Cada vez más la fotografía evoluciona a otros medios. Desde la captura, hasta la edición y el retoque están migrando a nuestros dispositivos móviles. Así que os presentaremos un nuevo acercamiento al proceso de creación de estilo con uno de los editores móviles gratuitos más completos y poderosos: Snapseed. En esta ocasión os mostramos cómo conseguir un estilo tipo oscuro con el editor móvil.

Como es usual, parte de la creación de estilos se enfoca en potenciar las intenciones de las imágenes. Este estilo en particular puede ayudar a escenas oscuras, donde necesitemos destacar un sujeto y queramos agregar una sensación de poder en él. Vamos a arrancar.

En el laboratorio

Para mostrar el proceso utilizaremos la imagen de abajo como ejemplo.

Durante este proceso estaremos utilizando las siguientes herramientas: ‘Ajuste de imagen’, ‘Curvas’, ‘Contraste de tono’, ‘Grano de película’ y ‘Desenfoque de objetivo’.

Lo primero que vamos a realizar es un ajuste general de la imagen para partir de una base lo más neutra posible. En este caso quitar un poco de brillos, aumentar el contraste y trabajar con una saturación de imagen más baja.

Con esta base comenzaremos a trabajar en el diseño de estilo de la imagen. Para buscar más nitidez en la imagen vamos a trabajar con contrastes tonales. En una ocasión pasada os contamos cómo funcionan para trabajar rangos específicos de iluminación, lo que nos puede ayudar a crear una sensación de nitidez y trabajar brillos de manera más estilizada.

Toda creación de estilo no estaría lista sin la herramienta más útil de todas: Curvas. Con ella vamos a afinar el contraste y a agregar un tinte tonal en la imagen. Seleccionando el canal de luminancia trabajaremos la curva de contraste. Y luego, trabajaremos sobre los canales azul y rojo para agregar un tinte amarillento/naranja sobre la escena. Agregamos rojo y quitamos azul.

Con la herramienta de ‘Desenfoque de objetivo’ vamos a destacar aún más nuestro sujeto. Para ello pondremos el punto de enfoque máximo sobre el ojo, y luego con los ajustes podemos crear un área de desenfoque que se centre sobre el plano del ojo. Con esta herramienta también podemos trabajar una viñeta aprovechando que nuestro personaje está centrado.

Finalmente podemos utilizar la herramienta de ‘Grano de película’. Este efecto tiene varios presets que incluyen tintes y estilos propios. Podemos aprovechar alguno de ellos y disminuir la contaminación con la herramienta de ‘fuerza de estilo’. En este caso exageramos el grano y dejamos solo un pequeño ajuste del estilo L05 para cerrar nuestro estilo.

Abajo podéis ver el resultado final.

En Xataka Foto

Snapseed: trucos para sacar lo mejor de nuestras fotografías de paisaje urbano con el editor móvil

Como podéis ver, la edición móvil tiene varias herramientas que nos pueden ser útiles para el proceso de edición de nuestras imágenes. Entendiendo el funcionamiento de las herramientas también podemos extraer estos elementos a otros estilos. ¿Qué os ha parecido este estilo? ¿Queréis encontrar cómo emular otros estilos?

Photoshop es una herramienta muy útil que tiene muchos caminos y flujos para conseguir resultados similares. En ocasiones pasadas hemos hablado sobre distintas técnicas para conseguir tonos de piel parejos o modificar un tono para llevarlo al de una referencia. Sin embargo, Piximperfect llega con un nuevo vídeo para conseguir tonos de piel de cualquier referencia con tan solo una muestra y una ecuación muy sencilla:

Como se puede ver en el vídeo, Unmesh Dinda nos muestra una fórmula sencilla para conseguir llevar cualquier tono de piel con un ejercicio sencillo de sustraer y agregar. El principio de este método es comparar una muestra de la piel del sujeto y contrastar con una piel de referencia. Luego utilizando dos bases para acercarnos al color podemos identificar si necesitamos agregar la diferencia de tonos a la piel del sujeto o si debemos restarle la diferencia de tonos.

En términos sencillos:

• Tono sujeto + X = Referencia

• Tono sujeto - X = Referencia.

En ese orden, para conseguir este valor debemos hacer lo siguiente:

• Agregar X donde X= Tono referencia - Tono sujeto

• Restar X donde X= Tono sujeto - Referencia

Usualmente debemos agregar cuando los valores RGB de nuestra referencia sean mayores a los de nuestro sujeto y debemos restar cuando los valores de la referencia estén algo más bajos en esa escala.

Replicando el efecto

Sin embargo, para ejemplificar mejor, vamos a hacer el proceso. Utilizaremos la imagen de abajo como referencia:

Lo primero que haremos es agregar una imagen de referencia para marcar el tono de color de piel que buscamos.

Con la herramienta de gotero tomaremos una muestra de la piel (preferiblemente un tono medio) referencia y con la herramienta brocha pintaremos un área con ese color de piel.

Luego, en una nueva capa, haremos el mismo proceso con una muestra de la imagen de referencia (un tono medio igualmente). En este caso, la muestra de piel es [209,175,177] y la de la referencia es [227,201,187]. Como se puede ver, en este caso la ecuación de Sujeto + X = referencia será nuestra forma de acercarnos.

Lo siguiente que haremos es ubicar la capa de muestra de sujeto sobre la capa de muestra de referencia y cambiaremos su propiedad a modo de fusión ‘Sustraer’. Al sobreponer el tono sobre el de la muestra, esa intersección nos dará el tono que debemos agregar a la imagen para poder obtener nuestro tono de piel.

Para hacer esto, lo primero que haremos es ir al menú de herramientas > Seleccionar > Rango de color y seleccionaremos el rango de color de la piel de nuestro sujeto. Trataremos de cubrir la mayor cantidad de rango de piel del sujeto sin que la selección se contamine mucho de otros tonos. Damos click a aceptar cuando estemos contentos con el rango de selección.

Con esta selección crearemos una capa de ajuste de ‘Color sólido’ y seleccionaremos el tono de la intersección de las muestras. Aceptamos.

Luego, como estamos usando la ecuación Sujeto + X = Referencia, pondremos la capa en modo de fusión ‘Sobreexposición Lineal (Sumar)’. Automáticamente veremos cómo nuestra piel se acerca a la de nuestra referencia.

Ahora, vamos a probar con otra referencia.

Seguimos el proceso de sacar la muestra de piel y la muestra de referencia. En este caso nuestra muestra de piel tiene los valores [208,179,177] y la referencia tiene los valores [216,171,155]. En este caso la ecuación lógica sería Sujeto - X= Referencia.

En este caso, ubicaremos la capa de referencia sobre la capa de sujeto y cambiaremos el modo de fusión de capa de la referencia a ‘Sustraer’.

Haremos nuestra selección de rango y crearemos nuestra nueva capa de ajuste de ‘Color sólido’ seleccionando el tono de la intersección entre sujeto y referencia.

En este caso, como estamos usando la ecuación Sujeto - X = Referencia, cambiaremos el modo de fusión de capa del ‘Color sólido’ a ‘Sustraer’. Veremos cómo el tono de piel se transforma acercándose al de nuestra referencia.

El principio del ejercicio que estamos realizando se asemeja al método de ajuste numérico que explicamos en una ocasión anterior. El método busca llevar los valores RGB de un punto a otro, solo que en este caso no estamos llevando el valor con una curva canal por canal (y haciendo la matemática de cada uno de ellos). Ese valor se obtiene a partir de conseguir la diferencia entre las muestras y agregarla o restarla a nuestra piel.

En Xataka Foto

Un acercamiento numérico a la corrección de los tonos de piel en nuestras fotografías

Así mismo, podemos ajustar las máscaras de este proceso para que las selecciones sean mucho más específicas y pulidas, ayudándonos a conseguir resultados muy buenos con pocos pasos. ¿Qué os parece este método?

Escuchar la palabra cinemático en el mundo fotográfico nos lleva a la mente profundidad y movimiento. Recientemente Google presentó su nuevo efecto de ‘Fotografía cinemática’ para Google Photos. En este apartado veremos de qué se trata y cómo emular el efecto usando algunos de los software de Adobe.

De Disney a Google

El nuevo modo de ‘Foto Cinemática’ que presentó Google a través de su blog consiste en tomar la imagen, analizar los elementos, separar la imagen en planos a través de un mapa de profundidad, generar un efecto tridimensional y mover los elementos dentro de la imagen.

Como reporta The Verge, para ello Google usa una serie de algoritmos que analizan, separan, rellenan la información de los elementos y crean un ajuste de movimiento.

Este tipo de animación se conoce también como animación 2.5D, efecto Parallax o animación de plano múltiple. Muchos de nosotros conocemos este efecto de películas, documentales y publicidad por cuando estuvo tendencia a finales de la década de los 2000 debido a películas como 'Watchmen'. Es un efecto llamativo y sin duda le da vida a las imágenes.

Sin embargo, este efecto no es nada nuevo, ya se aplicaba en los años 30 en las animaciones de Walt Disney. Para ello, la compañía del ratón creó una cámara de multiplano que le permitía separar elementos en profundidad. Al mover cada uno de los objetos a distintas velocidades, daba la sensación de moverse más lento o más rápido; o al mover elementos en direcciones opuestas también podía generar una sensación de rotación, lo que permitía que las escenas se sintieran más naturales y vivas.

Esta invención permitía hacer animaciones donde el espacio se comportara como nuestra realidad. Si vamos en un tren y vemos al horizonte, lo que está hacia el fondo se desplaza más lento que lo que cruza frente a nosotros. Si nos acercamos a un edificio, el cielo no tiene una variación de tamaño y posición tan amplia como lo tendría el edificio.

Bajo esta lógica, la animación encuentra una forma de crear una sensación tridimensional partiendo de elementos bidimensionales.

Actualmente esto se ha traducido a la técnica que presentó Google para su app y que veremos cómo recrear más adelante.

¿Otras formas de conseguir este efecto?

En el mercado hay muchos tutoriales, presets y plugins que permiten hacer efectos similares. Uno de los más populares es VoluMax, el cual además cuenta con análisis de rostros para poder cambiar la dirección de las miradas, tiene algunos elementos para sobreponerse en la imagen y es una herramienta que hace sencillo el trabajo de crear estos efectos. Aunque en su contra tiene un precio de 69 dólares para uso personal y 189 dólares para una licencia de uso extendido. Sin embargo, si no se busca hacer nada comercial o específico, lo mejor es quedarse con una app sencilla como la que presenta Google.

Cómo emular el efecto

Basado en el proceso creado por Disney, podemos extraer los elementos necesarios para un efecto: un fondo, un sujeto e, idealmente, un elemento en primer plano. Al extraer estos tres elementos podemos crear movimiento sobre la imagen.

Para lograrlo debemos utilizar tres programas de la suite de Adobe: Photoshop, After Effects, y Premiere. En caso de solo contar con Photoshop, también se puede lograr (como en el tutorial de arriba), aunque requiere algo más de paciencia debido a que la línea de tiempo no está optimizada para animaciones ni vídeo.

Para nuestro ejemplo tomaremos la imagen de abajo:

En Adobe Photoshop

Lo primero que haremos es abrir la imagen en Photoshop. Una vez dentro debemos hacer selecciones y comenzar a separar los distintos elementos de nuestra imagen en movimiento.

Primero utilizamos las herramientas de ‘Selección de sujeto’ y ‘Ajuste de máscara’ para seleccionar y extraer nuestro sujeto.

Para obtener nuestro fondo, podemos usar esa misma selección y cubrir el fondo con la herramienta de ‘Relleno según contenido’. Luego, podemos utilizar la herramienta de parche para completar unos espacios, y desaparecer el primer plano expandiendo la base del fondo hacia abajo. No es necesario que quede perfecto, pues los movimientos en este tipo de efectos deben tratar de ser más sutiles y los defectos no se notarán en la imagen final.

En Xataka Foto

Qué son y cómo utilizar las herramientas de relleno según contenido y tampónes de clonar y motivo en Photoshop

Finalmente debemos separar nuestro primer plano. En este caso podemos usar un acercamiento similar al de la extracción del sujeto.

Al final debemos tener estos tres elementos por aparte.

En Adobe After Effects

En After Effects crearemos un nuevo proyecto y crearemos una nueva composición. En este caso será cuadrada de 800 x 800 px para ayudar al rendimiento del software. En la ventana de composición podemos ajustar la duración y el tamaño del efecto.

Vamos a importar cada una de las imágenes y las agregaremos dentro de la composición. After Effects funciona por capas, así que pondremos la capa del fondo primero, luego el sujeto y luego el primer plano. Activaremos la propiedad de objeto y movimiento tridimensional (una caja pequeña al lado derecho de cada elemento).

Tras importar los elementos a la línea del tiempo, crearemos una cámara digital (click derecho > Agregar > Cámara ). Luego, iremos al punto inicial de la línea de tiempo y ajustaremos la posición de la cámara y nuestros elementos ampliando las propiedades del objeto y modificando los valores de posición y escala.

Una vez tengamos nuestros elementos listos, podemos abrir las propiedades de la cámara y activar el ícono para realizar animación moviendo la posición de la cámara. Podéis probar con las distintas propiedades para ver otros efectos que se pueden lograr con esta cámara virtual. Sin embargo, si sois nuevos probad primero viendo el efecto con el movimiento.

Ajustamos primero la posición principal de la cámara, luego nos movemos al final de la línea de tiempo y ajustamos la posición final. Si el reloj estaba activado, el software creará automáticamente los keyframes y podremos ver cómo se mueven los elementos dentro de la imagen al recorrer la linea de tiempo.

En este caso, hemos ajustado la posición de cámara y hemos puesto algo de zoom en el movimiento.

Una vez hagamos nuestro ajuste podemos previsualizar el movimiento y mandarlo a exportar. De After Effects podemos llevar el proyecto directo a Premiere o podemos exportar una secuencia de imágenes png para importar a Premiere.

En Adobe Premiere

En Adobe Premiere crearemos un nuevo proyecto, crearemos una secuencia (un preset de vídeo FHD es lo ideal) y en la ventana de media haremos click derecho y le damos a Importar.

Le damos click a la primera imagen, haremos click en la casilla de ‘Secuencia de imágenes’ y Premiere se encargará de importar esa secuencia como un vídeo.

Al arrastrar la secuencia a la línea de tiempo, si el material tiene propiedades de cuadros por segundo o tamaño distintos a los de la línea de tiempo, nos preguntaran si queremos cambiar los ajustes para que se se ajuste al material. En este caso le daremos a ‘Cambiar los ajustes de secuencia’.

Una vez tenemos la secuencia en la línea del tiempo, exportamos el material como un .mp4 codificado en H.264.

Ya con eso tendremos nuestra imagen en movimiento para compartir por redes. Si queremos transformarla en GIF podemos subir ese .mp4 a Giphy y convertirlo.

Abajo podéis ver el resultado final.

Un efecto curioso

El efecto de parallax es llamativo, aunque al usarse mucho puede volverse aburrido. Para aumentar la dinámica se puede juntar con elementos en vídeo que le den movimiento y lo acerquen más a un Cinemagraph, o usar la herramienta de Transformación de marioneta para crear movimientos adicionales.

También podemos jugar a crear escenas y practicar algunos procesos de postproducción. No es necesario solo trabajar con los elementos de la fotografía original.

¿Qué os parece el efecto?

Con la más reciente versión de la suite de Adobe, Lightroom y Camera Raw recibieron actualizaciones que da más poder creativo a los fotógrafos. En septiembre, Adobe adelantó las nuevas ruedas de color para los reveladores de fotografía. En su canal de Photoshop Training Channel, Jesús Ramirez nos explica a fondo la herramienta y cómo usarla en nuestras imágenes desde Photoshop con la función de filtro de ‘Camera RAW’.

Como se puede ver en el video, esta herramienta está diseñada para afinar y finalizar el color de una imagen. Gracias a que está dividido en rangos de luz, podemos ajustar con precisión zonas de la imagen, balancear tonos, realizar estilos creativos y trabajar micro-ajustes de contraste. Conozcamos cómo se divide la herramienta.

Ruedas de precisión

Todas las ruedas en esta herramienta funcionan bajo un principio de control de tono, saturación y luminancia. Las ruedas de rango lumínico tendrán ajustes más suaves mientras que la rueda de ajuste global tendrá un impacto mayor sobre la imagen.

La herramienta de ‘Color Grading’ que tiene Camera RAW cuenta con dos áreas de control. La primera es la rueda de ajuste ‘Global’. Esta herramienta puede sernos útil tanto como herramienta de corrección de dominante en nuestras imágenes, como para un ajuste de cierre que una los cambios que hemos realizado en nuestra fotografía.

En modo rueda, encontramos que podemos ajustar el tono tan solo haciendo click y arrastrando el círculo interno. Al acercar el punto al centro de la rueda, estamos quitando saturación del tono, al alejarlo estamos agregando saturación.

Si ya tenemos ajustada la saturación y queremos tan solo ajustar el tono, podemos usar el punto exterior que aparece sobre la rueda, de esa manera podemos rotar el tono en un valor de 360°.

Para mayor control, la rueda de tono global cuenta con tres barras de control, una para cada valor del sistema HSL. Solo en este control, se debe ajustar la luminancia unicamente con la barra de control precisa.

En Xataka Foto

El modelo de color HSL, una intuitiva forma de navegar entre el color de nuestras imágenes

El segundo modo de control de la herramienta es la rueda de ajuste por rangos de luminancia. Podemos ajustar el tono, la saturación y la luminancia en un rango de sombras, medios tonos y blancos. Con ellas, podemos realizar tintes en tonos, hacer ajustes específicos o buscar contrastes específicos entre los distintos rangos tonales.

Lo importante es identificar los cambios. El rango de sombras afectará en con mayor fuerza hacia los grises oscuros y afectará en una menor medida al llegar a los brillos. Los brillos afectarán más las zonas por debajo del blanco puro, y serán muy leves en los tonos más oscuros de color. Las modificaciones en el rango de tonos medios será balanceado partiendo desde la mayor cantidad de efecto en la zona del gris medio de la imagen.

A diferencia de la rueda de ajuste global, en una primera instancia podemos ver las tres ruedas tonales en simultáneo. También podemos controlar la luminancia de cada uno de los rangos con una barra inferior que está en la parte inferior de cada rueda.

Si queremos ajustar los parámetros con más precisión, tan solo debemos hacer click sobre el nombre del rango y se abrirá un panel con las herramientas.

Con las barras de control de ‘Mezcla’ podemos ajustar qué tanta superposición hay entre la transición de tonos. Y con la barra de ‘Balance’ podemos ajustar la imagen para mover los ajustes de manera general hacia los de las sombras o hacia los de los brillos.

En el laboratorio

Para ejemplificar cómo podemos usar la herramienta, vamos a utilizar la imagen de abajo.

Lo primero que haremos es abrir la herramienta de Camera RAW en Photoshop seleccionando la capa de la imagen y abriendo el panel con Ctrl+Shift+A. Idealmente haremos esto sobre una capa de objeto inteligente para que el ajuste no sea destructivo.

Para mi, el flujo ideal es trabajar desde las altas luces hacia las sombras. Así que lo primero que haremos es trabajar la rueda de brillos para darle un tinte naranja a ese rango tonal. Con este ajuste ya podemos ver un gran cambio sobre la imagen, resaltando la madera del espacio.

Seguido trabajaremos los medios tonos. En esta instancia podemos definir si nuestra dominante de color en la imagen va a ser guiada por el resultado de las sombras o el de los brillos. Aunque uno pensaría que debería trabajar algo en medio de los extremos, usualmente trabajar tres tonos distintos sobre la imagen generará efectos de color extraños o cambios en el tinte que no cumplen con lo que buscamos.

En este caso, la decisión será ir por los brillos y seguir reforzando la madera para crear un tono cálido sobre la imagen. Así mismo, podemos reforzar las áreas más iluminadas de la imagen subiendo la luminancia en el rango de los tonos medios. Por ahora puede parecernos demasiado naranja la imagen, pero no os preocupéis.

Seguido, para el trabajo de las sombras, trabajaremos un tono opuesto a nuestra dominante. Esto hará que se balancee el tono general de la imagen, pero además que haya un contraste tonal que nos permite darle más armonía a la imagen. Así mismo, podemos reforzar las sombras para darle más volumen a la estructura bajando la luminancia en este rango de luz.

Para ajustar el tono final de la imagen y obtener el nivel de calidez y luminancia que deseamos, podemos realizar un último ajuste con la rueda de ‘Ajuste Global’.

Abajo podéis ver el resultado.

Vemos un acercamiento que es muy bueno y completo para tan solo haber sido trabajado con una herramienta. En este caso, un poco más de ajuste en el contraste hace falta, lo que se puede solucionar con un ‘dodge and burn’ rápido.

Definitivamente esta herramienta nos da mucha versatilidad en el balance, ajuste y colorización de una imagen. Si bien es un uso poco común para quienes han vivido mucho en la familia fotográfica de Adobe, acostumbrarse a las ruedas nos dará mucha libertad en el revelado y la edición.

¿Qué tal os va con esta herramienta en vuestro flujo de trabajo?

Los estilos de color nos ayudan a darle identidad a nuestras imágenes. Jugar con las herramientas nos puede ayudar a transformar espacios mientras potenciamos los tonos para complementar la piel. Así podéis crear un estilo potenciador de pieles en Photoshop.

Este estilo de color se basa en una modificación del trabajo a dos canales en Photoshop. Con esta modificación podemos buscar naturalidad en la piel mientras que ajustamos el tono de la escena para crear harmonía.

En el laboratorio

Vamos a tomar la imagen de abajo como ejemplo:

Lo primero que haremos es crear una capa de ajuste de ‘Mezclador de canales’. Esta capa nos ayudará a simplificar la información a tan solo dos canales. En este caso eliminar el canal azul nos permite modificar el fondo. Sin embargo, podemos experimentar cambiando cualquiera de los otros canales para ver cómo modifica los demás elementos en la escena.

Tras modificar el canal, crearemos una capa de ‘Tono/Saturación’. Con ella llevaremos a la piel a nuestro tono ideal.

Duplicamos la capa base y agrupamos las dos capas de ajuste junto a ella. Este grupo le aplicaremos un modo de fusión de capa aclarar y bajaremos la opacidad al 75%. Esto nos permitirá agregar el color a la imagen y recuperar un porcentaje del tono original.

Por encima de este grupo crearemos una nueva capa de ajuste de ‘Curvas’ que controle el contraste de la imagen.

Finalmente, ajustamos el tono de la escena con una capa de ajuste de ‘Corrección selectiva’. En este caso, el tono que predomina en el fondo es el cyan. Así que podemos ajustar ese canal para conseguir un color que complemente y resalte el color de la piel de nuestro sujeto.

En Xataka Foto

Qué es y cómo usar la capa de ajuste 'Corrección selectiva' de Photoshop

Abajo podéis ver el resultado final.

Este estilo de edición no requiere muchos pasos y logra conseguir resultados interesantes. Con práctica y experimentación podemos encontrar cómo sacar más del potencial de estas herramientas en nuestras imágenes. ¿Qué os parece?

Los presets son una herramienta muy útil para poder realizar propuestas e iniciar un camino en la postproducción de nuestras imágenes. Bien utilizada, esta herramienta nos permite ver el potencial de nuestras imágenes y nos permite aprender cómo usar las herramientas de un software de revelado y edición. En esta ocasión os enseñamos cómo instalar presets en Lightroom y un listado con varios estilos interesantes para descargar gratuitamente.

En el laboratorio

Cuando entramos al menú de revelado en Lightroom, a la derecha de la interfaz nos aparecerá un panel llamado ‘Presets’. En este panel podemos encontrar los presets que hayamos creado e instalado en el software. Si es un bloque de presets se encontrarán bajo un título de jerarquía, y cada estilo se identificará por su ícono que parece una pequeña página de datos.

Para instalar un preset tenemos dos opciones:

Si es un archivo único (.lrtemplate) podemos hacer doble click sobre él. El software se abrirá y podremos verlo instalado en el panel de presets.

Si es un grupo de presets, al abrir el software debemos ir al módulo de revelado. Una vez veamos la lista de presets damos click al ícono de + y le damos ‘Importar Presets’. Aquí podemos agregar los .lrtemplate o incluso archivos .zip. Todos los presets que el software identifique dentro del archivo los instalará. Si en los metadatos tienen una familia o un grupo de familia jerárquica, los dividirá como tal.

Veremos los templates instalados debajo de la división de presets preestablecidos del software. También podemos organizarlos con la herramienta de administración de presets (que se ubica en el icono de agregar del panel de presets).

Ya que sabemos cómo instalarlos, ahora veamos algunos presets recomendados y gratis.

En Xataka Foto

Cuidarse del vicio de los presets para evitar caer en pereza fotográfica

Para la lista de descarga

Existen varias páginas de fotografía y fotógrafos que utilizan una estrategia de “regalar” herramientas para promover su trabajo. Una de estas herramientas son presets gratuitos para que las personas apliquen a sus imágenes. Hay muchos de estos presets en la red, y es común que encontréis muchos presets similares de distintas fuentes. Por eso, para cada preset complejo que sea pago, es muy probable que buscando bien encontréis un preset gratuito que llega al mismo resultado.

Varias de ellas pedirán que escribáis un correo o que creéis una cuenta para descargarlos.

Phlearn

La popular página para aprender retoque digital cuenta con un grupo de presets gratuitos de estilo apastelado ideal para imágenes enfocadas en eventos sociales como comuniones, cumpleaños, bodas o que, en general, tengan una tendencia a ser brillantes o en clave alta.

• 10 presets gratuitos de PHLearn.

FreePresets.com

FreePresets es una página que cuenta con un gran listado de presets de Lightroom. Hay muchos estilos y muchas variaciones casi para todos los gustos. Uno puede probar muchas variaciones hasta encontrar la que vaya mejor con nuestras imágenes. Nosotros destacamos estas dos:

• Preset Hollywood: interesante para resaltar colores en retratos.

• Preset Vintage Vixen: tambipen pensado para retrato, pero apastela tonos al estilo retro.

FreelightroomPresets.co

Al igual que FreePresets, esta página cuenta con varios estilos gratuitos para descargar. Su librería no es tan amplia, pero hay algunos interesantes. Destacamos dos de ellos para que descargues.

• High Tide: Está pensada para agregar contraste y enfriar la escena. Es ideal para tomas que tiendan a lo oscuro donde predominen tonos fríos.

• Skyfall: Consigue un efecto similar al de High Tide, pero está pensado para imágenes más brillantes y cálidas. Estas dos en juego son un complemento para jugar con dos espectros de imágenes opuestos con una misma sensasión.

Beart-presets.com

Be Art es otra tienda de recursos para retoque y edición digital. En su sección de herramientas gratuitas encontraréis varios presets, como para producto de alimentos, bodas y otros. En esta colección integrada encontraréis una muestra variada de varios de ellos.

• Colección de 10 presets: Hay un poco de todo, en general están pensadas para imágenes clara y fotografía de evento. Aunque varias de ellas pueden servir en reemplazo a filtros de Instagram.

Behance

Ya que estamos presentando herramientas para producto de Adobe, el lugar más recomendado para explorar presets de estilo es Behance. La red social cuenta con una comunidad muy amplia de creadores que se promocionan regalando presets, tutoriales de cómo crearlos y otros elementos para nuestra labor de creadores de imágenes. Si bien hay un mar de cuentas y archivos por ver, podréis encontrar trabajos y presets interesantes entre ellos.

Destacamos los siguientes:

• Bold Black & White: porque no todo es a color, este set es para los amantes del blanco y negro.

• Retro Style: Otro set vintage que tiende a un efecto de revelado cruzado. Ideal para quienes busquen algo menos tradicional.

• Dark Forest Tales: Uno de los sets más interesantes de la lista. Es oscuro, marrón y contrastado. Ideal para escenas en bosque, aunque se lleva bien con muchos estilos fotográficos.

Esperamos estos presets os sean de utilidad y sean una fuente de inspiración para buscar y conseguir vuestro propio estilo. ¿Recomendáis algún set en especial a la comunidad?

Los estilos de color nos permiten darle nuevas identidades a nuestras imágenes. Para dominar la creación de los looks, es importante entender las herramientas, inspirarse en tendencias y emular y buscar formas de llegar a esos estilos. El día de hoy, veremos cómo obtener una dualidad de tonos rosa/verde.

En retrato, este efecto de color puede resaltar mucho las pieles y darles contraste frente al fondo. En Paisaje o arquitectura, este contraste le puede dar una sensación de fantasía al espacio retratado. Un efecto que debe tratarse de manera sutil para que no se vea tan cargado.

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Dale un efecto más dramático a tus imágenes con una iluminación de contorno creada en Photoshop

En el laboratorio

Tomaremos la imagen de abajo para mostrar el proceso.

Lo primero que haremos es ajustar el contraste de la escena y lavar los negros y cortar los blancos para poder tintar el color de manera más sencilla. Para ello crearemos una capa de ajuste de ‘Curvas’ y la ajustaremos para cortar la información y ajustar una base del contraste.

Ahora, sobre la escena vamos a buscar cinco puntos: un brillo alto, un brillo, un tono medio, una sombra y una sombra profunda. Para hacerlo tomamos la herramienta de puntero y, presionando shift, hacemos click en estos puntos. Luego, en el recuadro de información, podemos cambiar la vista del valor a HSB. Anotaremos los valores de brillo de cada número.

El siguiente paso será crear una capa de ajuste de ‘Mapa de degradado’. Crearemos cinco puntos de control dentro de la capa. Ajustaremos el mismo tono para todos los puntos, sin embargo, el brillo de cada uno de esos puntos deben reflejar los que anotamos en la imagen, esto nos permitirá generar un mapa que luego nos permitirá ajustar la imagen de dos formas.

Esta capa de ajuste de degradado podemos darle una propiedad de fusión de capa de ‘Color’ o de ‘Sobreponer’. Si elegimos ‘color’ podemos crear un mapa de tono sobre el sujeto. Si elegimos sobreponer, esta capa también nos ayudará a crear un control de contraste sobre la escena. En este caso iremos por color, y ajustaremos cómo afecta con opacidad.

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Cómo potenciar el contraste de nuestras imágenes con tan solo dos capas de ajuste en Photoshop

Los dos siguientes pasos son opcionales, pero nos pueden ayudar si queremos hacer ajustes más específicos. El primero de ellos es sobre el tono general. En vez de volver a ajustar todo el mapa de degradado con un nuevo valor de tono, con una capa de ajuste de ‘Mezclador de canales’ podemos reajustar el color sobre la escena.

La segunda capa es para un ajuste más específico sobre los labios de la modelo y se realizó con una capa de ajuste de ‘Tono/Saturación’.

A este grupo de ajustes le crearemos una máscara para solo aplicar el color sobre la modelo.

El siguiente paso será jugar con el color de fondo. Para lograrlo, lo que haremos será crear una capa de ajuste de ‘Corrección selectiva’ y cambiaremos el tono de nuestro fondo a uno que complemente el tono principal. En este caso un verde que tiende hacia el cyan, y es oscuro.

Aplicamos una máscara para solo modificar el fondo. Y abajo podéis ver el resultado final.

Si bien hay que hacer máscaras y ajustar los elementos de manera específica, tenemos unos ajustes que nos permite crear variaciones del color, exposición y contraste con tan solo un cambio rápido en el mapa de degradado o la capa de mezclador de canales. Permitiendo encontrar un equilibrio y reajustar en cada paso de la gradación.

Pero, como siempre, lo más importante es practicar en casa y ver cómo afecta a nuestras imágenes. Esperamos este tutorial les sea de mucha utilidad.

Las herramientas de edición son grandes aliados al darle estilo a nuestras fotografías. Al mezclar las propiedades de varias herramientas, podemos crear controladores a gran escala que facilitan nuestro trabajo. En esta ocasión, el canal de Piximperfect una de estas poderosas herramientas aplicadas para controlar la luminancia de nuestra imagen.

En el vídeo Unmesh Dinda nos explica el proceso de transformar una capa de ajuste de ‘Mapa de degradado’ en un controlador de luminancia. Traducimos el proceso al español e hicimos unas modificaciones para tener mucho más control de la imagen.

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Cómo conseguir un estilo de filtro polarizador en nuestras fotos con Photoshop

Vamos a usar la imagen de abajo como ejemplo:

Lo primero que haremos es llevar nuestro espacio de edición de 8 Bits a 16 Bits por canal. Algunas imágenes abrirán directamente en ese espacio, en especial si la importan directo desde Lightroom, sin embargo, si vemos que está en 8 bits, lo llevaremos primero a 16 Bits. Para hacerlo en la barra de herramientas debemos ir a Imagen > Modo > 16 Bits/Canal.

Este modo nos permitirá evitar y disminuir artefactos sobre la imagen, en especial sobre la transición de tonos modificados.

Lo primero que haremos sobre la imagen es crear una capa de ajuste ‘Mapa de degradado’ y aplicaremos una capa de negro a blanco. Veremos nuestra imagen en escala de grises.

Luego, dentro del mapa, crearemos puntos de control de la escala de gris. Lo podemos realizar haciendo click en la escala y, para mantener la escala, ajustaremos los puntos a una localización y un valor de color equivalente. El primero que crearemos será el gris al 50% abriendo el color y dándole el valor T:0 / S:0 / B:50, en la escala, en la casilla de localización le daremos 50 %. Para este ejemplo hicimos lo mismo aplicando 25% gris en 25% de la escala y 75% gris poniéndolo al 75% de la escala.

Transformaremos la capa de ajuste a modo de fusión de ‘Luminancia’.

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Qué son y cómo utilizar los modos de fusión de capa en Photoshop: Grupo de componentes

Ahora, los ajustes que hagamos dentro de ese mapa de degradado van a transformar la imagen. Si juntamos los puntos muy cerca, podemos caer en el error de generar artefactos en la transición de brillo. Como se puede ver en la imagen de abajo.

Si lo hacemos con cuidado podemos crear contrastes de volumen y luz de manera muy sencilla; potenciando nuestras imágenes.

Y así concluye el método de Piximperfect. Sin embargo, hemos complementado este método para tener aún más control de la luminancia. Para ello crearemos una segunda capa de ajuste, pero, esta vez, una capa de ajuste de ‘Blanco y Negro’.

Lo primero que haremos es darle valores de ajuste para que sea una capa neutra. Para ello le damos los valores R:30 Y:89 G:58 C:70 B:11 y M:42.

Luego aplicamos el modo de fusión de luminancia, y veremos que podemos jugar con la luminancia de manera más localizada, como en nuestro tutorial de emular un filtro polarizador en Photoshop.

Una vez ajustamos nuestras capas, podemos afinarlas con las herramientas de opacidad y relleno de capa, además de trabajar la máscara de capa para afectar solo los puntos que queremos. O incluso, siguiendo el flujo de Piximperfect, agregando una capa de ajuste de 'Curvas' para potenciar los ojos en un retrato.

Abajo podéis ver el resultado final.

Este método funciona muy bien para distintos tipos de fotografía. Con el mapa de degradado tenemos un control general de luminancia, mientras que la capa de blanco y negro nos da un control más localizado. Experimentando con nuestras imágenes y llevando las herramientas a sus límites, podemos encontrar el mejor uso de estas herramientas en nuestro flujo de trabajo.

Muchas veces, a pesar de contar con buenas imágenes, sentimos que a las escenas les puede estar faltando algo más de impacto. Buscamos generar sensaciones y darle un estilo que complemente la situación. Por eso, agradecemos esta técnica de iluminación por Photoshop presentada en el canal de PTC por Jesús Ramirez.

El editor nos muestra un tutorial basado en el trabajo de una de las postproductoras de imagen más conocidas del mercado: Lisa Carney. En esta técnica podemos ver cómo emular una luz de contorno dramática, como si el sujeto a iluminar hubiera sido complementado con dos kickers de alta potencia. Este es un efecto que en iluminación podemos conseguir utilizando fuentes a contraluz del sujeto haciendo como una especie de ‘sandwich’ de luz, sombra, luz. Abajo podéis ver un ejemplo aplicado.

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Consigue un estilo de dualidad de tono cyan-magenta en Photoshop

Ya que el tutorial de Jesús está en inglés hemos emulado el proceso sobre la fotografía de abajo:

Lo primero que haremos es ir a la barra de canales de la imagen. Ahí podemos ver dónde podemos conseguir la mayor información de brillos sobre el contorno.

En este caso he seleccionado el canal verde. Luego creamos una capa alpha y copiamos la información del canal seleccionado. Para ello primero presionamos Ctrl y hacemos clic sobre el canal seleccionado, luego sobre el canal alpha, presionamos Alt (option) + suprimir para rellenar esa selección de blanco. Para ello hay que fijarse el color que tenemos seleccionado de frente y el de fondo. Ctrl+suprimir (fondo) Alt+suprimir (frente).

En la barra de herramientas vamos a Imagen > Ajustes de capa > curvas y aumentamos el contraste de la información en el canal Alpha. También podemos hacerlo con el ajuste de brillo/contraste, pero se hace de manera más pulida con una curva en S.

Ahora, volvemos a seleccionar RGB y vamos a nuestras capas. Podemos trabajar con toda la información o solo con aquella del sujeto, en este caso he realizado una selección del sujeto para solo trabajar el efecto sobre él.

Lo primero que haremos es una capa de relleno y presionando Alt y haciendo clic entre capas le diremos que actúe como una capa de ajuste. Llevamos la máscara de la capa a negro, y luego le aplicaremos la información alpha de la misma manera que hicimos para copiar la información de verde.

Si cambiamos la capa a un modo de fusión de aclarar o contraste, veremos que los brillos comienzan a resaltar. Esta capa nos da el tinte de luz, además de reforzar los bordes iluminados. Para el efecto basta con eliminar la información de los brillos en el centro del sujeto.

Podemos complementar este contorno con una segunda capa de ajuste de ‘Curvas’, estallando los brillos y pintando suavemente sobre los bordes.

Y ese es el efecto en sí. Vamos a seguir el flujo creativo con esta imagen. Ya que de base contaba con una dualidad de tono, el tinte azul lo aplicamos sobre la izquierda del sujeto y podemos duplicar el efecto y dar un tinte cálido sobre la derecha del sujeto. Eso nos da nuestro efecto de luz de contorno.

Para reforzar más el drama de la escena, podemos crear una segunda capa de ajuste de curvas para disminuir la intensidad del fondo y una tercera capa para disminuir la exposición del sujeto en el frente.

Y, para darle un estilo final, podemos agregar un par de capas sobrepuestas. Una de grano y otra de filtración de luz. Ambas las colocamos en modo de fusión ‘superponer’ y ajustamos donde afectan con una máscara.

Abajo podéis ver el resultado final.

Este ejercicio es interesante porque nos ayuda a aprender a potenciar la información de nuestras imágenes. Además, nos enseña cómo podemos jugar a emular iluminaciones, sin embargo, solo se verán bien si la intención de la escena ya llevaba esa intención de luz.

Ahora, solo queda practicar.

Estos días son perfectos para experimentar con nuevos estilos de color en nuestras imágenes. Por ello traemos en esta ocasión un ‘look’ inspirado en la primavera. Así podéis conseguir un estilo de color ‘Durazno’ en Photoshop.

En el laboratorio

En Xataka Foto

Consigue un estilo de dualidad de tono cyan-magenta en Photoshop

Este look está inspirado en una de las tendencias publicitarias de esta generación en la que llevamos los tonos a parecer más crema y cálidos. Es especialmente usado para trabajar tonos de piel que estén entre lo natural y lo fantasioso.

Para mostrar el proceso usaremos la imagen de abajo como ejemplo:

Lo primero que haremos es comprimir la información y buscar llevar nuestras pieles a lo cálido. Para ello, crearemos una capa de ajuste de ‘Curvas’ en la que trabajaremos el canal general para la ruptura de nuestro punto blanco y negro, y luego cada canal individual para ajustar el tono base de color.

Nuestro siguiente ajuste se enfocará en exaltar la calidez de los tonos. Para ajustar estos valores de manera más precisa, trabajaremos con una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. En este ejemplo trabajaremos sobre los canales rojo, amarillo y neutros. La idea es extender los tonos de la piel hacia un tono algo amarillento, pero de manera natural.

En este caso, una capa de ajuste de ‘Exposición’ nos ayuda a ajustar levemente la escena.

Para finalizar, agregamos una capa de ajuste de ‘Mapa de degradado’ con el tono rosa final. Esta capa la pondremos en modo de fusión de color y disminuimos su efecto con la barra de opacidad o relleno de capa. Esto lo hacemos para buscar equilibrar el tono de piel donde más nos convenga.

Opcionalmente, podemos agregar una capa posterior que nos ayude a reforzar el brillo de la imagen. Para ello creamos una copia de la imagen final, la ponemos en modo de capa ‘Superponer’ y con las propiedades de fusión de capa ajustamos para que solo se aplique el efecto en los tonos claros de la capa final.

Abajo podéis ver el resultado final.

Como podéis ver, este estilo de color tiene un resultado que nos recuerda a esa dualidad moderna y retro como lo puede ser las películas cálidas de Lomography. Es un elemento que se enfoca en la calidez; en fotografía de paisaje le da un toque algo nostálgico y de fantasía.

Lo que queda es practicar con nuestras imágenes, ajustando y viendo cómo adaptar los ajustes de manera más enfocada a ellas. Entendiendo las herramientas y practicando para controlarlas, llegaremos a un resultado único.