sociedad argentina en 2001 cuando entró en la conocida crisis histórica. Para los argentinos esta fotografía representó ese “último asado” nacional y de ahí que se le reconozca a Marcos López esa capacidad para traducir los códigos a un lenguaje popular. No podemos negar que su obra causa impacto.

De todo ello y más (también conocemos la faceta de este fotógrafo como cineasta) nos habla Josefina Licitra en un texto corto pero al mismo tiempo cargado de muchísima información. También hay espacio entre sus páginas para adjuntar un vídeo de la aportación de Marcos López a GetxoPhoto donde un sireno se iba metiendo en el mar. No os cuento más, por 3,99 euros lo tenéis disponible en AppleStore.

PhotoBolsillo de Marcos López

• Editorial: La Fábrica
• Precio: 3,99 euros
• Encuadernación: Ebook para iOS
• Páginas: 90

Marcos López participa de todas y cada una de las imágenes que toma y que construye desde hace más de treinta años, lo que le ha valido ser uno de los autores latinoamericanos más reconocidos del siglo XX y comienzos del XXI. Nacido en Santa Fe (al norte de Buenos Aires), sorteó su destino para dedicarse a la fotografía, y abandonó sus estudios de ingeniería para marcharse a la capital en los años ochenta. Tuvo claro desde el principio que quería ser artista, que sus fotografías no debían estar al servicio de la publicidad, ni de la prensa, que debían estar en exposiciones y museos. Este libro repasa su obra e incluye, además, un video sobre el trabajo del artista..

Web | La Fábrica
En Xataka Foto | PhotoBolsillo de Chema Madoz: un ebook recomendable

Cuando el MOMA de Nueva York aún ni contaba con un departamento de fotografía como tal, ni existía el cargo de conservador jefe específico para esta sección, transitaba por los pasillos del museo su bibliotecario Beaumont Newhall, cuyo trabajo nos interesa puesto que organizó la primera exposición retrospectiva con motivo de los primeros 100 años de vida de esta disciplina.

Esta exposición (Photography (1839-1937)) fue encargada por el director del museo (primero además) Alfred Barr y supuso para Newhall que conjuntamente a la muestra escribiese un catálogo de 100 hojas que más tarde se convirtió en el libro “The History of Photography”.

Desde el año 1839 la fotografía ha sido un medio vital para la comunicación y la expresión. El crecimiento de esta contribución a las artes visuales es el tema de este libro. Es la historia de un medio expresivo más que de una técnica, y ese medio aparece visto con los ojos de quienes a través de los años han luchado para dominarlo, comprenderlo y amoldarlo a su propia visión.

Con estas frases comenzaba el prólogo de 1982 sobre una revisión posterior del citado libro, compendio de esos primeros años de historia de la fotografía, que nos da pistas sobre aquello por lo que se luchó casi desde un principio en esta disciplina, obviamente que fuese considerada como arte, un propósito que el MOMA incentivó gracias a sus exposiciones posteriores. No olvidemos que un objeto se convierte en arte cuando entra en un espacio artístico. Y ahí el MOMA ha dictado siempre las normas.

Después de esta contribución que hizo tan importante, no sólo para el Museo sino para la historia del arte, dimitió de su cargo cuando Steichen tomó las riendas como primer director del departamento de fotografía y trasladó sus servicios durante diez años como comisario al International Museum of Photography de la George Eastman House.

Un cargo que posteriormente cambió por la de director del museo llevando a la fundación a la posesión de una de las mayores colecciones fotográficas del mundo. Ya conocimos esta colección, sobre todo en su vertiente más tecnológica gracias a Jesús, así como el libro editado por Tachen que os propusimos comprar por Reyes a comienzos de año, pero no está de más volver a recordar la riqueza de esta imprescindible institución.

Para terminar os animo a ver este reportaje donde se habla de la figura de Beaumont Newhall y de lo que significó para la historia su contribución al ámbito fotográfico. Del mismo modo os invito a que tengáis en vuestra biblioteca el libro del que hemos hablado, primero por su importancia a nivel histórico y segundo porque nos ofrece una visión excepcional de esos primeros 100 años de vida de la fotografía.

Libro | Historia de la Fotografía

Hoy os voy a presentar uno de esos libros que los aficionados a la fotografía nocturna llevábamos mucho tiempo esperando. De la mano de Ediciones Omega, esta obra aborda todos los aspectos asociados a este tipo de fotografía, y está escrita como un compendio de todo lo que el fotógrafo nocturno debe saber. Todo ello de la mano de un gran maestro en la materia: Lance Keimig. Y en esta tarea no caminará sólo, ya que en cada capítulo del libro se ha procurado la ayuda de un fotógrafo nocturno diferente, que aportará, como invitado, nuevos puntos de vista a lo enseñado por Lance.

Para el que no sepa quien es este autor, no tiene más que ojear el siguiente vídeo en el que muestra sus habilidades tanto en su faceta fotográfica como pedagógica, junto a otro fotógrafo que también colabora en este libro: Scott Martin.

La fotografía nocturna es quizás una de las disciplinas fotográficas más técnicas. En realidad cuando sabes hacerlo puede parecer más sencillo, pero para el neófito en la materia, se convierte en una técnica difícil, que puede llegar a tomar mucho tiempo de aprendizaje si se tira por la vía autodidacta. Y un libro como este, puede convertirse en la solución a todos sus problemas.

Y es que para realizarla, nos vemos abocados a sortear más desafíos de lo normal, como la baja iluminación, o la configuración de la cámara para llevar a cabo largas exposiciones. Ser fotógrafo nocturno obliga a revisar muchas de las cosas que creíamos dominar, y a actualizar nuestro flujo de trabajo.

Índice y temas principales

El índice es enorme, tanto que nos preguntaremos si podrá abarcarse con solvencia en sus 268 páginas. Básicamente todos se pueden clasificar en los siguientes grandes grupos:

• La historia de la fotografía nocturna.
• Equipo y técnica utilizados en fotografía nocturna.
• Nociones básicas de fotografía nocturna.
• La fotografía nocturna en película.
• La fotografía nocturna digital.
• Flujo de trabajo en fotoggrafía nocturna.
• Imágenes de alto rango dinámico.
• Luz de luna y rastros estelares.
• Pintar con luz (Lightpainting).

Historia de la fotografía nocturna: desde el daguerrotipo a la revolución digital

Debido a la poca sensibilidad de los primeros procesos fotográficos, las primeras fotografías llevaban largas exposiciones que algunas veces alcanzaban el dia entero. Hablamos de finales del siglo XIX, donde todavía no existía la fotografía nocturna, pero se comenzaban a sentar las bases de la larga exposición.

Las largas exposiciones se caracterizan por su capacidad de plasmar los efectos del paso del tiempo. No se limitan a capturar un momento, sino que capuran un conjunto de ellos y los sintetiza en una sola imagen. Y para ello, la fotografía digital ha introducido nuevas herramientas y reglas del juego. Estas son las reglas de la fotografía de larga exposición, y concretamente, de la fotografía nocturna que aborda este libro.

Fotografía nocturna con película

Pero las largas exposiciones y las fotografías nocturnas ya existían en la “era analógica” y este libro dedica todo un capítulo a revisar el método de trabajo. El motivo es claro: la película todavía produce menos “ruido” que los sensores digitales, y hoy en día muchos fotógrafos la siguen teniendo en cuenta, especialmente en la modalidad de blanco y negro.

Este tipo de fotografía tiene sus particularidades respecto a la digital: el llamado fallo de reciprocidad, o la falta de inmediatez como principales desventajas. Y la facilidad para realizar exposiciones extremadamente largas como mayor ventaja.

Sin embargo, hay que decir que la mayor parte del libro se centra en la fotografía digital, y el resto de capítulos abordarán el flujo de trabajo desde ese lado.

Fotografía nocturna digital

En este tipo de fotografía es donde encontraremos casi toda la “chicha” que tiene este libro. Y todo ello a partir de información muy fiable y perfectamente estructurada, en todo momento acompañada de fotografías de buena calidad.

Y en particular, nos enseñará a aprovechar todas las ventajas de esta modalidad: como interpretar los histogramas, como jugar con los “isos” para conseguir lo que queremos, o como gestionar el principal inconveniente de la captura digital: el ruido.

Por supuesto dedica una especial atención a todas las condiciones de luz que nos podemos llegar a encontrar y cómo gestionarlas: las estrellas, la luna y la progresión de sus fases, los tiempos desde el crepúsculo, etc.

Flujo de trabajo

Uno de los apartados más interesantes que nos encontraremos en este libro es la descripción de un flujo de trabajo para un fotógrafo nocturno. Marcarse una buena rutina en exteriores, en laboratorio o en trabajo con ordenador, nos ayudará a mejorar la calidad de nuestro trabajo. El buen dominio de la eficiencia, nos ayudará a desentendernos más del trabajo “feo” y centrarnos en los temas más creativos.

En cuanto al cuarto oscuro digital, el libro se centra en Lightroom por ser la aplicación que utiliza el autor, y además ser la más extendida.

Técnicas asociadas a la fotografía nocturna

Aunque la fotografía nocturna se suele asociar generalmente a las largas exposiciones en exteriores, el libro también aborda en capítulos independientes dos técnicas muy populares dentro de este mundo: las fotografías de alto rango dinámico (HDR) y el lightpainting. Tanto en una como en otra, nos mostrará todas las herramientas de las que disponemos y cómo utilizarlas correctamente.

Es realmente interesante la profundidad con la que este libro aborda cada tema, sin caer en excesivas obviedades. Entrando directamente al grano en temas importantes desde el punto de vista práctico, como qué accesorios hay disponibles en el mercado, y como utilizarlos. Por ejemplo ¿qué tipo de luz utilizaría si sólo quiero rellenar una sombra profunda? ¿cómo compensar la luz de los filtros de gelatina? ¿qué temperatura de color tiene cada tipo de linterna?

Conclusiones

“Fotografía Nocturna” de Lance Keimig, es una obra imprescindible para el fotógrafo nocturno, ya sea principiante o avanzado. Aborda todos los aspectos de esta disciplina con un rigor y una estructura pocas veces vistos en obras de este tipo.

Por ello, no puedo más que recomendaros fervientemente este libro a aquellos que tengáis curiosidad por este campo. Todavía estáis a tiempo de pedírselo a los Reyes Magos.

‘Fotografía Nocturna’ de Lance Leimig

• Editorial: Ediciones Omega
• Precio: 45 euros
• Encuadernación: Rústica con solapas
• Páginas: 268
• Tamaño: 19 × 24 cm
• ISBN: 978-84-282-1559-6

Esta obra de referencia te enseñará cómo tomar imágenes que hasta ahora parecían imposibles. En este gran libro encontrarás historia, teoría y una ingente cantidad de información práctica sobre técnica, ilustrada con ejemplos y gráficos claros y concisos y, por supuesto, espléndidas fotografías.

En 1998 nació la colección PHotoBolsillo, con la intención de plasmar en sus páginas el trabajo de los mejores fotógrafos españoles. Se trataba de pequeños libros en formato asequible pero en los que no se renunciaba a la calidad.

La Fábrica colaboró con la imprenta Brizzolis, la fotomecánica Cromotex y la papelera Arjowiggins para ir editando hasta un total de 60 volúmenes que son toda una radiografía del panorama fotográfico español de la última década. Hasta el punto de que esa colección forma ya parte de la historia de la fotografía de nuestro país.

‘Chema Madoz’, uno de los primeros PhotoBolsillos en formato electrónico

Quizás uno de los título más emblemáticos de esta colección fue el libro dedicado a Chema Madoz. Quizás el motivo está en el gran número de seguidores que tiene este fotógrafo, que incluso se conocen de memoria muchas de sus fotografías. Y ahora, junto con algún que otro título más, podemos disfrutarlo en formato ebook, compatible con iPad, iPhone o iPod touch.

La primera pregunta que se hará un usuario de Android o Windows es ¿por qué sólo para dispositivos iOS? Pues parece que en su afán de seguir manteniendo las altas cotas de calidad de las ediciones en papel, los autores (en este caso Chema Madoz) han revisado personalmente cada una de las fotografías con el fin de garantizar que la calidad, resolución y fotomecánica eran fieles a las publicaciones analógicas de su obra.

Y en definitiva, después de dos años de desarrollo e investigación, esto es lo que se ha decidido. Y pese al enfado que esta decisión pueda suscitar en los usuarios de otros dispositivos ajenos al mundo Apple, hay que reconocer que han conseguido crear un ebook de muy buena calidad que permite acceder a las fotografías a alta resolución y con un cuidadísimo acabado digital que en ocasiones me ha hecho olvidar que lo que tenía delante era un iPad.

Es particularmente llamativo como la maquetación y la presentación de las imágenes de este ebook se han mantenido bastante fieles a la edición impresa y a la selección de fotográfias que Chema Conesa y Alejandro Castellote realizaron en su momento para esta obra.

Material multimedia inédito

Además, esta edición, debido al formato en el que se presenta, ha podido ser enriquecida con material multimedia, en forma de vídeos en los que el autor comenta su obra. También incluye una transcripción una entrevista realizada por Alberto Anaut, el presidente y fundador de La Fábrica. Una entrevista en la que Chema Madoz habla de sus orígenes, aquellos tiempos en los que sólo hacía fotografia para divertirse y no para vivir porque su trabajo no era considerado “vendible”.

Un total de 46 imágenes en blanco y negro forman de esta edición electrónica, y se completa con el prólogo del filósofo crítico de arte Fernando Castro Flórez. Además, al final de la obra dispondremos de datos biográficos del artista y con información sobre otras publicaciones de su obra editadas por La Fábrica.

El libro se puede adquirir en la AppStore al precio de 3,99 euros, junto con otros títulos de esta colección PHotoBolsillo. Muy recomendable.

PhotoBolsillo de Chema Madoz

• Editorial: La Fábrica
• Precio: 3,99 euros
• Encuadernación: Ebook para iOS
• Páginas: 128

Chema Madoz se ha encargado personalmente de supervisar la edición de su libro digital foto a foto para asegurarse que la calidad, resolución y fotomecánica eran fieles a las publicaciones analógicas de su obra. El libro electrónico de Chema Madoz incluye contenido multimedia adicional como 3 videos con imágenes y comentarios del artista, así como la transcripción de una entrevista realizada por Alberto Anaut, presidente y fundador de La Fábrica. Un total de 46 imágenes en blanco y negro forman de esta edición electrónica, que se completa con el prólogo del filósofo y crítico de arte Fernando Castro Flórez, con datos biográficos del artista y con información sobre otras publicaciones de su obra editadas por La Fábrica.

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Acerca de Michael Langford

Langford es conocido por la multitud de manuales que escribió sobre fotografía. Su libro más popular es el clásico “Fotografía Básica”, editado por primera vez en 1965. Actualmente, lleva publicadas nueve ediciones y Langford supervisó personalmente hasta la séptima. Falleció unos meses antes de su publicación, en el año 2000.

La fotografía y la visión

• La cámara no discrimina. Uno de los fallos más grandes que se comete cuando se empieza, es ver por el visor sólo lo que queremos fotografiar y olvidarnos de todo lo demás, descuidando el fondo u otros elementos que también salen el la fotografía. Para solucionar este problema tenemos que usar la composición para ordenar los elementos en nuestra fotografía y que el espectador se centre en los elementos que nos interesan.

Imagen en la que no he discriminado ningún elemento. Es más confusa y no centrando al espectador en ningún elemento

He marcado en rojo elementos que se podrían haber eliminado modificando el encuadre

• La cámara no enfoca sola, y aquí no se refiere al autofocus, sino al enfoque selectivo. Somos nosotros los que tenemos que decidir dónde ponemos el punto de máxima nitidez y, si a partir de ese punto, tenemos profundidad de campo o no. El enfoque selectivo es también un elemento que nos puede ayudar a discriminar elementos. Para conseguir un mejor enfoque selectivo os recomiendo poner el modo de AF en puntual o trabajar directamente en enfoque manual.

Foco en el primer término, eliminando las texturas del fondo

• La exageración del contraste. Cuando nosotros vemos una escena, el ojo se adapta a las distintas intensidades de luz. Por ejemplo, si miramos de dentro hacia fuera, somos capaces de ver el interior y el exterior al mismo tiempo. La cámara lo hace diferente: si medimos la luz en el interior, el exterior esta sobreexpuesto y si medimos en el exterior, el interior esta subexpuesto. Lo mismo pasa en un paisaje por la diferencia de luz entre el cielo y la tierra. Esta capacidad de la cámara para exagerar el contraste puede sernos útil para crear fotografías más dramáticas, usando la medición de luz en puntual o fotografías con la luz más compensada, usando la medición matricial.

Fotografía con el punto de medición en el exterior

• La fotografía es bidimensional. Si queremos trasmitir profundidad en nuestras fotografías tenemos que usar la perspectiva. Jugando con las líneas y los tamaños mostraremos al espectador lo cerca o lejos que estaban los elementos del fotógrafo.

Elementos en primer término y segundo término nos dan la sensación de profundidad

La mejor manera de asimilar los conceptos que Langford nos propone es ponerlos en práctica uno a uno y, posteriormente, combinarlos hasta llegar a ser capaces de discriminar, enfocar dónde queremos, controlar el contraste y dar profundidad, todo en una misma fotografía.

Espero que con este post os haya picado el gusanillo sobre alguno de los manuales de Langford, dónde encontraréis, no sólo cómo controlar la técnica, sino también cómo aplicarla para elaborar una fotografía.

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Fotografías | José Juan Gonzálvez