Uno de los grandes problemas de los fotógrafos que empiezan es que tienen muchas dudas a la hora de componer. Hay cientos de artículos, libros y vídeos explicando técnicas y trucos que los terminan sumergiendo en un mar de líneas ficticias que no llevan a ninguna parte, solo a repetirse una y otra vez. Y todo sería más sencillo si antes de llevarse la cámara al ojo analizaran lo que están viendo. Y si eres capaz de trasladar la realidad a un mundo bidimensional, tus fotografías mejorarán rápidamente.

Adelanto, como siempre, que hacer fotografías no es fácil. No te las hacen ni el mejor móvil ni la cámara más moderna, ni los filtros ni la inteligencia artificial. Disparar (o pescar) es un acto creativo que depende enteramente del que esté detrás. Y que una buena técnica no es lo único necesario.

Ahora todos estamos obsesionados con el teléfono, la cámara o el objetivo. Hemos caído en las redes de valorar más el dedo que el objeto que señala. Es increíble la de comentarios que vemos en las redes: 'pues está hecho con el móvil'... 'pues resulta que mi cámara consigue esto'... 'no entiendo que la gente lleve la cámara teniendo este móvil'...

Primero no se valoran ellos mismos como fotógrafos, sino que le dan todas las loas a la máquina. Y segundo que confunden la técnica con la expresión... Pero esto es otra historia.

Basado en el color

Las fotografías salen bien o mal por diferentes motivos. Muchas veces son cosas puntuales y casi siempre tienen que ver con nosotros. La exposición perfecta ya no es un problema porque las cámaras han alcanzado tal nivel que es difícil equivocarse salvo que te empeñes en seguir disparando en Manual.

Todo consiste en saber mirar y trasladar la realidad a un plano bidimensional. En la fotografía es complicado trasladar las sensaciones que nos trasmite el aire, los olores o las vivencias de ese momento. Para conseguirlo tenemos que entender la composición, las normas que nos dictan cómo colocar los elementos. Sin embargo, siempre se olvidan de recomendar lo más importante: el punto de interés.

El punto de interés es la clave de la composición

Si estás empezando te pido que después de leer este artículo vayas a por tus fotografías y te prepares para mirarlas de otra forma. Olvídate de los recuerdos que te inspiran, de lo que te dijo ese youtuber tan famoso para mejorar una fotografía con Adobe Photoshop. Incluso de lo que muchas veces contamos aquí sobre tal programa.

Siéntate con tranquilidad en tu silla de trabajo y mira. Limítate a mirar tus mejores trabajos, los que más te gustan. Los que te llevaron a comprarte una cámara mejor. Y te darás cuenta de una cosa.

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Todos tus buenos disparos tienen un punto de interés, un lugar al que pueden mirar los espectadores entre toda la información que tiene una instantánea. Esa es la clave que tenemos que perseguir.** Y si no lo tienen, no son tan buenas como te parecían**.

Aquí no pasa nada

No tiene sentido hacer un paisaje donde todo tiene el mismo protagonismo, donde solo hay cielo y tierra. Esas vistas funcionan en la realidad, pero un espectador fotográfico no puede tener la mirada perdida sin fijarse en nada.

Tiene que saber, inconscientemente, dónde tiene que mirar porque se lo estás diciendo tú. Has hecho la foto y has revelado para conseguir eso. Esto es, has trabajado la visualización, el concepto que introdujo Ansel Adams para explicar cómo hacer una fotografía.

Si antes de llevarte la cámara al ojo, decides qué es lo importante en el encuadre que has elegido, todo vendrá detrás corriendo... La composición empezará a funcionar por sí sola. Es verdad que podemos servirnos de las líneas ficticias para no andar perdido. Pero con el punto de interés el 80% del trabajo está hecho.

El punto de interés es el espacio, lugar u objeto que quieres destacar dentro de la composición. Y tiene que estar muy claro. A partir de esa decisión todo girará en torno a él. Si estás empezando te ayudarán las líneas que se formularon en un libro del siglo XIX, escrito por un pintor que no destacaba.

¿Es un punto de interés el jarrón?

Pero si quieres avanzar de verdad te darás cuenta de lo poderosa que es la luz para dirigir la mirada. O la importancia que tienen los colores para componer. Ahí es cuando entran los grandes maestros que tenemos que entender para mejorar. Y nunca menospreciarlos.

Ahora se insiste mucho en el concepto. Y muchos fundan su carrera en las ideas, pero se olvidan de las imágenes. Tienen que convivir las dos... Esto es otra historia, desde luego.

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Así que, a partir de ahora, si te ves atascado con tu trabajo, empieza a fijarte primero en lo que te llama la atención, busca ese punto de interés y tus disparos empezarán a mejorar.

Es posible que la palabra os suene a chino, y de hecho nuestro diccionario de la Real Academia no recoge el término (sí que lo hace la Wikipedia), pero seguro que rápidamente entiendes qué es la pareidolia. Ni más ni menos que ese fenómeno por el que reconocemos algo familiar, como una cara, en un objeto inanimado. Osea cuando, por ejemplo, vemos en una pared o en el frontal de un coche elementos que nos hacen parecer que hay un rostro que nos mira.

Seguro que lo has visto cientos de veces, porque puede darse con toda clase de objetos y en muchas situaciones como nubes de formas caprichosas, o rocas erosionadas que identificamos con formas conocidas. Se trata de algo psicológico, cosas de nuestro cerebro que tiende a asociar elementos que encuentra desestructurados (líneas, formas, colores, superficies…) con otros reconocibles por nosotros, almacenados en nuestra memoria a través de la experiencia.

Foto de Wikimedia Commons

Tal y como nos cuentan los compañeros de Xataka Ciencia, no tiene una clara explicación pero se cree que está relacionado con la evolución del hombre, como una ventaja adquirida para asegurar nuestra propia supervivencia. Para entenderlo debemos retrotraernos a miles de años atrás, cuando el hombre de las cavernas se movía en un entorno lleno de animales salvajes que amenazaban con comérselo a la mínima, por lo que fueron desarrollando la capacidad de reconocer éstas y otras amenazas acechando entre la maleza (por ejemplo).

En cualquier caso, cómo no, este fenómeno tan curioso puede ser utilizado en el ámbito de la fotografía para conseguir imágenes que a veces se quedan en lo curioso pero pueden ir más allá si sabemos aprovecharlo adecuadamente. De hecho, los fotógrafos por esa particular forma de fijarnos en cosas que otros no miran seguro que podemos encontrar más fenómenos de este tipo.

Foto de prof.bizzarro

Cómo sacarle partido

Seguro que más de una vez has estado observando las nubes u algún otro objeto tratando de reconocer unas formas. Sin duda puede ser una buena manera de relajarte, pero además también puede ser un reflejo del funcionamiento interno de tu creatividad que siempre está a la caza y captura de inspiración.

Porque, como fotógrafos, lo normal es que siempre estamos “ojo avizor” buscando la belleza en temas que no se suelen ser perceptibles para los no iniciados. Así que para capturar este tipo de situaciones sólo debemos estar muy atentos, abrir nuestra mente e ir “con los ojos bien abiertos”.

Foto de Daniel Oines

Gracias a ello no será raro que encontremos la pareidolia en muchas ocasiones, lo que nos brindará la oportunidad de lograr fotografías cuanto menos diferentes. Podemos encontrarlo en muchos de los ejemplos que ya hemos citado (coches, paredes, nubes y rocas) pero también en objetos domésticos, en plantas y árboles, en las sinuosas formas que surgen del humo o el fuego, en las señales de tráfico y demás carteles urbanos, o incluso en los cráteres de la luna.

Pero ojo porque si nos quedamos simplemente en la similitud puede que la imagen no pase de la curiosidad, y evidentemente nuestra intención es ir algo más allá. Por ello, tenemos que ser capaces de utilizarlo con mucho tino, buscando traspasar la mera coincidencia de formas con una imagen que diga algo más.

Foto de JotaCartas en Wikimedia Commons

Para ello podemos aprovechar algunas de las cualidades de este tipo de imágenes, sobre todo la capacidad de evocar que produce en el espectador. Porque cuando alguien reconoce rasgos “familiares” en algún objeto inanimado, sin duda éste gana mucho interés. Y es que, ciertamente, el hecho de encontrar una pareidolia en cualquier elemento cotidiano supone que un objeto que en teoría no tiene especial atractivo se convierte en algo con personalidad propia.

Por otro lado, este tipo de fotografías tiene la particularidad de que suele ser interpretado de diferentes formas según la persona que la ve. Es decir, la percepción que tiene alguien de una pareidolia puede ser muy diferente a ojos de distintos espectadores, que pueden ver cosas distintas en una misma imagen. Por supuesto esto ocurre más comúnmente cuanto más abstracto sea el fenómeno, por ejemplo en el caso de las nubes que ofrecen formas que son más abiertamente interpretables.

Foto de Dmitri Popov

Así que ya sabes, ten los ojos muy abiertos y busca pareidolias por todas partes, ya sea en objetos pequeños o en cosas grandes como las fachadas de los edificios. Y cuidado, porque nunca se sabe quién te puede estar mirando.

En Xataka Foto | Esas "cosas raras" que sólo hacemos los fotógrafos...

Foto de portada | Wikimedia Commons

Muchos habréis visto por las redes un vídeo en el que se analizan las fotografías de Henri Cartier Bresson según las sagradas leyes de la composición. Y parece que todo coincide. Trazas unas cuántas líneas y voilá. ¿Tiene sentido hablar de reglas de composición en fotografía?

Todos hemos hablado alguna vez en nuestras vidas de cómo colocar los elementos que componen una imagen para que sean armoniosos, para que sea del agrado del espectador. Entonces empezamos a colocar las cosas según la regla de los tercios. O mejor aún, la regla de proporción áurea... Es fácil, solo hay que multiplicar por el número mágico, trazar unas líneas y listo.

Parece que estoy bromeando, pero voy muy en serio. El número áureo es real y muy interesante. Es 1,618. Genera la espiral áurea y está presente en el desarrollo de muchos objetos de la naturaleza. Incluso está relacionado con los fractales. Y en algo muy cercano a todos nosotros: las tarjetas de crédito. Guardan una proporción perfecta que nos hace consumir compulsivamente... Pero no estamos hablando de fotografía. y resulta que hay gente, como vemos en el interesante vídeo, que sí que quiere aplicar estas reglas al mundo de la imagen.

La composición en la fotografía

Entramos en un asunto peliagudo. ¿Pero qué es la composición? Hay muchas definiciones pero siempre me inclino por la más sencilla y clara. La composición sirve para colocar los elementos de la imagen de forma armoniosa. La clave es que ninguna de ellas servirán realmente para mejorar tus fotografías. No es una ciencia perfecta.

El problema es que las reglas de composición de las que tanto se habla ahora son un invento del siglo XX. La regla de los tercios, la del punto áureo son fruto de un libro que escribió Jay Hambidge en 1920 a partir de las ideas que empezaron a circular en el siglo XIX. Es decir, que nunca se habían aplicado en la historia del arte y que son fruto de las suposiciones de un artista semidesconocido que intentó descubrir los secretos del arte griego.

Uno de los libros de Jay Hambidge

Lo más gracioso es que estas ideas han calado tan hondo entre los fotógrafos, los profesores de fotografía y los manuales que muchos nos las hemos creído a pies juntillas. Personalmente creo que son una buena forma de introducirse en el mundo de la composición, pero se corre el riesgo de aplicarlas constantemente a lo largo de nuestra vida. Y no debería ser así.

La famosa regla de composición del burro

Es muy cómodo pensar que si situamos el objeto a la derecha o a la izquierda la composición mejora. O que si colocamos el elemento principal en uno de los cuatro puntos que se forman por la intersección de las cuatro líneas imaginarias de la regla de los tercios todas las miradas de los espectadores irán allí. Y lo mejor de todo es que funciona, pero no por las explicaciones que vemos en el vídeo en cuestión o por las normas que cuenta en su libro el artista canadiense.

¿Entonces cómo componemos nuestras fotografías?

Una buena pregunta con una difícil respuesta. Os aseguro que empezar a trazar líneas sin sentido por la fotografía no funciona, aunque en el vídeo parezca que sí. Una de las fuentes más fiables, y que han marcado el mundo del arte, son las propuestas de Kandinsky en Punto y línea sobre el plano.

Es un libro que deberíamos leer todos los fotógrafos para comprender qué es lo que tenemos que hacer cuando nos enfrentamos al momento de la toma. Todo se basa en un punto y en el trazo que deja cuando se mueve, que no es otra cosa que la línea.

¿Estará bien compuesta?

En realidad, cuando hablamos de composición en fotografía nos tenemos que olvidar pronto de todo lo que nos cuentan y apostar por el reparto de pesos visuales en la imagen. Un peso principal que se tiene que compensar con los secundarios que coloquemos por el resto del plano. Y leer a la escuela de la Bauhaus y a la escuela de la Gestalt. Ya lo iremos viendo con el tiempo.

Puede ser por el espacio que ocupa, por la luz que recibe o por el color que tiene. Hay que dejar de imaginar líneas que se trazan de forma aleatoria para justificar una fotografía u otra. Al principio puede funcionar, pero es la mejor forma que existe para estandarizar nuestras imágenes.

En Xataka Foto| La obsesión con la composición hasta sus últimas consecuencias

“El arte es un lujo necesario. Pero cualquiera puede hacerlo”. Así se presenta Nieves HM en su página web donde da a conocer su faceta más artística que se materializa en una doble vertiente: Collages artesanales y fotografía analógica de arquitectura.

Nieves es una de esas valientes lectoras que un buen día se puso en contacto con nosotros ofreciendo su trabajo para ver si era merecedor de darlo a conocer al resto de visitantes de Xataka Foto. Y ¿por qué no? Nos gusta que este medio sea abierto a todo el mundo así que ahí va una muestra de su trabajo fotográfico para que vosotros mismos lo valoréis.

Tal y como nos cuenta a través del texto que un amigo ha escrito sobre sus fotos, "el grano y la textura de las imágenes no dejan lugar a duda: se trata de fotografías analógicas. Y además en blanco y negro, el espectro idóneo para el misterio, la atemporalidad y la ingravidez”.

La idea de sus fotos es relacionar arquitectura con pintura abstracta, en ocasiones surrealista, “para confundir y despistar fusionando ambas disciplinas: ¿Es esto un edificio, o es una pintura de abstracción geométrica? ¿Son estas líneas parte de una escalera, o quizá de un cuadro constructivista? ¿Es este reflejo una fachada acristalada, o un fondo propio de los pintores del surrealismo?”

Sus fotografías proponen al espectador este juego de sugerencias, a través de “encuadres desubicadores, perspectivas desconcertantes o ángulos vertiginosos. Son esas líneas, esos vacíos y esas sombras los medios para descomponer y deconstruir edificios, fachadas, espacios interiores, escaleras, suelos, columnas, paisajes urbanos y todo lo que sea susceptible de ser pasado por su objetivo”.

Nosotros sólo podemos dejaros con más imágenes esperando que os gusten y animándoos, cómo no, a que dejéis vuestros comentarios al respecto en los comentarios. Y por supuesto animaros a que sigáis el ejemplo de Nieves y nos enviéis vuestras propias propuestas a nuestra dirección de contacto.

Nieves HM | Página web | Instagram | Facebook

En Xataka Foto | “Uso película en blanco y negro, y no en color, porque el mundo que me rodea lo veo así”: Manuel Moraleda, fotógrafo analógico

Fotografías de Nieves HM reproducidas con permiso de la autora para este artículo

Nueva fotaza la que os traemos hoy tras una visita por nuestro grupo de flickr. Si hace un par de semanas os dejamos un espectacular paisaje de Joserra Irusta, hoy le ha tocado el turno a Pablo (Keep the funk alive en flickr) con este fantástico bodegón donde la geometría es el alma mater de la toma.

Y es que es difícil dejar de mirar esta hipnotizante fotografía sin rendirse a sus encantos, principalmente por ese áurea minimalista que la rodea y que ya de por si la hace interesante, así que veamos un poco más a fondo porqué es una buena foto.

Los datos de la toma

Para realizarla, Pablo uso una Nikon D200, y un esquema de iluminación que el mismo cuenta y comparte.

Un objetivo Tamron 17-50 F2.8 a una distancia focal de 34mm. El esquema de iluminación que se usó, según cuenta Pablo, consistió en un par de flashes (uno a 45º con ventana de luz y otro a 60º con softbox). Para la toma final, uso un tiempo de exposición de 1/40s para un F11 e ISO 100.

El encanto de la foto

Sobre la foto en si, me parece un acierto y algo casi imprescindible, el uso de un soporte reflejante que hace que todo el encuadre se llene de lineas rectas, excepto las que se refractan en el agua, Por otro lado, me parece una gran idea usar el Blanco y Negro para una toma como esta, ya que el color no aportaría mucho.

El uso de las diagonales, junto con el encuadre centrado y la linea de unión entre soporte y fondo en posicion de tercios, hacen finalmente que el encuadre y la composición sean finalmente, los protagonistas de la toma final.

Sólo nos queda felicitar al autor por la gran técnica y la perfecta ejecución de la toma. Podéis ver sus fotos más interesantes, siempre según flickr, aquí o visitar su galería completa en flickr.

Foto | Keep The funk alive, de nuestro grupo de flickr.

Under construction de Frodrig

En la composición fotográfica las líneas juegan un papel muy importante. Estructuran la imagen, crean ritmo, conducen la mirada hacia un punto determinado…

Las líneas ya sean verticales, horizontales o diagonales aparecen en multitud de ocasiones en nuestras fotografías e influyen de manera drástica al espectador.

A la hora de componer es importante saber cómo afectarán a nuestra fotografía y utilizarlas en aquellos casos que lo consideremos oportuno de la manera que más nos convengan.

Líneas Horizontales

/\^^/”\-^— de hoskitar

La disposición horizontal de nuestros propios ojos hacen agradables a nuestra vista las imágenes apaisadas o con un formato horizontal, los ojos exploran de lado a lado más fácilmente. De esta misma manera las líneas horizontales transmiten una sensación agradable, tranquila… Nuestros ojos las interpretan como base y dan impresión de estabilidad y peso. La impresión de tranquilidad y calma resta dinamismo y potencia la sensación estática de la imagen.

Líneas Verticales

Veins de Frodrig

Los formatos verticales no son tan agradables para el ojo humano como los horizontales, sin embargo son los que mejor se adaptan a libros y revistas y por tanto muy utilizadas.

Una composición donde las verticales tengan cierto protagonismo aportará una mayor sensación de velocidad que otra imagen dominada por horizontales. En función del motivo que las produzca pueden interpretarse como barreras o transmitir sensaciones de fuerza.

La combinación con horizontales que sirvan de base a las verticales conforman imágenes apacibles y estables.

Líneas diagonales

Las líneas diagonales son las que aportan una mayor dosis de inestabilidad y por tanto de movimiento y dinamismo a una fotografía. El ojo humano percibe las diagonales como una posición antinatural, temporal y transitoria. De tal forma que nuestro cerebro imagina que dichas diagonales evolucionarán hacia verticales u horizontales. Por ejemplo, si vemos una torre inclinada (como la de Pisa) nuestro cerebro interpreta que está cayendo y por tanto en movimiento.

Sin título de Marooned

Las diagonales son, a menudo, horizontales o verticales transformadas por la perspectiva por lo que se asocian también con la profundidad o la distancia.

Como puedes ver las líneas pueden modificar drásticamente la forma en que percibimos una fotografía. Y tienen la ventaja de que podemos identificarlas fácilmente y usarlas a nuestro antojo.

Hoy toca una nueva recopilación de truquitos de los que tanto os gustan. En este caso, hablamos sobre maneras de dirigir la atención cuando se observa una fotografía.

No deberíais pasar por alto estas pequeñas recomendaciones ya que son realmente sencillas de aplicar. Y mucho menos subestimarlas, ya que poseen un efecto muy intenso sobre la persona que observa la fotografía.

1. Uso del viñeteado

Al fin y al cabo se trata de un marco que conduce nuestra atención hacia el centro de la fotografía. A pesar de ser una aberración por el uso de determinadas lentes, hoy en día se utiliza mucho como recurso estético, debido a la facilidad para reproducirlo mediante los programas de edición digital.

Personalmente encuentro que hoy en día se utiliza demasiado y su poder de direccionar la atención es bastante limitado.

23 de Olivia

2. Utilizar marcos

Pueras, ventanas, huecos... Cualquiera de estos objetos te puede servir para enmarcar el sujeto de tu fotografía. Aquí lo que deberás cuidar es medir la luz en este mismo sujeto para que esté bien expuesto y no el marco (habitualmente con condiciones de iluminación muy distintas).

Esto puede ser un buen punto de investigación haciendo cosas poco habituales, como iluminar el marco, tomar diferentes fotos con distintas exposiciones y montar un HDR, etc.

La pega que yo le encuentro es que es un recurso muy poco original y que suele desaprovechar mucho espacio de la fotografía.

Patience is a Virtue de Anderson Mancini

3. Uso de líneas

Las líneas, a mi entender, son el mejor recurso para dirigir la atención. Visualmente tendemos a seguirlas cuando las encontramos en nuestro campo visual. Úsalas para dirigirlas a los sujetos de la fotografía o a los puntos más interesantes de ésta.

A esta recomendación correspondría la fotografía de la cabecera de este post.

4. Llena la fotografía

Cerca, más cerca. ¿Que mejor manera hay de hacer que centremos la atención en algo que convertirlo en lo único que veamos?

Hawkeye de jurvetson

5. Rompe un patrón

Romper un patrón es fácil y muy resultón. El ojo humano, al igual que con las líneas, busca patrones de formas, colores... y si añadimos un elemento que los rompa, no dudes que nuestra atención se verá irremediablemente atraida hacia éste.

Yellow splat de fotologic

Fotografía de cabecera | Reading Between The Lines de Bob Jagendorf Vía | Beyond Megapixels